29 febrero 2012

Luchino Visconti - Il gattopardo (1963)

Italiano (latín y francés) / subs: Castellano / English / Français 
185 min |XviD 640x272|1692-1207-1299 kb/s |192 kb/s AC3 | 29,97 fps
2,11 GB (CD 1 701 MB + CD2 701 MB + CD3 699 MB) + 3% recuperación




Película basada en la novela homónima de Giuseppe Tomasi di Lampedusa (1958). Es la época de la unificación de Italia en torno al Piamonte, cuyo artífice fue Cavour. La acción se desarrolla en Palermo y los protagonistas son Don Fabrizio, Príncipe de Salina, y su familia, cuya vida se ve alterada tras la invasión de Sicilia por las tropas de Garibaldi (1860). Para alejarse de los disturbios, la familia se refugia en la casa de campo que posee en Donnafugata. Hasta el lugar se desplazan, además de la mujer del Príncipe y sus tres hijos, el joven Tancredi, el sobrino predilecto de Don Fabrizio, que parece simpatizar con el movimiento liberal de unificación






Nuevos links  provistos por Ana, qui dicit:

"versión original en italiano de Criterion Collection. Los subs FR, EN y ES han sido adaptados y re-sincronizados porque no se conseguían subtítulos para esta versión de 29,97 fps en 3 CDs.
Fuente: la bajé tiempo ha de un blog italiano (valecomondo) al que ahora no hay acceso. Se agradece al autor del rip."


Il gattopardo.part01.rar
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28 febrero 2012

Preston Sturges - Christmas in July (1940)

