29 abril 2018

Joseph L. Mankiewicz - House of Strangers (1949)

Inglés | Subs: Castellano/EN(VOBs)/FR/PT (srt) (todo muxed)
100m | x-264
720x480 ~> 720x540 | 1900 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,51 GB
Odio entre hermanos
A principios de siglo mareas de emigrantes arribaban desde el viejo continente hasta la populosa ciudad de Nueva York con la esperanza de que en la Gran Manzana sus ilusiones de prosperidad podrían algún día hacerse realidad y cumplir así el anhelado sueño americano; muchos procedían de Italia, como la familia protagonista de este film, con Gino Monetti (Edward G. Robinson) a la cabeza, un barbero ambicioso y autoritario, su paciente mujer y cuatro hijos muy distintos psicológica y físicamente. El transcurso de los años cambió una sencilla barbería por un enorme capital almacenado en una compañía de depósitos y empréstitos. El sueño americano se había cumplido pero la pesadilla afectiva que se engrandecía con el paso del tiempo no hacía más que acerarse de forma peligrosa.
Odio entre hermanos nos hace conocer a Max (Richard Conte). Nos enteramos que acaba de salir de la cárcel. Que lleva siete años encerrado… Y que siente un especial resentimiento contra sus tres hermanos. Se nos va dosificando la información. Su padre ausente, omnipresente en varios retratos, era dueño de un banco que ahora regentan los tres hermanos. Max llega exigiendo a sus hermanos el tiempo perdido. Y se percibe desde el principio una tensión insoportable. También descubrimos a Irene (Susan Hayward), una mujer ajena a la familia que ama a Max y le ha esperado. Una mujer que trata de que Max expulse todo el odio que tiene acumulado en su interior y la influencia tan destructiva del padre omnipresente.
Edward G. Robinson ofrece aquí una de las interpretaciones más memorables de toda su carrera, que le valió su único premio a mejor actor por una película, en el festival de Cannes. Su Gino Monetti, con todas sus miserias, sus delirios como patriarca y su astucia trasnochada, así como por su humanidad y ese acento italiano, es una delicia y una forma de comprobar hasta donde podía llegar la fuerza en pantalla de un personaje interpretado por alguien de tanta capacidad como Robinson. Una actuación sobria y brillante, con la que hasta puedes llegar a sentir simpatía por un personaje tan miserable como excesivo. Tomado de un blog dedicado a E.G. Robinson



Edward G. Robinson plays an Italian-American banker who runs roughshod over his four grown sons. When the ruthless Robinson is arrested for illegal business practices, three of his sons attempt to take over the business. Only son Richard Conte remains loyal to his father.

Italian immigrant Gino Manetti (Robinson) started in America as a barber and rose to be a wealthy banker by lending to immigrants on the Upper East Side of New York without collateral but at usurious rates.  He is the undisputed patriarch to his wife and four sons. Three of his sons work at the bank and he treats them like servants, insulting them freely in the process.  Eldest son Joe (Luther Adler) works as a teller and tries to caution his father about the need to keep books, but Gino only tells him to “go back to his cage”. Gino’s  fourth son Max (Richard Conte) is a criminal lawyer and Gino treats him with some respect.

House of Strangers is marred a bit by the extraneous Conte-Hayward love affair which distracts from the compelling family drama at the core of the film. Otherwise it is practically perfect.  Robinson grew up with Italians and spoke the language fluently.  He is the quintessence of stubborn manhood as he terrorizes the dinner table with his loud opera records and orders.  He makes his character so downright human though that it is hard to hate him quite as much as the film means us to do.  Conte makes a dynamic and cynical foil and Adler, better known as a stage actor, really shines.  According to the commentary, Mankiewicz contributed a lot to the screenplay and the crackling dialogue seems to bear that out.   --  Flickers in Time [Bea Soila]


DVD rip y capturas del prolífico ronnie (KG)


House of Strangers (1949).part1.rar
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Joseph L. Mankiewicz en Arsenevich

 House of Strangers (1949)
All About Eve (1950) 

26 abril 2018

Luciano Emmer - Domenica d'agosto (1950)

