31 octubre 2011

Jacques Tourneur - Out of the Past (1947)

Inglés/English | Subs: Castellano/Français/English (idx/sub)
97 min | XviD 512x384 | 914 kb/s | 96 kb/s mp3 | 23.97 fps
705 MB

 Retorno al pasado
Un ex-detective vive retirado, con el falso nombre de Jeff Bailey, en una pequeña localidad, regentando una gasolinera, enamorado de la pesca y de una jovencita con la que quiere casarse. Sin embargo, un viejo conocido acude al lugar anunciándole que el jefe quiere verle. Bailey se ve obligado a contarle a su novia su turbio pasado: contratado por un hampón,Whit Sterling, para buscar a su amante, Catie Moffett, fugada con una sustanciosa suma de dinero, Bailery la encontró en Acapulco y se enamoró de ella; ambos se fueron a vivir a San Francisco, pero ella, tras dar muerte a un antiguo socio de Bailey que los había descubierto, volvió a huir. Bailey la encontrará ahora de nuevo en brazos de Sterling y tendrá la razonable sospecha de que éste, sintiéndose traicionado, querrá vengarse de él. (FA)

"Una de las cimas incontestables del cine negro de los cuarenta. El realizador crea unos personajes rotundos y ambivalentes, entre los que destaca un impactante retrato de femme fatale, bajo los rasgos de Jane Greer, que destruye a todo aquel que se le acerca. Una historia alambicada, de innumerables lecturas. Imprescindible" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

DVD rip y capturas de Kane32 (KG)

Out of the Past is so perfect a film noir that it is considered practically a textbook example of the genre. In his first starring role (it had previously been offered to John Garfield and Dick Powell), Robert Mitchum plays Jeff Bailey, the friendly but secretive proprietor of a mountain-village gas station. As Jeff's worshipful deaf-mute attendant (Dick Moore) looks on in curious fascination, an unsavory character named Joe (Paul Valentine) pulls up to the station, obviously looking for the owner. Jeff is all too aware of Joe's identity; he's been dreading this moment for quite some time, knowing full well that it will mean the end of his semi-idyllic existence, not to mention his engagement to local girl Ann (Virginia Huston). In a lengthy flashback, the audience is apprised of the reasons behind Jeff's discomfort. Several years earlier, he'd been a private detective, hired by gangster Whit Sterling (Kirk Douglas) to find his mistress Kathie Moffett (Jane Greer), who shot him and ran off with $40,000. Jeff traces Kathie to Mexico, but when he meets her he falls in love and willingly becomes involved in an increasingly complicated web of double-crosses, blackmail, and murder. 

La Griffe du passé
Jeff Bailey (Robert Mitchum), pompiste dans une petite ville californienne, retrouve par hasard Joe Stephanos, un homme de main de son ancien employeur, Witt Sterling (Kirk Douglas). Le jeune affranchi lui fait comprendre que Sterling souhaite le revoir au plus vite. Joe va au rendez-vous avec sa fiancée, à laquelle il raconte son trouble passé de détective...


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Jacques Tourneur en Arsenevich

Cat People

28 octubre 2011

Asghar Farhadi - Jodaeiye Nader az Simin (2011)

A Separation / Nader y Simin, una separación
Farsi I Subs: English/Castellano (.srt)
117 min I mkv 720x384 I 1782 kb/s I 192 kb/s AC3 I 25.0 fps
1.47 Gb + 3% recuperación/recovery

http://www.imdb.com/title/tt1832382/

A couple has to make a decision to leave Iran to better the life of their child or to stay and take care of a parent suffering from Alzheimers; however, the couple's marriage may end in divorce. 
Cuando su mujer lo abandona, Nader toma a una joven señora para cuidar de su padre enfermo. Pero ésta está embarazada, y trabaja sin el permiso de su inestable marido. Así Nader deberá enfrentar una serie de problemas, acusaciones recíprocas y mentiras...
 
