30 noviembre 2012

George Cukor - Born Yesterday (1950)

 Nacida ayer / Nascida Ontem
English I Subs: English/Castellano/Português (en el mkv)
102 min I AVC 720x480 1815 kb/s I 256 kb/s cbr AC3 I 23.976 fps
1.51Gb
http://www.imdb.com/title/tt0042276/

A million dollar Tycoon hires a tutor to teach his lover proper etiquette.
Un magnate millonario de visita en Washington por viaje de negocios 
contrata a un tutor para que "pula" a su amante.
 

 
 
Over fifty years ago, Judy Holliday won the Best Actress Oscar in this comic fable, confounding her competition, Bette Davis in All About Eve and Gloria Swanson in Sunset Boulevard.(...) Comedy heroines can get away with plenty that dramatic heroines cannot. But, unlike the madcap heiresses of 1930s screwball comedy, the wacky behavior of the 1950s dumb blonde is linked to dimness, rather than a liberating eccentricity. Holliday was a comedienne of shrewd intelligence and exuberant talent. Her not-so-dumb blondes enjoy a superior detachment from the world and were a model for the slightly later comic characters of Marilyn Monroe.
Holliday's Oscar win is considered one of the great upsets in Academy Award history. From a modern point of view, it does not seem at all odd that two flamboyant "older" actresses, playing aggressive, sexually voracious women with younger lovers, were rejected in favor of a pretty actress validating the 1950s status quo.
Garson Kanin wrote the play, Born Yesterday for Jean Arthur, who dropped out right before opening night. Judy Holliday learned the role in 3 days, and played it on Broadway for 4 years, opposite Paul Douglas. In the play, Harry, the millionaire junk dealer, was a more sympathetic character, and the young reporter was a bit of a stuffed shirt. Broderick Crawford specialized in boorish characters, and was cast in the film because he had won an Oscar the year before for All the King's Men. He is not much of a romantic rival for William Holden's Paul Verrall. Holden had been groomed for stardom much earlier, in 1939, after playing the title role in Golden Boy. He'd spent over a decade playing bland leading men, and after his WWII service, he restarted his career. Holden's cynical outlook and slightly used pretty boy looks are shown to great advantage in this film, and even more memorably in Sunset Boulevard in the year 1950.
Holliday also had a false start in films. As a member of the comedy group, The Revuers, with Betty Comden and Adolph Green, she was hired to appear in a Carmen Miranda movie called Greenwich Village. The Revuers act was cut out of the film, but they can still be glimpsed as extras. One of their nightclub routines was a satire of the early days of talking pictures, which Comden and Green expanded into the brilliant musical Singing in the Rain. In the film, Jean Hagen closely modeled her performance of the screeching diva Lina Lamont on Holliday's performance in the nightclub skit.
Harry Cohn of Columbia paid $1 million for the play Born Yesterday intending to star his hottest property, Rita Hayworth. He was forced to shelve the project after her marriage to Aly Kahn. Cohn, a famously vulgar and abusive film mogul, did not want Holliday "that fat Jewish broad" in the part. Director George Cukor shrewdly showcased Holliday in a pivotal part in the Katharine Hepburn--Spencer Tracy film Adam's Rib and he relented. Holliday was glamourized in classic Hollywood style, with 13 elaborate outfits by designer Jean Louis. She said later, " I love to cook and I love to eat what I've cooked. But when I was doing Born Yesterday for Columbia, I had to diet for months. I had to show up at the studio 2 hours before they started shooting. From 7-8, they worked on my hair. From 8-9, they worked on my face. And, they bleached me every other day." Judy Holliday only made 6 other films. She was called before the House on UnAmerican Activities Committee right after making this film. She mystified the questioners who accused her of Communist activities by answering in the voice and illogical logic of her Born Yesterday character, Billie Dawn. She wasn't officially blacklisted by the HUAC, but her refusal to cooperate cost her at least part of her career. She was a good businesswoman and became rich, but died of breast cancer in 1965 at the age of 43. No grand mystique clung to her after her death, as it so often does to movie stars who die prematurely.
In Born Yesterday, Harry's junk business represents the abuses of capitalism, which must be reformed by the ideals of democracy. This is symbolized by the 1950s agenda of taming Billie's comically rowdy behavior and indoctrinate her with a little middle class virtue and restraint, especially sexual restraint. In many films, hero or heroine are transformed when they take off their glasses. In Born Yesterday Billie puts her glasses on.