 Inglès/English I Subs:Castellano
68 min I Divx 720x480 I 1199 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 23,97 fps
646 MB +3% recuperación/recovery
Un oficinista sueña con hacerse millonario y casarse con la chica que ama, pero todo cambiará cuando...
Nadie parece dudar de que Preston Sturges es un maestro de la comedia americana clásica, aunque no siempre aparezca en las listas rápidas del género. Pero se admite con menos facilidad que fuera un cineasta en toda regla, a pesar de que se convirtió en un pionero en el concepto de autor, y que su obra va bastante más allá de la intención de hacer reír.
A lo largo de 2003 se ha producido una especie de revival no planificado de Preston Sturges. Simultáneamente se publicaban en España dos libros sobre el autor de Los viajes de Sullivan y el Festival de Cine de San Sebastián le dedicaba también la retrospectiva y la correspondiente publicación, mostrando además la faceta de Sturges como guionista como parte indisoluble de su trayectoria. A menudo se habla deSturges como el más ácido y corrosivo de los cineastas de la comedia americana de los años 30 y 40 y también el más volcado directamente en el género. Frente a HawksCukor,McCarey o La Cava, que frecuentaron otros géneros, la obra de Sturges, cuando se define someramente, suele presentarse como un bloque unitario con ligeras variantes, que tiene sus fronteras en las ocho películas que dirigió para los estudios Paramount entre 1940 y 1944. Es en ese conjunto de obras, de una solidez y personalidad raras en el cine de Hollywood de los años 40, donde se consolida el talento de Sturges. Pero ni partía de cero el cineasta cuando dirigió su primera película,The Great McGinty, ni su única voluntad era hacer reír al público, a pesar de su famoso decálogo de la comedia. Muchas de las constantes de su cine ya están presentes en los guiones que escribió para otros directores en los años 30, y en la mayor parte de sus películas como realizador existe un sustrato dramático, que en muchas ocasiones aflora directamente. (...) (Texto de  Ricardo Aldarondo, tomado de Cinexilio)
Segundo largometraje de Preston Sturges, en el que interviene como guionista y director. Adapta la comedia "A Cup Of Coffe" (1931), del propio realizador, todavía no estrenada. Se rueda en los Paramount Studios con un presupuesto ínfimo, cuando en Europa ya había estallado la IIGM. Producida por Paul Jones, se estrena el 18-X-1940 (EEUU).
La acción tiene lugar en NYC en julio de 1940, a lo largo de algo menos de 24 horas. Jimmy MacDonald (Dick Powell), oficinista modesto de una empresa cafetera, no quiere casarse con su novia, Betty Casey (Ellen Drew), vecina y compañera de trabajo, hasta que haya prosperado economicamente. Tienta la suerte participando en un concurso de esloganes comerciales de la empresa cafetera Maxford, cuyo primer premio es de 25.000 dólares.
La película es una comedia realista en la que el realizador combina ternura y sátira bajo la apariencia de una obra alegre, divertida y optimista. Toca los sentimientos en la justa medida para emocionar sin caer en sentimentalismos, como prueba la ajustada escena de la niña en silla de ruedas. El humor se basa en malentendidos (Sr. Maxford), bromas de compañeros, imágenes sorprendentes (sala con más de 50 puestos de trabajo alineados y despersonalizados), el pintoresquismo de algunos personajes (jefe de oficina), el descarado oportunismo de otros (Sr. Shindel), situaciones surrealistas (desacuerdo del Jurado), las confesiones autocríticas (el empresario que reconoce carecer de talento) y la recreación de slapsticks (la revuelta de los vecinos del East Side con lanzamiento de tomates, pescados y pasteles). Añade elementos de sátira sobre el sueño americano, el concepto de éxito y triunfo, el consumismo compulsivo, la caprichosa valoración del talento, los caprichos del destino. Menciona los avances técnicos (lavadora eléctrica), elogia los inventos (cama desplegable inventada por el realizador), muestra la utilidad de la tecnología aplicada (interfonos múltiples), enseña el nuevo diseño de los teléfonos de mesa, etc. Propone que en un mundo libre y competitivo todos tengan oportunidad de demostrar su valía y capacidad suficiente para afrontar el fracaso. Elogia la incorporación de la mujer al mercado de trabajo (antes de que la IIGM la impusiera en el país) y la generosidad. Lamenta con mordacidad la carestía de la vivienda de entonces.
La música, tomada de grabaciones genéricas, es de Werner R. Heymann, John Leipold y Leo Shuken, no acreditados. Incorpora fragmentos de composiciones orquestales del momento, ligeras, bailables y alegres, con predominio de los instrumentos de viento. La fotografía, en B/N, crea imágenes bien contrastadas, que destacan con negros intensos sobre grises claros los elementos centrales de la acción (protagonistas, muñeca de la niña discapacitada, policía, gato que evoca el destino de la suerte o la desgracia, etc.). Los diálogos son brillantes, la narración es bellamente concisa y la cinta sabe a poco por su brevedad (70').(Texto de Miquel, Filmaffinity)
Released the same year as his directorial debut, Preston Sturges's second feature, Christmas in July, streamlines and supercharges the writer-director's visual and narrative styles. Sturges again tackles a ripe satirical target (in this case, advertising), and dramatizes it with a hyperbolic plot and over-the-top characters, all clocking in at a blink-and-you'll-miss-it 67 minutes.
Jimmy MacDonald (Dick Powell), an underling at the mammoth, bureaucratic Maxfield House Coffee company, dreams of his big break through an entry in his employer's radio sweepstakes for a new slogan. Jimmy's would-be tagline ("If you can't sleep at night, it isn't the coffee--it's the bunk!") may be inscrutable to all but its author, but when coworkers engineer a phony victory, even the company president swallows the bait. For a moment, at least, Jimmy and his sweetheart (Ellen Drew) are $25,000 richer. How they spend, then lose, that fortune occupies the rest of the slender story line, setting up Sturges's fable as a comment on greed and community.
Even with Sturges's hectic pacing to push characters and wisecracks at a furious clip, the feature feels more like a fast-food snack than a full meal, and specifics of the plot feel very dated. The director's fans will probably find the biggest Christmas present is the evident expansion of Sturges's still embryonic repertory company, which adds some key players in Franklin Pangborn, Ernest Truex, and Raymond Walburn. --Sam Sutherland
"Me ha llevado ocho años llegar a lo que yo quería. Pero ahora, si no me quedo sin ideas - y espero que no - nos divertiremos. Hay películas maravillosas por hacer, y si Dios quiere, yo voy a hacer algunas de ellas." Preston Sturges, luego de ofrecer uno de sus guiones por 1 dòlar para que, al fin, lo dejen dirigir

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27 febrero 2012

Michel Deville - Eaux profondes (1981)

Francés/French | Subs: Castellano/English
91 min | XviD 640x384 | 1500 kb/s | 128 kb/s mp3 | 25 fps
1,03 GB + 3% recuperación/recovery
 Aguas profundas
Vic y Melanie son una pareja aparentemente feliz y tienen una hija. Pero cada uno de los dos, a su manera, pervierte esta relación. Melanie se muestra abiertamente con sus amantes, mientras que Vic, que juega a ser un hombre moderno y sin prejuicios, sigue con interés las infidelidades de su esposa y le dice a cualquiera que quiera escucharlo que él mató a Malcolm, uno de los amantes de su mujer. Algunos interpretan semejante afirmación como cinismo, otros, como Joel y Ralph, le creen. Sólo Melanie y el joven Miller, recién llegado a la isla de Jersey, conocen la verdad...