Nader y Simin, una separación, no tiene una puesta en escena especialmente elaborada o poco convencional, pero en la medida en que sostiene un nivel narrativo tan potente, su relato no da pausa. Esto se fundamenta no sólo en el hecho de que Farhadi combina una trama de hierro con inteligentes abstracciones morales, sino además en que presenta un panorama del Irán contemporáneo, el retrato de un país partido en dos. El mundo de una elite liberal, alejada de los cánones religiosos, resulta fundamentalmente ajeno al de una clase baja conservadora y profundamente religiosa. (...) Farhadi no podrá explicar cómo estas dos experiencias pueden compartir un mismo espacio, pero en los interrogantes filosóficos y políticos que plantea su fim despunta inevitablemente un discurso que podría contribuir a la solución del enigma.
Martin Gobbin, Texte zum Film
 
 

El cine de Farhadi es estratificado, y sin embargo, inmediato.
Enrico Azzano, Cine Clandestino

 
 
Le scénario passionnant d'Asghar Farhadi reflète l'humanité dans toute sa complexité. Complexité des relations homme-femme, non dits, attentes de l'un vis à vis de l'autre, souffrance de la fille prise en étau entre les deux, choix impossibles, les tenants et aboutissants d'une relation de couple moderne sont tous là, traités avec une justesse incroyable.
El apasionante guión de Asghar Farhadi refleja la humanidad en toda su complejidad. Complejidad de las relaciones hombre-mujer, de las cosas no dichas y de las expectativas recíprocas; sufrimiento de la hija con su conflicto entre dos alternativas imposibles; las peculiaridades de una relación de pareja moderna: está todo allí, tratado con una precisión impecable.
Olivier Bacheladr, Abus de Ciné
 
No es mi rip, creo que llegó por torrent anónimo, en un acto de fe mucho antes de que surgieran los subtítulos. Los ingleses hay que agradecérselos a Whymse, de KG, que los puso en circulación hace unos días. Los castellanos son propios, y salen de aquéllos.
 

Nader.Simin.part1.rar
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Nader.Simin.part2.rar
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Nader.Simin.part3.rar
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Nader.Simin.part8.rar
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Asghar Farhadi en Arsenevich
Chaharshanbe-soori (2006)
Darbareye Elly (2009)
  Jodaeiye Nader az Simin (2011) 

27 octubre 2011

Raoul Walsh - The Thief of Bagdad (1924)

