Romain Gavras - Notre Jour Viendra (2010)

Francés/French | Subs: Castellano/English

83min| AVC/MKV 1280x544 | 2223 kb/s | 448 kb/s AC3 | 25 fps
1,59 GB

  Como la película lo merece, me esforcé bastante para encontrar un rip a su altura. Además, hoy le he pedido a una amiga que me haga uno de sus comentarios personales que dejo a continuación:

Un desilusionado psicólogo (Vincent Cassel)  conoce casualmente a un desilusionado adolescente (Olivier Barthelemy). Nada parece unirles, excepto el color de su pelo.

Nada de lo que esperemos, al comenzar esta película de Romain Gravras, sucederá. ‘Notre jour viendra’ pueda resultarnos cualquier cosa excepto aburrida. Original road movie, que irá transformando a los personajes, cambiando sus roles, y que sorprenderá por sus puntos de giro que, hacen adivinar, un final cada vez más dramático, a medida que trascurre la trama.

Tanto Cassel como Barthelemy dibujan unos personajes tremendamente difíciles, que parecen hechos a medida para los actores.

La historia no es agradable, a veces levanta el estómago y produce dentera, como una tiza chirriante en una pizarra. Pero todo esto y más es lo que quiere producir nuestro director. Romain Gavras toma a los pelirrojos como una etnia más. Ahora que tan dispuestos está todo el mundo a pertenecer a cualquier tipo de nacionalismo, raza, de origen, de nacimiento,  RH en la sangre, de equipo de fútbol, religión, etc.

Los disparatados y cada vez más inesperados acontecimientos nos hablan de unos seres desencantados por la exclusión constante, en un mundo donde todos quieren pertenecer a cualquier tipo de grupo. Para ellos no hay nada que respetar porque a ellos no se les ha respetado nunca. Se les ha evitado, ignorado y pisoteado desde la infancia. Ha llegado la hora de la venganza!.

‘Notre jour viendra’ deja un regusto amargo y muchas dudas sobre lo que hemos visto. Resulta dura, insultante y aterradora a ratos. E incluso cómica en un cariz sórdido e irreverente. Enseña una cinta un tanto desbocada y excesivamente agresiva. Pero para mí es una película muy digna y que destapa un futuro gran director. Hijo del director griego  Costa Gavras, Romain promete. No hay más que ver ‘Notre jour viendra’ .

Comentario realizado por Bela

Debut en la pantalla del polémico director galo ROMAIN GAVRAS, autor de los videoclips multicensurados del grupo electro JUSTICE y de M.I.A. "BORN FREE", cuya temática conecta en gran medida con la amada y odiada a partes iguales NOTRE JOUR VIENDRA.

Para hacer un poco de contexto, diremos que a Romain Gavras se le ha tachado de racista y fascista por sectores sociales conservadores, mientras que otros críticos lo han ensalzado poniéndolo a la altura de maestros como HANEKE o KUBRIK... no se, quizás sea demasiado pronto juzgar a alguien con un solo trabajo.

Lo cierto es que la premisa de la que se parte en NOTRE JOUR VIENDRA no puede resultar mas inquietante: un buen día, dos hombres pelirrojos deciden revelarse e ir contra todo lo que les ha oprimido; a partir de ahí, una absoluta y demencial espiral de violencia, visceralidad y brutalidad visuales y verbales que llevan al espectador a removerse incómodo en su silla más de una vez.

No quiero entrar aquí en valores personales ni en idioteces varias, sino simplemente dedicarme a lo cinematográfico pura y duramente hablando... y es ahí donde NOTRE JOUR VIENDRA se sale. Para empezar, nada más ni nada menos que un VINCENT CASSEL en uno de esos papeles desquiciados que le van como anillo al dedo, y es que no puedo más que elogiar una y otra vez al actor francés cuya carrera cinematográfica prácticamente he ido siguiendo. CASSEL con su faz Belmondiana y sus espasmódicos y violentos gestos llenan la pantalla, con esas miradas penetrantes y frías que atraviesan el alma. Son estos papeles relativamente independientes los que le sientan bien al actor (véase EL ODIO o la brutal IRREVERSIBLE), que gusta de excentricidades en la pantalla y que no se corta un pelo en sus interpretaciones (ni siquiera en mostrar su miembro). Probablemente y según mi opinión, uno de los mejores actores actuales en el cine, con un toque a los clásicos y sin dejarse llevar en sus papeles demasiado por el presente.

Por otro lado tenemos a OLIVIER BARTHOLOMY, joven actor también francés que iguala en su papel si no supera a CASSEL. Desquiciado y perturbador, el personaje de BARTHOLOMY congenia a las mil maravillas con el de Cassel, formando una de las parejas mas brutales de la historia del cine. Interesante la evolución del personaje que vamos viendo a lo largo del film...