 
Hace más de cincuenta años, Judy Holliday ganó el Oscar a mejor actriz por esta comedia, desbancando a competidoras como Bette Davis en La malvada, y Gloria Swanson en El ocaso de una vida. (...)
Las protagonistas de comedias tienen ventajas con las que muchas veces no cuentan las heroínas dramáticas, pero a diferencia de las herederas alocadas de las comedias screwball de los años 30, el comportamiento demencial de la rubia tonta de los cincuenta se encuentra asociado con la necedad más que con una excentricidad liberadora. Holliday era una comediante de aguda inteligencia y exuberante talento. Sus rubias-no-tan-tontas gozan de un distanciamiento superior respecto del mundo y sirvieron de modelo para los personajes cómicos de Marilyn Monroe que vendrían poco después.
El Oscar de Holliday es considerado uno de los grandes contratiempos de la historia de la Academia, pero, desde un punto de vista moderno, no parece raro en modo alguno que dos flamígeras actrices algo mayores, en papeles de hembras voraces abocadas a la conquista de galanes jóvenes, fueran dejadas de lado en favor de una actriz bonita que validaba el statu quo de los años 50. 
Garson Kanin escribió la obra de teatro Born Yesterday para Jean Arthur, quien se desligó justo antes del estreno. Judy Holliday se aprendió su parte en tres días, y la representó en Broadway durante cuatro años, con Paul Douglas como partenaire. En la obra, Harry, el millonario comerciante de chatarra, era un personaje más simpático, y el joven periodista, un tipo medio estirado. Broderick Crawford se especializaba en personajes groseros, y fue elegido para el papel de Harry por haber ganado un Oscar el año anterior por All the King's Men. (...) Holden había sido preparado para el estrellato mucho antes, luego de protagonizar Golden Boy en 1939; había pasado más de una década interpretando galanes anodinos, hasta que -tras su servicio en la SGM- reinició su carrera. La actitud cínica de Holden y su aspecto de buen muchacho un poco ajado, se destacan mucho en este film, y aun más memorablemente en El ocaso de una vida, del mismo año.
Holliday también tuvo un comienzo accidentado en el cine. Como integrante del grupo cómico The Revuers, fue contratada para participar en una película de Carmen Miranda, Greenwich Village. El acto de The Revuers finalmente fue eliminado en el montaje, pero todavía se los ve como extras.
Harry Cohn, de la Columbia, pagó un millón de dólares por la pieza de Kanin con la intención de que la protagonizara su estrella principal, Rita Hayworth, pero se vio obligado a archivar el proyecto cuando ésta se casó con Aly Kahn. Cohn, un magnate célebre por su aire vulgar y sus modos abusivos, no quería a Hollyday ("esa mina gorda y judía") en el film. Aun así, luego de que Cukor ubicara astutamente a Holliday en un papel clave de La costilla de Adán, Cohn terminó transigiendo. Holliday recibió el clásico tratamiento de glamour hollywoodense, con trece sofisticados vestidos del diseñador Jean Louis. La actriz declararía más tarde: "Me gusta cocinar y me gusta comer lo que cocino, pero cuando hicimos Nacida ayer para la Columbia me tuvieron a dieta durante meses. Debía llegar al estudio dos horas antes del rodaje: de 7 a 8 me peinaban; de 8 a 9, maquillaje; y día por medio me aclaraban el pelo."
Judy Holliday, que sólo participó en otros seis films, fue convocada por el Comité de McCarthy apenas terminado éste: allí descolocaría a los inquisidores que la acusaban de actividad comunista respondiendo con la lógica ilógica y el tono de voz del personaje de Nacida ayer, Billie Dawn. Holliday no entró oficialmente en la lista negra, pero su falta de colaboración le costó al menos una parte de su carrera. Fue buena empresaria y se hizo rica, pero murió de cáncer de pecho en 1965, a la edad de 43 años. Tras su muerte no se desarrolló en torno a ella el fenómeno de culto reservado a las estrellas cinematográficas que mueren prematuramente.
En Nacida ayer, el negocio de la chatarra de Harry representa los abusos del capitalismo, que deben ser reformados por los ideales de la democracia. Esto queda simbolizado por una agenda típica de los años 50, según la cual hay que atemperar el alborotado comportamiento de Billie, y adoctrinarla en las virtudes y compostura (sobre todo sexual) de la clase media. En muchos films, el héroe o la heroína se transforman al quitarse los anteojos. En Nacida ayer la transformación sigue el camino inverso.
 