 Muda c/intertítulos en inglésI Subs:Castellano/Francés/Português
140 min I Xvid 480x368 I 1200 kb/s I 192 kb/s AC3 I 23,97 fps
1,37 GB + 3% de recuperación
Abú, un ladronzuelo que actúa por las calles de Bagdad, es detenido y encarcelado. Comparte la celda con el príncipe Ahmad, legítimo heredero del trono de Bagdad, a quien el Gran Visir Jaffar ha encarcelado para arrebatarle el poder.
Douglas Fairbanks queda tan impresionado al visionar Las tres luces (Der Müde Tod, 1921) del realizador germano Fritz Lang, que decide comprar los derechos de distribución del film para EEUU. La influencia delfilm en Doug deriva al terreno artístico, ya que una de sus historias, la que relata la persecución por el legendario Bagdad, le inspira y anima a realizar una película sobre los cuentos de Las mil y una noches.
Bajo su seudónimo habitual, Elton Thomas, Fairbanks firmajunio a Lotta Woods el guión de The Thief of Bagdad, una fantasía plagada de variopintas aventuras en la mítica ciudad oriental, que es convertida en el marco idóneo para el desarrollo del estilo acrobático y desenfadado del actor.
Su estética característica es uno de los puntos fuertes de la película, obtenida mediante los estilizadosdecorados que pone en escena William Cameron Menzies.Con ellos, Fairbanks pretende la consecución de un estilo visual nuevo, transmisor de sensaciones internas, a modo del expresionismo alemán, pero dotado de una energía diferente, más alegre y vivificante.
El resto del equipo también raya a gran altura, desde Hampton Del Ruth, con sus espectaculares efectos especiales, el imaginativo vestuario de Mitchell Leisen, el trabajo del operador Arthur Edeson y, por supuesto, la espléndida labor del realizador Raoul Walsh, el cual, compenetrándose con Fairbanks a la perfección, no duda en sacrificar su toque personal en aras de lograr el dinamismo narrativo que su protagonista requiere.
La película se estrena el 18 de marzo de 1924 en el Liberty Theatre de Nueva York. Además de obtener un enorme éxito, que le lleva a recuperar sobradamente los dos millones y medio que ha costado y de situar a Fairbanks en su cima de popularidad, se convierte en título paradigmático dentro del cine de aventuras, y uno de los films más populares del cine mudo americano. (Luis Enrique Ruiz, Obras Maestras del Cine Mudo)
El ladrón de Bagdad, es el avance más grande y repentino que el cine haya hecho jamás, y al mismo tiempo, es un regreso a la forma de las primeras cintas. Los trucos usados en su realización, son fascinantes, Fairbanks no tiene miedo de recurrir a la magia de la variedad más notoria, usando sogas que, cuando se lanza al aire, se vuelven rí­gidas y escalables, manzanas de oro que devuelven la vida a los muertos, ojos de cristal de í­dolos en los cuales se revela el futuro, alfombras mágicas que vuelan a través de las nubes, caballos con alas, llaves con forma de estrella para abrir el palacio de la luna, además de una dotación de genios, amuletos, talismanes y dragones que exhalan fuego.
Por supuesto que la magia es posible en la pantalla; la primera comedia francesa del mago Georges Mélií¨s lo demostró. Pero Fairbanks ha ido un paso más allá de los lí­mites de esas posibilidades, ha interpretado la hazaña sobrehumana de hacer que la magia parezca probable.
Cuando en Los diez mandamientos (1923, Cecil B. De Mille) el director hizo que el Mar Rojo se abriera, todo el mundo dijo: ese es un gran truco, ¿Cómo lo hizo?; no hay ese tipo de interrupciones mentales en la cinta de Walsh. El espectador mira las fenomenales acrobacias de Fairbanks sin detenerse ni un momento a pensar que son trucos. Más bien los acepta como hechos. Esta cinta, tiene una maravillosa cualidad de cuento de hadas: un recorrido romántico que levanta a la audiencia, y después se vaporiza en nubes rosas y esponjosas. También tiene mucha belleza y solidez de construcción dramática.
Fairbanks y Walsh, actor y director, idearon escenas de sobrecogedora magnitud y grandeza. Construyeron, con increí­ble magnificencia, la ciudad de Bagdad, escenario sobre el que la cinta, llena de gracia, se desarrolla rí­tmicamente y a una velocidad que constantemente aumenta. Después de verla, uno se queda con la misma emoción infantil, creada después de la primera lectura de las historias de Hans Christian Andersen: es dominantemente romántica e irrealmente cautiva.. (...) (Blog de Cine)
Douglas Fairbanks spared no expense for what may be the most lavish fantasy movie ever made. Inspired by the flying-carpet effects of Fritz Lang's somber but spectacular Der Müde Tod, Fairbanks (ever the canny businessman) bought the American rights, then hid the film away as he created his own show-stopping adventure, an adaptation of A Thousand and One Nights in which the magic-carpet ride was but one of many fantastic marvels. Swaggering through massive marketplace sets and cavernous throne rooms as an incorrigible thief and pickpocket, he scales towering walls (with the help of a magic rope) and leads a merry chase through crowded bazaars in his pursuit of loot--until he falls in love with the beautiful princess and vows to win her heart. This jaunty opening is but mere preamble to the spectacular second act. As three kings scour the globe to retrieve the rarest treasures known to man, the repentant thief embarks on an odyssey through caverns of fire and underwater caves. The marvelous special effects--from the smoke-belching dragon and underwater spider to the flying horse and magic armies arising from the dust--may show their seams but glow with a timeless sense of wonder. William Cameron Menzies's magnificent sets appear to have leapt from the pages of a storybook. As the adventure concludes in a torrent of movie magic that cascades nonstop through the breathless final hour, Fairbanks commands the screen with a hearty laugh and graceful athleticism, the cinema's first action hero triumphant. Kino's restored edition is tinted and features an organ score by Gaylord Carter. --Sean Axmaker
"Se me cortò la respiraciòn cuando vi los sets... La maestrìa de Menzies era lo suficientemente grande como para convencerme de que estaba caminando por las calles de Bagdad... Cambiè mi mentalidad entonces y allì mismo. Harìa El Ladròn de Bagdad y serìa la mejor pelìcula que hubiera dirigido. Eso es lo que el genio de un hombre puede hacer con el ego de otro." Raoul Walsh


