31 octubre 2011

Jacques Tourneur - Out of the Past (1947)

Inglés/English | Subs: Castellano/Français/English
97 min | XviD 512x384 | 914 kb/s | 96 kb/s mp3 | 23.97 fps
705 MB + 3% recuperación/recovery

 Retorno al pasado
Un ex-detective vive retirado, con el falso nombre de Jeff Bailey, en una pequeña localidad, regentando una gasolinera, enamorado de la pesca y de una jovencita con la que quiere casarse. Sin embargo, un viejo conocido acude al lugar anunciándole que el jefe quiere verle. Bailey se ve obligado a contarle a su novia su turbio pasado: contratado por un hampón,Whit Sterling, para buscar a su amante, Catie Moffett, fugada con una sustanciosa suma de dinero, Bailery la encontró en Acapulco y se enamoró de ella; ambos se fueron a vivir a San Francisco, pero ella, tras dar muerte a un antiguo socio de Bailey que los había descubierto, volvió a huir. Bailey la encontrará ahora de nuevo en brazos de Sterling y tendrá la razonable sospecha de que éste, sintiéndose traicionado, querrá vengarse de él. (FA)

"Una de las cimas incontestables del cine negro de los cuarenta. El realizador crea unos personajes rotundos y ambivalentes, entre los que destaca un impactante retrato de femme fatale, bajo los rasgos de Jane Greer, que destruye a todo aquel que se le acerca. Una historia alambicada, de innumerables lecturas. Imprescindible" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

DVD rip y capturas de Kane32 (KG)

Out of the Past is so perfect a film noir that it is considered practically a textbook example of the genre. In his first starring role (it had previously been offered to John Garfield and Dick Powell), Robert Mitchum plays Jeff Bailey, the friendly but secretive proprietor of a mountain-village gas station. As Jeff's worshipful deaf-mute attendant (Dick Moore) looks on in curious fascination, an unsavory character named Joe (Paul Valentine) pulls up to the station, obviously looking for the owner. Jeff is all too aware of Joe's identity; he's been dreading this moment for quite some time, knowing full well that it will mean the end of his semi-idyllic existence, not to mention his engagement to local girl Ann (Virginia Huston). In a lengthy flashback, the audience is apprised of the reasons behind Jeff's discomfort. Several years earlier, he'd been a private detective, hired by gangster Whit Sterling (Kirk Douglas) to find his mistress Kathie Moffett (Jane Greer), who shot him and ran off with $40,000. Jeff traces Kathie to Mexico, but when he meets her he falls in love and willingly becomes involved in an increasingly complicated web of double-crosses, blackmail, and murder. 

La Griffe du passé
Jeff Bailey (Robert Mitchum), pompiste dans une petite ville californienne, retrouve par hasard Joe Stephanos, un homme de main de son ancien employeur, Witt Sterling (Kirk Douglas). Le jeune affranchi lui fait comprendre que Sterling souhaite le revoir au plus vite. Joe va au rendez-vous avec sa fiancée, à laquelle il raconte son trouble passé de détective...


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Jacques Tourneur en Arsenevich

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30 octubre 2011

Vittorio de Sica - I Bambini Ci Guardano (1943)

