31 octubre 2012

Akira Kurosawa - Rashomon (1950)

  Japonés/Japan| Subs: Castellano, english, czech, italian, portuguese
109min x264 mp4 BRrip 992x720 | 1883 kb/s | 384 kb/s ACC | 23,976 fps
1,36GB


En el antiguo Japón del siglo XI, una mujer es violada y su marido asesinado. Veremos el accidente desde 4 perspectivas diferentes, la de cada uno de los implicados. Cada uno nos revelará algún detalle adicional. ¿Cuál de las versiones es la verdadera historia de lo que sucedió, si es que hay alguna? ¿Quién está diciendo la verdad?

Akira Kurosawa was one of those directors, the first from the Eastern hemisphere, to develop the form and structure of cinema in ways it hadn't been. The story he used for Rashomon is now, like Seven Samurai, Hidden Fortress, and Yojimbo, a near archetype that at this point in the history of film has become formula and common knowledge for writers and directors. In that sense, Rashomon is as important and entertaining as a film as Citizen Kane, Battleship Potemkin, Rear Window, or Open City. Tee basic premise- Four different people give four different accounts on the rape and murder of a couple in the woods. A key ingredient to the success of Rashomon, is that the recollections given to the courts by the woman, the bandit, the as well as the four in discussion, is that their emotions reveal their humanity, even if their details reveal nothing, or everything. It's difficult to say whether character goes over story here, or if they have equal importance to understand Kurosawa's psychology with these people.

The opening shot of the house is a perfect representation of the mature of the picture, something that has fallen apart over time due to disasters that go beyond control of individuals. The man who heard the testimonies of the trial says "I don't understand". This has been a discussed line, since essentially he's saying the point right up front. All the information won't ease his puzzlement. The three who discuss the details of the crimes and confessions are crucial- they speak for us, what our opinions might be, and we listen to each version of the story, the characters, the fears, the pride, the shame, and the search for judgment and/or truth in the situation.

Along with being director and co-adapter, Kurosawa's mastery is revealed heavily in his use of editing- there are short, fleeting moments that hint, or rather pronounce, emotions and thoughts. For instance, when we first see Tajomaru, the bandit, played by action-legend Toshiro Mifune, he is looking up at the sky, bound in straps to keep him from moving, and for a second, or less than a second, there's a shot of what he sees in the sky, then back to his face which reveals an expression that borders on skeptical, and a bit crazed, or more. Mifune's part is of a barbarian, but all the more believable as a human barbarian since he acts as such with animal desires- he sees the woman in the woods, and knows he wants her, and while he reflects that he didn't have to have killed the man, he did as a last resort as a man with an urge. This is intensified by a sadistic flee with his actions.

What's intriguing about that first description/recollection of the battle between him and the other man, is that it seems like it could be the truth, and to one viewer it could, and to another it seems like it could all be apart of his hyperactive and trapped imagination. And in the attack of the bandit on the woman, at first to him, it's like a game, then in later descriptions, he feels a little more un-easy, then later, it's of neither pleasure or discomfort, it just is. This kind of technique later happens with the woman who was victim (who has conviction, though is herself an archetype of Lifetime women), the presence who saw it "all", and with the man who in the beginning didn't understand. In each telling the expressions, the cut-aways, the lighting and movement by Kazuo Miyagawa, it's equally startling, exhilarating.

That the film gives off such a hypnotic aura isn't surprising, or perhaps it is for those in the grips of the emotion of it all- the dead man's story is like the hook ripping into a twelve foot bass. The final accouter of the tale proves the most accurate to the common observer, yet Kurosawa knows that's not the point- if he made it as such to be bold AND had a definite concrete point, the ending would be as poignant when revealed is the truth, or what one could believe as the closest thing to it is. We know why that last person didn't want to get involved with the courts with what he knows: his story is no more a revelation, of any comfort or consolation to the listeners, than the others. I highly recommend this to anyone, and to those who have distaste to foreign films should view it once anyway- it's certainly not a long movie, and it won't loose its grip on anyone willing to give itself to the tale(s).