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Raoul Walsh en Arsenevich
Regeneration
The Man I Love
The Naked and the Dead
The Strawberry Blonde
Colorado Territory

26 octubre 2011

István Szabó - Taking Sides (2001)


 Inglés I Subs: Español
105 min I AVC 704X384 MKV I 1592 kb/s I 448 kb/s vbr AC3 I 25fps
1,5 GB




Berlín, terminada la Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Steve Arnold (Harvey Keitel), un oficial del Ejército Americano, intenta dar ejemplo a sus subordinados, demostrando que Wilhelm Furtwängler, el famoso Director de la Orquesta Filarmónica de Berlín en tiempos del Tercer Reich, fue un colaborador de los nazis. Impulsado por una actitud más bien maniquea, Arnold intenta inculpar a Furtwängler, sin tener en cuenta que el único error del director fue no rebelarse contra el régimen nazi para seguir desempeñando su labor. Szabó logra un honesto filme sobre la ambigüedad de la verdad y la moral, con el descarnado pero elegante estilo que lo caracteriza.




Hungarian filmmaker István Szabó returned to the screen in 2001, with this adaptation of Ronald Harwood's stage play about the controversial case of Wilhelm Furtwängler, the most famous orchestra conductor in Germany during the Nazi regime. A study of opposing points of view on the meaning and value of art, but above all a confrontation of different cultures and world visions. The case is conducted by an American commander, whose vulgarity and narrow-mindedness (with simplistic definitions of right, wrong, democracy, etc., echoing the position of some Americans) is contrasted with Furtwängler's sensibility. Harvey Keitel is an excellent choice for the military, while Stellan Skarsgård brings aplomb and dignity as Furtwängler, who has the support of Keitel's assistants (played by Birgit Minichmayr, and Moritz Bleibtreu of 'Run, Lola, Run' fame.) A short film, considering the length of Szabó's films as 'Mephisto' and 'Colonel Redl.'






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(Rip propio)

