29 febrero 2012

Luchino Visconti - Il gattopardo (1963)


Italiano | Subs: Castellano
  177 min | X264 MKV 720x320 | 1152 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
  1,67 GB




Película basada en la novela homónima de Giuseppe Tomasi di Lampedusa (1958). Es la época de la unificación de Italia en torno al Piamonte, cuyo artífice fue Cavour. La acción se desarrolla en Palermo y los protagonistas son Don Fabrizio, Príncipe de Salina, y su familia, cuya vida se ve alterada tras la invasión de Sicilia por las tropas de Garibaldi (1860). Para alejarse de los disturbios, la familia se refugia en la casa de campo que posee en Donnafugata. Hasta el lugar se desplazan, además de la mujer del Príncipe y sus tres hijos, el joven Tancredi, el sobrino predilecto de Don Fabrizio, que parece simpatizar con el movimiento liberal de unificación




Tras mi vuelta de tierras sicilianas, pensé en hacer este rip, aprovechando la cajita de muriel.
Muchas gracias por todo, amiga


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(Ripeo propio en formato exclusivo para Arsenevich)

28 febrero 2012

Preston Sturges - Christmas in July (1940)

 Inglès/English I Subs:Castellano
68 min I Divx 720x480 I 1199 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 23,97 fps
646 MB
Un oficinista sueña con hacerse millonario y casarse con la chica que ama, pero todo cambiará cuando...
Nadie parece dudar de que Preston Sturges es un maestro de la comedia americana clásica, aunque no siempre aparezca en las listas rápidas del género. Pero se admite con menos facilidad que fuera un cineasta en toda regla, a pesar de que se convirtió en un pionero en el concepto de autor, y que su obra va bastante más allá de la intención de hacer reír.
A lo largo de 2003 se ha producido una especie de revival no planificado de Preston Sturges. Simultáneamente se publicaban en España dos libros sobre el autor de Los viajes de Sullivan y el Festival de Cine de San Sebastián le dedicaba también la retrospectiva y la correspondiente publicación, mostrando además la faceta de Sturges como guionista como parte indisoluble de su trayectoria. A menudo se habla deSturges como el más ácido y corrosivo de los cineastas de la comedia americana de los años 30 y 40 y también el más volcado directamente en el género. Frente a HawksCukor,McCarey o La Cava, que frecuentaron otros géneros, la obra de Sturges, cuando se define someramente, suele presentarse como un bloque unitario con ligeras variantes, que tiene sus fronteras en las ocho películas que dirigió para los estudios Paramount entre 1940 y 1944. Es en ese conjunto de obras, de una solidez y personalidad raras en el cine de Hollywood de los años 40, donde se consolida el talento de Sturges. Pero ni partía de cero el cineasta cuando dirigió su primera película,The Great McGinty, ni su única voluntad era hacer reír al público, a pesar de su famoso decálogo de la comedia. Muchas de las constantes de su cine ya están presentes en los guiones que escribió para otros directores en los años 30, y en la mayor parte de sus películas como realizador existe un sustrato dramático, que en muchas ocasiones aflora directamente. (...) (Texto de  Ricardo Aldarondo, tomado de Cinexilio)
Segundo largometraje de Preston Sturges, en el que interviene como guionista y director. Adapta la comedia "A Cup Of Coffe" (1931), del propio realizador, todavía no estrenada. Se rueda en los Paramount Studios con un presupuesto ínfimo, cuando en Europa ya había estallado la IIGM. Producida por Paul Jones, se estrena el 18-X-1940 (EEUU).
La acción tiene lugar en NYC en julio de 1940, a lo largo de algo menos de 24 horas. Jimmy MacDonald (Dick Powell), oficinista modesto de una empresa cafetera, no quiere casarse con su novia, Betty Casey (Ellen Drew), vecina y compañera de trabajo, hasta que haya prosperado economicamente. Tienta la suerte participando en un concurso de esloganes comerciales de la empresa cafetera Maxford, cuyo primer premio es de 25.000 dólares.
La película es una comedia realista en la que el realizador combina ternura y sátira bajo la apariencia de una obra alegre, divertida y optimista. Toca los sentimientos en la justa medida para emocionar sin caer en sentimentalismos, como prueba la ajustada escena de la niña en silla de ruedas. El humor se basa en malentendidos (Sr. Maxford), bromas de compañeros, imágenes sorprendentes (sala con más de 50 puestos de trabajo alineados y despersonalizados), el pintoresquismo de algunos personajes (jefe de oficina), el descarado oportunismo de otros (Sr. Shindel), situaciones surrealistas (desacuerdo del Jurado), las confesiones autocríticas (el empresario que reconoce carecer de talento) y la recreación de slapsticks (la revuelta de los vecinos del East Side con lanzamiento de tomates, pescados y pasteles). Añade elementos de sátira sobre el sueño americano, el concepto de éxito y triunfo, el consumismo compulsivo, la caprichosa valoración del talento, los caprichos del destino. Menciona los avances técnicos (lavadora eléctrica), elogia los inventos (cama desplegable inventada por el realizador), muestra la utilidad de la tecnología aplicada (interfonos múltiples), enseña el nuevo diseño de los teléfonos de mesa, etc. Propone que en un mundo libre y competitivo todos tengan oportunidad de demostrar su valía y capacidad suficiente para afrontar el fracaso. Elogia la incorporación de la mujer al mercado de trabajo (antes de que la IIGM la impusiera en el país) y la generosidad. Lamenta con mordacidad la carestía de la vivienda de entonces.
La música, tomada de grabaciones genéricas, es de Werner R. Heymann, John Leipold y Leo Shuken, no acreditados. Incorpora fragmentos de composiciones orquestales del momento, ligeras, bailables y alegres, con predominio de los instrumentos de viento. La fotografía, en B/N, crea imágenes bien contrastadas, que destacan con negros intensos sobre grises claros los elementos centrales de la acción (protagonistas, muñeca de la niña discapacitada, policía, gato que evoca el destino de la suerte o la desgracia, etc.). Los diálogos son brillantes, la narración es bellamente concisa y la cinta sabe a poco por su brevedad (70').(Texto de Miquel, Filmaffinity)
Released the same year as his directorial debut, Preston Sturges's second feature, Christmas in July, streamlines and supercharges the writer-director's visual and narrative styles. Sturges again tackles a ripe satirical target (in this case, advertising), and dramatizes it with a hyperbolic plot and over-the-top characters, all clocking in at a blink-and-you'll-miss-it 67 minutes.
Jimmy MacDonald (Dick Powell), an underling at the mammoth, bureaucratic Maxfield House Coffee company, dreams of his big break through an entry in his employer's radio sweepstakes for a new slogan. Jimmy's would-be tagline ("If you can't sleep at night, it isn't the coffee--it's the bunk!") may be inscrutable to all but its author, but when coworkers engineer a phony victory, even the company president swallows the bait. For a moment, at least, Jimmy and his sweetheart (Ellen Drew) are $25,000 richer. How they spend, then lose, that fortune occupies the rest of the slender story line, setting up Sturges's fable as a comment on greed and community.
Even with Sturges's hectic pacing to push characters and wisecracks at a furious clip, the feature feels more like a fast-food snack than a full meal, and specifics of the plot feel very dated. The director's fans will probably find the biggest Christmas present is the evident expansion of Sturges's still embryonic repertory company, which adds some key players in Franklin Pangborn, Ernest Truex, and Raymond Walburn. --Sam Sutherland
"Me ha llevado ocho años llegar a lo que yo quería. Pero ahora, si no me quedo sin ideas - y espero que no - nos divertiremos. Hay películas maravillosas por hacer, y si Dios quiere, yo voy a hacer algunas de ellas." Preston Sturges, luego de ofrecer uno de sus guiones por 1 dòlar para que, al fin, lo dejen dirigir
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27 febrero 2012