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Akira Kurosawa en Arsenevich


30 octubre 2012

Konstantin Lopushansky - Соло (Solo) 1980


Ruso/Russian | Subs: Castellano/English
27 min | DivX 5 640 x 480 | 1539 kb/s | 128 kb/s mp3 | 25 fps
320 MB + 3% recuperación/recovery

1942, Leningrado sitiada por los nazis. En medio de las más crudas condiciones, la Orquesta Sinfónica ensaya con miras a un concierto que será transmitido a Londres. Alexander Michailovich, solista, se prepara para la ocasión.

Obra de graduación de Lopushansky. Protagonizada por Nikolai Grinko, habitual de las películas de Tarkovsky.

intranauta dixit: "A pesar de las limitaciones técnicas, es un corto muy conmovedor, construido como "estampa" de un momento histórico terrible. No está centrado en la obra de Shostakovich -quizás porque el solo de corno francés de Tchaikovsy tiene más resonancia afectiva y además permite enfocar en un individuo la historia-, pero logra documentar el dramatismo de los acontecimientos alrededor de la sinfonía "Leningrado" y, a la vez, dar cuenta del sentido de la música como expresión y práctica humana."

Subs en castellano de intranauta (24fps)


Lopushansky's graduation short. 1942, Leningrad is under siege by the nazis. Under the most appalling conditions, the Symphony Orchestra rehearses for a concert that will be broadcast to London. Alexander Michailovich, a soloist, gets ready for the occasion.

English subs by bambaladam (KG)


Дипломная работа режиссера (мастерская Эмиля Лотяну).
Зимой 1942 года в блокадном Ленинграде солист филармонического оркестра репетирует 5-ю симфонию Чайковского, исполнение которой будет транслироваться на Англию. Чтобы исполнить соло на валторне, изможденному музыканту нужны силы…

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Konstantin Lopushansky en Arsenevich

Solo (1980)
Pisma myortvogo cheloveka (1986) 
Posetitel muzeya (1989)
Gadkie lebedi (2006)

29 octubre 2012

Hiroshi Shimizu - Shiinomi Gakuen (1955)

Japonés | Subs: English (hard-coded//incrustados) + Castellano/English.srt
101 min | XviD 640x480 | 1567 kb/s | 108 kb/s mp3 | 25 fps
1,17 GB + 3% de recuperación rar

 La escuela Shinomi
La historia, basada en una verdadera escuela para niños con discapacidades físicas, cuenta pequeñas anécdotas sobre varios de los internos y, finalmente, se centra en un niño cuyos padres lo han abandonado. 

 The Shiinomi School
Story, based on a real school for physically handicapped children, telling little anecdotes concerning several of the inmates, and finally centring on a boy whose parents have abandoned him. 


DVD rip de RTomris (KG)

Subtítulos en castellano de Mario Vitale (AZ)


 
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28 octubre 2012

Hong Sang-soo - Da-reun na-ra-e-suh (2012)

En otro país
Coreano, Inglés | Subs: Castellano, English
88 min | mkv AVC 720x388 (1.856) | AAC | 23.976 fps |
990Mb + 3%
http://www.imdb.com/title/tt1989712/
A three-tiered story centered on a trio of French tourists visiting the same seaside resort.  
Tríptico centrado en tres "diferentes" turistas francesas que visitan el mismo balneario de mar en la costa coreana.
Hong Sang-soo ha perfeccionado este tipo de puesta en escena. La estructura narrativa se asemeja a una fuga, cuyos motivos comparten el clima nebuloso de un sueño por medio de finas variaciones y repeticiones. A ello contribuye también el zoom adictivo, que reemplaza aquí al corte clásico: allí donde, en los films tradicionales, funciona el corte como coma o punto, introduce Hong el efecto fluyente de su zoom. Otro elemento que siempre retorna en sus films son los obligatorios banquetes y las libaciones alcohólicas. En la obra de Hong todo esto se integra en la soltura de una dramaturgia moldeada por duelos personales y encuentros casuales.
En In Another Country volvemos a encontrar todo esto. Por ello los paseos sin destino de Isabelle Huppert con liviano atuendo veraniego por un balneario en el que se enfrentará graciosamente con la irrefrenable pulsión sexual del hombre sudcoreano. Pues a diferencia de sus films más recientes como Ha Ha Ha, Oki's Movie o The Day He Arrived, este último de Hong es considerablemente más accesible, en primer lugar por la esta vez transparente estructura del relato elíptico: los episodios mantienen su unidad por la figura de la narradora coreana, que es la que da origen a las variaciones particulares. Es cierto que con esto se pierde algo de la magnífica irritación que es habitual en el resto de las películas del director sudcoreano, pero también constituye por ello In Another Country una maravillosa vía de acceso a su obra.
 Patrick Wellinski, kino-zeit.de
 