Italiano | Subs: Castellano/English .srt + Italiano Vob (muxed)
78m | x-264
706x574 ~> 765x574 | 1950 kb/s | 224 kb/s AC3 | 24 fps
1,20 GB
Mañana de domingo de agosto. Éxodo de romanos, que en bicicleta, en automóvil, en motoneta o en trenes atestados, viajan a la playa de Ostia. Está la joven Marcella que tendrá un romance con el joven Enrico, cada uno intentando deslumbrar al otro pretendiendo ser rico ... Por su parte, Lucianna, que quiere escapar de su vida miserable, se deja llevar en el lujoso automóvil de Roberto, dejando en Roma a su ex novio Renato, desempleado y sin dinero; Sin embargo, en la noche, disgustada por la venalidad de Roberto y su entorno, regresa a Renato. Demasiado tarde, Renato ha sido arrestado por haber participado en un robo ...
Es domingo en Roma y los que pueden van a la playa, a Ostia. Un grupo de chicos en bicicleta; una familia grande y alborotada con un carro viejo; un viudo que lleva a su hija al campamento de verano porque su pareja no quiere llevar a la niña con ellos de vacaciones. Y los que se quedan en la ciudad: Hércules, que es policía de tráfico, a la espera de los papeles para casarse con su novia, embarazada y despedida por ese motivo de sus jefes; Roberto, que encuentra malas compañías y se mete en problemas. Así se desarrollan una serie de historias paralelas, tristes o felices, que ocurren en un domingo de agosto.
Más que nada, la película me pareció que vale la pena como una curiosidad. Y Emmer logra captar bien el caos romano (cualquier semejanza con el caos argentino es más que casualidad). Fuera de eso, me parece que Emmer hizo bien en dedicarse a los documentales sobre arte :)


Subtítulos en castellano de Cecchini (CiCl),
editados y adaptados  para este rip por un servidor.
Sunday in August
Recalling the informal neorealist spirit and sociopolitical consciousness of important prewar ensembles such as People on Sunday (1930) and Treno popolare (1933), while paving the way for the wry comedies of manners produced under the aegis of commedia all'italiana, Luciano Emmer's wonderful Sunday in August (Domenica d'agosto) skillfully interweaves several stories involving a disparate array of Romans who flock to the beaches of Ostia on the eponymous day to escape both the summer heat and their daily troubles. As this lively blend of fiction and documentary proves, however, they are only partly successful in their endeavors.
Emmer belongs to the group of underappreciated Italian filmmakers whom history has placed somewhere between the generation responsible for neorealism and the politically radical troop that emerged in the sixties. He spent most of his career making art documentaries, for which he remains best known. According to American critic Dave Kehr, a vocal champion of Emmer's work, he made his foray toward features when he was asked to make this film from a story by Sergio Amidei, a frequent collaborator of Rossellini. It boasts a number of then up-and-coming actors, including Marcello Mastroianni.

English subs by Edam17 (KG)

DVD rip y capturas de ronnie (KG)


Domenica d'agosto (1950).part1
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Domenica d'agosto (1950).part3
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Luciano Emmer en Arsenevich

Parole dipinte (1946-1966; 2000-2009)
Domenica d'agosto (1950)

23 abril 2018

Robert Aldrich - The Killing of Sister George (1968)

Inglés | Subs: Castellano/EN/FR/PT (muxed)
140m | x-264 1024x552 | 2700 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
2,85 GB
El asesinato de la hermana George
George vive con su amante, Childie e interpreta a una alegre enfermera comunal en una telenovela de la BBC. Sin embargo, su personaje deberá morir y George se da cuenta de que el único otro trabajo que podrá conseguir es el de la voz de una vaca en un programa de televisión para niños. Su vida comienza a desmoronarse a medida que Childie tiene una aventura con una productora de televisión.
La hermana George sigue siendo una obra importante en el canon de Aldrich y una importante contribución al cine gay pionero, aunque algunos comentaristas la han visto como homofóbica al pintar a George como una monstruosa versión de una lesbiana y a Childie como una bebita tonta. La película es, sin embargo, en última instancia menos un comentario sobre el lesbianismo (aunque también es eso) que una exégesis de la condición humana. Aldrich tenía razón cuando dijo que "el comportamiento agresivo y la individualidad de la hermana George están englobados en su personalidad, no son producto de su lesbianismo. Le importa un carajo la BBC o la aceptación por parte del público de sus relaciones. Por eso era demasiado cara para ellos". Como el propio Aldrich, "ella no encajaba en la máquina".
George lives with her lover, Childie and plays a cheerful district nurse in a BBC soap opera. However, her character is to be killed off, and George realises that the only other job she can get is the voice of a cow in a children's tv programme. Her life begins to fall apart as Childie has an affair with a predatory tv producer.
Sister George remains an important work in Aldrich’s canon and a major contribution to early queer cinema, though some commentators have seen it as homophobic in portraying George as a monstrous version of a lesbian and Childie as a goofy, unevolved babydyke. But it’s ultimately less a comment on lesbianism (though it is that) than an exegesis of the human condition. Aldrich was right when he said "Sister George’s loud behavior and individuality . . . are encompassed in her personality, they’re not a product of her lesbianism. . . . She didn’t give a shit about the BBC or the public’s acceptance of her relationships. That’s why they couldn’t afford her." Like Aldrich himself, "she didn’t fit into the machine."


