31 julio 2012

Philippe Garrel - Un été brûlant (2011)

Un verano ardiente
Francès/French I Subs:Castellano/English
92 min I Xvid 720x304 I 1836 kb/s I 448 kb/s cbr AC3 I 25 fps
1,46 GB
Dos parejas se encuentran un verano en Italia al azar del amor, los rezagos de la historia y los vaivenes existenciales de cada uno. 
El sufrimiento amoroso es uno de los temas que recorren la filmografía de Philippe Garrel, la cruzan casi como un cuchillo a lado. Y en Un été brûlant la cuestión no ha cambiado demasiado. Tomando como referencia y “marca” El desprecio -un clásico de Jean-Luc Godard donde el desamor era tema central-, la película arranca con un hombre que decide suicidarse tras ser abandonado por una mujer. De allí en adelante, lo que se contará es cómo la historia llegó allí, qué sucedió entre ese pintor burgués y aburrido (Louis Garrel) y la actriz italiana con la que vive (Monica Bellucci; en cierto sentido, en el rol que hizo Brigitte Bardot en aquel film de JLG). Garrel narrará la historia a través de otra pareja, amiga de ellos, que sirve como testigo de la forma en la que los hechos se fueron desenvolviendo. Y más allá de lo anecdótico (las dos parejas pasan una temporada juntas en Italia, donde la relación entre Garrel/Bellucci se va adormeciendo y enfriando), lo que marca esta película es la forma cruda y desgarradora en la que Garrel expone los sentimientos de los personajes. Del aburrimiento y el placer burgués a los celos, la envidia, los reproches cruzados. Todo esto parece tortuoso y en cierta medida lo es. Garrel lleva una carrera haciendo películas con historias de amor trágicas, suicidios, etc., y todas ellas son bastante cercanas a su historia personal. Aquí toma las referencias “godardianas” (que están, en fila y en detalle, si uno se toma el trabajo de buscarlas e identificarlas), pero el film tiene un tono muy distinto. En lugar de la distancia analítica de JLG, ésta es una película sentida de Garrel acerca del amor, de tenerlo, desperdiciarlo, perderlo y querer recuperarlo cuando ya es demasiado tarde(Diego Lerer, MardelPlatafilmfest)
El último film de Garrel vuelve sobre sus pasos, se visita y camina en círculos concéntricos en una acumulación de fuerzas centrífugas de todo tipo, pero especialmente de aquella que se desprende del amor y conduce hacia el desastre, la separación total, o la muerte. Garrel indaga aquí, como siempre, en los vaivenes de una relación que ya no funciona. Frederic, un pintor burgués de primera línea que se aburre sobremanera con su vida y sus cuadros, olvida con el tiempo  a su esposa Angele, que reclama en silencio por un lugar que ya no tendrá. “Ya ni siquiera me pinta” le confesará Angele a uno de sus huéspedes de ocasión. Pero no está dispuesta a resignarse, ella exige ser amada, y así, en una escena memorable, quizás una de las mejores partes musicales de los últimos tiempos, inocula el veneno de los celos a aquel que ya no la sabe mirar. De ahí en más, y sostenida por la trama secundaria de una pareja amiga que Frederic aloja por un tiempo en su casa, lo que veremos será el derrumbarse de aquello que alguna vez destelló fulgurante en nombre del amor.
Las relaciones de amistad y de amor entre los hombres y las mujeres, el significado del arte y la revolución, la Historia y el dinero, la mentira, la actuación y una verdad cínica y hermosa serán los temas de Garrel en su última obra. Los mismos de siempre, los que prefiguran incluso un malestar que nos atrae y nos hace desear.(alacartacineclub)
Paul meets Frédéric through a mutual friend. Frédéric is a painter. He lives with Angèle, a movie actress who’s making a film in Italy. To get by until he becomes an actor, Paul works as an extra. On set he meets Elisabeth, who’s also an extra. They fall in love. Frédéric invites Paul and Elisabeth to Rome.All four go to the Italian capital where their relationships undergo profound changes as emotions shift and change.
For "Un été brûlant", Garrel turns his pierc­ing gaze to the relationship between what appears to be a happy young couple and to the changes that marks the lives of all four people in very different and profound ways.
Inspired by the death of a friend of Garrel's, as well as by Godard's "Contempt", which also deals with an impossibly beautiful woman, relationship troubles and jealousy, the film delights in its intense explora­tion of the forces that make up a couple’s life. Its script is both a conversational study of behaviour and an atmospheric evoca­tion of the various forms that love and desire can take. There are many revelations to be found, and Garrel consistently sur­prises us with his narrative choices and his characters’ missteps.