Moviediva

 
No recuerdo de dónde salió esta copia de calidad más que pasable, agradecimientos al filántropo anónimo. Subtítulos ingleses, castellanos y portugueses incluidos en el archivo mkv: se ven seleccionando del menú del programa VLC entre otros.

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George Cukor en Arsenevich
A Double Life (1947)
Born Yesterday (1950)
Heller in Pink Tights (1960)

29 noviembre 2012

Luis Buñuel - Viridiana (1961)


Castellano | Subs: English/Français/Portugués
91 min | x-264 Mkv 966 x 576 | 2000 kb/s |192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,4 GB + 3% de recuperación rar


La novicia Viridiana —a punto de tomar los hábitos— debe abandonar el convento para visitar a su tío don Jaime, quien le ha pagado los estudios. Durante su visita, don Jaime —impresionado por el parecido entre Viridiana y su difunta esposa— la adormece e intenta poseerla pero finalmente no se atreve. Posteriormente intenta retenerla cuando ella quiere volver al convento; le miente diciéndole que ya no podrá ordenarse monja, porque la ha poseído mientras dormía. Esto aleja aún más a Viridiana de su tío, que —tras la marcha de ésta— se suicida. Viridiana, que se siente culpable de la muerte de su tío, renuncia a ser monja y se queda en la mansión a practicar la caridad cristiana, acogiendo a un grupo de vagabundos, a quienes brinda refugio y alimento pero que son, a fin de cuentas, quienes la atacarán y robarán. La llegada de Jorge, hijo natural de don Jaime, cambiará definitivamente el destino de la joven. Como en toda película personal de Buñuel, el argumento es sólo un pretexto para mostrar ideas que van más allá. En este caso se cuestiona la naturaleza de la beneficencia y se muestra cómo las buenas intenciones no siempre se materializan en un éxito pleno. También se cuestiona el verdadero significado de la fe católica, y los contrastes entre el mundo 'real' y el mundo teórico cristiano.

BR  rip y capturas de pagan50 (KG)

After years in Mexican exile, Buñuel returned to his native Spain to make this dark account of corruption, which was immediately banned. A young nun, full of charity, kindness, and idealistic illusions about humanity, visits her uncle and tries to help some local peasants and beggars. But her altruism is greeted with ridicule and cruelty. Pinal gives a superb performance in the title role, and Buñuel's clear-eyed wit is relentless in its depiction of human selfishness, ingratitude, and cynicism. The final beggars' orgy - a black parody of the Last Supper, performed to the ethereal strains of Handel's Messiah - is one of the director's most memorably disturbing, funny, and brutal scenes. A masterpiece.

La jeune Viridiana souhaite entrer au couvent, mais la mère supérieure exige avant tout que la jeune femme aille rendre visite à son vieil oncle et bienfaiteur Don Jaime. Celui-ci, troublé par la ressemblance de sa nièce et de sa femme décédée, tente d'abuser sexuellement de la jeune femme. Choquée, Viridiana s'enfuit mais apprend que son oncle s'est suicidé. Se sentant coupable la jeune femme décide de revenir au domaine et de dédier sa vie à aider les gens pauvres. Elle héberge donc les mendiants du village dans la maison de son oncle dont elle a hérité à sa mort...

