02 diciembre 2021

Tony Richardson - Look Back in Anger (1959)

Inglès | Subs:Castellano/Français/Portuguès/English
 95 min | x264 672x576 ~> 956x576 | 2000 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
1,46 GB
Mirando hacia atrás con ira
En el norte de Inglaterra, Jimmy Porter (Richard Burton), frustrado por haber abandonado la universidad, toca música en un club de jazz por la noche y de día trabaja en un kiosco de golosinas con su compañero Cliff Lewis, que vive con Jimmy y su mujer, Alison. Amargado por las restricciones de la vida de la clase trabajadora, Jimmy insulta constantemente a Alison, cuya familia es de clase alta. Cuando Alison invita a su mejor amiga, Helena, a quedarse con ellos, los rencores de Jimmy amenazan con desbordarse.
El teatro de crueldad y desdicha de John Osborne irrumpió en los escenarios ingleses en 1956. Look Back in Anger fue adaptada al cine tres años después por Nigel Kneale y dirigida por Tony Richardson. Esta película me hizo recordar a It Always Rains on Sunday, de Robert Hamer. En esta película, parece que siempre es domingo y llueve. Lo que más se percibe aquí es la tristeza asfixiante de la Gran Bretaña de la posguerra, su meteorología de la penumbra. No hay nada más que hacer que sentirse desganado y enfadado y leer los estridentes pero, de alguna manera, insidiosamente deprimentes periódicos dominicales. 
-- Peter Bradshaw en The Guardian
The film aims to show British life as it really was through the hopeless existence of enraged working class stiff Jimmy Porter and his put-upon, better-born wife Allison, Richardson unstintingly reveals the grunginess of their industrial city residential milieu with its drab row houses and unkempt children. Shot in stark black and white to match the dreariness of their lives, Richardson's close-ups intensify the already fraught emotions of Richard Burton's quintessential "angry young man" as he vents Porter's frustrations in Osborne's sharp, incisive dialogue. Mary Ure's Allison and Claire Bloom's neighbor-turned-mistress Helena are as emotionally caught as Jimmy, despite their different attempts at resistance.
-- Lucia Bozzola
Phil Wickam is not happy about this film (excerpt)
"John Osborne's play Look Back in Anger, directed by Tony Richardson, had caused a storm at the Royal Court in 1956, and the pair formed Woodfall Films to make this film version, released in 1959.
The play had a huge impact, launching the angry young man movement of disaffected young British writers and artists, who dared to criticise the complacency of post-war Britain. It made the 'new wave' possible, but paradoxically has held up far less well than the films that followed.

Look Back in Anger seems much more dated than the other films of the 'new wave' in content and in style. What really grates though is Jimmy (Richard Burton) himself. He might have been the main attraction in 1956 but he seems whining, petty and mean nearly half a century on. His bile may have an element of truth behind it but it is directed at those who care for him. He seems to make it a point of principle to do nothing about his anger other than bully his wife.
Look Back in Anger is grim viewing these days both because these are grim people to spend time with and because there is no sense that we are having any kind of enlightening experience through suffering."
DVD rip y capturas de Weimar (KG)

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Tony Richardson en Arsenevich

Look Back in Anger (1959)

30 noviembre 2021

R. Zür-cher y Si-lvan Zür-cher - La muchacha y el arácnido (202y1)

Alemán | Subs: Castellano/English (muxed)
98 min | x264 1920x1080 | 6000 kb/s | 192 kb/s AC3. | 24 fps
WEB rip 4,09 GB
La película del director de Das merkwürdige Kätzchen cuenta la historia de una mudanza a lo largo de dos días y a partir de las experiencias de una docena o más de personajes. Los principales son Mara y Lisa, dos roommates que se separan ya que la que se muda es Lisa solamente. Nunca se dice pero da la impresión que fueron pareja y se ve que a la intensa Mara no le gusta nada el cambio. En la casa nueva, Lisa, Mara, la madre de Lisa, los mudadores, una vecina que vive abajo y otros personajes se irán cruzando físicamente en los pequeños espacios (siempre hay gente esquivándose entre sí) y, a la vez, mirándose con mucha carga.
Con algunos apuntes poéticos que aparecen aquí y allá –cada tanto paran y cuentan algunas anécdotas, siendo una de ellas especialmente relevante–, lo que la película va generando son situaciones físicas y verbales muy personales que siempre están siendo observadas por alguien más. Usando muy bien la profundidad de campo, Zür-cher presenta siempre dos o tres capas en cada escena. Los personajes que parecen ser centrales, los que se cruzan, los que ven o escuchan esa situación y hasta un piano que suena todo el tiempo haciendo Voyage… voyage sin que se sepa muy bien quién lo está tocando. Y hay también perros, gatos y la araña que da título al film en una de las pocas metáforas un tanto subrayadas que hay aquí.