Lo dicho; NOTRE JOUR VIENDRA, polémicas aparte, es una visión obligada para los amantes del cine de HANEKE, KUBRIK, y quizás el primer DANNY BOYLE. Cine dentro de cine, historia dentro de historia, NOTRE JOUR VIENDRA se compone de múltiples capas y da pie a muchas lecturas e interpretaciones... Coronel Mortimer, lamuerteteniaunblogspot.com

De lo mejor que he visto este año amigos.
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Yasujiro Ozu - Ukigusa (1959)

Japonès/Japanese | Subs:Castellano/English/Français/Portugués

119 min | XviD 512x384 | 1554 kb/s  | 119 kb/s mp3  | 23.97 fps

1,36 GB + 3% de recuperación rar

Una compañía de teatro llega a un pueblo al sur de Japón, donde el director se reencuentra con una antigua amante y su hijo, al que éste cree que es su tío. La actriz protagonista, está celosa y para dejar en evidencia a su director, le dice a una compañera que intente seducir a su hijo.

Creo que fundamentalmente hay que entender UKIGUSA como una película en la que se ofrece un viaje de autoreconocimiento por parte del principal personaje de la película –nos estamos refiriendo a Komajuro, por más que la obra tenga un cierto carácter coral-. Esa sensación de retorno a un pasado, de saldar una cuenta con su propia conciencia tiene su referente más evidente en ese retorno hacia la que fue su principal amante y con la que mantuvo su único hijo. Pero es a partir de esa situación, que tendrá una gran importancia en el conjunto del film, la que dará pie a ese conjunto de disgresiones que conformarán el conjunto de una obra densa, sugerente, de gran serenidad y riqueza visual –como por otra parte es habitual en el cine de Ozu-, y en el que las tonalidades de su gama cromática irán evolucionando desde la claridad y alegría inicial, hacia una progresiva oscuridad y tonalidades tenues, hasta concluir en sus pasajes finales con un retorno a las claridades –esa imagen diurna con la que concluye la misma una vez Komajiro y Sumiko viajan de nuevo juntos en busca de un futuro-, volviendo a ese tono aparente optimista que había abandonado su segunda mitad.Pero al mismo tiempo, en esas imágenes se refleja –en ocasiones en una secuencia bien cotidiana-, el atavismo del papel tradicional de la mujer, de la madre japonesa, el sentido ritual de sus habitantes, el contraste y conflicto entre generaciones o la propia influencia occidental (el vestuario y el propio aspecto de Kiyoshi). Esa sensación de totalidad, de que cada encuadre, cada mirada, cada movimiento de los actores, cada mancha de color, está imbricado en diversas interpretaciones y sutiles pinceladas de pensamiento, apreciaciones y matices, se da de nuevo en esta obra de madurez de Ozu. Una película de la que cabe retener sus imágenes iniciales llenas de luminosidad, la nunca suficientemente valorada capacidad del realizador de saber introducir una secuencia con apenas unos breves planos que sirven de introducción a las principales secuencias o el encanto que tienes aquellas intersecciones que sirven para unir las diferentes secuencias –generalmente envueltas en una cálida melodía-. En el film que nos ocupa podríamos destacar los planos exteriores que nos muestran el colorido de las pancartas que anuncian el teatro, el discurrir de los miembros de las compañía por las áridas calles de la población acompañados de niños que se harían protagonistas de una de las últimas películas del realizador; la significación de los vestidos de los protagonistas; la herencia del kabuki que ofrecen los momentos de la representación; el sentido de catarsis que ofrece la llegada de una densa lluvia; la belleza que manifiestan los contraluces y las sombras en el momento en que Kiyoshi y Kayo descubren que realmente están enamorados...

Son toda una sucesión de instantes memorables, densos y sutiles al mismo tiempo, relacionados siempre unos en otros, a los que solo cabría oponer la presencia en algún momento de algún montaje abrupto entre la sucesión de una secuencia a otra –quizá algo que venga manifestado por algún corte ajeno al realizador-. En todo caso, que duda cabe que UKIGUSA es una obra de madurez y extraordinaria belleza, que hay que incluir por derecho propio entre las grandes obras de Yasujiro Ozu. (Cinema de Perra Gorda)

A troupe of traveling players arrive at a small seaport in the south of Japan. Komajuro Arashi, the aging master of the troupe, goes to visit his old flame Oyoshi and their son Kiyoshi, even though Kiyoshi believes Komajuro is his uncle. The leading actress Sumiko is jealous and so, in order to humiliate the master, persuades the younger actress Kayo to seduce Kiyoshi.

