22 julio 2013

Josef von Sternberg - The Docks of New York (1928)

Los muelles de Nueva York
Muda/Silent (with English intertitles) | Subs(.srt):Castellano
75 min | mkv-x264 664x444 (4:3) | 2581 kbps | 192 kbps cbr AC-3 (x2 músicas) | 23,976 fps
1,36 GB +3% recuperación/recovery

http://www.imdb.com/title/tt0018839/
 
Toda la historia transcurre en menos de un día, y en sólo tres escenarios: un bar del puerto, una pensión y los muelles de la ciudad de Nueva York. Bill Connolly es fogonero en un barco, y tiene una única noche libre en tierra. Mientras camina por los muelles, una muchacha se arroja al agua. Bill la rescata, y poco a poco ambos se sienten atraídos el uno hacia el otro. (FILMAFFINITY)


The ship on which Bill Roberts is a stoker has just put into port, giving the crew one night ashore. The ship's bad-tempered third engineer orders the stokers to clean up, while the engineer heads for a dockside bar, where he has a confrontation with the wife he had abandoned. Then, as Bill himself goes ashore, he sees a young woman attempt to drown herself. Bill dives in, saves her, and then, assisted by the engineer's wife, sees that she is cared for. Bill and the rescued woman begin to enjoy one another's company, but they must contend with the malice of the engineer, as well as a number of other complications. (Snow Leopard, at imdb)



<<Tras el rodaje de La redada (The Dragnet, 1928), Sternberg se enfrenta a su nuevo proyecto, también con un guión de Jules Furthman, basado en The Dock Walloper, un relato de ámbito portuario del escritor John Monk Saunders.

El realizador huye esta vez de los escenarios naturales, refugiándose en el estudio para la reconstrucción de los ambientes portuarios. Lo que a primera vista pudiera parecer un handicap, constituye uno de los principales aciertos del film. La subsiguiente pérdida de realismo que ello provoca posibilita la conceptualización de toda la poesía y el onirismo que el puerto de mar desprende. La melancolía, el romanticismo, el erotismo, la sordidez, la violencia encuentran pintor inigualable en este indiscutible maestro de la luz y las sombras, en este perfecto compositor de la imagen que es Sternberg. Del mismo modo, el marcado interiorismo permite el lucimiento del decorador germano Hans Dreier, habitual colaborador de Lubitsch.

La ausencia de sentimentalismo puede considerarse el otro gran acierto del film. Su director no cae nunca en la tentación de justificar a sus personajes; no indaga en ellos ni nos describe su pasado para explicarnos su presente. Se trata de seres humanos. Ciertamente, sus actos no son intachables, pero no por eso tienen que representar necesariamente el resultado único de una concatenación de desgracias previas, ni haberse visto abocados a esa situación indefectiblemente. Sternberg no es Griffith, sólo los muestra tal como son.

La película, que se estrena el 19 de septiembre de 1928 en el Paramount Theatre de Nueva York, es posiblemente la mejor rodada por su director hasta el momento, y sin duda, una obra maestra.>> (Luis Enrique Ruiz, 1997, Obras maestras del cine mudo, Ediciones Mensajero, Bilbao)



<<[…]

There is a great tradition of films wherein the actual setting of New York becomes a key character. New York is a melting pot and it represents many different classes, ethnicities, ages, cultures and traditions. There has been an evolution in the New York film, and The Docks of New York is a formative link in this chain. From its smoky harbours to its rowdy gin-mills, from its flophouses to its back-alleys, The Docks of New York presents the working class of the New York waterfront through vivid imagery.

Docks of New York is partially based on John Monk Saunders’ story “The Dock Walloper”. The plot contains a relatively standard melodrama and concludes preposterously. It is arguable whether it is a type of pulp: in its setting, melodramatic plotting, and the lower class aspirations of its characters. It nevertheless becomes evident that the film is more an exercise in style than content. Harold Rosson’s elegant cinematography, seamlessly passing from scene to scene, and Sternberg’s aesthetic delight in light and shadow, register the film more as a visually breathtaking spectacle then an achievement of narrative. [...]

The ships, “Tarrying [a day or two] in an endless journey from port to port” as an opening titlecard states, feel almost existential. The stoker’s work is a Sisyphusian task that is never complete and suggests no possibility of advancement. His work leads him from one sordid event to the next. Such may be the reality of life for many seamen, which, in a sense, is what this film is really about. This emphasis may recall Hiroshi Teshigahara’s Suna no onna (Woman in the Dunes, 1964), a film in which a woman is cruelly tasked to shovel an ever-encroaching layer of sand away from her hovel. In a sense, Bill, the stoker only gets a reprieve from this shoveling when he is brawling or drinking, a state that is equally true of his co-workers. The dockworker’s meaningless labour to achieve simple subsistence is, in a way, a comment on the nature of all labour. At the beginning of the film, Bill, with his cap, cigar, coal blackened face and cutoff sleeves, almost resembles a figure on a Soviet workers’ revolutionary poster (a somewhat apt connection, though the film seems more concerned with emotion than ideology).