Rip de Átun (NWH)


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20 abril 2018

Ming-liang Tsai - Bu san (Good bye, Dragon Inn) (2003)

Mandarín Min Nan | Subs: Castellano/EN/IT/FR/PT (muxed)
103 min | x-264 720x432 | 1650 kb/s | 192  kb/s AC3 | 23.97 fps
1,04 GB
Llevando hasta nuevos extremos su heterodoxa exploración de una narrativa parsimoniosa, descentrada y alusiva, Tsai Ming-liang elaboró una de sus obras maestras con Good Bye Dragon Inn, film que transcurre en un único escenario: las cuatro paredes de una sala de cine que está a punto de ser demolida. La película transcurre durante la última función en ese gran teatro, concretamente durante la proyección de la película de artes marciales realizada en 1967 por King Hu, Dragon Inn. Sin apenas texto oral más allá del eco de los diálogos del film de los sesenta exhibido sobre la gran pantalla, Good Bye Dragon Inn se construye a partir de dilatados planos secuencia que muestran el interior de la sala, los baños y los pasillos de ese templo cinéfilo que será destruido, un futuro no-lugar donde el público inquieto deambula como los mismos fantasmas de la película proyectada. ~~ Tomado de Otros Cines
[...] En la magistral Good bye, Dragon inn, de Tsai Ming Liang, el tiempo es otro. El tiempo se estira, como si fuera habitado. Hay películas en las que el tiempo se expande, la lentitud se hace infinito, es una habitación. Puede ser aquella piscina romana que recorría, durante ocho minutos, el protagonista de Nostalgia de Andrei Tarkovski, portando una vela que intentaba evitar se apagase antes de culminar su odisea, antes de cruzar a nado el silencio y llenarlo con su gesto. En Goodbye, Dragon Inn, cuando se acaba la proyección, la mujer coja asciende por un tramo de escaleras, entre butacas, para limpiar los deshechos de los espectadores, o fantasmas. Cruza una de las filas, y desciende el otro tramo, hasta desaparecer fuera del encuadre. La lentitud del gesto perseverante, que no deja de soñar. En Goodbye, Dragon Inn no hay trama. Pero no es que no ocurra nada, ocurre mucho, aunque sean pocas las palabras que se digan durante esta última sesión de la sala de cine. Los personajes miran, no sólo a la pantalla, porque también la pantalla son los otros, y hay algo que una pantalla no puede darles, como un hombro en el que reposar la cabeza. Los personajes se desplazan, aparecen, desaparecen... ~~ Alexander Zárate - Factor Crítico




In a cavernous movie palace, King Hu's classic 1968 film Dragon Inn plays for a sparse crowd. As the movie progresses, the ticket-taker makes dinner, cleans the bathroom, and checks in on the projectionist. Audience members wander in and out, occasionally interacting in the restroom or the vast hallways that surround the theater proper. Minimally plotted, Tsai Ming-Liang's film is a poetic, dryly humorous portrait of a place and its denizens, and an homage to a director who influenced his career.