Michel Deville - Eaux profondes (1981)

Francés/French | Subs: Castellano/English
91 min | XviD 640x384 | 1500 kb/s | 128 kb/s mp3 | 25 fps
1,03 GB + 3% recuperación/recovery
 Aguas profundas
Vic y Melanie son una pareja aparentemente feliz y tienen una hija. Pero cada uno de los dos, a su manera, pervierte esta relación. Melanie se muestra abiertamente con sus amantes, mientras que Vic, que juega a ser un hombre moderno y sin prejuicios, sigue con interés las infidelidades de su esposa y le dice a cualquiera que quiera escucharlo que él mató a Malcolm, uno de los amantes de su mujer. Algunos interpretan semejante afirmación como cinismo, otros, como Joel y Ralph, le creen. Sólo Melanie y el joven Miller, recién llegado a la isla de Jersey, conocen la verdad...

Deep Water
Vic Allen appears to accept his young wife Melanie’s flirtations with men of her own age with a generous insouciance.  He amuses himself by scaring off her potential lovers by claiming that he killed one of their predecessors.   This only increases his wife’s antagonism towards him, but Vic loves her too much to let her go.  When Melanie’s next suitor is found dead in a swimming pool, she is convinced that her husband killed him, but she has no proof.  Their psychological battle of wills has only just begun... 
English subs by Minimus
 Jersey. Vic et Mélanie forment un couple heureux avec leur petite fille, Marion. Mais chacun pervertit à sa façon cet amour. Mélanie s'affiche ouvertement avec ses amants, tandis que Vic qui joue l'homme libéral, suit avec interêt les infidélités de son épouse et affirme à qui veut l'entendre qu'il a tué Malcolm, l'un des amants de sa femme. Certains prennent cette affirmation pour du cynisme, d'autres comme Joël et Ralph le croient. Seuls Mélanie et le jeune Miller, nouvellement arrivé dans l'île, connaissent la vérité... 

DVD rip de mproust87 (KG)
Subtítulos en castellano aquí

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Michel Deville en Arsenevich

26 febrero 2012

Robert Wiene - Das Kabinett des Dr. Caligari (1920)