[...]

Sternberg is best known for his work with Marlene Dietrich, and for his use of striking close-ups in films such as Der blaue Engel (1930) and Shanghai Express (1932). “He built his career, and Marlene Dietrich’s too, on what could be achieved with the perfect combination of lenses and lighting in a close-up. Her cheekbones became world-famous, but only because von Sternberg, the premier camera-artist of his age, knew how to sink the cheeks below them in ravishing shadow”, explains Tim Robey. He was also an important practitioner of late silent cinema. In his silent films, Sternberg utilised close-ups and shadowy, chiaroscuro-filled cinematography and mise en scène whose compositions closely resembled German expressionist cinema. Although the film is predominantly realist, Sternberg also harnesses aspects of expressionism and creates images that are as strangely haunting as anything seen in Das Cabinet des Dr. Caligari (Robert Wiene, 1920) and F. W. Murnau’s Nosferatu (1922). [...] Take, for example, the opening sequence combining the flames of the furnace and the illuminated, grizzled faces of the workers. These initial images set up a paradigm for the rest of the film that alternates between characters drifting in an out of the light. This stylised approach to cinematography makes every composition a work of considerable aesthetic pleasure. The images are not traditionally beautiful, but are instead foreboding, dark, shadowy, meditations on the relationship of the composition of an image with a subject that moves from shadow and into light; a staple formal aspect of expressionist filmmaking. Sternberg is a precursor to Orson Welles in his adeptness at semi-constructed experiments with deep focus cinematography, varying the depth-of-field of each shot.

The Docks of New York, a compelling and heartfelt exercise in style over content, is one of the best films of its era. Sternberg’s obsession with light and shadow, his considerable artistry with mise en scène, and his ability to use the New York cityscape as a canvas to tell his tale of love, heartbreak and squalor, demonstrate his talents as a filmmaker. Some may argue that his work did not mature until the talkies and his collaboration with Marlene Dietrich, while others may choose to identify Docks of New York as a film by director at the peak of his powers.>>(William "Bill" Blick, at sensesofcinema)


[más o menos traducido al castellano:]
<<[...]
Hay una gran tradición de películas en la que la configuración real de Nueva York se convierte en un personaje clave. Nueva York es un crisol de culturas y representa muy diferentes clases, etnias, edades, culturas y tradiciones. Ha habido una evolución en las películas de Nueva York, y Los muelles de Nueva York es un eslabón clave en esta cadena. De sus brumosos puertos a sus escandalosos tugurios, de sus pensiones de mala muerte a sus callejones, Los muelles de Nueva York presenta la clase obrera del frente portuario de Nueva York a través de una imaginería vívida. 
 
Los Muelles de Nueva York se basa en parte en la historia John Monk Saunders "The Dock Walloper". La trama contiene un melodrama relativamente estándar y concluye absurdamente. Es discutible si se trata de un tipo de 'pulp': en su enlavamiento, argumento melodramático, y las aspiraciones de clase baja de sus personajes. No obstante, resulta evidente que la película es más un ejercicio de estilo que de contenido. La elegante cinematografía de Harold Rosson, pasando sin problemas de una escena a otra, y el deleite estético de Sternberg en las luces y las sombras, hacen de la película más un impresionante espectáculo visual que un logro de la narrativa. [...] 

Los barcos, "de espera [un día o dos] en un viaje sin fin de puerto a puerto", como se dice en uno de los primeros intertítulos, toman una naturaleza casi existencial. El trabajo del fogonero es una tarea como la de Sísifo que nunca es completa y sugiere que no hay posibilidad de avance. Su trabajo lo lleva de un sórdido suceso al siguiente. Esta puede ser la realidad de la vida para muchos marineros, que, en cierto sentido, es de lo que esta película trata realmente. Este énfasis puede recordar Suna no onna de Hiroshi Teshigahara (La mujer en la arena, 1964), una película en la que a una mujer se le encomienda la cruel tarea de extraer con una pala una capa de arena incesantemente invasora fuera de su choza. En cierto sentido, Bill, el fogonero sólo obtiene un aplazamiento de esta tarea cuando se pelea o bebe, un estado que comparte igualmente con sus compañeros de trabajo. La labor sin sentido del trabajador portuario para lograr su simple subsistencia es, en cierto modo, un comentario sobre la naturaleza de toda labor. Al principio de la película, Bill, con su gorra, cigarro, cara ennegrecida por el carbón y manga corta, casi parece una figura de cartel revolucionario de los trabajadores soviéticos (alguna conexión hay, aunque la película parece más preocupada por la emoción que por la ideología).