 "Las películas de Ozu, tan japonesas, son al mismo tiempo universales. He podido reconocer en ellas a todas las familias del mundo entero y también a mi propia familia. Para mí, el cine no ha estado nunca, ni antes ni después de Ozu, tan cerca de su destino y de su misión: ofrecer una imagen del hombre del siglo XX, una imagen útil, verdadera, en la que el ser humano no sólo pueda reconocerse sino ante todo que le permita aprender algo sobre su propio ser." Wim Wenders

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-o-

Yasujiro Ozu en Arsenevich

Hijosen no onna

Dekigokoro 

Higanbana 

Kaze no naka no mendor

Chichi ariki

Banshun 

Todake no kyodai

Otona No Miru Ehon - Umarete Wa Mita Keredo 

Shukujo wa nani o wasureta ka 

Munekata kyoudai 

 Hitori musuko

Zivko Nikolic - Bestije (1977)

Serbo-Croata | Subs: Castellano/English/Русский
92 min | XviD 6406x448 | 870 kb/s | 102 kb/s mp3 | 25 fps
650 MB + 3% recuperación/recovery

 Bestias

 Una bella mujer llega a una isla perdida y trae emoción y aliento de aire fresco a la vida de los lugareños. Ella despierta la pasión reprimida, el odio, el amor y el miedo, convirtiendo la aburrida y monótona rutina isla en algo emocionante y peligroso...

Subtítulos en castellano de Vozidar para veinticuatrofps.com

 Beasts

 A beautiful woman arrives on a god forsaken island and brings excitement and breath of fresh air in the lives of the locals. She awakes suppressed passion, hatred, love and fear,turning upside-down otherwise boring and monotonous island routine.

English subtitles by faustos (KG)

Бестии

Однажды в штормовую ночь девочка попадает на маленький остров. Она становится свидетелем как люди теряют достоинство и превращаются в "животных"... Фильм ”Бестии” , первый игровой фильм классика югославского кино, создателя таких шедевров, как "Чудо невиданное", "Красота порока", является самой странной, весёлой и саркастичной попыткой обрисовать ужас сущности и судьбы человека в зеркале вывернутого наизнанку подобия общества, когда-либо созданной на территории бывшей Югославии...

Subtítulos en castellano aquí

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Fritz Lang - The Big Heat (1953)

Inglès/English I Subs:Castellano

90 min IXvid 640x480 I 1508 kb/s I 96 kb/s cbr mp3 I 23.97 fps

1,00 GB

Un policía, Tom Duncan, se suicida y deja una carta en la que confiesa haber pertenecido a una banda de gángsters, pero también denuncia la corrupción de altos funcionarios. Su viuda esconde la misiva con la intención de sacarle provecho. Mientras, el sargento Dave Bannion trata de resolver la muerte de Duncan.

Pero no vayamos tan deprisa y centrémonos en el germen de la historia: Estados Unidos en los años 50, la industria del cine (así como muchas otras) se ven acosadas por el senador McCarthy en su obstinada caza y captura de todo aquello que huela a comunista. La mitad de la población se convierte en delatora y la otra mitad en perseguida. La sociedad está corrompida, algo a lo que no es impune el cuerpo policial, y así lo reflejó William P. McGivern en su novela "The Big Heat" —que no tengo el gusto de conocer, pero por lo reflejado por Javier Coma (1), se entiende que el guión de Sydney Boehm (habitual en la serie B, donde sobre todo trabajó con Rudolph Maté) respeta sus líneas básicas—, donde el protagonista principal, el sargento Dave Bannion (Glenn Ford), representa la línea positiva de una institución embrutecida por la corrupción. El film estrenado comercialmente en España llevó el título cristalino de Los sobornados, una expresiva traducción sobre The Big Heat, que corresponde tanto a "El gran calor", en representación del ambiente asfixiante del film/novela como «al gran tumulto de una caza de poderosos delincuentes por la policía (2)».
Fritz Lang fue uno de los maestros del cine negro. De hecho, su aterrizaje en Hollywood tras la huida de Alemania, donde durante por más de diez años había sido el realizador más interesante del planeta (1922-1933, desde Dr. Mabuse (Dr. Mabuse der Spieler, 1922) a El testamento del Dr. Mabuse (Das Testament des Dr. Mabuse, 1933), con el permiso de F.W. Murnau y C.T. Dreyer, por supuesto; fue con dos títulos clave para la evolución de dicho género: Furia (Fury, 1936) y Sólo se vive una vez (You Only Live Once, 1937). Estos títulos, junto a El ministerio del miedo (Ministry of Fear, 1944), La mujer del cuadro (The Woman in the Window, 1945), Perversidad (Scarlet Street, 1945), Los sobornados, Mientras Nueva York duerme (While the City Sleeps, 1956) y Más allá de la duda (Beyond a Reasonable Doubt, 1956), conforman la evolución del cineasta cambiante, luchador y obsesionado, a través del cine y, en especial, del género negro (casi todos los demás títulos de Lang, siempre incluían tics, gestos, guiños o rimas habituales del género, aunque sólo los citados se ceñirían al pie de la letra a las normas del cine de gángsters sin escrúpulos y cínicos detectives).
Los sobornados es así un film modélico. No posee la rabia de Furia y Sólo se vive una vez, y es ligeramente más optimista que las películas protagonizadas por Edward G. Robinson, pero es mucho menos satírica que sus últimos noir. Si en un texto anterior (3) dije que la angustia era el sentimiento que más se extraía de la filmografía de Lang, me gustaría recalcar aquí lo importante de esta aseveración con respecto a Los sobornados y sin salirme del colectivo de films negros de Lang. Citemos por ejemplo Perversidad. Hay una evolución clara de puesta en escena desde sus primeros films (más expresionistas, con un uso de la luz en ocasiones irreal) hacia la mirada más objetiva de Los sobornados. Ya en Perversidad la luz se toma un respiro. Lang se acerca más a los personajes sin forzar la forma de las imágenes, la conexión del espectador con el sufrido protagonista es mayor y la angustia que éste sufre se traslada con fuerza hacia el sujeto pasivo de la acción. Si algo consigue enturbiar dicha identificación, es quizá el perfil del protagonista, demasiado bueno para ser un personaje real. Esto no ocurre en Los sobornados. (...) (Alejandro G. Calvo, Miradas de Cine)