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27 noviembre 2012

Vittorio Cottafavi - Traviata '53 (1953)

Italiano | Subs: Castellano/English/Français srt
86 min | XviD 640x480 | 1820 kb/s | 128 kb/s mp3 | 25 fps
1,17 GB + 3% recuperación/recovery

Fiebre de deseo
 Rita (Barbara Laage), una mujer de la alta sociedad, se enamora de Carlo Rivelli (Armando Francioli), un ingeniero de Biella recién llegado a Milán. La relación, sin embargo, es resistida por el Commendatore Cesati (Eduardo De Filippo, con voz doblada), que en el pasado tuvo una relación con Rita. Con esto chantajea a la mujer, y además amenaza con convencer a los bancos para que corten el crédito a Carlo si ella continúa la relación. Rita cede ante las amenazas y deja a Carlo, que no sospecha el sacrificio de su amante...


"Yo soy uno de los que niegan la existencia del cine italiano (con excepción de Rossellini y Antonioni). Así que grande fue mi sorpresa, cuando vi Fille d'amour (el título francés de Traviata '53), que los especialistas de todas las cosas italianas (aun admitiendo su preocupación al respecto) ni siquiera consideraron. Fille d'Amour es una adaptación moderna de La Dama de las Camelias, y solo puedo añadir que: 1) no decae el sabor del original, en todo caso sucede lo contrario 2) lo sórdido y el pesimismo no intervienen 3) por primera vez Barbara Laage actúa, es decir, se mueve y conmueve, se ríe, llora y salta 4) el director Vittorio Cottafavi, de cuyo trabajo en París sólo se ha podido ver Mi dama y los mosqueteros (Il boia di Lilla), ha hecho un trabajo más que admirable y su Fille d'amour me trajo recuerdos de Cronaca di un amore. Las producciones italianas - que nos invaden hoy en día - nos están preparando - y a EEUU también - para recibir gratas sorpresas en el campo ingrato pero prestigioso de películas secundarias. O al menos eso esperamos. " - Robert Lachenay (François Truffaut), Fille d'amour, Cahiers du cinéma", n. 36, junio de 1954


Based on the Dumas novel "La Dames aux Camelias" (and later, La Traviata) in which a Milan prostitute sacrifices herself to prevent the ruin of the young man she loves.

"I am one of those who deny the existence of Italian cinema (except for Rossellini and Antonioni). So my surprise was all the greater, literally shocking, when I saw Fille d’amour [the French title of Traviata ‘53], which the specialists of all things Italian (even admitting their concern about it) did not even seem to consider. Fille d’Amour, subtitled, and I do not understand the reason why, Traviata ’53, is a modern adaptation of La Dame aux Camélias, and I can only add that: 1) there is no drop in taste, if anything the contrary 2) the sordid and pessimism play no part 3) for the first time Barbara Laage acts, that is, she moves and is moving, laughs, cries and skips 4) the director Vittorio Cottafavi, of whose work we in Paris have only been able to see Milady et les mousquetaires (Il boia di Lilla), has done a more than admirable job and his Fille d’amour instantly reminded me of Cronaca di un amore. Italian productions – more invasive every day – are preparing us for – and America as well – unexpected pleasant surprises in the thankless but prestigious field of secondary films. Or so we hope. " ~ Robert Lachenay [François Truffaut], Fille d’amour. “Cahiers du cinéma”, n. 36, June 1954 

Fille d'amour
Amour malheureux entre une prostituée de haut vol et un jeune aux belles espérances. 
 .
"La Dame aux camélias, sorte de Phèdre du pauvre, trouve ici dans ses moindres détails une vérité, une humanité nouvelle grâce à la perpétuelle invention dans le jeu des acteurs, leurs attitudes, leurs gestes, leurs regards" (François Truffaut)

DVD rip de maximer (KG)
Subs en castellano extraídos x boss0506

Para ver después (o antes) de Les Sièges de l'Alcazar

Todo llega, y Cottafavi también llegó a Arsenevich

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26 noviembre 2012

Julien Duvivier - Voici le temps des assassins (1956)