Muda/Silent I Subs: German/Castellano/English
75 min I Xvid 576x432 I 2442 kb/s I 192 kb/s cbr AC3 I 25 fps
1,36 GB
Sentado en un banco de un parque, Francis anima a su compañero Alan para que vayan a Holstenwall, una ciudad del norte de Alemania, a ver el espectáculo ambulante del doctor Caligari. 
Caligari es la historia de un paciente de manicomio (Friedrich Feher), cuya locura hace al espectador tener una difusa visión de la realidad (traducida en decorados retorcidos y doblados hasta niveles absurdos, sombras pintadas y tejados con vértices ásperos), pero también es una parábola en la que algunos ven lo que posteriormente serí­a el nazismo dominando al pueblo alemán.
La historia sigue las andanzas de Francis y Alan (Hans Von Twardowsky), dos amigos que visitan la feria donde una de las principales atracciones es Cesare (Conrad Veidt), un hombre que ha estado dormido durante 25 años. Cesare es exhibido en el Gabinete del Dr. Caligari (Werner Krauss), quien ordena a su durmiente cometer varios crí­menes, siendo una de las ví­ctimas el propio Alan.Cesare intenta secuestrar a la bella Jane (Lil Dagover), así­ que Francis se propone desenmascarar al falso pregonero, descubriéndolo como jefe de un asilo para dementes, obsesionado por demostrar si los sonámbulos son capaces de matar.Desde el punto de vista artí­stico, Caligari posee varios elementos visuales propios del expresionismo y un importante manejo de la fotografí­a, siempre para los rangos de la época.En lo narrativo y temático, no se puede separar que la crisis que atravesaba Alemania en 1919; podí­a tentar algún tipo de parábola en la que se pueda identificar al Cesare dormido como al pueblo alemán llevado a la Guerra bajo la batuta mí­stica del Kaiser y al director del manicomio obsesionado por revivir en sí­ mismo al Caligari mí­tico, como un Kaiser persiguiendo el sueño del Reich. Que, por analogí­a, se pueda reemplazar al Kaiser con Hitler, para identificar así­ al nefasto hipnotizador con el nazismo (salvaguardando así­ lo que pregonan la mayorí­a de los teóricos y libros de texto), es también, un triunfo del propio Caligari, en su afán de hacernos ver cosas que no son, y ocultar la que son.Debe comentarse en primer lugar sobre esta pelí­cula la su importancia histórica, pues es considerada como uno de los puntos de partida del Expresionismo Alemán Cinematográfico.En cuanto al rodaje debemos destacar que se realiza en interiores, en platós (hermético). 


De esta forma se puede tener un control absoluto sobre la acción. Cobran gran importancia los decorados. En ellos se juega con las lí­neas diagonales, con la geometrí­a, la proporción y las sombras. Todo con la intención de crear por un lado la profundidad de campo inexistente en el decorado en si, y, por el otro, la de transmitir un estado aní­mico o sensación que potencie lo que ocurre en la trama argumental. -metafórico-.Debemos prestar especial atención a las ventanas y puertas y a su geometrí­a irregular; las escaleras, los caminos y los tejados. La mayorí­a de estos elementos se disponen formando lí­neas oblicuas que se cruzan, que crispan la acción y que, en definitiva dirigen la mirada del espectador. Intimamente relacionada con el decorado se encuentra la iluminación. Sin duda es una de las caracterí­sticas fundamentales del Expresionismo. El contraste entre luz y sombra está muy calculado. Permite resaltar la intención dramática de la acción, destaca las cualidades o estados aní­micos de los personajes. Es tan importante que incluso la llegan a pintar sobre los decorados para tener un control total sobre ella. Contribuye decisivamente a la creación de una sensación de intriga, de “terror”, de miedo; a la creación de espacios claustrofóbicos. (...)La república de Weimar, comprendida entre los años 1918 y 1933, época convulsa polí­tica, social y económicamente, significa para Alemania la consolidación de una industria cinematográfica bastante genuina: básicamente determinada por el influjo de el romanticismo arcaizante de la literatura popular germana y de las nuevas vanguardias artí­sticas europeas. Filmes como El Gabinete del Dr. Caligari concentran, en su particular concepción hermética del espacio fí­lmico, cierta propensión a la tragedia y a lo demoní­aco, materias estas que definen a la perfección la psicosis latente de un paí­s que camina inexorablemente hacia el horror del nazismo. Entre la tradición de los cuentos de E.T. A. Hoffman y las nuevas teorí­as de Freud. El personaje de Cesare, un siniestro sonámbulo manipulado por el demiurgo Caligari, representa como ningún otro el miedo y las dudas de la Alemania de entreguerras: una sociedad atrapada entre los errores del pasado y el miedo al futuro.
En dicho marco, El Gabinete del Dr. Caligari se reivindica como una metáfora perfecta de la conciencia colectiva donde diseccionar la idea de la constante amenaza, de la teorí­a conspirativa y de la angustia psicológica latente en el ciudadano de a pie. Por desgracia, la mente retorcida de Adolf Hitler se encargará de alentar desde su antisemitismo todos esos miedos, y como un Caligari alienado, los trasladará de la ficción a la realidad en los años venideros. Este horror atávico, todaví­a residual en las conciencias, es fácilmente reconocible en las esotéricas motivaciones del Doctor Caligari y quizás más tarde, en el cinismo diabólico y menos trascendental del doctor Mabuse. (...)
El Gabinete del Dr. Caligari es un filme parco en número de espacios que basa su fuerza en el desdoblamiento del relato y pone a disposición de sus personajes, mediante el encadenaniento de acciones -es decir, el montaje-, unos recursos expresivos que le alejan de la tradición exageradamente teatral de los primeros Kammerspielfilme.

