12 julio 2013

Akira Kurosawa - Warui yatsu hodo yoku nemuru (1960)

Los canallas duermen en paz/The Bad Sleep Well
Japonés | Subs(srt):English,Castellano,Français,Italiano,Português
151 min | XviD 696x296(2,351:1) | 1630 kbps | 192 kbps AC3 | 23,976fps
1,93 GB +3% recuperación/recovery

http://www.imdb.com/title/tt0054460/

La película comienza con el banquete de boda de la hija del presidente de una gran compañía. Poco sabemos al principio; aires de corrupción se ciñen sobre los comensales, el novio quizá se casa por interés, el hermano de la novia es amigo del novio y no duda de sus intenciones ¿o sí?. Ni siquiera sabemos en quién recaerá el protagonismo, ni por donde irá la trama; pero un pastel de inmaculada blancura presagia que el asunto tomará tintes bastante negros.


<<[...]The Bad Sleep Well is extremely well-written and acted and keeps your attention from start (the cake scene) to finish (the final showdown). I love how Kurosawa does NOT follow the expected path in this and his other pictures. Anyone wanting something DIFFERENT should give Kurosawa a try.[...]
FYI--this story is a slight re-working of Hamlet, though you might not notice it unless you are looking.>> (planktonrules, at imdb)


<<Realizada en 1960, un maduro Kurosawa da una nueva lección de cine profundo, simbólico, humanista, de enjundia, calidad y fuerza. Con un comienzo pausado, visto desde el punto de vista de unos periodistas que cubren la boda de la hija de un importante ejecutivo de una gran compañía, que influyó a Coppola para su magistral inicio de “El Padrino” (1972), en el que no sabemos muy bien de qué va la cosa pero sentimos como crece la tensión, gracias a la maestría de Kurosawa en la creación de ambientes y sensaciones intensas con elementos mínimos (una tarta, miradas...), nos vamos sumergiendo en una espiral violenta, tensa, en una trama donde se saca y se ve lo peor del ser humano, y es que al contrario que otras obras negras de Kurosawa, ésta es realmente desoladora.>> (cinemelodic)

<<Kurosawa nos habla de la deshumanización del poder, la venganza, la tiranía, el poder del amor, la redención, el perdón, los remordimientos, la traición, el honor, el conflicto en las relaciones, la imposibilidad de controlar los sentimientos, todos los infinitos temas de Hamlet, la indecisión, la duda, pero todo desde el prisma de Kurosawa en una visión brillante y personal, una relectura de Hamlet que se encontraría entre los más brillantes acercamientos a la obra de Shakespeare.>> (también de cinemelodic, antes citado)



Varias son las reseñas que he podido leer que califican ésta como obra maestra o gran película. He aquí una un poco menos entusiasta:

<<Tanto la estupenda secuencia de la celebración (en cierta manera es como si se tratara de un precedente asiático para El padrino) como el electrizante montaje que la sigue en la que vemos como el aparantemente sepultado escándalo estalla y se hace de dominio público hace de Los canallas duermen en paz uno de los mejores arranques de la filmografía de Kurosawa hasta la fecha, aunque por desgracia el resto de la película no logra mantener ese nivel de agilidad que atrapa tan bien al espectador. Si hablando de La fortaleza escondida hablaba de ella como una buena manera para entrar en el mundo de Kurosawa, por el contrario Los canallas duermen en paz es una cinta compleja, densa y con un ritmo que se va apagando por momentos mientras crece en importancia la labor de Nishi y su hamletiano dilema. En la segunda parte del metraje el film cobra verdadera fuerza en las escenas que atañen al vicepresidente Iwabuchi, uno de los canallas al que se refiere el título, y que ha sido señalado por muchos como una de las primeras versiones del hombre de familia atento y cariñoso que compagina sin problemas esa feliz vida hogareña con labores corruptas y criminales (de nuevo es fácil pensar en la obra de un fan de Kurosawa como era Coppola). Sin embargo esa subtrama de los tejemanejes de los poderosos que se defienden de los ataques exteriores queda en su mayor parte entre bastidores en favor de la trama shakesperiana de Nishi.
[...]
Mifune, más taimado y menos espectacular que en otras ocasiones, resta algo de brillantez a la segunda parte del film con las tribulaciones de su personaje a las que no acaba de dar buena salida. Su interpretativamente hablando apagado conflicto interior no estará a la altura, por ejemplo, del que pocos años después desarrollará con gran maestría en otra cinta de Kurosawa, El infierno del odio.
[...]
Rodada con tintes de cine negro, Los canallas duermen en paz carece del perfecto acabado de otros films más grandes de Kurosawa, quien reconoció que les habría sido más fácil levantar la historia de haberse basado en un hecho real (cosa que el estudio nunca habría permitido) y que la película habría ganado si hubiera sido más valiente en alzar su dedo contra los centros de corrupción en el Japón de su época. Aun así, Los canallas duermen en paz no debe ser despreciada como una obra menor. No está, en mi opinión, a la altura de las grandes del director, pero sólo la primera media hora de película, con la flor en la tarta y demás, y el por lo general excelente arranque del film son peso suficiente como para que los completistas de la obra de Kurosawa no dejen de lado esta cinta.>> (LA CINTA DE MOEBIUS)