Francés/French | Subs: Castellano/English
109 min | XviD 624 x 464 | 1477 kb/s | 81 kb/s mp3 | 25 fps
1,2 GB + 3% recuperación/recovery

Almas perversas
Catherine –una ingenua carita de ángel de veinte años– llega a París con una sola maleta y un dato: el nombre de André Chatelin, renombrado chef, dueño de un restaurante en Les Halles, y ex marido de su madre más de dos décadas atrás. La joven acaba de quedar huérfana y Chatelin, para disgusto de su propia madre –otro personaje siniestro del film–, la acoge en su casa. Paulatinamente, las primeras y cándidas apariencias dejan paso a certezas bastante más macabras. En el contexto del cine francés industrial de la época, Duvivier desconcertó con este puñado de personajes femeninos tremendamente amorales, sórdidos y derrumbados.

DVD rip y capturas de pa6sur (KG)

Subtítulos en castellano de nando2 (Cine-Clásico)

Deadlier than the Male
Distinguished chef André Chatelin manages a gourmet restaurant beside the busy Halles market in Paris. One day, he receives an unexpected visit from Catherine, the daughter of his ex-wife Gabrielle. Hearing of her mother’s death, André offers Catherine a room in his house. Catherine gratefully accepts and starts to worm her way into André’s affections, to the chagrin of André’s adopted son Gérard, who has himself fallen in love with Catherine. Neither André nor Gérard realise that Catherine is only interested in marrying the restaurateur so that she can inherit his personal fortune – and she will go to any lengths to achieve this aim. Even murder...

English subtitles by rentboy (KG)

Chatelin, un restaurateur prospère du quartier des Halles à Paris, voit arriver dans son restaurant Catherine, une jeune femme désemparée. Très vite, il en tombe amoureux. Mais il ignore que Catherine est guidée par Gabrielle, son ex-femme, afin de le séduire et de lui soutirer toute sa fortune...
Voici les liens nouveaux. Merci monsieur Le chinchard !
 
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Julien Duvivier en Arsenevich

25 noviembre 2012

Robert Bresson - Mouchette (1967)

Francés/French | Subs: Castellano/English/Portugués
78 min | Xvid 704 x 432 | 2468 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
1.5 GB + 3% recuperación/recovery


Retrato de la triste existencia de una chica que es maltratada por su padre y humillada por la gente de su pueblo. Una película excepcional del maestro Bresson, muy difícil de clasificar y decifrar pero su poderío visual, asi como la historia de desesperanza en la dura vida de una niña inconforme con su realidad y con la falta de afecto hacia su persona por parte de los seres que la rodean.

Una obra maestra del austero maestro francés. Imprescindible.


Robert Bresson plumbs great reservoirs of feeling with Mouchette, one of the most searing portraits of human desperation ever put on film. Faced with a dying mother, an absent, alcoholic father, and a baby brother in need of care, the teenage Mouchette seeks solace in nature and daily routine, a respite from her economic and pubescent turmoil. An essential work of French filmmaking, Bresson’s hugely empathetic drama elevates its trapped protagonist into one of the cinema’s great tragic figures.

"Es muy difícil ver las cosas. Tantas veces caminamos por la calles, miramos cosas, pero no las vemos. Si no muestras una sucesión de cosas tal cual ocurren en la vida real, la gente no entiende. La pornografía ha incorporado esto al cine, el hecho de que hay que ver todo. Y el público ha quedado condicionado a películas en donde se muestra todo.” - Robert Bresson.

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24 noviembre 2012

Ernst Lubitsch - Heaven Can Wait (1943)