Barrant obstinément la route au cynisme et aux arrières pensées, il prend même un malin plaisir à donner une apparence anodine, gratuite, à ses tortueux jeux de narration tout en coïncidences fortuites et en fausses répétitions, à son enfilade de scènes qui clochent (et s’avèrent souvent rêvées ou imaginées par les personnages) ainsi qu’aux pièges, dérapages et télescopages du discours, sources de malentendus révélateurs.(...)
Bref : le système Hong Sang-soo continue de se détraquer joyeusement pour notre plus grand bonheur et ce Da-reun na-ra-e-suh en est un des produits les plus euphorisants et délicieusement déstabilisants. On en redemande ! (le prochain dans six mois ?)
Cerrándole obstinadamente el paso al cinismo y a las bajadas de línea, [Hong] experimenta incluso un placer malvado en dar una apariencia anodina, gratuita, a sus tortuosos juegos narrativos con coincidencias fortuitas y falsas repeticiones, a su sucesión de escenas que hacen agua (y resultan ser a menudo sueños o imaginaciones de sus personajes), así como a las trampas, derrapes y superposiciones del discurso, fuentes de malentendidos reveladores.(...)
Dicho brevemente: El sistema Hong sigue cayéndose a pedazos gozosamente para nuestra mayor felicidad, y este Da-reun na-ra-e-suh es uno de sus productos más euforizantes y deliciosamente desestabilizadores. ¡Queremos más! (¿La próxima, dentro de seis meses?)
Claude Rieffel, avoir-alire.com
 


 Hong Sang-soo y algunas reflexiones sobre In Another Country

La Huppert es la Huppert es la Huppert. Inalterable por encima de papeles y películas, inconfundible. Pero tan frágil, tan pequeña, tan discreta como en el film de Hong, hacía tiempo que no se la veía.(...)
Los films de Hong Sang-soo son siempre a la vez experimentos, pero describirlos como ordenamientos de causa y efecto sería no hacerles justicia. Es que aquí los ingredientes, las palabras, los lugares, y hasta los atuendos y la utilería, resplandecen. Y no sólo porque In Another Country, volviendo del blanco y negro de The Day He Arrives (2011), cambie por colores luminosos. Los elementos en torno a los que Hong dispone sus variaciones, funcionan en primer lugar precisamente no como metáforas o símbolos. Los significados son triviales o surgen sólo en un segundo momento, todo es aquí en primera instancia concreción, objeto: el paraguas celeste contrasta con el bolso naranja, complementa el vestido azul; la entonación francesa de 'Lighthouse' queda flotando, halla un eco en el interlocutor; los movimientos de las manos que intentan superar las barreras lingüísticas son ante todo signos de presencia física.
Frédéric Jaeger, critic.de
Subida por plial en el Patio. Tiene el inconveniente de los subtítulos coreanos incrustados para los parlamentos en inglés (muy frecuentes). Cuando consiga una copia "limpia" la reemplazaré, pero se me ocurrió que hay muchos seguidores del director coreano que apreciarán la relativa primicia, aun con los símbolos orientales inamovibles. Versión castellana de un servidor, que se divirtió mucho haciéndola. (Aviso: mantuve la política de los subtítulos ingleses de escribir en mayúsculas los parlamentos en inglés y los coreanos en minúsculas, me pareció lo mejor, en parte para tapar los subtítulos coreanos hard que tiene la película, en parte porque permite advertir visualmente el salto de un idioma a otro, tan importante en el film.)