The story coheres around the suicide of a crooked cop, and the subsequent struggle of an honest detective, Dave Bannion (Glenn Ford), to navigate between a corrupt city government and a ruthless mobster to uncover the truth. Initially, the violence here seems almost timid by comparison to the more explicit carnage now commonplace in films, yet the story accelerates as its plot arcs toward Bannion's showdown with kingpin Lagana (Alexander Scourby) and his psychotic henchman, the sadistic Vince Stone, given an indelible nastiness by Lee Marvin. When Bannion's wife is killed by a car bomb intended for the detective, both the hero and the story go ballistic: suspended from the force, he embarks on a crusade of revenge that suggests a template for Charles Bronson's Death Wish films, each step pushing Lagana and Stone toward a showdown. Bodies drop, dominoes tumbled by the escalating war between the obsessed Bannion and his increasingly vicious adversaries.
Lang's disciplined visual design and the performances (especially those of Ford, Marvin, Jeanette Nolan as the dead cop's scheming widow, and Gloria Grahame as Marvin's girlfriend) enable the film to transcend formula, as do several memorable action scenes--when an enraged Marvin hurls scalding coffee at the feisty Debby (Grahame), we're both shattered by the violence of his attack, and aware that he's shifted the balance of power. --Sam Sutherland

"Peter Bogdanovich: Muchas películas hechas a partir de compromiso social pierden su sentido tras diez o veinte años. Las suyas, no.
Fritz Lang: Quizá sea porque mis películas tratan de problemas eternos. Por ejemplo, The Big Heat es una acusación contra el crimen. Pero implica a gente, a diferencia de otras buenas películas contra el crimen que sólo tratan de gángsetrs. En The Big Heat (que, por cierto, fue escrita –a partir del libro de McGivern– por un extraordinario reportero criminal, Sidney Boehm), Glenn Ford es un miembro del departamento de Policía, y su mujer resulta muerta. La historia se convierte en una cuestión personal entre él y el crimen. Él se convierte en el público."

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Fritz Lang en Arsenevich

Spione

Scarlet Street

M

The Woman in the Window

Fury

House by the River

Der Müde Tod

You Only Live Once

Moonfleet

Cloak and Dagger

Beyond a Reasonable Doubt

Western Union

Das Wandernde Bild

Jean Rouch - Petit à Petit (1971)

 Français | Subs: Castellano/English
92 min | XviD 720x576 (4:3) | 1212 kb/s | 128 kb/s mp3 | 25.0 fps
881 MB

 http://www.imdb.com/title/tt0129303/

Damouré, qui dirige à Ayorou (Niger) avec Lam et Illo la société d'import-export Petit à petit décide de construire un « grand Building » dans son village. Il part à Paris pour voir « comment on peut vivre dans des maisons à étages ». Dans la capitale, il découvre les curieuses façons de vivre et de penser des Parisiens qu'il décrit dans des « Lettres persanes » envoyées régulièrement à ces compagnons, jusqu'à ce que ceux-ci, le croyant devenu fou, envoient Lam le rejoindre pour se rendre compte sur place...

Damouré, que junto con Lam e Illo dirige en Ayorou (Níger) la sociedad de importación-exportación Petit à Petit, decide construir un gran "Building" en su pueblo. Parte a París para ver "cómo se puede vivir en casas de varios pisos". En la capital, descubre las curiosas maneras de vivir y de pensar de los parisinos, que describirá en una suerte de "Cartas persas" enviadas regularmente a sus compañeros, hasta que éstos, creyéndolo loco, envían a Lam para que lo traiga de vuelta.