Deep Water
Vic Allen appears to accept his young wife Melanie’s flirtations with men of her own age with a generous insouciance.  He amuses himself by scaring off her potential lovers by claiming that he killed one of their predecessors.   This only increases his wife’s antagonism towards him, but Vic loves her too much to let her go.  When Melanie’s next suitor is found dead in a swimming pool, she is convinced that her husband killed him, but she has no proof.  Their psychological battle of wills has only just begun... 
English subs by Minimus
 Jersey. Vic et Mélanie forment un couple heureux avec leur petite fille, Marion. Mais chacun pervertit à sa façon cet amour. Mélanie s'affiche ouvertement avec ses amants, tandis que Vic qui joue l'homme libéral, suit avec interêt les infidélités de son épouse et affirme à qui veut l'entendre qu'il a tué Malcolm, l'un des amants de sa femme. Certains prennent cette affirmation pour du cynisme, d'autres comme Joël et Ralph le croient. Seuls Mélanie et le jeune Miller, nouvellement arrivé dans l'île, connaissent la vérité... 

DVD rip de mproust87 (KG)
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--
Michel Deville en Arsenevich

24 febrero 2012

Luc Moullet - Anatomie d'un rapport (1976)

Farther Than Sex / Anatomy of a Relationship 
Anatomía de una relación
Français | Subtítulos: Castellano/English (.srt)
528x400 (4:3) | 1175 kbps | 78 min | 29.970 fps | mp3 128 kbps
742 Mb + 3%