La arquitectura escénica del filme, a cargo de Hermann Warm, Walter Reimann y Walter Röhrinhg, se inspira en un concepto hermético y opresivo del espacio. Jugando con la disposición de telas pintadas, a diferentes niveles de profundidad, y contrastando de una manera irreal la iluminación, crean un marco oní­rico curiosamente antagónico a la actuación naturalista de sus protagonistas. En este contraste reside la extraña desnudez formal del filme; el proceso argumental y narrativo de El Gabinete del Dr. Caligari se apoya de tal manera en su itinerario escénico que serí­a imposible evaluar la fuerza expresiva de su discurso.

La posición frontal de la cámara y la centralidad de la imagen marcan la primera parte del filme; es precisamente a partir de la secuencia que muestra la violenta aparición de Cesare en la habitación de la joven Jane donde R. Wiene consigue algunos de sus mejores momentos como realizador: coquetea con el plano detalle, acelera el ritmo del montaje y enmarca al sonámbulo en el decorado con mayor libertad permitiéndole una movilidad que refuerza sobremanera su instinto depredador.La original aproximación a los contornos de la mente y a la complejidad psicopática que nos propone el guión creado por Carl Mayer y Hans Janowitzno tendrí­a ese inquietante calado gótico sin la iluminación fragmentaria del callejero nocturno o la caótica fragilidad de los barracones de feria. Por vez primera en la cinematografí­a moderna, el escenario se erige en protagonista principal y en la retina del espectador compone la perfecta metáfora de su propia angustia existencial. La atmósfera del filme, o eso que los alemanes dieron en llamar “stimmung”, pasa a ser una herramienta aní­mica fundamental para el devenir del relato.(...) (Claqueta)
A milestone of the silent film era and one of the first "art films" to gain international acclaim, this eerie German classic from 1919 remains the most prominent example of German expressionism in the emerging art of the cinema. Stylistically, the look of the film's painted sets--distorted perspectives, sharp angles, twisted architecture--was designed to reflect (or express) the splintered psychology of its title character, a sinister figure who uses a lanky somnambulist (Conrad Veidt) as a circus attraction. But when Caligari and his sleepwalker are suspected of murder, their novelty act is surrounded by more supernatural implications. With its mad-doctor scenario, striking visuals, and a haunting, zombie-like character at its center, Caligari was one of the first horror films to reach an international audience, sending shock waves through artistic circles and serving as a strong influence on the classic horror films of the 1920s, '30s, and beyond. It's a museum piece today, of interest more for its historical importance, but Caligari still casts a considerable spell. --Jeff Shannon
"Tú tienes que ser Caligari."
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25 febrero 2012

Friðrik Þór Friðriksson - Bíódagar (1994)

83 Min | Xvid 1.927 kbps | 720x464 | 25 fps | AC3 192 Kbps | 1.22 GB
Islandés | Subtitles: Castellano, English .srt

Comedia ambientada en Islandia, durante los años 60, época en que la sociedad islandesa experimentó un periodo de grandes turbulencias y cambios. El cine y la televisión hace su irrupción en la sociedad. El pequeño Thomas se sumergerá fascinado en el mundo del cine, pero al final tendrá que hacer un acuerdo con su propia cultura y realidad.
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Elementos de Cinema Paradiso y Días de radio de Woody Allen pueden verse aquí, pero Friðriksson no plagia, rinde homenaje. (James Berardinelli)

Movie Days er a comedy set in the early sixties and based on Fridrik Thor Fridrikssons own childhood memories, a time when Icelandic society underwent a period of great turbulence and change. At the same time, American movies and television gave the period a special atmosphere, filled with enchantment and romance that distracted many people from the drabness of their everyday existence. Thomas is submerged in and fascinated by the imaginary world of the cinema, but eventually has to come with terms with his own culture and reality. Movie Days is among with Children Of Nature (1991) and Angels of the Universe (2000) a great sample of the good co working between Fridrik Thor and the writer Einar Már Gudmundsson.
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Iceland's motion picture industry may be in its infancy, but Fridrik Fridriksson's Movie Days is a very mature effort. The director, who admits that this film is completely autobiographical, said he made the picture to honor his childhood influences and share his impressions on the variety of storytelling methods which led to his becoming involved in film making. Elements of Cinema Paradiso and Woody Allen's Radio Days can be seen here, but Fridriksson pays homage; he does not steal. The playful, occasionally-dreamy tone of Movie Days is all his own.

Fridriksson loves movies -- that much is clear from the opening moments of this film when he shows his young protagonist, Tomas, staring enraptured at a showing of the American Biblical saga King of Kings. There are other forms of entertainment in 1964 Iceland, most notably radio and television, but Tomas loves the cinema, whether the offering is a grand epic or a Roy Rogers flick. His cousin is a Hollywood starlet who gets parts in such unmemorable titles as Hitler's Last Days and The Crawling Hand (Fridriksson went out of his way to dig up scenes from these B-movies).

In addition to being a fond reminiscence, Movie Days is also an examination of how American pop culture -- including movies, TV, and music -- wormed its way into the fabric of Iceland's society. Regardless of how unappreciated U.S. global politics might have been, some elements of everyday American life were too seductive for their influence to be denied or rebuffed.

While the first half of this film is about how movies impact Tomas' world, the second half tells how he survives when deprived not only of his local theater, but of all the "comforts of civilization". His parents send him to spend a summer on the rural farmstead of an uncle. There, instead of sitting in the darkness staring at a screen filled with wondrous images, he is relegated to lying on his sleeping pallet listening to bedtime stories. Nevertheless, Tomas comes to enjoy this vastly different life for both its simplicity and its sincerity.