 

 

 Ce film peut-être vu comme la suite de Jaguar (1967), où Petit à petit était le nom du stand que Damouré et ses amis tenaient sur un marché. Le troisième volet devait s'intituler Grand à grand.

Le film a été monté initialement en une version de 4 heures, mais cette durée fut jugée trop longue pour pouvoir être exploitée en salle. La durée fut ramenée à 2 heure puis 1h36.

Este film puede ser visto como la secuela de Jaguar: los que estén familiarizados con aquella primera obra, recordarán que Petit à Petit ("Poco a Poco") era el nombre del puesto que Damouré y sus amigos habían instalado en un mercado de la Gold Coast. Rouch tenía idea de hacer un tríptico: la tercera parte iba a titularse Grand à Grand ("Mucho a Mucho").

El film fue montado inicialmente en versión de cuatro horas, pero tal duración fue considerada excesiva para un estreno comercial, siendo reducida a dos horas, y finalmente a una hora y media.

Wikipedia

 

Les quelques intellectuels et artistes africains qui reprochaient à Rouch de les "filmer comme on analyserait les insectes" semblaient oublier la voix de Rouch en contrepoint, souvent vertement anti-colonialiste et qui témoignait d'un amour sans fin pour l'Afrique, à l'image de Petit à Petit, désopilant exercice de style surréaliste, retournant comme un gant les manies anthropologues et racistes des occidentaux envers le continent noir. Partisan d'une ethnologie partagée et fraternelle, Rouch était curieux de tout, et des avis des spectateurs africains en premier lieu, dont il écoutait les commentaires après projection pour remonter les films le lendemain en fonction des remarques récoltées. Profondément humain, et à l'écoute des autres, Rouch n'aura cessé de "suspendre des ponts entre les hommes" comme l'écrivait dans le Monde Jacques Mandelbaum, en conclusion de son magnifique hommage au cinéaste. Godard, encore, dans un même élan admiratif, ne disait-il pas de Rouch qu'il "n'avait pas volé son titre de carte de visite : chargé de recherche au Musée de l'Homme. Existe-t-il plus belle définition du cinéaste ?" (...)

Fasciné par les mystères de la brousse africaine, emporté par la magie des lieux et des sorciers africains, Rouch aura toujours su s'adapter à un continent qu'il est le seul à avoir si bien filmé. Aussi magnifique qu'il soit, Hatari de Hawks est un "film blanc" qui ne suscita jamais d'autres vocations que d'aller découvrir les rhinocéros de John Wayne au zoo le plus proche. Rouch, lui, est un artiste noir et blanc, qui entraîna dans son sillage une génération d'acteurs et de réalisateurs africains qui à leur tour firent découvrir leurs pays au monde occidental : Oumarou Ganda, formidable Edward G. Robinson dans Moi un Noir, tourna ensuite plusieurs films de premier ordre ; Safi Faye, actrice de Petit à Petit est encore aujourd'hui une réalisatrice reconnue et estimée au Sénégal.

Los intelectuales y artistas africanos que reprochaban a Rouch "filmar[los] como quien analizara insectos" parecían olvidar el contrapunto de la voz de Rouch, a menudo nítidamente anticolonialista y que daba testimonio de un amor infinito por Africa, a la imagen de Petit à Petit, desopilante ejercicio de estilo surrealista, que da vuelta como un guante a las manías antropológicas y racistas de los occidentales para con el continente negro. Partidario de una etnología compartida y fraternal, Rouch sentía curiosidad por todo, en primer lugar por las opiniones de los espectadores africanos, cuyos comentarios escuchaba tras la proyección, y tenía en cuenta para volver a montar los films al día siguiente. "Oyente" profundamente humano del otro, Rouch jamás dejó de "tender puentes entre los hombres", como escribía en Le Monde Jacques Mandelbaum, en la conclusión de su magnífico homenaje al cineasta. También Godard, en un mismo gesto admirativo, decía de Rouch que "no ha usurpado el título de su tarjeta de presentación: "Investigador del Museo del Hombre". ¿Existe más bella definición del cineasta?" (...)
Fascinado por los misterios del monte africano, transportado por la magia de los lugares y de los brujos africanos, Rouch sabrá siempre adaptarse a un continente que sólo él supo filmar tan bien. Por magnífica que sea, Hatari! de Hawks es un film "blanco" que no suscitará otra inquietud que la de trasladarse al zoológico más cercano para contemplar los rinocerontes de John Wayne. Rouch, en cambio, es un artista negro y blanco, cuyos rastros seguirá toda una generación de futuros actores y realizadores africanos que también develarán sus países a los ojos del mundo occidental: Oumarou Ganda, formidable Edward G. Robinson en Moi un Noir, rodó a continuación varios films de primer orden; Safi Faye, actriz de Petit à Petit, es en la actualidad una realizadora estimada y reconocida del Senegal.