[...]
Sternberg es mejor conocido por su trabajo con Marlene Dietrich, y por su uso de impactantes primeros planos en filmes tales como El ángel azul (1930) y El Expreso de Shanghai (1932). “Él construyó su carrera, y la de Marlene Dietricxh también, sobre lo que podía lograrse con la perfecta combinación de lentes e iluminación en un primer plano. Sus pómulos se convirtieron en mundialmente famosos, pero sólo porque von Sternberg, el artista líder de su época con la cámara, supo cómo hundir las mejillas debajo de ellos en una encantadora sombra”, explica Tim Robey. Él fue además un importante representante de las postrimerías del cine mudo. En sus películas mudas, Sternberg utilizaba primeros planos, y sombría y llena de claroscuros cinematografía y puesta en escena cuyas composiciones se aproximaban al cine expresionista alemán. Aunque el film es predominantemente realista, Sternberg también aprovecha aspectos del expresionismo y crea imágenes que son tan cautivadoramente misteriosas como lo visto en Das Cabinet des Dr. Caligari (Robert Wiene, 1920) y Nosferatu de F.W. Murnau (1922). […] Tomemos, por ejemplo, la secuencia de apertura de la combinación de las llamas del horno y los iluminados rostros curtidos de los trabajadores. Estas imágenes iniciales establecen un paradigma para el resto de la película que alterna entre los personajes derivando en un fuera de la luz. Este enfoque estilizado de la cinematografía hace de cada composición una obra de considerable placer estético. Las imágenes no son bellas en un sentido tradicional, pero son a cambio presagiantes, oscuras y sombrías, meditaciones sobre la relación de composición de una imagen con un sujeto que se mueve desde la sombra y hacia la luz; un aspecto formal básico del cine expresionista. Sternberg es un precursor de Orson Welles en sus semiestablecidas experimentaciones con la cinematografía de gran profundidad de campo, variándola en cada plano.

Los muelles de Nueva York, un convincente y sincero ejercicio de estilo frente a contenido, es una de las mejores películas de su época. La obsesión de Sternberg con las luces y las sombras, su considerable talento artístico en la puesta en escena, y su capacidad para utilizar el paisaje urbano de Nueva York como un lienzo para contar su historia de amor, desamor y miseria, demuestran su talento como cineasta. Algunos pueden argumentar que su trabajo no maduró hasta el cine sonoro y su colaboración con Marlene Dietrich, mientras que otros pueden optar por identificar Los muelles de Nueva York como la película de un director en la cima de sus capacidades.>> (William "Bill" Blick, en sensesofcinema)


Esta copia corresponde a una subida de TvTeam a TPB (el rip parece ser del DVD de criterion, aunque desconozco la autoría explícita). Los subtítulos castellanos son una subida anónima a opensubtitles, pero el grueso del mérito parece corresponder a Mercader.


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Josef von Sternberg en Arsenevich
Underworld (1927)
The Docks of New York (1928)
Blonde Venus (1932) 
 Crime And Punishment (1935)
Anatahan (1953)

8 comentarios:

Sergio dijo...

Estimado amigo ¿puedes revisar el link 5 http://www12.zippyshare.com/v/13943387/file.html ya que no funciona?
Muchas gracias

chicharro dijo...

Ya parece estar en orden ese link, si es que era el caso de una indisposición temporal del servidor.

Sergio dijo...

Gracias Chicharro por tu preocupación pero..¡Que raro!, acabo de revisarlo y el mensaje que sigo recibiendo es: "Fuera de Línea. No se encuentra el archivo"

Error 404
Page Not Found..

chicharro dijo...

Igual es cosa de la zona (lo desconozco). Lo acabo de descargar completo directamente, mipony también lo detecta, y acabo de volver a entrar y la página sale sin error. Puedes volver a intentarlo en otro momento.

Sergio dijo...

Tenías toda la razón, ahora lo estoy bajando. Muchas gracias

The Quest of Cinema Journey dijo...

can I request Anatahan (1953) and Under the bridges (Helmut Käutner, 1946) ? if you'll upload many many thanks for you

Steffen dijo...

Thank you.

Cero por la boca dijo...

Estas eran las películas de von sternberg que le gustaba a Borges, a ver que tal, solo vi una y no me gusto mucho, Borges decía que sus primeras películas son las mejores, después ya se malogró. Gracias por el film