Inglès/English | Subs:Castellano/Français/English
112 min | Xvid 640x480 | 1500 kb/s | 110 kb/s mp3 | 23.97 fps
1,26 GB + 3% de recuperación rar
Cuando muere, con 70 años, Henry Van Cleve va al infierno, donde le recibe Su Excelencia, un caballero bien vestido que exige conocer sus delitos. Henry da comienzo a su historia.
A veces sucede que, por una feliz coincidencia, algunos grandes directores finalizan sus carreras con una película que resulta perfecta como testamento cinematográfico por su temática o estilo (es el caso por ejemplo de John Huston y la preciosa Dublineses). Pero lo más frecuente es que esa película que sabemos que sin duda habría sido una despedida perfecta para su autor resulte no ser la última. Muchas veces los directores veteranos se niegan a retirarse definitivamente y no pueden evitar la tentación de llevar a cabo otra obra más, otras veces simplemente no es algo premeditado por el propio director y ese magnífico epitafio para ellos no es más que otra obra de su carrera. Sea como sea, éste es sin duda el caso de El Diablo Dijo No, que aunque cronológicamente no sea la última película de Lubitsch, casi se podría considerar como su film de despedida, el cierre de su fantástica y larga carrera en el mundo del cine.
Hay varios motivos que le llevan a uno pensar eso. En primer lugar está el mismo punto de partida de la película, en que el protagonista muere y repasa los hechos más importantes de su vida. En segundo lugar, se trata de un film que recopila algunos de los temas esenciales de su director, casi como un repaso a las constantes de su carrera. Finalmente, hay un marcado sentimiento nostálgico que impregna sobre todo el último tramo de la película y que le da un tono melancólico poco habitual en el cine de Lubitsch.
El film se inicia con la llegada al infierno del envejecido protagonista, Henry Van Cleve, quien está tan convencido de que no le aceptarán en el cielo que ni se ha molestado en probar suerte ahí. Sin embargo, el Diablo no conoce la razón por la que Van Cleve deba ir al infierno, así que le pide que le cuente la historia de su vida para poder juzgar si debe entrar o no. A partir de aquí se inicia un relato en flashback de toda la vida de Henry Van Cleve centrado en su relación con todas las mujeres que han pasado por ella.
El Diablo Dijo No es una película que recupera algunas de las características típicas de la obra de Lubitsch que había dejado un poco de lado en algunas de sus últimas obras. Aquí vuelve a recurrir a los ambientes de clase alta característicos de sus comedias de principios de los años 30 que tuvo que reemplazar en las maravillosas El Bazar de las Sorpresas o Ser o No Ser por personajes humildes de clase media. Así mismo, vuelve a recurrir a un protagonista marcadamente mujeriego y encantador bastante amoral y poco heroico. Sin embargo, a diferencia de la mayoría de sus obras, ésta no solo está ambientada en Estados Unidos sino que abriga una intención de tener un tono típicamente americano.
Uno de los aspectos más curiosos y que más alarmó a los productores en su momento es el hecho de que prácticamente no hay argumento. La trama se basa simplemente en los hechos más remarcables de la vida del protagonista, pero no hay un conflicto central que vertebre la obra o una meta perseguida por Henry Van Cleve a lo largo de todo el metraje. El objetivo que perseguía Lubitsch cuando escribió el guión junto a su colaborador habitual Samson Raphaelson (adaptando muy libremente una obra de teatro) era que el público se encariñara con el personaje, a partir de ahí no habría problema en narrarles en casi dos horas una vida que pese a estar llena de amoríos no cuenta con grandes hazañas sorprendentes. (...)
Así pues, aquí podemos disfrutar de algunas de las estrategias harto conocidas de Lubitsch como recurrir a la insinuación antes que mostrarnos lo que sucede , los intercambios de identidades y las confusiones derivadas de ello .(...)
Definitivamente, El Diablo Dijo No es el mejor testamento que Lubitsch ha podido dejar como culminación a toda una vida consagrada al cine. (El Gabinete del Dr. Mabuse)
Deceased turn-of-the-century playboy Henry Van Cleve (Don Ameche) presents himself to the outer offices of Hades, where he asks a bemused Satan for permission to enter the gates of hell. Though the devil doubts that Henry’s sins qualify him for eternal damnation, Henry proceeds to recount a lifetime of wooing and pursuing women, his long, happy marriage to Martha (Gene Tierney) notwithstanding. Ernst Lubitsch’s Heaven Can Wait, nominated for Academy Awards for best picture and director, is an enduring classic that showcases his trademark blend of wit, urbanity, and grace.
"Ninguno de nosotros creía que lo que hacíamos fuera más que una efímera forma de entretenimiento. Sólo sabíamos que Ernst Lubitsch estaba haciendo arte." John Ford
"En el mundo se está produciendo una revolución. ¿Dejará de existir la risa? ¿Desaparecerán la vida alegre y placentera, el ingenio y las réplicas jocosas, la divertida guerra entre hombre y mujer? ¿He de llorar por el mundo que se fue y ver cómo se me prohíbe recrearlo? Porque en ese caso no querría volver a hacer películas y no me importaría morir." Ernst Lubitsch
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-o-
Ernst Lubitsch en Arsenevich
To be or not to be
The Marriage Circle
Eternal Love
Madame DuBarry