El final también me evoca algo de Voici le temps des assassins (1956) de Duvivier. Y alguna secuencia de descenso a un zulo, a algo de Lang, riveteado por la emoción visceral que Kurosawa sabe sacar del uso sonido, y que es una de las firmas de su talento que más admiro de él. Otras muestras del tratamiento del sonido son la marcha nupcial con la entrada de la novia, o la superposición de una grabación durante unas exequias. La tarta nupcial es inolvidable. Y Kyoko Kagawa vestida de novia siempre debe serlo también.


Rip del DVD de criterion y subida a TPB de mfccorrea

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Akira Kurosawa en Arsenevich

8 comentarios:

Sylvain dijo...

No sé si se trata de una casualidad, pero desde algunas semanas, el blog se llena de películas a blanco y negro... Y me quedo con la idea de que el technicolor fue una de las más grandes regresiones en la historia del cine. Un poco como si Cézanne, de repente, hubiera tirado todos sus colores salvo el tubo de blanco y el de negro.

chicharro dijo...

Pues por la parte que me toca sí que se trata de una casualidad. Pero qué quieres decir, que prefieres el color o el ByN? Lo dices como reproche por no haber más en color en el blog, o como afirmación de que el ByN era mejor? O prefieres dejarlo en una sugerente ambigüedad?

chicharro dijo...

Ah, vale, perdona, vuelto a leer tu comentario parece como si fuera un piropo hacia esas películas. En cualquier caso se agradece el comentario (más si tenía ese sentido, je, je). A buen entendedor pocas palabras bastan, pero a chicharro parece que le hacen falta algunas más.

En cualquier caso, en cuanto al color, esta película en concreto me recuerda a Jezzebel de Wyler, porque hay una escena en que el rojo "se ve", aunque sea en blanco y negro. Por eso, aunque el afiche de criterion de la peli en su esquematismo me parece que choca un poco, por otro lado me gusta mucho.

Por cierto, estos días que estoy con Godard, alquien sabe qué significado darle a esa frase suya (citando a Cocteau) de "el rojo ha entrado en fraude"?

Ana dijo...

Un plotómetro con espectrofotocolorímetro, por favor!!

Sylvain dijo...

Mira chicharro: es obvio que el ByN es superior al color. Solo trata de imaginar el Dr. Strangelove de Kubrick a color. Lo echaría a perder todo. Y al comparar las versiones a ByN y a color de Jour de fête de Jacques Tati, muchos prefieren la primera. Se ve más auténtica.
Para lo de la cita de Godard, aparentemente está al principio de Fatale beauté, el capítulo 2B de sus Historia del Cinema, y la cita exacta es "Le rouge est mis. Je suis entré en fraude" (El rojo está puesto. Entré a escondidas). Hay un texto bastante oscuro de Frédéric Hardouin, dónde dice que para Godard el rojo se refiere a la sangre. Godard quiere decir que el cine reproduce no solo la vida, sino también la muerte: en las primeras películas a ByN, no se ve el rojo de la sangre, sin embargo, está aquí.
Pero la verdad, nunca he entendido a Godard, si es que haya algo por entender. A la mejor necesito un espectrofotocolorímetro.

Ana dijo...