http://www.imdb.com/title/tt0072643/
"For me," Luc Moullet wrote, "there isn't intelligence and stupidity, but intelligence-stupidity." A Cahiers critic who championed Samuel Fuller as an "intelligent primitive," Moullet turned to directing well after his comrades (Godard, Truffaut, et al.), and has been playing catch-up ever since. With one exception, the movies in International House's "5 Comic Films" showcase are emphatically unserious, teetering concatenations of moth-eaten gags splintered with Dadaist verve. Moullet has said his "main aim is to make people laugh," but he lacks the killer instinct of a natural comedian. Even though his features typically run less than 90 minutes, they're never rushed; for all their frenetic dislocations, they're somehow restful.
Fond of barren landscapes, blackout gags and Sisyphean slopes, Moullet is, like the Parisian rebels of May 1968, "Marxiste, tendence Groucho," a slapstick anarchist who expresses his hostility to the modern world by refusing to take it seriously. (...)
The series' most atypical entry is Anatomy of a Relationship (1975), co-directed with Moullet's wife Antonietta Pizzorno. With Moullet as himself and Christine Hébert as an obvious Pizzorno stand-in, Anatomy dissects in painful detail the sexual dysfunction in its makers' marriage. Hébert demands clitoral orgasms, and Moullet lamely parries, "It's just a matter of an inch or so -- it's all part of the same system." Calling himself "the first victim" of the sexual revolution, Moullet paradoxically comes off the better of the two, or at least the more willing to bear the ugliest parts of himself; even a joke sequence observing that sewer holes are perfectly sized to swallow up film canisters betrays a trace of vaginal horror.
"Para mí," escribió Luc Moullet, "no hay inteligencia y estupidez, sino más bien inteligencia-estupidez." Crítico de los Cahiers que definiera admirativamente a Samuel Fuller como "un inteligente primitivo", Moullet pasó a la dirección bastante después que sus compañeros (Godard, Truffaut, etc.), y desde entonces intentaría alcanzarlos. Con una sola excepción, los films de esta compilación son encadenamientos tambaleantes y enfáticamente burlescos de desvencijados gags, astillados con brío dadaísta. Moullet ha dicho en más de una ocasión que su "principal objetivo es hacer reír a la gente," pero carece del instinto asesino de un comediante nato. Aun cuando sus films duran típicamente menos de 90m, nunca se aceleran: a pesar de todas sus frenéticas dislocaciones, son de algún modo reposados.
Aficionado a los paisajes yermos, a los gags lacunares, y a las pendientes sisífeas, Moullet es, como los rebeldes parisinos de Mayo del '68, "marxista de tendencia grouchiana", un anarquista bufonesco que expresa su hostilidad hacia el mundo moderno simplemente rehusándose a tomarlo en serio.(...)
El ítem más atípico de la serie es Anatomía de una relación, codirigido con Antonietta Pizzorno, la mujer de Moullet. Con Moullet haciendo de sí mismo, y Christine Hébert como obvio alter ego de la Pizzorno, Anatomía... disecciona en doloroso detalle la disfunción sexual en el matrimonio de sus hacedores. Hébert exige orgasmos clitorales, y Moullet se escurre lastimosamente: "Es cuestión de un milímetro más o menos... Y todo es parte del mismo sistema." Llamándose a sí mismo "primera víctima" de la revolución sexual, Moullet es paradójicamente el que sale mejor parado de los dos, al menos el más voluntarioso en eso de aceptar la parte más fea de uno mismo; incluso, una secuencia jocosa con la observación de que las bocas de las alcantarillas están perfectamente dimensionadas para tragarse latas de película, delata rastros de horror vaginal.
Sam Adams, Philadelphia City Paper
“One can bet this film will be a flop. That’s good for me; I’ll have the opportunity of stealing it one day.”
"Podemos estar seguros de que este film será un fiasco. Yo lo tomo como una buena noticia: algún día tendré la oportunidad de robármelo."
Jean Eustache
Just for the record, it was LM and not Godard who first observed that morality is a matter of tracking shots (“La morale est affaire de travellings”), in the course of his remarkable “Sam Fuller sur les brisées de Marlowe” [”Sam Fuller in the Footsteps of Marlowe”] (Christopher, not Philip) in Cahiers du cinéma no. 93. When Godard picked up the idea and inject it into a Cahiers discussion of Hiroshima, mon amour four months later (no. 97), he gave the phrase more currency by standing it on its head: “Les travellings sont affaire de morale.“
Much of LM’s work can be seen in the shadow of pre-1968 Godard: use of Hollywood genres, along with a dismemberment of many of the parti pris of Hollywood narrative; an anarchist thrust often involving a flight from civilization; a deadpan, often boorish kind of humor in handling male actors that always makes one aware of the presence of mug in smug (Belmondo and Szabo in all their Godard appearances, Jean-Pierre Melville in Breathless, the louts in Les carabiniers, etc.); self-reflexive references to the film you’re watching. Yet whether by design or default, most of LM’s echoes of Godard tend to come as rather devastating critiques of his mentor, perhaps because LM is a light-hearted humanist and Godard is not, so that, for example, Les contrebandières can be read as a “deconstruction” of Les carabiniers, just as Les carabiniers “deconstructs” the war film. LM has also alluded to an important class difference between them — Godard’s bourgeois background versus his own peasant origins — which helps to distinguish their styles and attitudes.
Sólo para dejar constancia: fue Luc Moullet y no Godard el primero en afirmar que la moral es cosa de travellings (“La morale est affaire de travellings”), en el curso de su notable “Sam Fuller sur les brisées de Marlowe” [”Sam Fuller en la senda de Marlowe”] (Christopher, no Philip) en Cahiers du cinéma nº 93. Cuando Godard recogió la idea y la introdujo cuatro meses más tarde en una discusión sobre Hiroshima, mon amour (Cahiers nº 97), le dio a la frase más gancho poniéndola patas para arriba: “Les travellings sont affaire de morale.
Mucho de la obra de LM puede ser visto a la sombra del Godard pre-68: uso de los géneros de Hollywood, junto con el descuartizamiento de muchas de las opciones narrativas hollywoodenses; un impulso anarquista que conlleva muchas veces una fuga de la civilización; un humor inexpresivo, a menudo zafio, en el modo de tratar a los actores masculinos, que siempre nos hace conscientes de su presencia en el personaje (Belmondo y Szabo en todas sus apariciones en films de Godard, Jean-Pierre Melville en Sin aliento, los patanes de Les Carabiniers, etc.); referencias autorreflexivas al film que uno está mirando... Pero, ya sea por designio o por error, la mayor parte de los ecos de Godard en LM tienden a funcionar como críticas bastante devastadoras de su mentor, quizás porque Moullet es un desenfadado humanista, y Godard no: de modo que, por ejemplo, Les Contrebandières puede ser vista como una "desconstrucción" de Les Carabiniers, así como este último "desconstruía" por su parte el film de guerra. LM ha aludido en ocasiones a una importante diferencia de clase entre ellos -los orígenes de Godard en la alta burguesía, contra su propia procedencia campesina- que ayudaría a distinguir entre sus estilos y actitudes.
Jonathan Rosenbaum, "À la recherche de Luc Moullet: 25 Propositions"
 
English subtitles "by Noel Burch" (!?), with some lines missing, however I don't think this hampers much the understanding of the movie. Subtítulos castellanos anónimos y de buena calidad, en los que sólo adulteré el término "follar" para adaptarlos a nuestro humilde dialecto rioplatense. Copia compartida hace un tiempo ya por gungi en KG. Va como yapa un corto mudo de 14m titulado "Barres", también de Moullet, con subtítulos castellanos e intertítulos artesanales en francés; un sitio de la red da de él una breve reseña: "Lecciones sobre cómo vencer al sistema: personas de todo tipo ensayan diversos métodos para viajar sin pagar en el Metro de París."