"Aún en el amor cada hombre está solo." Sören Kierkegaard
Nuevos enlaces, gracias a chicharro

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Philippe Garrel en Arsenevich
Un été brûlant (2011)

28 julio 2012

Fons Rademakers - Dorp aan de rivier (1958)

89 Min | Xvid 1.288 kbps | 640x400 | 25 fps | Mp3 106 Kbps | 896 MB
Holandés/Dutch | Subtitles: Castellano

Cis el sordo, el mejor contador de historia de un pueblo a orillas del Meune comienza a recordar la historia del doctor Van Taeke, un particular médico recordado con cariño por la gente del lugar, y varios e importantes sucesos relacionados con éste y la comunidad...

This was the first film directed by popular Dutch filmmaker Fons Rademakers and it marked a great beginning to his career. Set at the turn of the 20th century in a small village, the drama centers on the town's doctor. He has been around for a long while and because of his personal ethics, he tends to side with the underprivileged or the common people on local issues. This stance makes him an enemy in the eyes of the town council, and especially so for the burgomeister.

Continuando el ciclo junto a eurídice les presentamos la película Dorp aan de rivier, estrenada el año 1958 y dirigida por Fons Rademakers.

Dorp aan de rivier es la ópera prima del padre del cine Holandés, Fons Rademakers. La película fue bien recibida por la crítica y le auguró un futuro promisorio en el mundo del cine. A diferencia de la mayor parte de su obra, donde la dirección está bastante influenciada por el movimiento de la nueva ola francesa, Dorp aan de rivier goza de una dirección clásica, influenciada posiblemente por la obra de Renoir y De Sica, de quienes fue ayudante y aprendió el oficio. La película se basa en una obra del escritor Holandés Antoon Coolen y cuenta con la maravillosa fotografía en blanco y negro de Eddy van der Enden.

Narrada en un tono nostálgico, constiuye la película un drama atravezado por inteligentes instantes de humor y por incluir un buen número de historias anexas que agilizan el relato, pero siempre articuladas en base a la historia del doctor Van Taeke, quien constituye la columna vertebral de la obra. De esta forma el relato principal nos mostrará al doctor Van Taeke en la díficil tarea de ser un médico rural, con todo lo que ello conlleva, desde las dificultades para trasladarse, la dureza de la vida en el campo, el caudillismo político del burgomaestre, y sus problemas familiares. Ante todos estos problemas Van Taeke opondrá su férreo carácter y cumplirá con su deber aunque ello le signifique arriesgar la propia vida o granjearse el odio del burgomaestre. La película no queda en eso, pues está entrecruzada por varias anécdotas y pequeñas historias que enriquecen el relato, un hombre que se suicida a causa de su mujer, otro que dice ser el más valiente del pueblo y no temer a nada, una mujer que vive con un paño en cara, un hombre que jura que le descubrirá el rostro, Cis y su extraño encuentro con una gitana, etc.

Sin más que dar mil y una gracias a eurídice por una nueva traducción, los dejo en compañía de esta belleza de película sobre la dignidad, el deber y unas cuantas cosas más. Que disfruten de la función.