Movie Days does not have an American distributor, nor is it likely to get one. Although he's the best-known director in his country, Fridriksson is not recognized outside Iceland, which is a shame. His pictures mix unaffected beauty with freshness and honesty. And what about the image of Scandinavian films as slow-moving and deeply-thoughtful? In Fridriksson's own words, "[Ingmar] Bergman is boring." This should say just about all that's necessary about the pacing of Movie Days


Es un placer para Eurídice y un servidor el acercarles una nueva obra de la serieque hemos venido desarrollando, esta vez le ha tocado a la mágica Islandia y a este interesante autor que es FridrikFridriksson.

A pesar de la penetración y difusión que tuvo el cine y la televisión en Islandia, el país no se destaca por tener una producción cinematográfica constante. La cinematografía Islandesa recién emprende vuelo. Dentro de este panorama la obra de Fridrik Fridriksson es doblemente valorable, por un lado su filmografía muestra una madurez y calidad indiscutible, por otro, podría considerarse su obra como la punta de lanza de la incipiente cinematografía Islandesa, su estilo podría marcar y hacer escuela en los nóveles realizadores nacionales. Y es que la obra de Fridriksson tiene una característica especial para volverse fundacional: está profundamente unida a su cultura, tiene identidad propia. De esta forma su obra esta imbuida de un elemento mágico que no es artificioso, que está enraizado en la tradición, en la leyenda, pero también en lo inmediato. Fridriksson va estableciendo puentes entre la cultura tradicional y la moderna, en sus filmes las va comunicando de manera tal que sus personajes modernos asisten a la cultura de sus ancestros, ligada al campo, a las grandes extensiones de terreno, al mar, y se reconocen en ella, el Ser vaciado la acepta en su dimensión mágica, y la tierra, las rocas, los elfos, las hadas, las auroras, los demonios constituyen una dimensión espiritual y necesaria para sus personajes. Dentro de esta importante vertiente del autor se encuadra Biodagar.

De todas las películas dirigidas por el autor hasta el momento, Biodagar es su obra más personal, y ello es así porque él mismo ha reconocido que es totalmente autobiográfica. El director toma sus recuerdos de infancia y elabora el filme desde su mirada infantil. Y es que la mirada marginal al estabilishment constituye uno de sus sellos personales, la mirada excluida de los ancianos en Niños de la naturaleza, la mirada del extranjero en Cold fever, la mirada de los enfermos mentales en Ángeles del universo, la de los discapacitados en Niceland, la de la senilidad en Mama Gogo. Estos diferentes prismas permiten accionar sobre la sociedad contemporánea desde ángulos diversos. Por esto no es raro que presto a realizar una película completamente autobiográfica la haya realizado desde su perspectiva de niño, en oposición al mundo de los adultos, en la agitada Islandia de los años 60. El pequeño Thomas, o más bien deberíamos decir el pequeño Fridrik, es un niño enamorado del cine, el cual no pierde oportunidad para acudir a cuanta función le es posible. El cine es un producto americano más, y junto a los automóviles importados, las sodas, las televisiones, los programas televisivos, la música, marcarán la penetración exitosa de la cultura Pop estadounidense en la sociedad Islandesa. Fridriksson dará cuenta del fenómeno utilizando un humor sutil y centrándose en los productos importados en situaciones que nos dejan entrever la ideologización que se va produciendo y el afianzamiento del consumismo. Todo esto va quedando expresado en la primera parte de la obra, pero el director nos ofrece una vuelta de tuerca, y una segunda parte de la película transcurrirá en una granja alejada de la ciudad, Tomas va a pasar parte de las vacaciones con su tío, alejado de todas las entretenciones a que está acostumbrado. Ahí se enfrentará a la Islandia profunda, lo mágico, los mitos, las leyendas, un tiempo que transcurre de forma diferente al tiempo de la ciudad.

El cine es un producto americano más, pero el pequeño Thomas, o más bien deberíamos decir el pequeño Fridrik, lo seguirá queriendo, pero de una forma diferente, allá en la granja se encontró a sí mismo y a la dimensión mágica del ser humano, más adelante crecerá, tendrá algo que decir y lo hará a través del cine y no será casualidad que su primera obra importante trate sobre un par de ancianos que intentan volver al origen, tampoco será casualidad que llegue a tener una voz propia, profundamente Islandesa, profundamente humana y profundamente universal.

Sin más rodeos, muchas gracias a Scalisto por ponerme la peli por mediafire, muchas gracias a Eurídice por la traducción, y los dejo en compañía de la peli.