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English
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Hong Sang-soo en Arsenevich


Akira Kurosawa - Kumonosu-jo (1957)

  Japonés/Japan| Subs: Castellano, english, french and portuguese
109min  XVID 640x464 | 1573 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23,976 fps
1,36GB
Japón feudal, siglo XVI. Los generales Taketori Washizu y Yoshaki Miki Yoshaki regresan de una victoriosa batalla. Durante el camino, se encuentran con una extraña anciana, que profetiza a Washizu que logrará convertirse en señor del Castillo del Norte. A partir de ese momento, su esposa tratará de convencerlo para que cumpla su destino. Adaptación de Macbeth, de William Shakespeare. Como curiosidad comentar que se trata de la película favorita del poeta y dramaturgo T.S. Elliot y del cineasta Wim Wenders

 Es cierto que el hombre cuenta con libre albedrío, tan cierto es como que el hombre puede cambiar el rumbo de las cosas. Cada acción que el hombre asume produce una reacción y siempre puede elegir entre hacer o no hacer, entre hacer esto o hacer aquello, entre decir o no decir, entre decirlo de una manera o decirlo de otra. El hombre puede pensar lo que quiera aunque con frecuencia el inconsciente parezca pensar cosas que su consciente rechaza. A su Yo (el ser) lo afectan el ello y el superyó (instinto y conciencia – maldad y divinidad – lo impersonal y lo propio – su sombra y su luz). A su lado de sombra lo asedian las tentaciones que lo invitan a satisfacer sus instintos impulsivamente y sin medir el daño que pueda causar con ello; pero, en su polo de luz, está la razón que le pide mesura, rechazo a lo que daña a otros y prudencia para que haga las cosas bien hechas. Para el ello sólo cuentas tú, para el superyó cuentas tú, pero también cuentan tus semejantes.

La obra, de ese grande de la literatura que fuera William Shakespeare, habla de estas cosas y "Macbeth" es todo un tratado de la lucha que se da en el hombre, entre el instinto (afán de poder) y la razón (el punto de equilibrio). Diálogos profundos y de la más alta elocuencia; personajes de palacio con sus hondas contradicciones y sus ambiciones a flor de piel; y hechos que conducen, indefectiblemente, a los resultados que dicta la razón, hacen de esta obra un punto cimero de la literatura universal que convoca a su conocimiento de manera imprescindible.

Con toda la holgura del artista cinematográfico por excelencia, el director japonés Akira Kurosawa, hizo su versión de "Macbeth", aquí llamada "TRONO DE SANGRE", acercándose al genio inglés con unas imágenes tan expresivas, que logran, eficazmente, que el significado y lo que confronta la obra de Shakespeare, permanezca intacto en sus principales aspectos.

Adaptada a la cultura japonesa, cambian los nombres y leves situaciones: Ya no son tres brujas sino un sólo espíritu maligno, los finales de Macbeth (aquí Washizu) y de Lady Macbeth (Asaji), tienen otras connotaciones… y con fines puramente cinematográficos, se da prelación a las acciones, prescindiendo de largos diálogos y de unas cuantas escenas, pero la sustancia permanece viva, impactante y fascinante.

El rigor de su puesta en escena, con ese castillo más tétrico que monumental, con esas espesas nieblas que dan cuenta de las profundas sombras que se ciernen sobre aquel averno construido con mucha sangre derramada por guerreros e inocentes, con esos movimientos pausados que denotan el duro peso de las acciones en trámite, y con aquellos personajes de facciones fantasmales algunos y desdibujadas por el ansia de poder en otros, dan como resultado una obra del más alto valor estético y de imperecedera memoria.

Shakespeare y Kurosawa son un regalo excelso para todo ser humano

As much as I praise Mifune, it may well be Yamada who stands out in Kurosawa's version of Macbeth. Her Lady Macbeth is one of the most terrifying things I have ever seen, a forerunner to Sadako. Dressed in Noh make-up, slow moving like the world's most effective predator, unblinking, she is, without a doubt, the true lady Macbeth. She turns Mifune towards murder, and, although she is seen going mad at the end, we do not see her die. The tragedy of the tale is heightened by the fact that we are told at the start what will happen. Every shot Kurosawa composes is memorable. The arrow through the neck, the thread spinning witch in the forest, Mifune turning his back on his master, all are haunting and unforgettable. This film cannot be praised enough, and although it is not a horror movie, it puts all modern horror movies to shame with its deadly atmosphere. Great Quotes: Asaji. ‘Every samurai longs to be the master of a castle'. 10 out of ten. 