DVDRip by Tiberio (KG)

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Subtítulos en castellano cortesía de eurídice:
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Fons Rademakers en Arsenevich

24 julio 2012

Fritz Lang - House by the river (1949)

Inglès/English | Subs: Castellano
85 min | Divx 640x480 | 2176 kb/s | 128 kb/s mp3 | 25 fps
1,36 G
Un escritor sin éxito, en ausencia de su esposa, intenta seducir a la criada y acaba estrangulándola sin saber muy bien cómo.El cine negro es para Fritz Lang una oportunidad, no sólo para denunciar los vicios y miserias de una sociedad a la que constantemente pone en tela de juicio, sino también la ocasión para enjuiciar la moralidad de la propia condición humana.
Dentro de los diversos géneros que Fritz Lang cultiva durante su estancia en Estados Unidos (western, cine bélico, de aventuras, de espionaje, drama, melodrama…), el cine negro ocupa un lugar muy destacado, hasta tal punto que, de los veintidós largometrajes que el cineasta dirige en tierras americanas, una docena de los mismos figura habitualmente dentro de los catálogos del género. Una clasificación metodológica que, dicho sea de paso, no resulta nunca sencilla de establecer en el caso de Lang ni en el caso de estas películas, ya que la mayoría de ellas deja ver también en su interior una fuerte presencia de elementos procedentes de otros géneros, ya sea éste el drama a secas –caso de Clash by Night (1952)- o, sobre todo, el melodrama, cuyas estructuras argumentales colorean las narraciones de títulos tan fuertemente adscritos al cine negro como Furia (Fury, 1936), Sólo se vive una vez (You Only Live Once, 1937), Los sobornados (The Big Heat, 1953), Deseos humanos (Human Desire, 1954) y un largo etcétera. (Antonio Santamarina, "La otra cara de América. Las películas negras de un cineasta vienés", en Nosferatu nº 47, diciembre de 2004)
El caso de House by the river es el paradigma total de lo que es su cine. El ambiente que desprende el film, ya desde su mismo inicio con el enrarecido plano del caserón a las orillas del río, es el de un viaje a los rincones más recónditos de la obsesión y la culpa, envueltos en un clima de perenne pesadilla, sustentada tanto en los espléndidos claroscuros de Edward Cronjager como en el gran trabajo de Louis Hayward. Quizá, éste sea el film más oscuro de todos los concebidos por el vienés, el más extremo en sus intenciones y, asimismo, el que mejor puede reflejar el talento de Lang para la creación de ambientes que, en el fondo (como buen expresionista) acaban reflejando la angustia interna del individuo. Amén de ello, la película es un prodigio de narración. Sin ningún tipo de altibajos, manteniendo siempre una tensión creciente, el film avanza proponiendo la sugerencia y extrayendo de los mínimos recursos el máximo de sensaciones: la secuencia del asesinato de Emily, la criada; Louis Hayward caminando a gatas tras haber cometido el crimen; el descenso de su esposa por las escaleras que reproduce la misma situación y planificación que el de Emily; el tenso enfrentamiento final entre los hermanos al borde del río; o, cómo no, el último plano del film donde el protagonismo del destino se hace inmisericorde mediante el título de la novela que Hayward está escribiendo, Death on the river, síntesis poderosa de todo lo acontecido y que, además, lo enlaza con la aparición del cadáver de un animal en la primera secuencia, una prodigiosa premonición que le otorga al film una inquietante estructura circular. House by the river es una pieza tan poco conocida como, en el fondo, absolutamente necesaria para tener una visión más concreta de uno de los grandes genios del Arte del S. XX. (Texto de Joaquìn Vallet Rodrigo, tomado de La sombra de Nosferatu)