En un momento, esa coreografía de miradas y cuerpos empieza a cobrar una intensidad quizás un tanto excesiva y los personajes se vuelven innecesariamente crueles, demasiado fríos y bruscos el uno con el otro. Ahí la película entra en un tono un poco más barroco –otros elementos aportan también a dar esa sensación– que le quita la conexión que uno puede haber generado con los personajes y la asemeja más a algo salido de un cuento de terror. Lo que al principio parecía ser un elegante relato sobre las tensiones, los miedos y las incomodidades de una mudanza/separación se va transformando en una especie de «guarida de brujas» donde lo que parece primar es ver quién puede dañar más al otro. Igualmente fascinante, sí –cada plano de la película es magnético–, pero quizás un tanto más gélido y brutal.
-- Todo el texto está tomado de la crítica de Diego Lerer en Micropsia
“The Gurl and the Arachnid opens with a PDF floor plan of an apartment layout, and ends with a young woman perhaps vanishing. The tantalizing mysteries in the latest film from the Strange Little Cat team of Ramon and Silvan Zürc-her never quite reveal themselves in this story about two roommates torn asunder and to separate middle-class flats in Berlin. While the mad entropy of this chamber piece — filled with doppelgängers, women coming and going from rooms, as T.S. Eliot might say — will drive some viewers barking insane, those patient and curious enough to soak in the fuzzy vibes of the film’s painterly reds and yellows and key into this film’s odd rhythms will find much to love.
One half of the splitting duo (and it’s never clear if she and her now-ex-roommate were ever quite romantic) is Mara, whose odd tactile obsessions puncture the entire film and are immediately announced in the opening scene: she is oddly soothed by the sight and sound of a jackhammer. She hangs around in the wings, picking at a herpes blister, as her roommate Lisa prepares to move out to a place of her own — albeit one in the same building. At some point in the movie, that herpes blister infects Lisa, too.

The move, by some uncanny force of its own, sends a bizarre current through the entire apartment complex, a loony constellation of friends, lovers, strangers, and pets. It’s impossible to keep track of the commotion, the comings and goings of the various players, whose desires and impulses bleed into one another. A confusing rush of people is dizzyingly choreographed.

[...] It must be said that literally every shot in The Gurl and the Arachnid — which includes a few shots of an actual arachnid that seems to be adored by all in the building, free to roam from flat to flat — is postcard, primary-color perfection. Director of photography Alexander Haßkerl seems to understand exactly when to close in on his characters and the audience to achieve maximum claustrophobia, and exactly when to pull backward. And there’s a sweaty tactility dewing every frame, which only adds to the sexual charge already thrumming through all. This is an odd film of poetic abstractions and ellipses, but consistently fascinating in its unrepentant coyness.
-- All text extracted from Ryan Lattanzio's review in IndieWire
WEB rip conseguido por ahí
Directores, título y otros detalles ofuscados por razones obvias
Subtítulos en castellano míos.
Más de la mitad de las partes habladas ocurren fuera de cámara. Es por eso que
decidí prescindir de la cursiva/bastardilla para señalar esas partes en los diálogos.
Por momentos me gustó mucho, y por otros momentos llegué a
enojarme por el coqueteo estéril que impregna varias partes del film.
No sé por qué pero me acordé de Mars Attacks de Tim Burton, cuando los
marcianos mataban terrícolas mientras les decían "no corran, somos sus amigos".

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Ramon y Silvan Zür-cher en Arsenevich

Das Mäd-chen und die Spi-nne (202y1)

28 noviembre 2021

Nori-ka Se-fa - Buscando a Ve-ne-ra (202yuno)