 Italiano/Italian I Subs:Castellano/English
82 min IXvid 576x432 I 1081 kb/s I 63 kb/s vbr mp3 I 23,97 fps
700 MB
El film relata las angustias de Prico, un niño de cuatro años, después de que su madre, Nina, abandone a su padre, Andrea, para marcharse con su amante. Prico es enviado a vivir con su tía y más tarde con su abuela. Cuando un día el niño cae enfermo, Nina vuelve a su lado y le promete que dejará a su amante.
Película absolutamente olvidada al mencionar los mejores exponentes de la obra de un realizador que sigue quedando a la espera de la valorización definitiva de Vittorio De Sica en el cine italiano de posguerra, lo cierto es que I BAMBINI CI GUARDANO (1944) debe de insertarse por derecho propio entre los títulos más brillantes del conocido director italiano. Es probable a este respecto que en ello influyan quizá la caricaturesca definición de ciertos personajes secundarios del film, como la vecina chismosa o el apergaminado playboy que desea atraer a Nina (Isa Pola). Incluso el retrato del persistente amante de la protagonista –encarnado además por el antipático Adriano Rimoldi-, incide en esos cercanos ecos de un cine dominado por esa ausencia de realidad propia del periodo fascista, que sería bruscamente puesto en evidencia con la irrupción del neorrealismo. En este sentido, la película de De Sica ofrece, al margen de sus intrínsecas cualidades, un notable calado como exponente premonitorio de este histórico movimiento. Sus imágenes ya adelantan esa mirada –indudablemente aún no tan rotunda como sería habitual en el inmediatamente posterior cine italiano-, revelando la visión de una sociedad que se debate entre un tímido progreso –esas nuevas edificaciones que se muestran en los instantes iniciales de la función-, describiendo igualmente elementos y ambientes sociales característicos del momento –el ambiente de los parques, las diversiones y vacaciones de las clases adineradas, el interior de los colegios religiosos-, aunque bien es cierto que de una manera aún tamizada por una cierta querencia a ese cine de teléfonos blancos que en aquellos años ya se encontraba a punto de certificar su acta de defunción.
Esta circunstancia no merma a mi modo de ver el bagaje de cualidades de I BAMBINI..., ya que estimo que su propuesta posee tal fuerza cinematográfica y, por momentos, reviste tal intensidad como melodrama desgarrado, que personalmente no dudo en situarla por encima de otros títulos posteriores rodados por De Sica más reputados en su valoración –como es el caso de SCIUSCIÀ (El limpiabotas, 1946)-. No cabe duda que desde sus primeros compases el realizador italiano apuesta por el engarce de una historia que aúna el relato individual con el cuadro colectivo, mostrando la consecuencia que en una familia media italiana ofrece la infidelidad de la esposa –Nina-, que cuenta con un joven amante con el que huye, dejando abandonados a su esposo –Andrea (Emilio Cigoli)- y su pequeño hijo Pricò (maravilloso Luciano De Ambrosis). Desde el primer momento constataremos la voluntad del realizador de ofrecer una mirada extendida sobre la realidad en la que se inserta la acción –las panorámicas sobre las edificaciones de nueva creación en las que vive la familia-, mostrando igualmente un considerable dinamismo en la realización –esos largos travellings que describen la vida de un parque, en donde la madre se encuentra a escondidas con su amante-. Al mismo tiempo resulta bastante novedosa la manera con la que se plasma el conflicto, en primer lugar planteando un adulterio sin verter con ello un retrato negativo de la esposa –en este sentido, hay que admitir que se expresa un elemento dramático revestido de cierta modernidad de planteamientos-, ofreciendo paralelamente una mirada sobre el padre de familia, que le define como un hombre compasivo, bondadoso y quizá carente de personalidad. Pero es siempre a través de los modos cinematográficos planteados por De Sica en donde se encuentra la definitiva fuerza y alcance de su historia. Lo hará a través de la adecuada movilidad de la cámara, con un considerable dominio en la composición del plano, en el equilibrio logrado en la presencia de elementos melodramáticos, o en la misma ubicación de los actores en el mismo, dejando en segundo término otros que sirven como refuerzo a las intenciones dramáticas de cada secuencia. Será una tendencia, en definitiva, que culminará en el acierto con que se insertan momentos en los que la fuerza del primer plano resulta hasta demoledora.
BAMBINI… supone asimismo un claro referente en la utilización del protagonismo y la mirada de un niño como eje de referencia de la película. Es así, como adelantándose a posteriores experiencias en este sentido –algunas de superior entidad, como la admirable GERMANIA ANNO ZERO (1948, Roberto Rossellini), otras, de similar alcance, como THE FALLEN IDOL (El ídolo caído, 1948) de Carol Reed-, De Sica sabe extraer la autenticidad de la mirada infantil del pequeño Pricò, quien prácticamente como testigo involuntario vivirá en carne propia el desmoronamiento de la relación de sus padres, madurando a marchas forzadas sin haber podido ejercer como nexo de unión entre la irremisiblemente deteriorada relación de estos. (...) (Cinema de Perra Gorda)
Vittoria De Sica's mastery of neorealism was already well apparent in 1944's The Children Are Watching Us, an excellent, emotionally devastating drama that marked De Sica's first collaboration with renowned screenwriter and longtime partner Cesare Zavattini. While not as well known as De Sica's later masterpieces The Bicycle Thief (1948) and Umberto D. (1952), the film shares many of De Sica's stylistic trademarks, beginning with his exquisite use of real Italian locations in telling the story of Pricò, an observant and inquisitive 4-year-old boy who bears silent witness to his mother's infidelity and the subsequent collapse of his parents' marriage.
"Soy un hombre que ha sufrido mucho, mucho. He tenido una infancia poco feliz. Llegué a comprender en seguida lo que era el sufrimiento humano y he intendado, con mis modestos medios, expresarlo, yendo en defensa de esta humanidad que sufre. Mis películas son hechos humanos realizados con una cierta habilidad profesional y con una cierta alma de artista. Quise decir con mis películas una palabra en favor de la humanidad sufriente, necesitada, con optimismo, creyendo que el cine podría haber influido en la gente, o educarla, aunque de nada ha servido este interés. La humanidad es sorda y ciega y va adelante así. Hay una enorme crueldad en las relaciones humanas. No hay esperanzas, si no es que llega antes algo que cambie la actual situación, o si la humanidad no comprende que por ese camino sólo encontrará el odio y la indiferencia. Será tarea de los jóvenes escritores y cineastas continuar batiéndose por una mayor bondad, por una mayor convicción de que el hombre no se encuentre solo. ¡Ojalá lo consigan! Pero las cosas, desgraciadamente, van cada vez peor. Se multiplican los crímenes, las guerras no terminan, a pesar de que Sciuscià y Ladrón de bicicletas fueron dos películas que hablaban contra la guerra. Así pues, no sirve para nada hacer películas como éstas. Nadie realmente nos escucha, sólo van a divertirse, a pasar un buen rato." Vittorio de Sica
-o-
Vittorio de Sica en Arsenevich
 Il Boom
Caccia alla volpe
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28 octubre 2011