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Akira Kurosawa en Arsenevich

27 octubre 2012

Peter Solan - Boxer a smrt (1963)

Eslovaco/Slovak | Subs: Castellano.srt
  102 min | Xvid 624x384 | 819 kb/s | 128 kb/s Mp3 | 25 fps 700 MB

En un campo de concentración nazi, un fugitivo en espera de ejecución queda a salvo cuando el comandante, un ex boxeador profesional, descubre que el prisionero tiene cualidades de boxeador. Le ordenará entrenar. El prisionero irá mejorando día a día sus capacidades pugilisticas...

Concentration camp commander Kraft finds out that prisoner Kominek is a former professional boxer. Overnight, the prisoner is made Krafts exercise partner and unwilingly rises to a privileged position at the camp. His anger over the death of his friend and co-prisoner leads to open revolt. The film brings a new view of human degradation during fascism by a tragic story of one man whose only chance for survival is to accept the rules of an unequal game.


 The Boxer and Death is a film directed by Slovak filmmaker Peter Solan.  Set during WW2, the film takes place in a Nazi concentration camp run by Sturmbannführer Kraft (Manfred Krug), a former prize fighter who tries to keep his skills fresh by training in his private gym.  While overseeing the execution of a group of prisoners for a failed escape attempt, he discovers that one of them, named Komínek (Stefan Kvietik), has some boxing background.  Kraft invites him to the gym for a sparring session, and displeased with the lack of competition orders Komínek to bulk up and train in order to provide a better challenge.

A very well made film that uses the horrid conditions of the concentration camp as a backdrop to a tense psychological drama, somewhat bringing to mind Masaki Kobayashi's classic Human Condition Trilogy.  Komínek quickly discovers that he is a much better boxer than Kraft but must fight the urge to reveal his true abilities in order to stay alive.  His plight is made all the more difficult by the guilt he feels for receiving preferential treatment whilst many others are tortured or sent to the death chambers.

There are many ironic contrasting moments that make this simple story stand out.  In one pivotal sequence, Komínek walks by a large group of new prisoners standing in a pen, while on his way to the camp clinic where he is to be given a thorough checkup by the Nazi doctor who treats him like a friendly patient.  On his way out the prisoners are gone, all that remains in the pen are some personal belongings scattered on the ground and a solitary guard whistling a tune.  The wind then picks up and we hear Komínek's screams of disgust and despair as he chokes on a thick billowing cloud of smoke carrying the black ashes of his fellow prisoners.

With poignant images, solid acting, and some impressively choreographed boxing, Solan delivers a powerful film and sadly mostly forgotten gem that deserves to be seen by more people.
Bonjour Tristesse

Boxer a smrt es una de esas joyas que urge descubrir y difundir, y es que no es solamente una de las mejores películas surgidas de la cinematografía eslovaca, es a mi punto de vista una de las mejores películas que se ha hecho sobre el boxeo y por sobretodo una de las mejores películas en abordar el tema del holocausto, los campos de concentración y la macabra lógica del nazismo.

Jan Komínek es un prisionero que tras un intento de fuga es atrapado y condenado a muerte. El comandante Kraft intenta golpearlo y se da cuenta que tiene especiales dotes para el boxeo, Kraft es un ex-boxeador que tiene montando un pequeño gimnasio dentro del campo de concentración para diversión propia. De esta forma Kraft protegerá a Komínek para que este entrene, se alimente bien y boxee contra él, ya que está aburrido de boxear solo con pesos plumas, prisioneros en estado de desnutrición, que le duran poco y nada. De esta forma Komínek se libra de la muerte, pero su situación no es para nada alegre, comenzará a ser alimentado en abundancia para que suba de peso, se le liberará de trabajos forzados, y otros tantos tratos especiales, de esta forma la conciencia moral de Komínek comenzará a despertar y tendrá frecuentes conflictos y culpas con su "situación privilegiada" con respecto a la de sus compañeros. Un conflicto moral que irá en escala hasta que las oscuras chimeneas del campo de concentración le lancen a la cara el humo negro de sus compañeros quemándose en los hornos.

Komínek pronto se dará cuenta de que es mejor boxeador que Kraft y estará continuamente tentado a derrotarlo, pero para conservar la vida deberá si bien ir mejorando, dejarse perder continuamente. Pero Komínek tambien odia a Kraft y concibe una posible derrota de Kraft como una venganza por sus compañeros muertos y un castigo a la barbarie de los carceleros, así Komínek oscilará continuamente entre ganar o seguir dejándose perder.