DVDClassik

 

Una narración que se vuelve delirio e invención constante en Poco a Poco (Petit à Petit, 1968-1970) y  Dioniso (Dyonisos, 1985). El cine-placer, como lo nombra el propio Rouch. Cine improvisado, en la línea de Yo, un negro y Jaguar, de la cual Poco a Poco se quiere continuación, recuperando al grupo de protagonistas que se había ya convertido en grupo habitual de colaboradores. Cine amateur en el mejor sentido, en donde se rechaza toda idea de maestría para abandonarse a un cine libre, que se crea en diálogo constante con sus colaboradores, y que se abre a la ocurrencia compartida, a interrupciones de todo tipo, que desarrolla una idea de creación comunitaria que -como apunta certeramente Angel Santos- nos hace pensar en el cine del último Pedro Costa. Obras que investigan el mito en presente, no como un atavismo propio de sociedades primitivas, tanto en la etnografía invertida de Poco a Poco, como a través de la recuperación del mito clásico en el taller experimental de Dioniso, un filme que remite claramente a los cruces de etnografía y surrealismo del círculo de Georges Bataille de los años 30. Eso sí, esta vez la comunidad que se crea es todo menos inconfesable, ni siquiera es una de esas comunidades torturadas que abundaron en el cine moderno, sino una comunidad gozosa de la que sin duda nos hubiera gustado formar parte.

Iván G. Ambruñeiras, Blogs & Docs

Rip y subtítulos castellanos propios.

 

Petit à Petit
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Jean Rouch en Arsenevich

Moi un noir (1958)

Chronique d'un été (1960, con Edgar Morin)

Jaguar (1967)

Mervyn LeRoy - I Am a Fugitive from a Chain Gang (1932)

 Inglès/English-Castellano (Dual) I Subs:Castellano

92 min IXvid 512x368 I 957 kb/s I 85 kb/s vbr mp3 I 23.97 fps

755 MB  

La película se desarrolla en los Estados Unidos de 1919. Narra la vida de James Allen, un excombatiente condecorado en la I Guerra Mundial que, a su regreso de la guerra busca, sin demasiada suerte, un trabajo.

No deja de ser sorprendente la áspera y virulenta carga crítica de la formidable 'Soy un fugitivo' (1932), de Mervin LeRoy, tres años despúes del crack del 29, responsabilizando a la corrupción de un sistema ajeno a la justicia social, en el trayecto de un personaje,Allen (esplendido Paul Muni) desde que vuelve de combatir en la primera guerra mundial, anhelante de no sumirse en otra rutina como en la del ejercito, la laboral que le reporta una seguridad inercial sin mayores inquietudes ( como señala su hermano, sacerdote, mejor pájaro en mano que ciento volando), sino construir, crear, en su caso, ser un ingeniero que construya puentes y carreteras, y termina doce años después convertido en un fugitivo que destruye puentes para no ser capturado, tras haber sido condenado por dos veces en prisión por un delito que no cometió, y perderse en las sombras (como refleja el extraordinario plano final) 'condenado' a robar para sobrevivir ( las últimas palabras que se le oyen en esas sombras que ya le engullen, ante la pregunta de qué hará: 'robar').
LeRoy narra con un prodigioso dinamismo y una admirable capacidad sintética ( de contundentes elipsis temporales) los diversos avatares que sufre. Los intentos de encontrar un empleo estable tras la guerra, de un trabajo provisional a otro ( o de un despido a otro, ya que las empresas no dejan de reducir plantillas),casi convertido en indigente errante, hasta que un funesto azar (se ve implicado en un robo en el que no participa) le supone, nada menos, que una condena de diez años (por un robo de cinco dolares). LeRoy describe con descarnada precisión las infames condiciones en las que malviven los presos (la brutalidad del trabajo en las canteras; la miserable comida; los latigazos a quien no cumple con el trabajo según las exigencias, aunque determine su muerte). Las elipsis del paso del tiempo vienen dadas por el paso de las hojas del calendario mientras resuenan los latigazos. Tras lograr realizar su fuga (magnífica la secuencia orquestada en primeros planos, de sus pies, recibiendo en sus argollas los mazazos de otro preso para ablandarlas, y de los efectos en su rostro; e igual de admirable aquella en la que se oculta bajo el agua respirando por un pajita, mientras le buscan a su alrededor), Allen, por su aptitudes y talento, logra ascender en la empresa en la que empieza a trabajar desde los puestos inferiores (en otro esplendido uso de las elipsis, de nuevo con hojas de calendarios, y los papeles en los que se consigna cómo se incrementa su sueldo).
Pero el sistema no permite segundas oportunidades, aunque haya cometido además un error. Primero se refleja cómo la sociedad está tejida con parásitos y actitudes mezquinas cotidianas(la mujer que sabe que se fugó y para no delatarle le obliga a que se case con ella, y así ella disfrutar de los privilegios económicos), y segundo, tras que ella le delate porque él quiere el divorcio ya que ama a otra mujer, la mezquindad de las instancias del poder, que le prometen un indulto que no cumplen, encarcelándole de nuevo con engaños, lo que determina su nueva fuga, una persecución de autómoviles narrada con una intensidad proverbial. Ya sólo le resta convertirse en una sombra proscrita, las sombras que un corrupto sistema ha creado.
‎'Soy un fugitivo' (I am a fugitive from a chain gang, 1932), de Mervin LeRoy, es un modélico ejemplo de cine de lacerante e implacable crítica social, sin vaselina, y de un dinamismo narrativo portentoso, de impecable dominio de la sintésis. Un gran guión de Sheridan Gibney, Howard J Green y Brown Holmes, que saben condensar en hora y media multiplicidad de circunstancias, y un trabajo de planificación analitica aún hoy ejemplar, así como el trabajo de luces y sombras de Sol Polito. Las secuencias carcelarias, aún hoy también, quedan como algunas de las más efectivamente crudas jamás rodadas. (El cine de Solaris)