MoulletXDos.part1.rar
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23 febrero 2012

Philippe Garrel - La naissance de l'amour (1993)

 Francès/French I Subs:Castellano/English
90 min I Xvid 720x464 I 1878 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 25 fps
1,26 GB
Dos amigos, Paul y Marcus, se cuestionan el origen del amor al hilo de sus experiencias emocionales. 
Si consideramos la trayectoria de Philippe Garrel con un poco de distancia, parece que periódicamente el cineasta se deba tropezar con un impasse estético, o con una pregunta difícil de resolver, para hacer volver a su cine a un lanzamiento vivo y fuerte. Habrá sido necesario que Garrel, a finales de los años 70, tomara conciencia de su tropiezo con el hermetismo y el arte por el arte, con las últimas películas de lo que podemos considerar como su primer periodo (Voyage au jardin des morts o Le bleu des origines), puede que como medida para dejar la estratosfera rarificada donde apenas podíamos acompañarle, para encontrar lo real, gracias a los virtudes de lo autobiográfico, y realizar la magnífica L´enfant secret. Habrá sino necesario también que en 1985 realizara Elle a passé tant d´heures sous les sunlights, film- naufragio y film-límite, donde Garrel parecía querer mostrarlo todo y cuidarlo (tanto las claquetas como su propia apendicitis, que tuvo lugar poco tiempo antes), para que tomara conciencia de los límites de lo autobiográfico en los que desembocaba para regalar un corazón integralmente puesto al desnudo. Es quizá por eso (pero no es más que mi hipótesis) que las tres películas siguiente estuvieron escritas con guionistas (Jean-François Goyet) y/o escritores (Marc Cholodenko y Muriel Cerf), y al mismo tiempo que Garrel se encaminaba más a un profesionalismo en la composición de sus equipos. (Escribir a dos, o a tres, o hacer escribir, no significa aquí dejar de decir “yo” sino enriquecer el discurso subjetivo, que avanza quizá mejor escondido).
Sin duda al fin ha sido necesario que Garrel pasara por (o tropezara con) una pregunta grave: y la de duelo y la de la traición, tema de J´entends plus la guitare, medio resuelta a mis ojos, película acosada por un sentimiento de culpabilidad que podía traducirse como: “Nico ha muerto, Jean Seberg ha muerto, Jean Eustache ha muerto, y yo estoy siempre vivo… entonces he trahicionado”. (No podemos negar a Philippe Garrel la sinceridad de este sentimiento, pero no estamos obligados a suscribirlo. Sin duda era necesario entonces que Garrel libere, cinematográficamente, un fragmento de su trabajo de duelo para que nosotros lleguemos hoy a El nacimiento del amor, película libre e inspirada, la más bella para mí después de Liberté, la Nuit, mucho menos trabada y menos dolorosa que la precedente. No es que el dolor sea ausencia, sino que ella se transforma más bien en una dulce melancolía.
Adolescente, Garrel filmaba a los adolescentes. Convertido en padre, ha filmado a su hijo (Les Baisers de secours). Habla hoy de la vida de familia, de la pareja, del amor, del punto de vista del hombre de cuarenta y cinco años que él es ahora. Igualmente si esos personajes, y sobre todo los dos personajes masculinos (Marcus/Jean Pierre Léaud y Paul/Lou Castel), esperan la edad de la madurez, su educación sentimental está siempre en proceso, no concluida y sin duda interminable. ¿Cómo encontrar el acuerdo entre acto y discurso? (Paul, padre más fugitivo, grita: “¡Lo que es más importante es la familia!”) ¿Podemos educar esos sentimientos? (Fanchon/Marie-Paule Laval, la mujer de Paul:”¿Por qué giramos como veletas? Las veletas, sabemos lo que las hace girar, ¿pero nosotros?”) ¿Cómo preservar su propia libertad sin que ella se dirija por tanto contra el deseo del otro= (Es el sentido del momento soberbio donde Paul, que ha pasado la noche con amigos para quedarse junto a Ulrika/Johanna Ter Steege, es despertado en el alba por una llamada de teléfono de su hijo, furioso: “¡Pero yo, necesitaba verte esta mañana!”)… Esas son algunas de las preguntas que plantea Garrel, poniendo en escena, por primera vez de forma también frontal, una familia, la compuesta por Paul, Fanchon, Pierre, su hijo adolescente y la pequeña hija que va a nacer. Garrel filma la familia con un realismo crudo, que va de la tarea de fregar los platos a los cambios de pañales, pasando por la rebelión de los adolescentes en las pequeñas tareas cotidianas (ir a dormir, recoger su cuarto, ponerse las zapatillas) que vemos imponerle. Hay un horror a veces ligeramente tintado de humor (pero quizá no es más que una defensa del espectador), del que Paul huirá más de una vez, sea por una noche, en la escena que evocaba más arriba, sea por una escapada solitaria a Cádiz (un lugar donde se encuentra la gente que tiene necesidad de estar sola, o de salvar su pellejo, como le dirá una desconocida encontrada por azar). (...)
El guión del film es la imagen de Paul: fugitivo. No dejando lugar a las escenas utilitarias, prefiriendo las elipsis radicales. Acordando libremente una pequeña digresión con Georges Lavaudant para repetirlo (Paul es actor, no lo aprenderemos furtivamente, más que en esta ocasión). Retrasándose en los momentos de amor de Paul con Ulrika. Pero también tomando a veces, de manera percuciente, una escena en pleno movimiento (un poco como en Pialat). O no tratándola más que en dos o tres planos, como aquel en el que Hélène deja a Marcus por otro hombre, o también ese gran momento de cine donde, en Roma, se sucede un plano de Marcus llamando por teléfono a Hélène, un primer plano magnífico, inundado de blanco, de Hélène tumbada, y un primer plano de Marcos él no sabríamos decir si encaja con el plano precedente o con el siguiente (Paul dormido). Tenemos además, en muchas tomas, el sentimiento de puntuaciones en las escenas donde nos habríamos detenido, en el montaje, más que breve fulguraciones. El montaje es verdaderamente musical: no juega más bien a la deconstrucción, sino a las alternancias de aceleración y de ralentizaciones, de rupturas y de zonas llenas. El sentimiento de elipsis o de ruptura claramente es más fuerte que a menudo, Garrel filma en primeros planos, con un mínimo de indicaciones sobre el decorado. (Igual que en Roma, Garrel filma dos callejuelas y la entrada de una iglesia: ningún plano general, el largo plano al borde del mar en Cádiz es la excepción para esta regla).
En otro tiempo completamente del lado del cine de poesía, Garrel, con sus guiones ahora más construidos, más seguidos (pero nada armados, sin duda) puede actualmente mezclar el cine de prosa (del que se benéfica de sus ventajas sin sufrir las restricciones)y el cine de poesía, ese cine liberado de las contrariedades narrativas o, tal y como lo describía Pasolini, “donde sentimos la presencia de la cámara”. Ya que sentimos a la vez con Garrel el resultado y el acto de registro, con ligeros temblores del encuadre y la sensación, más rara en el cine, de la misma vida de la película, especialmente en los primeros planos. Lo que toca, y lo que toca Garrel en los primeros planos es la piel, su grano, las barbas de dos días con Léaud y Castel, los poros con las mujeres. Hay, reforzado por el blanco y negro magnífico a la vez que auténtico, desligado de todo manierismo, de Raoul Coutard, una sensación de materia (la película y la piel, las dos vivientes) extrañamente abordada en el cine, salvo con Bergman. (...) (Texto de Alain Philippon, aparecido en Cahiers du Cinéma, nº 472 Octubre, 1993, tomado de Mucho tiempo he estado acostàndome temprano)
Middle-aged artistes provide the focus of this drama filmed in black and white. The story is set in Paris around the time of the Gulf War. Paul is an actor leading a drab directionless existence. He has an affair with Ulrika, a woman half his age. His wife, with whom he constantly argues, is pregnant with their second child. He does not interact much with his teenage son. Much of the film centers around the emptiness of his life.
"La verdadera razòn de vivir es la relaciòn de un hombre con una mujer." Philippe Garrel
Nuevos enlaces, cortesía de chicharro