Si hay una obsesión languiana por excelencia en su obra es el surgimiento y posesión de personalidades de apariencia inofensiva por la ira. Por lo general estas metamorfosis se dan en caracteres íntegros, benévolos y de ancha complexión, y tal vez con esto Lang haya querido decir que "la violencia puede surgir en los lugares menos esperados", o bien que "el ser racional no está libre de los arrebatos de furia", o para arriesgar un poco más, que "todos llevamos monstruos dentro". Las causas de la transformación de un ser humano condescendiente o de intachable rectitud en una mole sedienta de sangre pueden ser el dolor, el desamparo, o, como se ve en este film, sencillamente el sadismo.
La historia viene así. Stephen (brillante Louis Hayward), un novelista ocioso y falto de inspiración entra en calor por ver a una sirvienta desfilar suelta de prendas por su casa, intenta seducirla, y al ser rechazado forcejea con ella hasta estrangularla. (..)Conforme la película avanza, Stephen se va convirtiendo en un ser perverso y despreciable, le va tomando el gusto al asesinato y de allí se nutre de inspiración para escribir sus obras. (...)
He aquí uno de los cromos más difíciles de conseguir de la filmografía de Lang, pero lograr dar con él ofrece sin dudas su rédito. Se trata de una de las más lúgubres y enfermizas obras del director. Su oscuridad casi permanente, donde se recortan fuentes aisladas de luz y figuras difusas, y el uso de sombras y de claroscuros de tipo expresionista generan una atmósfera opresiva insustituible. (Miradas de Cine)
Virtually unseeable for half a century, House by the River, the rarest of Fritz Lang's American films, proves to be an atmospheric serving of Southern Gothic with style and perversity to burn. This is a happy surprise, given that the film was made at a low point in Lang's career, at a Poverty Row studio, with a low-wattage cast. Louis Hayward--whose dark, spoiled good looks and insinuating smile suggest Orson Welles' tawdry evil twin--plays an effete author in a small 19th-century town. One hot, lazy afternoon he's tempted (in a brilliantly directed scene) by thoughts of the comely maid soaking in his upstairs bathroom. There follows an awkward pass, a hand over her mouth, and suddenly he finds himself an accidental murderer. With a dead body to get rid of, living by a river comes in handy. But on this river, secrets have a way of returning with the tide.
The script by Mel Dinelli (who had just written the trim 1949 thriller The Window) ably milks the suspense, and there's a creepy moonlit search by rowboat for the now-you-see-it, now-you-don't corpse. The failed novelist, beginning to relish his guilt, acquires fresh inspiration as a writer and also becomes a cagy manipulator of other people, notably the wife (Jane Wyatt) who doesn't know what he's done, and the crippled brother (Lee Bowman) who does. Making a virtue of production resources only slightly upscale of Edgar G. Ulmer, Lang turns the titular domicile into an Expressionist hothouse where lace curtains yield a web of shadows, potted plants throw jagged black spears across high-key faces, and the breeze from the river is anything but fresh. --Richard T. Jameson
"Poco a poco me he convencido de que cada cerebro fabrica en su intimidad una inclinación al asesinato. Sí, cada uno de ustedes es un asesino en potencia que sólo necesitaría un primer empujoncito mental para acabar delante de un jurado. A veces eso me tortura, pero a veces también me divierte pensar que soy un asesino en potencia." Fritz Lang