I Am A Fugitive From A Chain Gang (1932) is a gritty, uncompromising, critical, and combative look at the unjust and barbaric treatment of criminals in a southern state's prison system following World War I. The harsh and grim melodramatic film was one of the first of Warner Bros.' films of social conscience, reform and protest during the early 30s (at the height of the Depression-era). The film reflected the dire effects of the Great Depression on the common man in its story of a WWI veteran who faced unemployment, was unjustly convicted of a petty robbery, and then twice served and escaped from a southern chain gang as a hunted fugitive during the 1920s. One of the film's taglines described his second escape: "Six sticks of dynamite that blasted his way to freedom...and awoke America's conscience!"

"Estando lejos tenía la esperanza de volver y empezar una nueva vida, de ser libre. Y aquí estoy otra vez recibiendo órdenes. Siempre la rutina mecánica, aburrida, peor que el ejército. Y todos vosotros intentando dibujar el mapa de mi futuro acosándome, empujándome a que haga lo que creéis que es mejor para mí. ¿No se os ocurre que soy otro hombre, que he aprendido que la vida es más importante que una medalla en el pecho o un estúpido e insignificante empleo?"

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(Links y subs cortesìa de Purita de Patio de Butacas)

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Mervyn LeRoy en Arsenevich

Gold Diggers of 1933

Nanni Moretti - Habemus Papam (2011)

Italiano/Italian| Subs: Castellano/English
 100 min | AVC | MKV 704x384 | 1485 kb/s | 448 kb/s AC3 | 25 fps
 1.36 GB 

Tras la muerte de un Papa, obispos, arzobispos y cardenales de todo el mundo se reúnen en Cónclave para elegir a su sucesor. Después de varias votaciones infructuosas, que se anuncian con la salida de una humareda negra, se ve, por fin, la "fumata bianca" que indica que "habemus papam". Los fieles que se han congregado en la Plaza de San Pedro esperan con entusiasmo y fervor que el nuevo pontífice, siguiendo la tradición, se asome a una de las ventanas que dan a la plaza. Sin embargo, esperan en vano. Por alguna razón, el nuevo Papa no parece estar en condiciones de soportar el peso de tal responsabilidad. Mientras la inquietud se apodera del mundo católico, en el Vaticano, se busca desesperadamente una solución para superar la crisis. 

Que "Habemus Papam" es un Moretti menos personal que sus "Caro Diario" o "Abril" salta a la vista. Sin embargo, hay más de su humor y su acidez en cualquier plano de "Habemus Papam" que en, por ejemplo "Il caimano", con la que guarda ciertos paralelismos.
 Nanni Moretti juega con el espectador a los espejos simbólicos, y lo hace descaradamente. No hay sutileza y sí mucho trazo grueso a la hora de comparar a un actor fracasado con un papa fracasado, a la hora de ver ese afán de competitividad en un profesor que acaba viendo como ni siquiera un torneo de balonmano es capaz de ser resuelto por su capacidad "più brava".
 A pesar de todo, el film no sólo se deja ver sino que por momentos es grandioso. Su crítica al Vaticano y la Iglesia es medida, no molesta en absoluto y hasta podría considerarse constructiva por los católicos que puedan ver el film.
 Se trata, en suma, de una sátira inocente, poco punzante, pero delicadamente realizada, y -digámoslo ya-, simpática, a lo que ayuda un convincente Michel Piccoli.
 Habemus Moretti, y por muchos años. Fendetestas

Following the death of the Pope, the Conclave meets to elect his successor. A cardinal is chosen who seems unable to bear the weight of such a responsibility. Is it anxiety? Is it depression? Does he feel inadequate?
The faithful are waiting for the new Pope to appear on the balcony in St. Peter’s Square. The world is on tenterhooks, while in the Vatican they seek ways to come through the crisis.