Albanés | Subs: Castellano/English (muxed)
111 min | x264 1920x1080 | 6000 kb/s | 192 kb/s AC3. | 24 fps
WEB rip 4,76 GB
Buscando a Ve-ne-ra
Presentado en competencia internacional del Festival de Rotterdam, en el cual recibió una mención especial del jurado, L00king for Ven-era es un clásico coming of age, con todos los componentes necesarios para que este género funcione: un hogar represivo, el padre castrador, la madre sumisa, un entorno social hostil, el despertar sexual, una amistad oscilante y un personaje en apariencia poco expresivo y que luego va encontrando su lugar en el mundo. Si bien asoman los clichés del género, hay varios elementos que hacen de este film koso-var una experiencia particular: el contexto post conflicto balcánico, que hace que los escenarios luzcan como territorios en abandono o fuera de tiempo, sin exotizarlos, y los personajes allí sumergidos en una atmósfera de opresión.
Nori-ka Se-fa es la directora koso-var, radicada en Praga, que debuta con este film que se centra en los discretos avatares de Ve-ne-ra y su amiga Do-rina, adolescentes que tienen que lidiar no solo con los problemas propios de su edad, sino con un entorno patriarcal que las minimiza y modela. Ve-ne-ra asiste a una escuela comunal para aprender inglés, vive en casa con sus padres y abuela, y vive rehuyendo el acoso normalizado en un barrio periférico donde fluyen masculinidades tóxicas. Este aspecto social define las opciones de las mujeres, y a través de los demás personajes femeninos de referencia (tías, madres, abuelas, amigas), se va observando los futuros designios o roles sociales venideros.
Sefa parece afirmar que las consecuencias de la guerra, a lo largo del tiempo, siguen presentes en las vidas de las mujeres, en un avasallamiento que se lía con las tradiciones férreas, como matrimonios arreglados o pactos familiares inviolables. Bajo la mirada de Sefa, y la fotografía del venezolano Luis Armando Arteaga, este clima seco y otoñal es fundamental, para acompañar la sensibilidad calmada de la protagonista, quien parece resistirse poco ante las imposiciones sociales y familiares.

Lo más interesante del film está en el modo de las resoluciones o acercamientos a las decisiones de la protagonista, desde pequeñas reuniones y cenas con las familias o desde sus encuentros con su amiga Do-ri-na (que se vuelve su referente personal); que si bien no pueden desmarcarse de las demandas masculinas, lo que afianza un futuro pesimista para las mujeres, dejan abierta una pequeña -y remota- posibilidad para su agencia. Y, a través de estos detalles en los encuadres, en los gestos, diálogos o situaciones, la cineasta va permitiendo completar la figura de su protagonista, que quizás pueda librarse alguna vez de este entorno de poderío masculino.
-- Todo el texto está tomado de la crítica escrita por Mónica Delgado en Desistfilm
L00king for Ve-ne-ra
Calm, taciturn teenager Ve-ne-ra lives in a small village in Ko-so-vo. At home, three generations are constantly under one another’s feet in their cramped house, so she has hardly any privacy. Outside too, on the streets and in the café, it’s not much better: the village is small and there’s always a brother, nephew or neighbour keeping a beady eye on her. A girl is expected above all else to protect her good reputation – and that of her family.
"In her sensitive, subtle feature debut, No-ri-ka Se-fa portrays with a great eye for detail how a modern girl grows up in traditional, strictly hierarchical surroundings. But how can Ve-ne-ra make her own choices if there isn’t really much to choose from? The distinctive soundtrack and delicate, observational camerawork add a documentary feel to this intimate coming-of-age story."
WEB rip de xxx, compartido por yyy
Info ofuscada por razones obvias

Subtítulos en castellano míos
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Films de Ko-so-vo camuflados en Arsenevich

Buscando a Ve-ne-ra (202-1)

23 noviembre 2021

Rainer Werner Fassbinder - Acht Stunden sind kein Tag (1972)