23 noviembre 2012

Asghar Farhadi - Darbareye Elly (2009)


About Elly / Todo sobre Elly
A propos d'Elly / Procurando Elly
Farsi I Subs: English/Castellano/Français/Português (.srt)
114 min I Xvid 688x368 I 1328 kb/s I 192 kb/s cbr mp3 I 25.000 fps
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A propos d'Elly est un film iranien à part, une oeuvre qui pénètre au coeur de la famille, en jettant au milieu de l'arène un personnage étranger dont on ne sait que peu de chose, et dont la présence ou l'absence révèlera au fil du film, bien des choses sur les frères et soeurs présents, mais aussi sur le fonctionnement même de la société iranienne et des règles qui régissent les rapports hommes / femmes.
Todo sobre Elly es un film iraní muy particular, una obra que penetra en el corazón de la familia, arrojando en medio de la escena a un personaje extraño del que no se sabe gran cosa, y cuya presencia o ausencia revelará, al filo del relato, muchas cosas sobre los hermanos y hermanas presentes, pero también sobre el funcionamiento mismo de la sociedad iraní y de las leyes que rigen las relaciones entre hombres y mujeres.
Olivier Bachelard, Abus de Ciné
 
 
Farhadi muestra un mundo en el que la seguridad se basa en todo tipo de mentiras cotidianas, y que por ello percibe una amenaza latente a pesar de todas las apariencias. En amenaza se convierten -y esto no es algo totalmente desconocido para nosotros- los intrusos: pueden ser extranjeros, o pertenecientes a otra clase social, o bien representantes de las autoridades. Farhadi lo señala, y hay algo que no pasa por alto: tan interesante como la pregunta por lo que hace un intruso en un grupo determinado, es la pregunta por lo que pasa cuando dicho intruso vuelve a desaparecer.
De tal modo se revela Todo sobre Elly como un drama complejo, el único aquí que pone en cuestión a las imágenes habituales que circulan sobre Irán. Es un film que habla de jóvenes iraníes que frente a una desgracia recaen en patrones de comportamiento tradicional. Con su dinámica puesta en escena, Farhadi rompe con la tradición del film iraní de arte, delimitada que fuera hace ya mucho por Abbas Kiarostami: estatismo y lentitud, y un estilo que se pone en evidencia, simbólico y abstracto. Esto de aquí, en cambio, es "free cinema" impresionista y movedizo. Y todo en él alude a la política en el sentido más alto del término, incluso cuando alguien desliza una cita en alemán: "Lieber ein Ende mit Schrecken als ein Schrecken ohne Ende." (Mejor un final doloroso, que una agonía sin fin.)
Rüdiger Suschsland, Artechock
Me puse a indagar sobre Asghar Farhadi (Isfahan, 1972) porque se viene un estreno de él en estas semanas: Una separación, que después de ver ésta sin duda no voy a pasar por alto. También conseguí la de los fuegos artificiales (Chaharshanbe soori, 2006, todavía no la vi), pero tiene subtítulos incrustados. Esta es copia más o menos buena proveniente de un torrent de por ahí. Gracias a los filántropos anónimos que la pusieron en circulación, así como a los que confeccionaron los subtítulos en inglés, francés y portugués. Los castellanos son míos a partir de los otros, y de mis humildes conocimientos de farsi avanzado, jeje.

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Asghar Farhadi en Arsenevich