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-o-
Philippe Garrel en Arsenevich
  La Naissance de l'amour (1993)

22 febrero 2012

Joseph Losey - The servant (1963)


Inglès/English I Subs:Castellano
115 min I X264 MKV 720x432 I 1552 kb/s I 192 kb/s AC3 I 25 fps
1,41 GB


Un intrigante y maquinador mayordomo consigue, gradualmente, dominar la vida del señor al que sirve. Ambos pertenecen a distintas clases sociales, pero aprovechándose de sus debilidades sexuales, el sirviente será capaz de manejar a su amo a voluntad. Un tenso y adulto drama psicológico que obtuvo excelentes críticas.




"Yo soy el criado" es lo que contesta elocuentemente un servicial Dirk Bogarde a la pregunta despectiva y menospreciable de "¿Que es lo que quiere usted de esta casa?". Excelente drama psicológico con tintes generacionales que aprovecha su momento para sacudir los cimientos de una nueva alta sociedad con afán de alejarse de un conservadurismo establecido (el perfil desvergonzoso e inmaduro que interpreta James Fox da a entender estas claves) y la clase baja, agazapada y astuta como un zorro en pos de su presa, esperando el momento decisivo.

Las actuaciones son de primera en un "in crescendo" asfixiante y claustrofóbico. A tener en cuenta las excelentes sombras chinescas de los rostros sombríos y transfigurados de amo y sirviente (a cuenta de la brillante fotografía de Douglas Slocombe) por no decir los primeros planos, siempre dominantes y presentes resaltando el estado anímico de cada uno de los personajes.