24 febrero 2012

Luc Moullet - Anatomie d'un rapport (1976)

Farther Than Sex / Anatomy of a Relationship 
Anatomía de una relación
Français | Subtítulos: Castellano/English (.srt)
528x400 (4:3) | 1175 kbps | 78 min | 29.970 fps | mp3 128 kbps
742 Mb + 3%

http://www.imdb.com/title/tt0072643/
"For me," Luc Moullet wrote, "there isn't intelligence and stupidity, but intelligence-stupidity." A Cahiers critic who championed Samuel Fuller as an "intelligent primitive," Moullet turned to directing well after his comrades (Godard, Truffaut, et al.), and has been playing catch-up ever since. With one exception, the movies in International House's "5 Comic Films" showcase are emphatically unserious, teetering concatenations of moth-eaten gags splintered with Dadaist verve. Moullet has said his "main aim is to make people laugh," but he lacks the killer instinct of a natural comedian. Even though his features typically run less than 90 minutes, they're never rushed; for all their frenetic dislocations, they're somehow restful.
Fond of barren landscapes, blackout gags and Sisyphean slopes, Moullet is, like the Parisian rebels of May 1968, "Marxiste, tendence Groucho," a slapstick anarchist who expresses his hostility to the modern world by refusing to take it seriously. (...)
The series' most atypical entry is Anatomy of a Relationship (1975), co-directed with Moullet's wife Antonietta Pizzorno. With Moullet as himself and Christine Hébert as an obvious Pizzorno stand-in, Anatomy dissects in painful detail the sexual dysfunction in its makers' marriage. Hébert demands clitoral orgasms, and Moullet lamely parries, "It's just a matter of an inch or so -- it's all part of the same system." Calling himself "the first victim" of the sexual revolution, Moullet paradoxically comes off the better of the two, or at least the more willing to bear the ugliest parts of himself; even a joke sequence observing that sewer holes are perfectly sized to swallow up film canisters betrays a trace of vaginal horror.
"Para mí," escribió Luc Moullet, "no hay inteligencia y estupidez, sino más bien inteligencia-estupidez." Crítico de los Cahiers que definiera admirativamente a Samuel Fuller como "un inteligente primitivo", Moullet pasó a la dirección bastante después que sus compañeros (Godard, Truffaut, etc.), y desde entonces intentaría alcanzarlos. Con una sola excepción, los films de esta compilación son encadenamientos tambaleantes y enfáticamente burlescos de desvencijados gags, astillados con brío dadaísta. Moullet ha dicho en más de una ocasión que su "principal objetivo es hacer reír a la gente," pero carece del instinto asesino de un comediante nato. Aun cuando sus films duran típicamente menos de 90m, nunca se aceleran: a pesar de todas sus frenéticas dislocaciones, son de algún modo reposados.
Aficionado a los paisajes yermos, a los gags lacunares, y a las pendientes sisífeas, Moullet es, como los rebeldes parisinos de Mayo del '68, "marxista de tendencia grouchiana", un anarquista bufonesco que expresa su hostilidad hacia el mundo moderno simplemente rehusándose a tomarlo en serio.(...)
El ítem más atípico de la serie es Anatomía de una relación, codirigido con Antonietta Pizzorno, la mujer de Moullet. Con Moullet haciendo de sí mismo, y Christine Hébert como obvio alter ego de la Pizzorno, Anatomía... disecciona en doloroso detalle la disfunción sexual en el matrimonio de sus hacedores. Hébert exige orgasmos clitorales, y Moullet se escurre lastimosamente: "Es cuestión de un milímetro más o menos... Y todo es parte del mismo sistema." Llamándose a sí mismo "primera víctima" de la revolución sexual, Moullet es paradójicamente el que sale mejor parado de los dos, al menos el más voluntarioso en eso de aceptar la parte más fea de uno mismo; incluso, una secuencia jocosa con la observación de que las bocas de las alcantarillas están perfectamente dimensionadas para tragarse latas de película, delata rastros de horror vaginal.
Sam Adams, Philadelphia City Paper
“One can bet this film will be a flop. That’s good for me; I’ll have the opportunity of stealing it one day.”
"Podemos estar seguros de que este film será un fiasco. Yo lo tomo como una buena noticia: algún día tendré la oportunidad de robármelo."
Jean Eustache
Just for the record, it was LM and not Godard who first observed that morality is a matter of tracking shots (“La morale est affaire de travellings”), in the course of his remarkable “Sam Fuller sur les brisées de Marlowe” [”Sam Fuller in the Footsteps of Marlowe”] (Christopher, not Philip) in Cahiers du cinéma no. 93. When Godard picked up the idea and inject it into a Cahiers discussion of Hiroshima, mon amour four months later (no. 97), he gave the phrase more currency by standing it on its head: “Les travellings sont affaire de morale.“
Much of LM’s work can be seen in the shadow of pre-1968 Godard: use of Hollywood genres, along with a dismemberment of many of the parti pris of Hollywood narrative; an anarchist thrust often involving a flight from civilization; a deadpan, often boorish kind of humor in handling male actors that always makes one aware of the presence of mug in smug (Belmondo and Szabo in all their Godard appearances, Jean-Pierre Melville in Breathless, the louts in Les carabiniers, etc.); self-reflexive references to the film you’re watching. Yet whether by design or default, most of LM’s echoes of Godard tend to come as rather devastating critiques of his mentor, perhaps because LM is a light-hearted humanist and Godard is not, so that, for example, Les contrebandières can be read as a “deconstruction” of Les carabiniers, just as Les carabiniers “deconstructs” the war film. LM has also alluded to an important class difference between them — Godard’s bourgeois background versus his own peasant origins — which helps to distinguish their styles and attitudes.
Sólo para dejar constancia: fue Luc Moullet y no Godard el primero en afirmar que la moral es cosa de travellings (“La morale est affaire de travellings”), en el curso de su notable “Sam Fuller sur les brisées de Marlowe” [”Sam Fuller en la senda de Marlowe”] (Christopher, no Philip) en Cahiers du cinéma nº 93. Cuando Godard recogió la idea y la introdujo cuatro meses más tarde en una discusión sobre Hiroshima, mon amour (Cahiers nº 97), le dio a la frase más gancho poniéndola patas para arriba: “Les travellings sont affaire de morale.
Mucho de la obra de LM puede ser visto a la sombra del Godard pre-68: uso de los géneros de Hollywood, junto con el descuartizamiento de muchas de las opciones narrativas hollywoodenses; un impulso anarquista que conlleva muchas veces una fuga de la civilización; un humor inexpresivo, a menudo zafio, en el modo de tratar a los actores masculinos, que siempre nos hace conscientes de su presencia en el personaje (Belmondo y Szabo en todas sus apariciones en films de Godard, Jean-Pierre Melville en Sin aliento, los patanes de Les Carabiniers, etc.); referencias autorreflexivas al film que uno está mirando... Pero, ya sea por designio o por error, la mayor parte de los ecos de Godard en LM tienden a funcionar como críticas bastante devastadoras de su mentor, quizás porque Moullet es un desenfadado humanista, y Godard no: de modo que, por ejemplo, Les Contrebandières puede ser vista como una "desconstrucción" de Les Carabiniers, así como este último "desconstruía" por su parte el film de guerra. LM ha aludido en ocasiones a una importante diferencia de clase entre ellos -los orígenes de Godard en la alta burguesía, contra su propia procedencia campesina- que ayudaría a distinguir entre sus estilos y actitudes.
Jonathan Rosenbaum, "À la recherche de Luc Moullet: 25 Propositions"
 