Alemán | Subs: Castellano/EN/PT/FR/IT (muxed)
*107 m | x264 790
x576 | 3700 kb/s | 128 kb/s AC3 | 23.97 fps*
2,94 + 2,76 + 2,91 + 2,69 + 2,93 GB
Ocho horas no hacen un día
Realizada entre 1972 y 1973, en la misma época en la que sacaba, una tras otra, películas como La angustia corroe el alma o Las lágrimas amargas de Petra von Kant, Ocho horas no hacen un día se plantea como una «serie familiar» y juega, en paralelo, como en buena parte del cine de Fassbinder, con los universos personales y sentimentales de sus personajes y con el contexto socioeconómico que los rodea. La miniserie, que fue un encargo de la cadena de televisión Westdeutscher Rundfunk (WDR) y que fue restaurada por la Fundación Fassbinder y el MOMA y reestrenada en la Berlinale en 2017, refleja claramente el clima de su época. 
A la trama familiar clásica que debían mantener estas miniseries de horario central televisivo, Fassbinder le impone otra trama, ligada directamente a la explotación laboral. El primer episodio, que arranca con una reunión familiar en la que se ve que pese a las apariencias no todo está demasiado bien entre sus miembros, pronto introduce como protagonista a Jochen (Gottfried John), quien trabaja en una fábrica de partes metálicas (RWF saca jugo a la imposibilidad del protagonista de explicar exactamente qué es lo que producen ahí). Cuando sale a hacer unas compras (en realidad va a buscarle alcohol a su bastante pícara abuela) conoce a Marion (Hanna Schygulla), quien se ocupa de los avisos clasificados de un periódico local de Köln y la invita al cumpleaños familiar que están «festejando».
Cuando todo parece ir por el lado de la historia romántica con sus contratiempos (ella tiene un novio y un hermano menor medio pesado que cuidar), Fassbinder introduce en la trama los conflictos laborales de la fábrica en la que trabaja Jochen, a partir de un bono prometido a los empleados que no les es pagado por el dueño. Esto desatará un conflicto interno y pronto la serie pasará a ser un retrato de esa comunidad obrera de Köln con la familia en cuestión por momentos en segundo plano. La historia va yendo y viniendo de la relación entre Jochen, Marion y su familia a la que él (y luego ella) tienen también con los otros operarios en situación de conflicto laboral con sus patrones.
En el segundo episodio, centrado en la abuela de Jochen y sus desventuras con su nuevo «novio» para conseguir un departamento barato, también Fassbinder combina una serie de peripecias cómicas con un ácido retrato sobre la desigualdad económica y la desidia de las autoridades, algo que se hace más evidente cuando la pareja abre un jardín de infantes sin permiso oficial. Según cuenta la historia, a Fassbinder le habían encargado ocho episodios de la serie pero el canal, al ver cómo su «serie familiar para horario central» se transformaba en una en la que se discutían malos salarios, pensiones bajas, el costo de vida, las duras condiciones de trabajo, huelgas y asuntos similares, decidió suspender la producción en el quinto episodio.
Formalmente clásica y narrativamente potente, la serie no busca transgredir desde el lenguaje sino, básicamente, desde los contenidos. Su forma de encuadrar, narrar y editar no se aleja demasiado de las convenciones de la época (muchos zooms, primerísimos planos) pero más allá de esos detalles su sistema siempre es más cercano al de Hollywood que al del cine de autor más político y radical de la época. Fassbinder contrabandea la temática política de la serie en un marco o sistema narrativo tradicional, algo que mantendría en buena parte de su carrera, muy apegada especialmente a los recursos del melodrama clásico.
Es imposible no mirar Ocho horas no hacen un día sin compararla con las series actuales. Si bien Fassbinder respeta las reglas del lenguaje standard del género, lo que marca la distancia es su grado de politización. Y, si bien uno podría decir que es un reflejo de la época en la que se hizo y transcurre, es cierto también que hoy la situación laboral de las clases trabajadoras es aún más complicada que la de entonces. Solo que la televisión no se ocupa de mostrarla. Y menos en horario central.
-- Todo el texto es de Diego Lerer en Micropsia Cine
"A diferencia de la famosa Berlin Alexanderplatz (1980), que Fassbinder también rodó para la televisión, Ocho horas no hacen un día fue un trabajo olvidado, nada menos que cinco capítulos de una hora y media cada uno que casi no habían vuelto a verse desde su primera emisión, casi 50 años atrás. Pero la Rainer Werner Fassbinder Foundation que dirige Juliane Lorenz, en cooperación con el Museo de Arte Moderno (MoMA), de Nueva York, exhumaron el material original, rodado en 16mm, restauraron meticulosamente imagen y sonido y lo que ahora vuelve a la luz puede considerarse como la primera -- y quizás la única-- telenovela marxista de la TV occidental."
-- Luciano Monteagudo en Otros Cines
[...] Quizá fue ese alejamiento de su público tradicional lo que hizo que algunas de las críticas fueran tan encendidas. Hubo quien incluso llamó a sus personajes “proletarios maquillados” en la prensa. Lo acusaron de ser poco realista: decían que ninguna novia de ningún obrero se parecía ni remotamente a Schygulla, que la línea que había trazado entre buenos y malos era demasiado gruesa y que reemplazar los viejos clichés por otros nuevos le hacía un flaco favor a los trabajadores. “Me pregunto en qué medida una serie familiar con esos trazos gruesos, con esos embellecimientos, con esas formas fijas convertidas en clichés podría servir de alguna manera para modificar conciencias de una manera progresista”, se lamentaba el periodista Günter Wallraff (autor de la crónica “Cabeza de turco”) desde las páginas de la revista Der Spiegel.
Fassbinder, tenía una respuesta elaborada para sus críticos: “Hice mis películas y obras de teatro para un público intelectual. Frente a los intelectuales se puede ser tranquilamente pesimista y las películas pueden terminar tranquilamente sin perspectiva alguna porque un intelectual tiene siempre la posibilidad de aplicar su intelecto”, dijo en una entrevista incluida en el libro Fassbinder sobre Fassbinder. “Frente a un público tan grande como el de la televisión, en cambio, sería reaccionario, casi un crimen, pintar un mundo con tan poco futuro, porque sobre todo hay que darles aliento y decirles: ‘A pesar de todo hay posibilidades para ustedes, ustedes tienen una fuerza que tienen que usar, porque sus opresores dependen de ustedes’. ¿Qué es un empleador sin trabajadores? Nada”.
-- Astrid Riehn en Página 12
Eight Hours Don't Make a Day
Rainer Werner Fassbinder had been making feature films for three years – and already amassed a filmography that would satisfy most careers – when he decided to take on a bigger challenge. Teaming up with West German television channel WDR, he conceived of Eight Hours Don’t Make a Day, a series that would extend to five feature-length episodes to be broadcast at monthly intervals.
Centering on the Krüger family, as well as their lovers, in-laws, friends and co-workers, the series takes a sometimes comic, sometimes dramatic look at domestic relationships and labor relationships, with particular focus on skilled worker Jochen and his new girlfriend, Marion.
"That Eight Hours is a comedy — or perhaps a tragedy stopped short — owes something to both design and chance. According to the film scholar Brad Prager, Mr. Fassbinder told a contemporaneous interviewer that he wanted to leave a broad TV audience with a sense that the world was full of possibilities. On the other hand, West German television, which commissioned the project, pulled the plug before the director was able to film the last three episodes, in which he had planned to lower the hammer.
But Eight Hours nevertheless feels complete, a lighthearted polemic that is at once a soft-Marxist guide on how to band together to improve your workplace and an almost traditionalist ode to family and community.
As always, the polish of Mr. Fassbinder’s direction is a marvel; none of his 1970s contemporaries ever used zooms to better comic effect. And for a man who found time to make more than 40 features in his 37 years, the fluidity of his camera and blocking is miraculous — particularly in a nearly half-hour wedding-party sequence at the end of Episode 4. For sheer joy per minute of film, there’s nothing playing now that comes close.
-- Ben Kenigsberg (NYT) 2018