Asghar Farhadi - Jodaeiye Nader az Simin (2011)

A Separation / Nader y Simin, una separación
Farsi I Subs: English/Castellano (.srt)
117 min I mkv 720x384 I 1782 kb/s I 192 kb/s AC3 I 25.0 fps
1.47 Gb + 3% recuperación/recovery

http://www.imdb.com/title/tt1832382/

A couple has to make a decision to leave Iran to better the life of their child or to stay and take care of a parent suffering from Alzheimers; however, the couple's marriage may end in divorce. 
Cuando su mujer lo abandona, Nader toma a una joven señora para cuidar de su padre enfermo. Pero ésta está embarazada, y trabaja sin el permiso de su inestable marido. Así Nader deberá enfrentar una serie de problemas, acusaciones recíprocas y mentiras...
 
Nader y Simin, una separación, no tiene una puesta en escena especialmente elaborada o poco convencional, pero en la medida en que sostiene un nivel narrativo tan potente, su relato no da pausa. Esto se fundamenta no sólo en el hecho de que Farhadi combina una trama de hierro con inteligentes abstracciones morales, sino además en que presenta un panorama del Irán contemporáneo, el retrato de un país partido en dos. El mundo de una elite liberal, alejada de los cánones religiosos, resulta fundamentalmente ajeno al de una clase baja conservadora y profundamente religiosa. (...) Farhadi no podrá explicar cómo estas dos experiencias pueden compartir un mismo espacio, pero en los interrogantes filosóficos y políticos que plantea su fim despunta inevitablemente un discurso que podría contribuir a la solución del enigma.
Martin Gobbin, Texte zum Film
 
 

El cine de Farhadi es estratificado, y sin embargo, inmediato.
Enrico Azzano, Cine Clandestino

 
 
Le scénario passionnant d'Asghar Farhadi reflète l'humanité dans toute sa complexité. Complexité des relations homme-femme, non dits, attentes de l'un vis à vis de l'autre, souffrance de la fille prise en étau entre les deux, choix impossibles, les tenants et aboutissants d'une relation de couple moderne sont tous là, traités avec une justesse incroyable.
El apasionante guión de Asghar Farhadi refleja la humanidad en toda su complejidad. Complejidad de las relaciones hombre-mujer, de las cosas no dichas y de las expectativas recíprocas; sufrimiento de la hija con su conflicto entre dos alternativas imposibles; las peculiaridades de una relación de pareja moderna: está todo allí, tratado con una precisión impecable.
Olivier Bacheladr, Abus de Ciné
 
No es mi rip, creo que llegó por torrent anónimo, en un acto de fe mucho antes de que surgieran los subtítulos. Los ingleses hay que agradecérselos a Whymse, de KG, que los puso en circulación hace unos días. Los castellanos son propios, y salen de aquéllos.
 