ROME — It’s a pity that We Have a Pope, the English title of Nanni Moretti’s gently amusing tale about a newly elected Pontiff who refuses to take office, wasn’t left in the original Latin. Habemus Papam, the words by which a new Pope is announced to the world,conveys the skewed overlay of Catholic tradition and bizarre otherworldliness that give the film its unique comic tone, assisted by a rapturous performance by Michel Piccoliin the central role and Moretti in top acting form as his would-be psychoanalyst. The subject in itself should shepherd in a worldwide flock of film-goers. Let it immediately be said that there is nothing in the film to impede the enjoyment of Catholics, all the way up to the top.

Coming out in Italy just two weeks before the beatification of Pope John Paul II on May 1, We Have a Pope – which opens with newsreels of John Paul’s 2005 funeral — is set to cash in on the media frenzy for all things Papal. Its international bow in competition at Cannes, where the director’s The Son’s Roomwon a Palme d’Or in 2001, should be a 1-2 punch for the Italo-French co-production.

And yet, fans of Moretti, the political activist and beacon of uncomfortable truths, will wonder where he left the mordant, oft-times savage humor and fierce political satire of Mass Is Over and his Silvio Berlusconi send-up,The Caiman. Here the storyteller overpowers the moralist in every sense. Not a hint of clerical sex scandals clouds the surreal image of frolicking white-haired Cardinals; the most critical line in the film suggests the Church needs a leader who will bring great change, but even that plays as an offhand remark. Those looking for a probing study of religious faith, in the vein of Marco Bellocchio’s The Religion Hour/His Mother’s Smile, are knocking on the wrong church door.

What the film offers is a well-written, surprisingly mainstream comedy with an unbeatable setting, the Vatican’s inner chambers, brilliantly recreated by production designer Paola Bizzarri from an astute collage of Roman palaces and churches and shot through with bold cardinal red by cinematographer Alessandro Pesci. The illusion of being in the Sistine Chapel and the Vatican gardens alongside the Princes of the Church is satisfyingly complete.

Following the Pope’s funeral, a procession of red-robed Cardinals from all over the Earth convenes to elect a successor. The news media is lampooned in a goofy TV reporter, shooed out of the way by the suave Vatican spokesman, played with unflappable self-assurance by Polish actor Jerzy Stuhr.

The conclave is ceremoniously locked inside the Sistine Chapel and voting gets underway. Though Cardinal Gregori (Renato Scarpa) is the odds-on favorite, he is overturned in the second round by an underdog, French cardinal Melville (Piccoli.) Everyone is delighted and they escort the new Pontiff to the balcony, where he is to address the crowds in St. Peter’s Square, breathlessly awaiting the news. But just as he is about to be announced, Melville lets out a shriek and runs out of the room, under the horrified eyes of the assembly.

While Stuhr, who assumes a central role as event organizer and crisis trouble-shooter, tries to buy time with the Cardinals and the public outside, Melville falls to pieces in a crisis of inadequacy, unable to face the enormous role he is being called on to play. Suddenly, hilariously, a psychoanalyst (Moretti) is called in and is instructed to “cure” the patient in front of the entire conclave – just don’t mention sex, mother, fantasies, desires or dreams, please. When Stuhr tells the analyst (who confesses to being an atheist) that “the soul and the unconscious can’t co-exist,” it seems as though the sarcastic fun is about to start; but it doesn’t.

 Instead the depressed Pontiff dodges his guards and wanders through the streets of Rome, listening to the common people on buses and in coffee shops and falling in with a theater troupe rehearsing Chekov’s The Seagull. His escape climaxes in a fancy theater, where the Pope is aptly compared to an actor.
 Meanwhile, the analyst organizes a volleyball tournament for the other prisoners of the Vatican, a cute idea of good, clean fun that looks tame compared to the ferocious, politically-tinged water polo scenes in Moretti’s early Red Lob.
Still the screenplay, which Moretti penned with his Caimanco-scripters Francesco Piccolo and Federica Pontremoli, is full of inventive moments thatshow he is one of the most creative filmmakers working in Italy, astutely recasting current history into a popular form. But the finale is a let-down, leaving the feeling of an artist paralyzed by his own perfectionism and his desperate search for originality at all costs. The sacrifice in spontaneity really isn’t worth it.

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(Rip propio en formato exclusivo para Arsenevich)