Nuevos enlaces, gentileza de chicharro

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Fritz Lang en Arsenevich

22 julio 2012

Werner Herzog - Glocken aus der Tiefe – Glaube und Aberglaube in Rußland (1993)

Las campanas del alma
Ruso/Russian | Subs: Castellano
60 min | Xvid 512x384 | 1499 kb/s | 104 kb/s vbr mp3 | 29,97 fps
699 MB
En un rincón perdido de Siberia, los hombres creen en chamanes, exorcistas, nuevos Mesías y en una leyenda que habla de un lago cuyas profundidades dejan escapar el sonido de las campanas de una catedral. Según esta leyenda, hace siglos, la ciudad de Kitesh, amenazada por una invasión mongola, fue salvada por Dios que hizo que el lago Swetloyar engullera a sus enemigos. Este documental causó cierta polémica en Rusia por presentar Siberia como una región de cultura profundamente primitiva y dominada por las supersticiones y la mística.
Werner Herzog observa a los curanderos en Siberia, que se autodenominan salvadores y se hacen pasar por sucesores de Cristo, y a personas que en el lejano lago Svetlojar llevan a cabo extraños e inexplicables rituales.  
Un hombre se arrastra sobre el hielo seguido de otro hombre. La concentración se dirije hacia abajo, a las profundidades, desde donde supuestamente se oyen campanas. El motivo, que se recuerda en muchas leyendas europeas, se centra en la nostalgia por lo desaparecido, lo invisible, que en determinados momentos puede volverse perceptible. Como en la mayoría de sus supuestas obras documentales, Herzog renuncia a las explicaciones verbales, simplemente graba lo que le fascina; en este caso transmite esporádicamente un poco de información adicional o traduce la versión original mediante la voz en off. Habría sido fácil dar al espectador algunas explicaciones sobre el vacío en la doctrina de la salvación y las utopías tras la desintegración de la Unión Soviética, pero Herzog confía estas consideraciones al raciocinio del espectador. Así a veces da la impresión de que al director de cine le dé vergüenza, por respeto a las personas, desvelar sus verdaderos o supuestos misterios. 
En la región del curso superior del río Yeniséi, Herzog encuentra unas humildes cabañas; dentro se encuentran varias personas, todas calladas; un hombre lleva cabo un ritual con fuego, humo y agua y los presentes beben de un cuenco. Una mujer explica: “Estamos enfermos”. El chamán debe exorcizar los malos espíritus e indicar el buen camino a la tribu nómada. A modo de acompañamiento se oyen constantemente los extraños cantos siberianos. 
Una mujer anuncia que el salvador ha llegado y que desean unirse a él. Y el mismo “salvador”, una mezcla de Rasputin, un cuadro del Nazareno y un traje bávaro típico de Oberammergau, declara impertérrito: “¡Yo solo digo que soy la palabra del Padre!” La cifra de estos autodenominados sucesores de Cristo ―esto lo ha expicado Herzog en una mesa redonda― crece constantemente. Otro salvador afirma que transmitirá energía al agua y a los ungüentos, y mueve los brazos como si dirigiese a un espíritu. También Yuri Tarassow le dice seguro al sanador: ”Yo, el mago ruso, os ordeno…!” Sobre un escenario hay mujeres que sufren ataques de histeria, reales o aparentes, no lo decidimos nosotros; lloran y piden al mago que tenga la piedad de curarlas. 
En las profundidades del lago Kitezh hay una ciudad sumergida, que corrió tal suerte porque Dios quiso salvar a los devotos del ataque de los tártaros. En las proximidades se encuentra una colina; un anciano la rodea a cuatro patas, sería la “septima colina de Jerusalén”. Una mujer cuenta que ha visto a un demonio, que un cerdo se ha vuelto loco y que ha oído las campanas de las profundidades. Al fondo, los hombres se arrastran sobre el fino hielo que cubre el lago; lo que tienen debajo no siempre parece sólido. Pero ―hay que fijarse bien porque Herzog lo muestra solo de refilón― el lago también lo utilizan los pescadores y los patinadores. 
Un hombre toca un carrillón en un castillo; dice que quiere alegrar a la humanidad con su “arte”. Antes era operador de cine. Cuenta que fue un niño huérfano y que no sabe nada de sus padres. Nos enteramos de que el hombre nació en 1944. Herzog se abstiene de evocar el trasfondo de la Segunda Guerra Mundial, los horrores de la historia; la relación entre pasado, presente y la profunda nostalgia, que puede ser racional o irracional, la salvación la ha de crear el propio espectador. También resulta reveladora la relación de suspense entre los primeros planos y los planos abiertos e infinitos, en los que las personas aparecen pequeñas y perdidas, una estética que ya se podía apreciar en la película de Herzog de 1974, Jeder für sich und Gott gegen alle; también esa historia del niño expósito Kaspar Hauser trataba de la pérdida de uno mismo en la inmensidad del mundo. (H.G. Pflaum, Goethe Institut)