 Una pequeña obra maestra que no rebaja por ningún momento el interés a medida que avanza un desarrollo tan inquietante a la vez que siniestro y maquiavélico. Ignasi Borrás




The aristocratic Tony moves to London and hires the servant Hugo Barrett for all services at home. Barrett seems to be a loyal and competent employee, but Tony's girlfriend Susan does not like him and asks Tony to send him away. When Barrett brings his sister Vera to work and live in the house, Tony has a brief hidden affair with her. After traveling with Susan for spending a couple of days in a friend's house outside London, the couple unexpectedly returns and finds Barrett and Vera, who are actually lovers, in Tony's room. They are fired and Susan breaks with Tony. Later, Tony meets Barrett alone in a pub and hires him back, and Barrett imposes his real dark intentions in the house, turning the table and switching position with his master.


Ya estoy de vuelta. Saludos para todos!!

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Subtítulos en español
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Joseph Losey en Arsenevich
M (1951) 
The Criminal (1960) 
Eva (1962)

The Damned (1963)
The Servant (1963)

Accident (1967)

21 febrero 2012

Jacques Tourneur - I Walked with a Zombie (1943)

Inglès/English I Subs:Castellano
68 min I Xvid 720x528 I 1274 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 23,97 fps
699 MB
Una enfermera es contratada para cuidar una paciente en una isla caribeña.
"Parece extraño… hace un año creo que no sabí­a ni qué eran los zombis. Pensarí­a que eran extraños, aterradores y algo divertidos“.
Con estas palabras de la enfermera Betsy comienza Yo anduve con un zombi, la pelí­cula más bella y lí­rica de la serie producida durante los años 40 por el excepcional Val Lewton (1904-1951). Una ensoñación maligna y sobrenatural situada en Las Antillas. Un poema sobre la vida y la muerte que transcurre en un mundo en descomposición en el que los nativos lamentan los nacimientos y celebran los entierros, un lugar en el que los peces saltan de terror a la superficie putrefacta del mar y en donde mueren las estrellas.
En Yo anduve con un zombi, al igual que en las demás pelí­culas de Lewton, la oscuridad se convierte en el principal recurso narrativo y estético. La oscuridad es profunda, insondable. Los sonidos, los olores y hasta el miedo recorren la oscuridad como un escalofrí­o hasta llegar a hacerse casi táctiles. El mar y el viento crean lí­mites geográficos y espirituales, se convierten en ví­as espectrales por donde transitan las voces, los pensamientos y las almas. Lo etéreo y lo terrenal, lo aparente y lo oculto, la vida y la muerte se funden de forma apaciguada, al compás del suave ritmo del Calypso y del sonido de los cañaverales cuando los acaricia la brisa preñada de yodo y de malos presagios.
La producción de Yo anduve con un zombi vuelve a reunir por segunda vez a Val Lewton con el director Jacques Tourneur (1904-1977), con el que rodará algunas de las mejores pelí­culas de la serie. Su producción dio comienzo tan sólo dos meses después de terminada la primera pelí­cula de su colaboración conjunta; La mujer pantera (1944). Es con Tourneur con quien Lewton determinará desde esta primera, las caracterí­sticas formales y estéticas de todas las pelí­culas de género fantástico que produce durante los años cuarenta para la RKO. Lewton y Tourneur compartí­an gustos y aficiones y una forma muy concreta de entender el género; para ambos lo importante era sugerir, nunca mostrar.
Según se comentaba, Lewton presentí­a que la ausencia de una amenaza especí­fica permití­a que cada espectador proyectara sus miedos más í­ntimos. Sin embargo, Lewton sí­ nos da pistas a través del sonido de la naturaleza de esa amenaza, el plano queda fijo pero el sonido es el que nos sugiere qué tipo de peligro acecha a los protagonistas de sus pelí­culas; y es el sonido, e incluso la ausencia de éste, utilizados ambos, sonido y silencio, de manera magistral, del que se vale para mantener un tenso suspense que explota de manera brusca e inesperada para el espectador. La utilización del terror sugerido se convertirá en el recurso de éxito y en la seña de identidad de las producciones Lewton y también en una caracterí­stica de todo el cine de Tourneur. Al respecto, Tourneur señalaba: “(…) de cualquier modo, la utilización del estilo elí­ptico, la manera de sugerir el horror, es una aportación personal y continúo estando convencido de que es la única forma válida de hacerlo”.
El clí­max de este “suspense de lo sobrenatural” ocurrí­a en “off”, la fuente del peligro es invisible para el espectador y la oscuridad se convierte en la envoltura siniestra y amenazante en la que cualquier cosa agazapada en las sombras puede acecharnos, agredirnos o enloquecernos. En las pelí­culas producidas por Lewton, la oscuridad se convertirá en un potente elemento narrativo gracias a un elaborado trabajo de fotografí­a y de dirección artí­stica.
La pelí­cula está basada en un artí­culo cientí­fico de Inez Wallace sobre el vudú en Haití­ y su estructura y personajes fueron tomados del clásico de la literatura “Jane Eyre”, de Charlotte Brontí«. Esta especial revisión del clásico adaptado al género fantástico era muy del gusto de Lewton, quien adaptó en otras ocasiones relatos de Robert Louis Stevenson. Productor culto y sensible, Lewton supervisaba cada guión con su equipo -firmó alguno de ellos con el seudónimo Carlos Keith-, y siempre reescribí­a él mismo una última versión antes de rodar. Para Yo anduve con un zombi encargó la escritura del guión a Curt Siodmak, hermano del director Robert Siodmak, y a Ardel Wray, que realizaron un magní­fico trabajo. (...) (Claqueta)
RKO producer Val Lewton seemed to thrive upon taking the most lurid film titles and coming up with pocket-edition works of art. Saddled with the studio-dictated title I Walked With a Zombie, Lewton, together with scripters Curt Siodmak and Ardel Wray, concocted a West Indies variation on Jane Eyre. Trained nurse (Frances Dee) travels to the tropics to care for Christine Gordon, the wife of seemingly abusive Tom Conway. At first, Dee merely believes her patient to be comatose. But as the drums throb and the natives behave restlessly, Dee tries to bring her patient back to life by jungle magic. Conway is racked with guilt, believing himself responsible for his wife's condition; his guilt is stoked by Conway's drunken brother James Ellison, who has always loved Gordon. Utilizing very limited sets and only a handful of extras, director Jacques Tourneur manages to evoke an impression of an expansive tropical island populated at every turn by voodoo worshippers. Many of the sequences, notably Frances Dee's first languid stroll into the midst of the native ceremonies, have an eerie dream-like quality that pervades even the most worn-out, badly processed TV prints of I Walked With Zombie.
"El ùnico horror verdadero està en nuestra alma." Jacques Tourneur
Nuevos enlaces, cortesía de chicharro