 200Mb x 7 + 145Mb
-subtítulos incluidos-
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https://www.rapidshare.com/files/151959005/NaderSimin.part2.rar
https://www.rapidshare.com/files/327311280/NaderSimin.part3.rar
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Asghar Farhadi en Arsenevich

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27 octubre 2011

Raoul Walsh - The Thief of Bagdad (1924)

 Muda/Silent I Subs:Castellano/English
152 min I Xvid 640x480 I 1798 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 21,97 fps
2,04 GB
Abú, un ladronzuelo que actúa por las calles de Bagdad, es detenido y encarcelado. Comparte la celda con el príncipe Ahmad, legítimo heredero del trono de Bagdad, a quien el Gran Visir Jaffar ha encarcelado para arrebatarle el poder.
Douglas Fairbanks queda tan impresionado al visionar Las tres luces (Der Müde Tod, 1921) del realizador germano Fritz Lang, que decide comprar los derechos de distribución del film para EEUU. La influencia delfilm en Doug deriva al terreno artístico, ya que una de sus historias, la que relata la persecución por el legendario Bagdad, le inspira y anima a realizar una película sobre los cuentos de Las mil y una noches.
Bajo su seudónimo habitual, Elton Thomas, Fairbanks firmajunio a Lotta Woods el guión de The Thief of Bagdad, una fantasía plagada de variopintas aventuras en la mítica ciudad oriental, que es convertida en el marco idóneo para el desarrollo del estilo acrobático y desenfadado del actor.
Su estética característica es uno de los puntos fuertes de la película, obtenida mediante los estilizadosdecorados que pone en escena William Cameron Menzies.Con ellos, Fairbanks pretende la consecución de un estilo visual nuevo, transmisor de sensaciones internas, a modo del expresionismo alemán, pero dotado de una energía diferente, más alegre y vivificante.
El resto del equipo también raya a gran altura, desde Hampton Del Ruth, con sus espectaculares efectos especiales, el imaginativo vestuario de Mitchell Leisen, el trabajo del operador Arthur Edeson y, por supuesto, la espléndida labor del realizador Raoul Walsh, el cual, compenetrándose con Fairbanks a la perfección, no duda en sacrificar su toque personal en aras de lograr el dinamismo narrativo que su protagonista requiere.
La película se estrena el 18 de marzo de 1924 en el Liberty Theatre de Nueva York. Además de obtener un enorme éxito, que le lleva a recuperar sobradamente los dos millones y medio que ha costado y de situar a Fairbanks en su cima de popularidad, se convierte en título paradigmático dentro del cine de aventuras, y uno de los films más populares del cine mudo americano. (Luis Enrique Ruiz, Obras Maestras del Cine Mudo)
El ladrón de Bagdad, es el avance más grande y repentino que el cine haya hecho jamás, y al mismo tiempo, es un regreso a la forma de las primeras cintas. Los trucos usados en su realización, son fascinantes, Fairbanks no tiene miedo de recurrir a la magia de la variedad más notoria, usando sogas que, cuando se lanza al aire, se vuelven rí­gidas y escalables, manzanas de oro que devuelven la vida a los muertos, ojos de cristal de í­dolos en los cuales se revela el futuro, alfombras mágicas que vuelan a través de las nubes, caballos con alas, llaves con forma de estrella para abrir el palacio de la luna, además de una dotación de genios, amuletos, talismanes y dragones que exhalan fuego.
Por supuesto que la magia es posible en la pantalla; la primera comedia francesa del mago Georges Mélií¨s lo demostró. Pero Fairbanks ha ido un paso más allá de los lí­mites de esas posibilidades, ha interpretado la hazaña sobrehumana de hacer que la magia parezca probable.
Cuando en Los diez mandamientos (1923, Cecil B. De Mille) el director hizo que el Mar Rojo se abriera, todo el mundo dijo: ese es un gran truco, ¿Cómo lo hizo?; no hay ese tipo de interrupciones mentales en la cinta de Walsh. El espectador mira las fenomenales acrobacias de Fairbanks sin detenerse ni un momento a pensar que son trucos. Más bien los acepta como hechos. Esta cinta, tiene una maravillosa cualidad de cuento de hadas: un recorrido romántico que levanta a la audiencia, y después se vaporiza en nubes rosas y esponjosas. También tiene mucha belleza y solidez de construcción dramática.
Fairbanks y Walsh, actor y director, idearon escenas de sobrecogedora magnitud y grandeza. Construyeron, con increí­ble magnificencia, la ciudad de Bagdad, escenario sobre el que la cinta, llena de gracia, se desarrolla rí­tmicamente y a una velocidad que constantemente aumenta. Después de verla, uno se queda con la misma emoción infantil, creada después de la primera lectura de las historias de Hans Christian Andersen: es dominantemente romántica e irrealmente cautiva.. (...) (Blog de Cine)
Douglas Fairbanks spared no expense for what may be the most lavish fantasy movie ever made. Inspired by the flying-carpet effects of Fritz Lang's somber but spectacular Der Müde Tod, Fairbanks (ever the canny businessman) bought the American rights, then hid the film away as he created his own show-stopping adventure, an adaptation of A Thousand and One Nights in which the magic-carpet ride was but one of many fantastic marvels. Swaggering through massive marketplace sets and cavernous throne rooms as an incorrigible thief and pickpocket, he scales towering walls (with the help of a magic rope) and leads a merry chase through crowded bazaars in his pursuit of loot--until he falls in love with the beautiful princess and vows to win her heart. This jaunty opening is but mere preamble to the spectacular second act. As three kings scour the globe to retrieve the rarest treasures known to man, the repentant thief embarks on an odyssey through caverns of fire and underwater caves. The marvelous special effects--from the smoke-belching dragon and underwater spider to the flying horse and magic armies arising from the dust--may show their seams but glow with a timeless sense of wonder. William Cameron Menzies's magnificent sets appear to have leapt from the pages of a storybook. As the adventure concludes in a torrent of movie magic that cascades nonstop through the breathless final hour, Fairbanks commands the screen with a hearty laugh and graceful athleticism, the cinema's first action hero triumphant. Kino's restored edition is tinted and features an organ score by Gaylord Carter. --Sean Axmaker
"Se me cortò la respiraciòn cuando vi los sets... La maestrìa de Menzies era lo suficientemente grande como para convencerme de que estaba caminando por las calles de Bagdad... Cambiè mi mentalidad entonces y allì mismo. Harìa El Ladròn de Bagdad y serìa la mejor pelìcula que hubiera dirigido. Eso es lo que el genio de un hombre puede hacer con el ego de otro." Raoul Walsh
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-o-
Raoul Walsh en Arsenevich
Regeneration
The Roaring Twenties
The Man I Love
The Naked and the Dead
The Strawberry Blonde
Colorado Territory
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26 octubre 2011