"Hay algo muy profundo en los rusos. Estoy casado con una rusa de Siberia y mucha de aquella gente tiene profundas creencias y supersticiones. Creo que tienen muy indefinido el límite entre fe y superstición. La pregunta era la siguiente: ¿Cómo representar el alma de una nación entera en una hora de película?" Werner Herzog
Nuevos enlaces, gentileza de chicharro

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(Subs gracias a Asclepio)
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Werner Herzog en Arsenevich

21 julio 2012

Erkko Kivikoski - Kuuma kissa? (1969)

 Finés/Finnish | Subs: Castellano
  78 min | Xivx 640x384 | 1.218 kb/s | 77 kb/s Mp3 | 25 fps 730 MB

Una joven profesora que rehuye de los hombres a causa de una reciente ruptura sentimental, un rebelde alumno suspendido por ser hallado en estado de embriaguez, ella se ofrece a ser su tutora, poco a poco se irán acercando tanto física como emocionalmente...

Marja is a 24-year-old Finnish teacher at a grammar school. One morning, while on their way to work, she and a colleague come across Antti, a student who is drunk as a skunk. Antti is expelled from the school for good and Marja is astonished at the harsh punishment. She volunteers to give the boy private lessons to supplement his evening classes. In the beginning they both are reserved, but as they start to trust each other, the relationship grows closer.

Erkko Kivikoski was a typical example of Finnish new wave-filmmaking, launching his career in the sixties after the collapse of the country's studio system. He became known as a director of small-scale movies characterized by their sensitive evocation of moods and believable characters.

Hot Cat? marked Kivikoski's return to film-making after the meagre success of his first two feature films was followed by a stint as a chip shop proprietor. The movie deals with class-conflict (Of course, it was the 60s!) and hypocrisy, a theme the screenwriter Kerttu-Kaarina Suosalmi was preoccupied with in her novels as well. The film was well received by both the audience and the critics.


Continuando el ciclo junto a eurídice, cae por acá la pelicula Kuuma kissa? del director finlandés Erkko Kivikoski.

Kuuma kissa? es una película perteneciente al periodo de la nueva ola finlandesa de cine, este movimiento cinematográfico fue directamente influenciado por el free cinema y la Nouvelle vague, y dio un nuevo impulso al cine finlandés el cual se encontraba en un periodo de crisis, pues en aquellos años se había impuesto la televisión al cine, los grandes estudios iban quebrando y se acababa la forma clásica de la producción cinematográfica. Bajo aquel panorama se produjo la irrupción de una nueva forma de hacer cine, más económica, más libre, cámara en mano, con una profunda preocupación por lo social, por investigar nuevas formas y recursos narrativos. La película que presentamos es una obra pequeña que sirve de botón de muestra de aquel periodo del cine en finlandia.

Kuuma kissa es ante todo una historia de amor, sus protagonistas son dos seres que si bien están integrados en la sociedad, no están contentos con ella, y cada uno de diversa forma se aisla a modo de protección. Dentro de esta dualidad sus formas de rebeldía resultan del todo vacuas e inútiles. De esta forma, estos dos seres desangelados comenzarán poco a poco a trabar relaciones, poco a poco irán saliendo de ese estado en que se encontraban vueltos hacia si mismos y poco a poco irán cayendo las barreras del Yo cuando comiencen a sentir que han encontrado algo verdadero dentro de un mundo que poco y nada les ofrecía...

Muchas gracias a eurídice por la traducción, los dejo con la película.