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-o-
Jacques Tourneur en Arsenevich
Cat People

20 febrero 2012

Luigi Zampa - Anni difficili (1948)

Italiano | Subs: Castellano/English/Français/Italiano
  110 min | XviD 720x528 | 1674 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
 1,43 GB + 3% de recuperación rar


Los años difíciles
Los años difíciles es un ejercicio neorrealista sin concesiones del director de cine italiano Luigi Zampa. El título se refiere a los años que Italia pasó bajo el yugo del fascismo. Es la tesis de Zampa de que la mayoría de los ciudadanos italianos prefirió ignorar el pisoteo de los derechos humanos y la megalomanía creciente de Mussolini, siempre y cuando se los dejara en paz. Umberto Spadaro interpreta a Aldo Piscitello, un empleado público absolutamente apolítico que se une al partido fascista para no perder su trabajo y para que su esposa lo deje tranquilo. Después de la guerra, el desventurado Aldo es acusado de ser un seguidor fanático del fascismo. Aunque inocente de esta acusación, es sin duda tan culpable como millones de otros de no haber hablado en su debido momento.

Difficult Years
Aldo Piscitello, a minor government clerk, is forced in 1934 to join the Fascist party. When the war comes, he finds himself able only to talk ineffectually in secret against Mussolini, even as his own son Giovanni is sent into battle. By the end of the war, Aldo has found the courage to stand up for his beliefs, but by then it is too late...

Les Années difficiles
Un village sicilien dans les années 30. Le quotidien sous le fascisme de la classe moyenne, cette classe particulière, classe opportuniste, toujours tiraillée et à la fois prise en étau entre les deux autres classes. L’histoire, ici, d’un employé de mairie qui adhère au parti fasciste pour ne pas perdre son emploi. Les années difficiles. Et puis la Libération… Un film qui créera un précédent par son caractère clairement antifasciste ; dans la presse, à travers laquelle gauche et droite s’affrontèrent, et jusqu’au parlement.

 Sicilia, 1935. Un semplice e onesto impiegato municipale è costretto a iscriversi, non proprio entusiasticamente, al Partito Nazionale Fascista. Il figlio dell'impiegato intanto poiché soldato, viene chiamato in varie battaglie e in tutte queste riesce a scampare dalla morte. Morirà però ucciso a tradimento da dei soldati tedeschi mentre tornava a casa col rimpianto di non aver mai visto suo figlio, nato mentre lui era in guerra. Nel 1944, allo sbarco degli Alleati, l'uomo si ritrova ad essere epurato dallo stesso sindaco che, quando era podestà, gli aveva imposto di prendere la tessera fascista.


Rip mío del DVD 9 compartido en KG

Subtítulos en castellano de José Manuel García Roig/Ardalion


Anni.difficili.part1.rar
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Anni.difficili.part2.rar
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Luigi Zampa en Arsenevich

L'onorevole Angelina
La Romana