25 octubre 2011

D. W. Griffith - Abraham Lincoln (1930)

Inglès/English I Subs:Castellano
90 min IXvid 576x432 I 1273 kb/s I 112 kb/s vbr mp3 I 25 fps
985 MB + 3% de recuperación rar
La vida del presidente Abraham Lincoln a través de los hechos más significativos que tuvieron lugar durante su mandato: la cabaña donde se crió, los debates con Douglas, su anécdota con el General Grant, sus amores y su matrimonio con Mary Todd. Esta fue la primera de sólo dos películas realizadas por Griffith en la era sonora; no fue un éxito en el momento, pero en los últimos años ha llegado a ser considerada como la película definitiva sobre el presidente.
Durante la segunda mitad de la segunda década del siglo XX, David Lewelyn Wark Griffith –nacido el 22 de enero de 1875 en una granja de Oldham County, Kentucky– era un intocable para sus contemporáneos. Con toda razón: a esa altura, Griffith había establecido el canon de la gramática cinematográfica, empujando hacia adelante el conjunto de la flamante industria del cine, fijando el largometraje como duración standard para las películas, formando a una generación de sucesores y legando a la contemporaneidad dos monumentos fílmicos de la talla de El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). Durante la década siguiente, la estrella de Griffith iría en franca declinación, y a comienzos de los ‘30 se extinguiría. Para entonces, las moving pictures ya hablaban, y el público y los críticos comenzaban a hastiarse de un tipo de cine que le debía todo a la novela popular del siglo XIX. En julio de 1948, al entierro asistieron sólo cuatro miembros de la industria que aquel pionero echó a andar. (...) (Pàgina 12)
The Dramatic Life od Abraham Lincoln producida en 1924 por Phil Rosen, vuelve la vista con nostalgia a un pasado anticuado, màs sencillo, màs inmediato y donde presuntamente nada separaba a los gobernantes de los gobernados. Abraham Lincoln, la primera pelìcula sonora de D. W. Griffith, va en esta misma direcciòn. El director subraya la dimensiòn "popular" y las cualidades morales del presidente norteamericano màs famoso del siglo XIX. (...) (El Siglo XX en pantalla)
(...) Nace un nuevo Hollywood, el cine mudo se desvanece, y con ella figura de su padre artístico, uno de tantos que hizo posible el reinado interminable de la Meca del Cine.
La Warner logra que podamos escuchar las voces y oír cantar a Al Jolson en “El cantante de jazz” (The Jazz Singer, 1927).
El cine vuelve a transformarse. Griffith declara que las películas habladas desaparecerían, que nunca sería posible sincronizar la imagen con la voz, que la única voz del cine debería ser la música. "La verdadera gran película y el director que piensen más en su prestigio que en los dólares seguirán siendo mudos... Las primeras películas habladas van a adolecer de las mismas faltas de naturalidad, interpretación dudosa, momentos de inacción prolongada, etcétera, de las películas de hace veinte años, y producirán en el público una sensación de retroceso del cine como industria y como arte." (David W. Griffith, declaraciones a la revista Photoplay, a fines de 1928).
Aun así hace algunas películas sonoras, como “Lady of the pavements”, de 1929; “Abraham Lincoln”, de 1930 (una de sus últimas grandes películas) o “The Struggle”, de 1931, su última película. El lenguaje inventado por Griffith ya no puede dar más de sí. Se ha convertido en patrimonio de la cinematografía universal. El cine aplasta a su padre artístico y lo manda al olvido.
René Clair, el genial director francés, lo describe, ya decadente, en una taberna del barrio chino de Londres, en 1935, donde le invitó una copa. Griffith se levantó súbitamente y dejó el lugar: "Se diría que paseaba entre la niebla en busca de su perdida juventud y su genio extinguido, tratando de encontrar en la noche del pasado aquella niña triste de “Los Lirios rotos”, aquella sombra que él hizo nacer y que ahora tenía más vida que él mismo..."
Griffith se va solo, en la oscuridad de la noche, sin ser despedido por una multitud a su alrededor y sin el sol brillando en el cielo. La noche del 23 de julio de 1948, olvidado por todos, en un sucio cuarto del hotel Knickerbocker de Hollywood, muere David Wark Griffith, víctima de una hemorragia cerebral. (Fragmento del texto de Oskarele, tomado de Pa Lo Que Hemos Quedao)
Directed by D.W. Griffith, this Lincoln effort was one of the great talking films of the post-silent film era. These brief vignettes about Lincoln's early life includes his birth, early jobs, his affair with Ann Rutledge, his courtship of Mary Todd and the Lincoln/Douglas debates. His presidency and the Civil War are covered in more detail, and the film concludes with the assasination. Walter Huston stars as the beloved President.
"En 1960 para nosotros hacer cine era imitar a D.W. Griffith realizando sus películas bajo el sol de California, antes incluso del nacimiento de Hollywood." François Truffaut
"Así como se vuelve a los griegos para escribir una obra literaria, en Cine sería bueno volver a Griffith." Eric Rohmer
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D. W. Griffith en Arsenevich
Abraham Lincoln (1930)

20 octubre 2011

Claude Chabrol - Juste avant la nuit (1971)