Kuuma kissa.part1.rar
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Subtítulos en castellano cortesía de eurídice:
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20 julio 2012

Takeshi Kitano - Sonatine (1993)

Japonés / Subs: Castellano, English (muxed)
93 min | mkv 720x384 (16:9) | 23.976 fps
1.17Gb + 3%

http://www.imdb.com/title/tt0108188/

Several yakuza from Tokyo are sent to Okinawa to help end a gang war. The war escalates and the Tokyo drifters decide to lay low at the beach.
Unos yakuza de Tokio son enviados a Okinawa para ayudar a terminar una guerra de pandillas. Pero la guerra recrudece, y los sicarios deciden desaparecer un tiempo y recluirse en una playa.

'Beat' Takeshi has a stand up comedy show in his own country and, for sure, Sonatine has its fair share of humour. (...); it's clear that as a director he has good comic timing and the ability to comfortably juxtapose laughs and riveting action sequences.
However, don't get the impression that Sonatine is a comedy; it has the rather disturbing and tragic project of tracing the gradual annihilation of Kitano's Yakuza gang after it gets involved in the mob business of an Okinawa ally. Unlike an American gangster movie, whose pace and plot would probably build to an explosive climax, Sonatine shatters the continuity of any climactic process with periods of almost meditative serenity and inaction as Kitano and his men try to weather the storm of violence at a beachfront retreat. 
 
'Beat Takeshi' tiene un programa cómico en la televisión japonesa y, sin duda, Sonatine no carece de una cuota de humor. (...) resulta claro que como director Kitano tiene sentido de la comicidad y habilidad para juxtaponer cómodamente risas y pasmosas escenas de acción.
Sin embargo erraríamos si creyéramos que Sonatine es una comedia, ya que la suya es una historia perturbadora y trágica. A diferencia de las películas de gangsters norteamericanas, cuyo ritmo y trama suele conducir a un climax explosivo, el film de Kitano hace pedazos cualquier progresión de este tipo con pasajes de serenidad e inacción casi meditativas mientras Kitano y sus secuaces buscan ampararse de una tempestad de violencia en la soledad de su playa.
 Iain Harral, Edinburgh Film Society
 
La muerte es un juego de niños. "Erupción de violencia" es la expresión de rigor a la que se recurre a menudo; calificación engañosa, sin embargo, cuando Kitano asume un efecto de shock deliberado. En su momento, Tarantino fue el que distribuyó el film en los EEUU, pero si alguna vez pudo llegarse a suponer una relación de parentesco, hoy la idea suena absurda de inmediato. No hay acá nada que pretenda ser cool desde el vamos, ninguna ironía. Lo irritante en estas escenas de violencia es que, por súbita e inesperadamente que lleguen, siguen siendo parte homogénea de un flujo narrativo terso y parsimonioso. La mirada de Kitano, ya sea que se vuelque sobre flores o sobre baños de sangre, aparenta ser de una calma sin límites: en ella nunca se sabremos si hay tristeza o regocijo, o ambas cosas.
Esta actitud difícil de aprehender que caracteriza al director Kitano se refleja asimismo en su interpretación y en el carácter de su personaje, un tipo que siempre ha ido cambiando desde Violent Cop (Sono otoko, kyôbô ni tsuki, 1989) y Boiling Point (3-4 x jûgatsu, 1990) hasta Flores de fuego (Hana-Bi, 1997) y Brother (2000), como si ser policía o ser yakuza fuera algo indistinto: un personaje solitario, sin sitio propio, de imposible integración social, que vaga por un mundo violento e indiferente y halla al fin la muerte en un tiroteo. Si este personaje ríe, suele ser al enfrentarse a la muerte. Sólo ocasionalmente el personaje se vuelve mundano; en Sonatine asoma una tímida, breve chispa de una historia de amor, pero se trata sólo de un corto interludio sin consecuencias. El afiche de Sonatine, en el que Kitano ríe extáticamente mientras gatilla un revólver contra su sien se ha convertido en icono, en apretado resumen de su poética.
Maurice Lahde, Critic.de
Mi primer Kitano años ha, asimismo el primero que se estrenó en nuestro medio si no me equivoco, y el que cimentara definitivamente la fama del realizador en Occidente a comienzos de los 90, recuperado ahora en copia dignificada.