English subtitles "by Noel Burch" (!?), with some lines missing, however I don't think this hampers much the understanding of the movie. Subtítulos castellanos anónimos y de buena calidad, en los que sólo adulteré el término "follar" para adaptarlos a nuestro humilde dialecto rioplatense. Copia compartida hace un tiempo ya por gungi en KG. Va como yapa un corto mudo de 14m titulado "Barres", también de Moullet, con subtítulos castellanos e intertítulos artesanales en francés; un sitio de la red da de él una breve reseña: "Lecciones sobre cómo vencer al sistema: personas de todo tipo ensayan diversos métodos para viajar sin pagar en el Metro de París."

Anatomie d'un rapport (1976)
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"Barres" (1984)
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Castellano
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23 febrero 2012

Philippe Garrel - La naissance de l'amour (1993)

 Francès/French I Subs:Castellano/English
90 min I Xvid 720x464 I 1878 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 25 fps
1,26 GB
Dos amigos, Paul y Marcus, se cuestionan el origen del amor al hilo de sus experiencias emocionales. 
Si consideramos la trayectoria de Philippe Garrel con un poco de distancia, parece que periódicamente el cineasta se deba tropezar con un impasse estético, o con una pregunta difícil de resolver, para hacer volver a su cine a un lanzamiento vivo y fuerte. Habrá sido necesario que Garrel, a finales de los años 70, tomara conciencia de su tropiezo con el hermetismo y el arte por el arte, con las últimas películas de lo que podemos considerar como su primer periodo (Voyage au jardin des morts o Le bleu des origines), puede que como medida para dejar la estratosfera rarificada donde apenas podíamos acompañarle, para encontrar lo real, gracias a los virtudes de lo autobiográfico, y realizar la magnífica L´enfant secret. Habrá sino necesario también que en 1985 realizara Elle a passé tant d´heures sous les sunlights, film- naufragio y film-límite, donde Garrel parecía querer mostrarlo todo y cuidarlo (tanto las claquetas como su propia apendicitis, que tuvo lugar poco tiempo antes), para que tomara conciencia de los límites de lo autobiográfico en los que desembocaba para regalar un corazón integralmente puesto al desnudo. Es quizá por eso (pero no es más que mi hipótesis) que las tres películas siguiente estuvieron escritas con guionistas (Jean-François Goyet) y/o escritores (Marc Cholodenko y Muriel Cerf), y al mismo tiempo que Garrel se encaminaba más a un profesionalismo en la composición de sus equipos. (Escribir a dos, o a tres, o hacer escribir, no significa aquí dejar de decir “yo” sino enriquecer el discurso subjetivo, que avanza quizá mejor escondido).
Sin duda al fin ha sido necesario que Garrel pasara por (o tropezara con) una pregunta grave: y la de duelo y la de la traición, tema de J´entends plus la guitare, medio resuelta a mis ojos, película acosada por un sentimiento de culpabilidad que podía traducirse como: “Nico ha muerto, Jean Seberg ha muerto, Jean Eustache ha muerto, y yo estoy siempre vivo… entonces he trahicionado”. (No podemos negar a Philippe Garrel la sinceridad de este sentimiento, pero no estamos obligados a suscribirlo. Sin duda era necesario entonces que Garrel libere, cinematográficamente, un fragmento de su trabajo de duelo para que nosotros lleguemos hoy a El nacimiento del amor, película libre e inspirada, la más bella para mí después de Liberté, la Nuit, mucho menos trabada y menos dolorosa que la precedente. No es que el dolor sea ausencia, sino que ella se transforma más bien en una dulce melancolía.
Adolescente, Garrel filmaba a los adolescentes. Convertido en padre, ha filmado a su hijo (Les Baisers de secours). Habla hoy de la vida de familia, de la pareja, del amor, del punto de vista del hombre de cuarenta y cinco años que él es ahora. Igualmente si esos personajes, y sobre todo los dos personajes masculinos (Marcus/Jean Pierre Léaud y Paul/Lou Castel), esperan la edad de la madurez, su educación sentimental está siempre en proceso, no concluida y sin duda interminable. ¿Cómo encontrar el acuerdo entre acto y discurso? (Paul, padre más fugitivo, grita: “¡Lo que es más importante es la familia!”) ¿Podemos educar esos sentimientos? (Fanchon/Marie-Paule Laval, la mujer de Paul:”¿Por qué giramos como veletas? Las veletas, sabemos lo que las hace girar, ¿pero nosotros?”) ¿Cómo preservar su propia libertad sin que ella se dirija por tanto contra el deseo del otro= (Es el sentido del momento soberbio donde Paul, que ha pasado la noche con amigos para quedarse junto a Ulrika/Johanna Ter Steege, es despertado en el alba por una llamada de teléfono de su hijo, furioso: “¡Pero yo, necesitaba verte esta mañana!”)