Peter Solan con ésta obra logró ahondar en un tema dificil, por manoseado y por sobre adaptado al cine, saliendo airoso con el resultado de su obra, pues ésta toca los temas alejándose de todo tópico, sentimentalismo y excecivo dramatismo, pues incluye algunos toques irónicos que dan un aire moderno y más liviano al filme, como el apellido del comandante "Kraft" que significa fortaleza, vigor, y al cual Komínek le dará una paliza hacia el tramo final de la pelicula y el mismo apellido de Jan Komínek el cual significa en checo, "chimenea". Por otra parte la actuación del gran Stefan Kvietik encarnando al prisionero Kominek es perfecta, quizás la mejor de su carrera.

No se la pierdan, como dije anteriormente, es una película esencial en los temas que trata y en el cómo los trata, que producto de su pais de origen no ha recibido hasta la fecha el reconocimento que merece.  Mil gracias a eurídice y que comience la función.


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Subtítulos en Castellano cortesía de eurídice:
http://www.subdivx.com/X6XMzA1MDU5X-boxer-a-smrt-1963.html

26 octubre 2012

John Gianvito - Profit Motive and the Whispering Wind (2007)

Afán de lucro y el susurro del viento
  English | Subtítulos: Castellano
57 min | xvid 640x496 (4:3) | 2786 kb/s | 224 kb/s mp3 | 23.976 fps |
1.21Gb + 3%

http://www.imdb.com/title/tt1158308/

A visual meditation on the progressive history of the United States as seen through cemeteries, historic plaques and markers. Inspired by Howard Zinn's "A People's History of the United States". 
Una meditación visual sobre la historia de las luchas sociales en los EEUU vista a través de cementerios, placas y carteles indicadores. 

 
Beneath the meditative procession of sites, Gianvito layers an anxiety built into most viewers' gaps in 17th-to-20th-century U.S. history; for every Mother Jones, Cesar Chavez, Malcolm X and Thoreau, there are several names likely to puzzle all but the best-read buffs, at least until you can check Google (or Howard Zinn's A People's History of the United States, from which Profit... was inspired). Bursts of animation—washing hands, arguing and bellicose men—and the cumulative sense of endurance of the longstanding monuments and their honorees keep the act of posthumous witness vibrant, not ossified or ritualistic. Unfortunately, Gianvito concludes with an overreaching link to contemporary activism, introduced by foliage-obscured shots of facades of Shell, Wal-Mart and McDonalds. (There's no legacy, or transcendent epiphanies, in the failures of anti-Bush activism of recent years.) An unfortunate reminder of Gianvito's hamfisted polemical fiction feature The Mad Songs of Fernanda Hussein, it's a concluding misstep. Profit... otherwise keenly connects these giants of America's past to the living more quietly, in the presence of labor and feminist buttons next to flowers on gravesites, or the plea etched on a female organizer's tomb: DON'T IRON WHILE THE STRIKE IS HOT!
Bajo la meditativa procesión de sitios, Gianvito estratifica una inquietud incorporada en las lagunas de la mayor parte de los espectadores respecto de la historia norteamericana entre los siglos XVII y XX; por cada Mother Jones, César Chávez, Malcolm X y Thoreau, hay varios nombres que muy probablemente intrigarán a todos con excepción de los más obsesivos lectores, al menos hasta que puedan investigar en Google (o en A People's History of the United States, el libro de Howard Zinn que inspiró el film). Estallidos de animación -manos que se lavan, hombres que discuten y tienen gestos belicosos- y el acumulativo sentido de resistencia de los antiguos monumentos y sus homenajeados conservan vibrante, no osificado ni ritualista, el acto de testimonio póstumo. Desafortunadamente, Gianvito concluye con un ambicioso vínculo con el activismo contemporáneo, introducido por planos semioscurecidos por copas de árboles de carteles de Shell, Wal-Mart y McDonalds. (No hay legado, o epifanías trascendentes, en los fracasos del activismo anti-Bush de años recientes.) Este paso en falso del final es un desafortunado recordatorio de la desmañada y polémica opera prima de Gianvito, The Mad Songs of Fernanda Hussein (2001). De no ser por eso, Profit... conecta agudamente a estos gigantes del pasado estadounidense con el presente de un modo más calmo, con la presencia de distintivos sindicales y feministas junto a las flores de las tumbas, o con la exhortación escrita en la tumba de una luchadora por los derechos de la mujer: "¡No planches la ropa mientras la huelga esté al rojo!"
Bill Weber, Slant
 