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13 julio 2012

Christian Vincent - La Discrète (1990)

La discreta / The Discreet
VO Français / Subs: Castellano, English
90 min | XviD 640x400 | 1300 kb/s | 192 kb/s mp3 | 25.0 fps
950 MB + 3%
http://www.imdb.com/title/tt0099436/

There is an author who has been dumped by his girlfriend and has no inspiration for a next novel. In an attempt to find a solution to both crises...
A punto de romper con su amiga Solange, Antoine, literato y asistente parlamentario en el Senado, la ve en el andén de la Gare de Lyon en brazos de otro hombre. A Antoine le refluye la sangre, y sólo puede pensar en vengar la afrenta. Será su amigo Jean, editor, quien le dará la idea de emprender una venganza genérica: seducir a otra mujer y abandonarla para -a partir de ese material- componer una novela. Pero, como se sabe, la seducción y ciertos géneros literarios son armas de doble filo.
Sur le point de rompre avec son amie Solange, Antoine, assistant parlementaire au Senat, apercoit son amie sur le quai de la gare de Lyon au bras d'un autre homme. Son sang ne fait qu'un tour et il ne pense plus qu'a se venger de cet affront. C'est son ami Jean qui va lui donner l'idee de seduire une autre femme et de l'abandonner. Mais, dans cette histoire, est seduit qui croit seduire.
 
Voilà un premier long métrage qui, vu au moment de sa sortie, m'avait tout bonnement enchanté, et pour plusieurs raisons. D'abord par les qualités intrinsèques d'un scénario original, largement inspiré du badinage du XVIIe siècle et des oeuvres libertines de Pierre Choderlos de Laclos, s'attachant en permanence à dialoguer avec l'intelligence du spectateur. Ensuite, par la maîtrise et la sobriété de la mise en scène, au service exclusif de la narration, et par l'interprétation des acteurs, en particulier, évidemment, celle de Fabrice Luchini dans un rôle décisif écrit pour lui et qui contribuera assez largement à sa notoriété et à celle du film.(...)
La rigueur et la finesse de Christian Vincent et Jean-Pierre Ronssin dans l'écriture de leur histoire, à la saveur douce-amère, et le classicisme de son traitement en font un des films les plus réjouissants du cinéma français de son époque.
 
 
He aquí una opera prima que, en el momento de su estreno, me había encantado por muchas razones. En principio por las cualidades intrínsecas de un guión original, largamente inspirado en los jugueteos del siglo XVII y en las obras libertinas de Choderlos de Laclos, y que como tal se obstinaba en dialogar con la inteligencia del espectador. Después, por la maestría y la sobriedad de la puesta en escena, al servicio exclusivo del relato, y por la interpretación de los actores, en particular, evidentemente, la de Fabrice Luchini en un papel decisivo escrito a medida, y que contribuirá ampliamente a cimentar su fama y la del film. (...)
El rigor y la fineza puestos en juego por Christian Vincent y Jean-Pierre Ronssin en la escritura de su historia de sabor agridulce, y el clasicismo de su tratamiento hacen de éste uno de los films más deleitables del cine francés de su época.
DvdToile

Like fellow countrymen Eric Rohmer and Francois Truffaut, newcomer Vincent has a razor keen eye for the tiny, seemingly trivial details that most people never even bother to pick up on. La Discrète, a tale of one man's bizarre seduction of a young, randomly picked woman (and how the best laid plans often... well, you know), is filled to bursting with these tell-tale signs, looks, and gestures, and, if you didn't know better, you'd say it was Truffaut back from the grave for one last bittersweet take on the human condition.
  Marc Savlov, The Austin Chronicle
 
Una película descubierta en los 90 en el viejo vhs, creo, o tal vez en algún canal europeo de TV. Años después todavía sostiene la mirada. Subtítulos castellanos de un servidor.

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