… Esas son algunas de las preguntas que plantea Garrel, poniendo en escena, por primera vez de forma también frontal, una familia, la compuesta por Paul, Fanchon, Pierre, su hijo adolescente y la pequeña hija que va a nacer. Garrel filma la familia con un realismo crudo, que va de la tarea de fregar los platos a los cambios de pañales, pasando por la rebelión de los adolescentes en las pequeñas tareas cotidianas (ir a dormir, recoger su cuarto, ponerse las zapatillas) que vemos imponerle. Hay un horror a veces ligeramente tintado de humor (pero quizá no es más que una defensa del espectador), del que Paul huirá más de una vez, sea por una noche, en la escena que evocaba más arriba, sea por una escapada solitaria a Cádiz (un lugar donde se encuentra la gente que tiene necesidad de estar sola, o de salvar su pellejo, como le dirá una desconocida encontrada por azar). (...)
El guión del film es la imagen de Paul: fugitivo. No dejando lugar a las escenas utilitarias, prefiriendo las elipsis radicales. Acordando libremente una pequeña digresión con Georges Lavaudant para repetirlo (Paul es actor, no lo aprenderemos furtivamente, más que en esta ocasión). Retrasándose en los momentos de amor de Paul con Ulrika. Pero también tomando a veces, de manera percuciente, una escena en pleno movimiento (un poco como en Pialat). O no tratándola más que en dos o tres planos, como aquel en el que Hélène deja a Marcus por otro hombre, o también ese gran momento de cine donde, en Roma, se sucede un plano de Marcus llamando por teléfono a Hélène, un primer plano magnífico, inundado de blanco, de Hélène tumbada, y un primer plano de Marcos él no sabríamos decir si encaja con el plano precedente o con el siguiente (Paul dormido). Tenemos además, en muchas tomas, el sentimiento de puntuaciones en las escenas donde nos habríamos detenido, en el montaje, más que breve fulguraciones. El montaje es verdaderamente musical: no juega más bien a la deconstrucción, sino a las alternancias de aceleración y de ralentizaciones, de rupturas y de zonas llenas. El sentimiento de elipsis o de ruptura claramente es más fuerte que a menudo, Garrel filma en primeros planos, con un mínimo de indicaciones sobre el decorado. (Igual que en Roma, Garrel filma dos callejuelas y la entrada de una iglesia: ningún plano general, el largo plano al borde del mar en Cádiz es la excepción para esta regla).
En otro tiempo completamente del lado del cine de poesía, Garrel, con sus guiones ahora más construidos, más seguidos (pero nada armados, sin duda) puede actualmente mezclar el cine de prosa (del que se benéfica de sus ventajas sin sufrir las restricciones)y el cine de poesía, ese cine liberado de las contrariedades narrativas o, tal y como lo describía Pasolini, “donde sentimos la presencia de la cámara”. Ya que sentimos a la vez con Garrel el resultado y el acto de registro, con ligeros temblores del encuadre y la sensación, más rara en el cine, de la misma vida de la película, especialmente en los primeros planos. Lo que toca, y lo que toca Garrel en los primeros planos es la piel, su grano, las barbas de dos días con Léaud y Castel, los poros con las mujeres. Hay, reforzado por el blanco y negro magnífico a la vez que auténtico, desligado de todo manierismo, de Raoul Coutard, una sensación de materia (la película y la piel, las dos vivientes) extrañamente abordada en el cine, salvo con Bergman. (...) (Texto de Alain Philippon, aparecido en Cahiers du Cinéma, nº 472 Octubre, 1993, tomado de Mucho tiempo he estado acostàndome temprano)
Middle-aged artistes provide the focus of this drama filmed in black and white. The story is set in Paris around the time of the Gulf War. Paul is an actor leading a drab directionless existence. He has an affair with Ulrika, a woman half his age. His wife, with whom he constantly argues, is pregnant with their second child. He does not interact much with his teenage son. Much of the film centers around the emptiness of his life.
"La verdadera razòn de vivir es la relaciòn de un hombre con una mujer." Philippe Garrel
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Philippe Garrel en Arsenevich