Francès/French | Subs: Castellano/English
102 min | XviD 672x400 | 1718 kb/s | 128 kb/s mp3 | 25 fps
1,32 GB + 3%  recuperaciòn
Charles Masson, un ejecutivo de publicidad casado, estrangula durante una sesión de sadomasoquismo a su amante, una mujer que además era la esposa de su mejor amigo, el arquitecto François Tellier. Sintiéndose pronto presa de los remordimientos, Charles...
Un elegante burgués asesina por error a su amante. Aunque nadie sospeche de él, no puede ya disfrutar de la placidez de su hogar familiar, del confort anterior. Se siente culpable del delito y busca para sí mismo algún castigo que le redima, mientras las investigaciones policiales siguen su curso.Este es el esquema de este bello filme de Claude Chabrol rodado en el año 1971 y que, en cierto modo, cierra un ciclo de este autor francés, miembro destacado de la nueva ola, compuesto, entre otras películas, por La rupture, La mujer infiel, Accidente sin huella y El carnicero: se trata de una radiografía de la burguesía francesa realizada en clave de cine de suspense. Algunos de estos títulos, como es el caso de Al anochecer, fueron interpretados por Michel Bouquet, un sólido e inteligente actor, de cuya acusada personalidad quedaron profundamente marcados. Así lo escribía Jean Colas en Cinema des français: "Basta seguir a Michel Bouquet de un filme a otro, de un personaje a otro para apreciar qué era un burgués francés hacia 1970. Hay una relación entre ciertos tipos humanos y algunas épocas. Puede pensarse que Michel Bouquet, filmado por Claude Chabrol, y por algunos otros, será una imagen emblemática del burgués de la etapa de Pompidou".En este filme, Michel Bouquet interpreta al involuntario asesino. Matiza el actor con cuidado sus conflictos morales, que Chabrol contempla con cierta distancia, incluso visual, alejando del personaje la cámara en algunos de sus momentos más graves. "Chabrol actualmente no juzga, muestra", escribió Miguel Marías, "y deja al espectador en libertad de juzgar y es precisamente en esta película donde su postura ante la burguesía queda más clara; Chabrol se muestra, al mismo tiempo, más interesado, más implicado en sus personajes,y más ajeno mentalmente, más distante de su mundo". Por otra parte, el crítico Fernando Lara abundaba en este mismo tono narrativo al considerar que "como un lago alpino, bajo el que se esconden los más temibles monstruos acuáticos, el cine de Claude Chabrol presenta una apariencia tranquila y sin sobresaltos que en nada se diría corresponde a lo terrible de los hechos narrados. Por debajo de una superficie de cotidianeidad, de que nunca pasa nada, unos seres se convulsionan y agitan en un marasmo de reglas y contradicciones, de obsesiones y angustias". Al anochecer no tuvo en España su merecido éxito, a consecuencia, quizá, de la mutilación parcial de la primera secuencia, que es precisamente la del asesinato, de la que la censura eliminó las ráfagas de desnudos que aparecen en ella.
Claude Chabrol’s 1971 film Juste Avant La Nuit could have been called “The Complete Complacency of the Bourgeoisie”. It’s a fascinating study in guilt which avoids most of the obvious narrative avenues, deciding instead to explore the way an individual deals with his guilt and the manner in which the revelation of his crime is dealt with by those around him. Typically, Chabrol’s interest lies not so much in the crime as in the way the crime and its aftermath fit in to a stiflingly self-satisfied bourgeois environment. Equally characteristically, his analysis of this society is bleak, cruel and remarkably bitter. The film begins with the crime. Charles (Bouquet), an advertising executive, is in the process of playing a brutal sado-masochistic game with Laura, his mistress and the wife of his best friend Francois (Perier). When he leaves her, she is lying dead on the bed, in circumstances which remain mysterious for much of the film. What we know for certain is that he is, in some way, responsible for her death. He returns to his wife Helene (Audran) and their children, leaving the crime to be discovered by the police, and all seems well. The police are baffled and Francois refuses to believe that his best friend could have anything to do with it. But Charles’ feeling of remorse gradually becomes too intense to bear and he decides that he must tell someone the truth about what happened. The results of his truth-telling, however, are not what he expected.
"En general, en las películas de suspense, es la trama la que mantiene la acción. En mis películas no ocurre así. Es más bien lo que aprendemos de los personajes. En el análisis final, la trama no tiene una importancia tremenda. Intento sacarla adelante en el primer intento." Claude Chabrol
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Claude Chabrol en Arsenevich

18 octubre 2011

Jean-Luc Godard - Detective (1985)