DVD rip de Cangarea


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Ming-liang Tsai en Arsenevich

18 abril 2018

Ted Kotcheff - Wake In Fright (1971)

Inglés | Subs: Castellano/EN/FR/PT/IT (muxed)
108m | x-264 1280x690 | 5400 kb/s | 192 kb/s AC3 | 24 fps
4,34 GB
 Despertar en el infierno/Hombre sin mañana
Un joven maestro llamado John Grant (el actor Gary Bond) paga su deuda con el Estado, que subsidió su educación terciaria, no sin cierto dolor, dando clases en una escuela de Tiboonda, una localidad aislada en el infinito desierto australiano. Con el plan de visitar a su novia durante las vacaciones navideñas, Grant parte en el tren que debería conectarlo con el vuelo a Sydney, pero queda varado en el pueblo de Bundanyabba. Lo que sigue es el encuentro de dos mundos que Grant cree esencialmente distintos: el de un hombre con educación (él), y el de ese conjunto de “bestias” que viven para la bebida, el juego y las trompadas en un lugar en el que no parece haber nada mejor que hacer. Solo que, a poco de llegar, pierde todo su dinero en un raro juego de apuestas local y queda atrapado por la que él considera que es la “agresiva hospitalidad” de los locales. La anécdota termina siendo, como en muchas grandes películas, mínima y enorme a la vez: en unos pocos días el protagonista se descubre mucho más parecido a aquellos que desprecia de lo que le gustaría reconocer...
 Wake in Fright, participó en la competencia oficial de Cannes y después de un recorrido internacional no siempre afortunado se convirtió en un film perdido por lustros, del que hasta hace unos años no se conservaba un negativo en condiciones que permitiera recuperarla para el dvd o al menos una copia televisiva decente.
 Cuando, hace unos años se completó su restauración digital en base a un negativo encontrado en Estados Unidos y rotulado para su destrucción, la película prácticamente renació, y volvió a recorrer el mundo recuperando el nombre un poco olvidado de su director, un canadiense que tuvo su hora de gloria en el cine (una década más tarde filmaría la primera Rambo), llamado Ted Kotcheff. Más importante aún, permitió comprobar que la película estaba a la altura del recuerdo de quienes la vieron en su momento; del mito del que Nick Cave llamó “el mejor y más aterrador film sobre Australia que se haya hecho”. ~~ tomado de Radar
 Awe-inspiring, brutal and stunning, Wake in Fright is the story of John Grant, a bonded teacher who arrives in the rough outback mining town of Bundayabba planning to stay overnight before catching the plane to Sydney. But his one night stretches to five and he plunges headlong toward his own destruction. When the alcohol-induced mist lifts, the educated John Grant is no more. Instead there is a self-loathing man in a desolate wasteland, dirty red-eyed, sitting against a tree and looking at a rifle with one bullet left...
Believed lost for many years, Wake in Fright has been painstakingly restored by Australia's National Film and Sound Archive and AtLab Deluxe, and is presented in its original uncompromising form.


Ripper desconocido, capturas de ghomtuu, remux mío


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14 abril 2018

Robert Altman - Images (1972)

Inglés | Subs: Castellano/English/FR/PT (muxed)
101m | x-264 1024x436 | 2700 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
2,03 GB
Imágenes
 Cathryn (Susannah York) alucina. Es por eso que no hay mayores misterios en Images, única incursión de Robert Altman en el género del terror. Olvidada incluso entre los seguidores del director, la película no es solo un logro cinematográfico sino que captura con éxito la experiencia de la enfermedad mental. Heredera de la Repulsión de Roman Polanski, Images formó parte del Festival de Cine de Nueva York en 1972 pero ninguno de sus críticos relevantes decidió verla por lo que pasó desapercibida. Nunca se estrenó comercialmente y solo adquirió cierta relevancia con el paso del tiempo.

Cuenta la historia que Susannah York le mencionó a Altman que estaba escribiendo un libro para niños llamado En busca de los unicornios. Luego de leer un fragmento, Altman decidió hacer de la protagonista una escritora de literatura infantil e incluir pasajes del libro en el film, con lo cual Images se convirtió en la primera película como guionista de la actriz. Desde el minuto cero, Cathryn oye ruidos y escucha voces. Percibe cosas que no están allí y le pide a Hugh (Rene Auberjonois) que la lleve a una casa de campo para despejarse y poder dedicarle tiempo a su libro. La esquizofrenia, por supuesto, viaja con ella y somos testigos de los cambios que va experimentando su personalidad: comportamiento inusual, risa inmotivada, soliloquios,  intermitentes alteraciones en su percepción…