Blu-ray rip de derpolsper (PTP), compartido por winterlight
*Especificaciones técnicas similares para los cinco episodios
Duración total:  7h 52m
Subtítulos en castellano de un servidor

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21 noviembre 2021

Slobodan Sijan - Ko to tamo peva (1980)

Serbo-Croata | Subs: Castellano/English/Italiano/Português/Français
83 min | x264 982x576 | 3000 kb/s | 160 kb/s AC3 | 25 fps
1,85 GB
Línea no regular
Yugoslavia, abril de 1941. Una fauna rocambolesca –un aprendiz de cantante, un tuberculoso, un cazador, un pez gordo, un excombatiente, dos músicos gitanos…– esperan la llegada de un autobús destartalado que debe llevarlos a Belgrado. Conducida por un chofer totalmente irascible, la pequeña tropa se embarca en un alocado viaje que recoge en el camino a una pareja de recién casados. Pero nada parece ir según lo previsto…
"Road movie" que sigue la estela del neorrealismo, de la comedia italiana y de Luis Buñuel: este viaje tragicómico brinda la ocasión perfecta a Slobodan Šijan de examinar el final de un mundo a través de los retratos despiadados de una galería de personajes excéntricos, en una sucesión de episodios cómicos y situaciones incongruentes.
-- Todo el texto está tomado Cannes Classics.
Who's Singin' Over There?
Yugoslavia, April 1941. An extraordinary group of people, including an aspiring singer, a tuberculosis patient, a hunter, a bigwig, a war veteran and two gypsy musicians, are waiting for a bus to take them to Belgrade. Guided by a bad-tempered driver, the troupe sets off on a crazy journey, welcoming a newlywed couple along the way. But nothing ever goes to plan...
A road movie in the style of neo-realism, Italian comedy and Luis Buñuel, this tragi-comic journey allows Slobodan Sijan to contemplate the end of a world through the wild portrayals of a series of colorful characters, in a sequence of humorous scenes and unusual situations.
-- Cannes Classics
Blu-ray rip y capturas de KimJongNumberUn (KG)

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