De acuerdo Sylvain (incluído lo de Godard). Y, a propósito de espectrofotocolorímetros , el gran Andrei Tarkovski dixit:
“Uno de los problemas más serios de la representación en el cine es el de los colores. En primer lugar es absolutamente imprescindible reflexionar sobre la paradoja de que el color dificulta considerablemente la reproducción fiel de sentimientos verdaderos. El color en el cine es ante todo una exigencia comercial, no una categoría estética. Y por eso progresivamente van apareciendo de nuevo películas en blanco y negro. (…) El carácter pictórico de una toma, que a menudo es sólo consecuencia mecánica de la calidad de la copia, recarga la representación con una convencionalidad adicional, que hay que superar si se quiere conseguir una adecuación a la vida. (…)
Si la cámara, como se dice, fija sólo la vida real en el celuloide, ¿por qué, casi siempre, le parece a uno que la película en colores es algo falso, escasamente sincero? La explicación me parece que se halla en el hecho de que en el caso de una reproducción mecánicamente exacta de los colores está ausente la posición del artista, que éste ha perdido su papel configurador y, por ello, tiene que prescindir de la posibilidad de elegir. La gama de colores tiene su propia lógica y el director ha perdido la batuta si la ha dejado en manos del proceso técnico. Es prácticamente imposible obtener una selección consciente que acentúe los elementos cromáticos del mundo real. Y por muy extraño que nos parezca, aunque el mundo que nos rodea tiene color, la película en blanco y negro reproduce su imagen con mayor cercanía a la verdad psicológica, naturalista y poética, correspondiendo, por lo tanto, mejor a la naturaleza de un arte que se basa en las características de la visión. En el fondo, una película en color es el resultado de un debate que incluye la tecnología de la película en color y el color en general. “ (de Esculpir en el Tiempo)

chicharro dijo...

Muchas gracias por las puntualizaciones y los comentarios, Sylvain y Ana. Es cierto que recordaba mal la cita de Godard. Precisamente la tenía asociada a esa secuencia de Fatal Belleza con la Bella de fondo con las cortinas. Volviendo a ver ese trozo, por el montaje que le sigue, quizá denuncie cómo se ha abusado de la sangre en el cine para hacer espectáculo, banalizando el tema (notable que meta cachos de roma cita aperta ahí, que precisamente no tiene nada de eso, y quizá esté ahí una de las dificultades de las histoire(s), que en el montaje las imágenes muestran un aspecto y su contrario a la vez, por lo que es difícil al espectador sentir que sigue un discurso claro. Ahí también parte de su fuerza: la sugerente ambigüedad o el esfuerzo por parte del espectador de dar significado a lo que ve).

En cuanto a lo del color, estoy de acuerdo con Tarkovsky que si se usa el color por imposición comercial, no tiene por qué salir nada bueno. Sin embargo, Tarkovsky tiene cosas muy buenas tanto en blanco y negro como en color, como casi todos los grandes directores. Tampoco podría pensar en 2001 en ByN, ni en Ran o Kagemusha, ni otros últimos Kurosawas. O S. Ray, está la maravillosa Jalsaghar, pero también Ghare Baire. O Naruse, que también tiene películas absolutamente inconcebibles sin color, u Ozu, etc. Y Godard: Dos o tres cosas que sé de ella, tampoco la concibo sin color, o las histoire(s). Tarkovsky, en Andrei Rublev usa al final esa secuencia larga en color, y no la concibo tampoco en ByN. Creo que todo depende de cómo se use. Para mí el color añade una "textura" muy particular, y los que lo saben usar, añaden una dimensión más a la película, algo emocional innegable aunque sutil, como cuando se mira una vidriera o un Rembrandt en vivo. Quizá se pierde otra dimensión, al mismo tiempo. Por ejemplo, Van gogh es impensable sin color, aunque sus dibujos ByN son igualemnte maravillosos (o Rembrandt antes citado).

PD: No sé a quién le leí, si fue a Tarkovsky, antonioni, fellini o quién, que es más fácil rodar en ByN porque esa técnica ya da una unidad a la película mucho más difícil de conseguir con el color. Eso no quita mérito al ByN ya que dominar cualquier técnica es difícil (me parece que pensar en la comparación que cité antes de Rembrandt o Van Gogh y dibujo/pintura es lo más adecuado).

Piedra, papel o tijera. dijo...

¡Gracias!