Su subjetividad fragmentada se ve reforzada de manera triple. En primer lugar por la fría fotografía de Vilmos Zsigmond que no solo sabe retratar el distante vínculo entre los miembros del matrimonio sino que hace un gran uso de los espejos y los reflejos. Luego, por la que probablemente sea la más experimental de todas las bandas sonoras de John Williams (posteriormente nominada al Oscar). Por último, gracias los arreglos de sonido del percusionista Stomu Yamashta, que se destacan en compañía de los planos detalle de los adornos colgantes que anuncian las alucinaciones de Cathryn. René, un francés fallecido hace años en un accidente de aviación con quien Cathryn le fue infiel a su marido y Marcel, un vecino que la pretende, se turnan para formar parte de las ensoñaciones de la protagonista. Su delirio anuda deseo y culpa, y Cathryn intentará resolver su situación eliminando a sus apariciones una por una. Para colmo de males, Susannah, la hija de Marcel, es peligrosamente parecida a Cathryn cuando era joven y su relación amistosa amenaza con volverse persecutoria... (Martín Pablo en El lado G )

 Altman shot “Images” (1972) in Ireland during the wet autumn months of 1971, and premiered it the following May at Cannes. It won Susannah York the award for best actress (it’s the role she’s most proud of), but left its Cannes audiences mostly confused. It isn’t the sort of film you feel affectionate about. It’s complex and cold, although not nearly as hard to understand as some of the first reviews suggested.

Columbia picked up the distribution rights (Altman was a hot property in 1971) and entered “Images” in the New York Film Festival. Inexplicably, neither of the two principal film critics for the New York Times (Vincent Canby and Roger Greenspan) chose to review it, and it was dismissed in a blistering and largely unperceptive review by Howard Thompson (“a mishmash”). And that was that. The film never achieved a normal commercial release in America. It had its Chicago-area premiere much later at Northwestern University and its first theatrical 35mm showing even later. It undoubtedly will return in one or another repertory series.

It is, first of all, an intelligently constructed and spectacularly well-photographed film. We admire its gifts even though they tend not to involve us. It tells the story of several days in the life of the young wife (Susannah York) of a very wealthy member of the horsy set (played by Rene Auberjonois of the Altman stock company). She’s cracking up and by the film’s end, she will have committed murder.

She hears sounds; she hallucinates; she’s trapped in a web of sexual guilt, and imagines encounters with two men other than her husband. One is a sinister Frenchman with whom she committed adultery. He died in an airplane crash three years earlier, but keeps turning up in doorways and pantries, mocking her. He finally invites her to exorcise his ghost by shooting him, and she does so. She sees him fall dead, but all she’s shot is her husband’s expensive camera.

The other man’s more real. He’s a neighbor who can’t keep his hands off her, who believes she has rape fantasies and needs strong handling. She is perhaps attracted to him, but also repelled and guilt-ridden. And she’s fond of the man’s 12 year-old daughter, She eventually “kills” the neighbor, too stabs him with a kitchen knife - and Altman gives us a chilling sequence in which we’re asked to decide if she stabbed the neighbor or simply his apparition in her mind.

Her husband never quite understands the nature of her mental horror. He’s a simple, jolly transplanted American who seems arrested at the prep-school stage and is addicted to dumb jokes. What does she feel about him? The film gives us some pointed notions in its last 20 minutes, while she’s trying to kill off an apparition she sees (incorrectly) as her other self.

“Images” is a very atypical Altman film. For one thing, the dialog doesn’t overlap, and the visual style is more lyrical at some times, more jagged at others, than his usual approach of sticking his cinematic nose here and there and rummaging about in his plot. The photography is by Vilmos Zsigmond, who does a skillful job of staying within the woman’s point of view while nevertheless suggesting what’s really going on. There’s an especially good use of images to suggest her confusion over time and real events. 


“Images” is a film Altman admirers should make a point of seeing. Its very differences with most of his work help illuminate his style, and he demonstrates superb skill at something he’s supposed to be weak at: telling a well-constructed narrative. It also shows him in inventive collaboration with Miss York, whose children’s book about unicorns is read on the sound track and supplies her character with an alternate fantasy universe in which strange creatures and quaint legends replace the challenges of real life. But the movie, as I’ve suggested, inspires admiration rather than involvement. It’s a technical success but not quite an emotional one. (Roger Ebert)

 
BR rip de endrju (KG)


Images (1972).part1.rar
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Robert Altman en Arsenevich

Images (1972)