 Francès/French I Subs:Castellano/English
98 min I Xvid 720x528 I 1773 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 23,97 fps
1,31 GB
En la habitación de un hotel de París, William Próspero, con la ayuda de su sobrino y de la novia de éste, trata de resolver un misterio: hace dos años, en esa misma habitación fue asesinado un hombre y el caso quedó sin resolver.
Un lujoso hotel palaciego. La pantomima sagaz de Jean-Pierre Léaud. Falsos detectives tras un crimen esquivo. Boxeadores eternamente en shorts, peleas arregladas. Una pareja en descomposición que ejerce presión sobre un manager de púgiles deudor. La mafia, la princesa de Bahamas. Las facciones pétreas y felinas de Johnny Halliday maduro. Julie Delpy jovencísima. Intrigas de pasillo, amores desesperados. Tetas adolescentes. Y el mundo exterior, fuera del hotel, que sólo existe a través de la banda sonora barroca, tanto o más narrativa que la deslumbrante sucesión de planos de bolas de billar, lámparas de techo de mil focos, superficies reflejantes que se igualan por montaje a caras opacas, a discursos aprendidos y repetidos que sólo suenan falsos al espectador, jamás al mundo de los personajes. La verdad sólo existe en los libros, que circulan como biblias interinas. Destellos que recuerdan al policial negro, pero que lo hacen sentir lejano, obsoleto. Una intriga múltiple que avanza a ritmo de thriller pero que bien podría avanzar en otra dirección. Godard pocas veces hizo una película más intrigante o, en otras palabras, más hermosa. (Bafici, Guido Segal)
Godard no es sólo un iconoclasta inteligente. Es un «destructor» deliberado del cine, no el primero que ha conocido este arte, pero sí, por cierto, el más tenaz, prolífico y oportuno. Su actitud respecto de las reglas consagradas de la técnica cinematográfica como el corte discreto, la coherencia del punto de vista y la claridad argumental, es comparable a la actitud de repudio de Schoenberg respecto del lenguaje tonal que predominaba en la música alrededor de 1910 cuando él entró en su período atonal, o a la actitud de desafío que adoptaron los cubistas frente a reglas sacralizadas de la pintura tales como la figuración realista y el espacio pictórico tridimensional.
Los grandes héroes culturales de nuestra época han compartido dos cualidades: todos han sido ascéticos en algún sentido ejemplar, y también han sido grandes destructores. Este perfil común ha permitido que se materializaran dos actitudes distintas, pero igualmente acuciantes, frente a la «cultura» misma. Algunos como Duchamp, Wittgenstein y Cage, identifican su arte y pensamiento con una actitud desdeñosa respecto de la cultura oficial y el pasado, o por lo menos sustentan una posición irónica de ignorancia o incomprensión. Otros—como Joyce, Picasso y Godard—exhiben una hipertrofia del apetito por la cultura (aunque a menudo su avidez es mayor por los detritos culturales que por los logros consagrados en los museos); y para progresar hurgan en los basureros sde la cultura, al mismo tiempo que proclaman que nada es ajeno a su arte.
Del apetito cultural en esta escala nace la creación de obras que pertenecen a la categoría de los epítomes subjetivos: despreocupadamente enciclopédicas, antológicas, formal y temáticamente eclécticas, y marcadas por la impronta de una rápida rotación de estilos y formas. Así, una de las características más notables de la obra de Godard consiste en sus audaces esfuerzos de hibridación. Las mezclas despreocupadas de tonalidades, temas y técnicas narrativas que practica Godard sugieren algo parecido a la amalgama de Brecht y Robbe-Grillet, Gene Kelly y Francis Ponge, Gertrude Stein y David Riesman, Orwell y Robert Rauschenberg, Boulez y Raymond Chandler, Hegel y el rock and roll. En su obra se acoplan libremente técnicas tomadas de la literatura, el teatro, la pintura y la televisión, junto con alusiones ingeniosas e impertinentes a la historia del mismísimo cine. A menudo los elementos parecen contradictorios, como cuando se combina lo que Richard Roud llama «un método narrativo de fragmentación/collage» con la estética desnuda, escudriñadora y neorrealista de la televisión (por ejemplo, las entrevistas, filmadas en primer plano frontal y plano medio, en Une femme mariée, Masculin féminin y Deux ou trois choses ; o cuando Godard utiliza composiciones visuales muy estilizadas (por ejemplo los azules y rojos reiterativos en Une femme est une femme, Le mépris, Pierrot le fou, La chinoise y Week-end) al mismo tiempo que parece ansioso por subrayar el aire de improvisación y por emprender una búsqueda incansable de las manifestaciones «naturales» de la personalidad que se desarrollan frente al ojo insobornable de la cámara. Pero aunque por principio todas estas fusiones sean chocantes, los resultados que obtiene Godard desembocan en algo armonioso, plástica y éticamente seductor, y reconfortante desde el punto de vista emocional.