 
Rather than presenting a nation neglecting her leftist heroes, using only untended markers disintegrating with time, Gianvito offers a richer, less doctrinaire sense of history. While cars unheedingly whiz by plaques commemorating major labor riots or Thomas Paine's grave, other figures like Red Jacket, Frederick Douglass and Eugene V. Debs receive a prominence they all deserve. Reading the inscriptions, intercut with shots of the wind rushing through trees, it's hard not to feel a reasoned, celebratory pride. Quick animated interludes of the frantic gestures of commodities traders form a contrast without affecting overall tone; digital lensing and sound are largely pro. 
Más que presentar a una nación que descuida el recuerdo de sus héroes progresistas, mostrando sólo señales que se desintegran con el tiempo, lo que hace Gianvito es ofrecer un sentido más rico, menos doctrinario de la Historia. Mientras los coches pasan distraidamente junto a placas que conmemoran las mayores rebeliones sindicales, o a la tumba de Thomas Paine, otras figuras como Chaqueta Roja, Frederick Douglass y Eugene V. Debs reciben una prominencia que todos merecen. Leyendo las inscripciones, alternadas con planos del viento corriendo entre copas de árboles, es difícil no experimentar un sentimiento de orgullo razonado, celebratorio. Interludios de animación con los frenéticos gestos de negociantes de materias primas aportan un contraste sin afectar el tono general; la filmación y el sonido digital son ampliamente profesionales.
Jay Weissberg, Variety
The film’s principal artistic inspiration seems to be the landscape films of Jean-Marie Straub and Danièle Huillet, in which natural settings, past political struggles, and the wind play similarly prominent roles. In fact, one might say that the wind gets far more play in this film than death does — or the profit motive, for that matter. Gianvito’s various ways of approaching the graves, memorials, and shrines through the surrounding landscapes that nestle and sometimes hide these largely unremarked sites is every bit as important as their inscriptions.
La principal inspiración artística del film parecen ser los films de paisaje de Straub-Huillet, en los que locaciones naturales, luchas políticas pasadas, y el viento juegan papeles similares. De hecho, podríamos decir que el viento pinta más en este film que la muerte, o que el afán de lucro, en todo caso. Los diferentes modos en que Gianvito se aproxima a las tumbas, a los monumentos y a los altares a través de los paisajes adyacentes que tienen en su seno y a veces ocultan a esos sitios en los que nadie repara, son no menos importantes que las inscripciones.
Jonathan Rosenbaum
Nota completa sobre Profit Motive en castellano
Me puse a buscar la película de Gianvito porque la vi mencionada repetidamente en relación con Tierra de los padres, el reciente documental de Nicolás Prividera filmado en el cementerio de la Recoleta, que levantara agitadas polémicas este año, desencadenadas en gran medida, creo, por su alegada exclusión de la programación del Bafici. Comparto más o menos las críticas que extracto más arriba; había una de The Village Voice, medio que en general sigo en lo que a críticas se refiere, escrita por un tal Nick Pinkerton (!), que me llamó la atención porque la defenestraba; pensaba publicarla para dar cuenta de todo el arco de opiniones que el film suscita en los EEUU, pero al final me dio pereza... Me parece, de todos modos, que éstas son variadas, y bastante equilibradas. Personalmente me gustó sobre todo el ida y vuelta entre el tema funerario y la vitalidad del paisaje, que asimila implícitamente a ciertas fuerzas históricas con poderes de la naturaleza: en el final, más allá de que también me pareció en alguna medida un paso en falso, veo latir como corolario la imagen de cierto ominoso bosque shakespeariano.
Con respecto a The Mad Songs of Fernanda Hussein, la opera prima de Gianvito ninguneada más arriba por Bill Weber (Slant), la versión de Rosenbaum: "...este largo creo que es uno de los films independientes norteamericanos claves de la pasada década. Y me resulta difícil encontrar otro que sea más importante para mí en términos personales." En algún momento habrá que darle una oportunidad.
La copia la distribuyó BFE2 en KG. Los subtítulos castellanos los hizo un servidor que se tomó el trabajo de leer las lápidas.
Profit.Motive.part1.rar
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