El aspecto conscientemente reflexivo de las películas de Godard es la clave de sus energías. Su obra constituye una meditación formidable sobre las posibilidades del cine, lo cual ratifica lo que ya he alegado, o sea, que ingresa en la historia del cine como su primera figura premeditadamente destructora. Dicho en otros términos, se puede observar que Godard es probablemente el primer director de gran envergadura que se dedica al cine en el ámbito de la producción comercial con un propósito explícitamente crítico. «Sigo siendo tan crítico como lo era en la época de Cahiers du Cinéma», ha afirmado. (Godard escribió con regularidad para esa revista entre 1956 y 1959, y aún colabora esporádicamente en ella.) «La única diferencia estriba en que en logar de escribir críticas, ahora las filmo.» En otro contexto, describe Le petit soldat como «autocrítica», y esta palabra también se aplica a todas las películas de Godard.
Pero el hecho de que las películas de Godard hablen en primera persona, y contengan reflexiones esmeradas y a menudo humorísticas sobre el cine como medio, no refleja un capricho personal sino el desarrollo de una tendencia consolidada de las artes a volverse más conscientes de sí, más referidas a sí mismas. Las películas de Godard, como todo conjunto de obras importantes ceñidas a los cánones de la cultura moderna, son sencillamente lo que son y también son acontecimientos que empujan a su público a reconsiderar el sentido y la magnitud del arte que representan: no son sólo obras de arte, sino actividades meta artísticas encaminadas a recomponer la sensibilidad total del público. Lejos de deplorar esta tendencia, pienso que el futuro más prometedor del cine como arte coincide con esta orientación. Pero las condiciones en que el cine perdura como arte serio hacia las postrimerías del siglo XX, aumentando su preocupación por sí mismo y su espíritu crítico, sigue permitiendo una vasta gama de variaciones. El método de Godard está muy alejado de las estructuras solemnes, exquisitamente conscientes y autodestructivas de Persona, la gran película de Bergman. Los procedimientos de Godard son mucho más festivos, juguetones, a menudo ingeniosos, unas veces impertinentes y otras sólo cándidos. Como cualquier polemista experto (cosa que Bergman no es), Godard tiene el coraje de simplificarse a sí mismo. Esta cualidad simplificadora que se manifiesta en muchas obras de Godard es tanto una suerte de generosidad para con su público como una agresión contra éste. Y, en parte, no es más que el excedente de una sensibilidad inagotablemente vivaz. (Susan Sontag, Estilos Radicales)
Returning to the gangster territory that shaped his earliest films, director Jean-Luc Godard, in DETECTIVE, uses a standard plot device--the solving of a murder--to springboard his thoughts and beliefs on film and video, pornography, urban living in France, language, love, and boxing. The plot, what little there is of it, takes place entirely in the Hotel Concorde at St. Lazare in France and centers around the attempt of Nathalie Baye and Claude Brasseur--an unhappily married couple--to recover a debt owed them by boxing manager Johnny Hallyday, who also owes money to mafioso Alain Cuny. Hallyday, however, is too broke to pay either. In fact, he is too broke to pay for a gym for the training of his new boxer, Stephane Ferrara, so he coaches him, instead, in his hotel room. In the midst of all this, hotel detective Jean-Pierre Leaud, his girl friend, Aurelle Doazan, and his uncle, Laurent Terzieff, are trying to solve the two-year-old murder of a prince.
"El cine es como el fútbol: nadie duda en dar su opinión, en decir que es formidable o asqueroso. El cine es un arte mutante, que viene al final de algo, que es un signo de algo. Por esta razón el último capítulo de Histoire(s) du cinéma se titula "Los signos entre nosotros". Ahora todo el mundo puede decir: "Yo hago cine". Y la prensa añade por escrito: "Con las pequeñas cámaras digitales, todo el mundo puede llegar a ser cineasta". Pues bien, llegad a serlo, amigos."  Jean-Luc Godard
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Godard en Arsenevich
Detective (1985)
 Liberté et patrie (2002) (con Anne-Marie Miéville)