István Szabó - Taking Sides (2001)


 Inglés I Subs: Español
105 min I AVC 704X384 MKV I 1592 kb/s I 448 kb/s vbr AC3 I 25fps
1,5 GB




Berlín, terminada la Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Steve Arnold (Harvey Keitel), un oficial del Ejército Americano, intenta dar ejemplo a sus subordinados, demostrando que Wilhelm Furtwängler, el famoso Director de la Orquesta Filarmónica de Berlín en tiempos del Tercer Reich, fue un colaborador de los nazis. Impulsado por una actitud más bien maniquea, Arnold intenta inculpar a Furtwängler, sin tener en cuenta que el único error del director fue no rebelarse contra el régimen nazi para seguir desempeñando su labor. Szabó logra un honesto filme sobre la ambigüedad de la verdad y la moral, con el descarnado pero elegante estilo que lo caracteriza.




Hungarian filmmaker István Szabó returned to the screen in 2001, with this adaptation of Ronald Harwood's stage play about the controversial case of Wilhelm Furtwängler, the most famous orchestra conductor in Germany during the Nazi regime. A study of opposing points of view on the meaning and value of art, but above all a confrontation of different cultures and world visions. The case is conducted by an American commander, whose vulgarity and narrow-mindedness (with simplistic definitions of right, wrong, democracy, etc., echoing the position of some Americans) is contrasted with Furtwängler's sensibility. Harvey Keitel is an excellent choice for the military, while Stellan Skarsgård brings aplomb and dignity as Furtwängler, who has the support of Keitel's assistants (played by Birgit Minichmayr, and Moritz Bleibtreu of 'Run, Lola, Run' fame.) A short film, considering the length of Szabó's films as 'Mephisto' and 'Colonel Redl.'







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25 octubre 2011

D. W. Griffith - Abraham Lincoln (1930)

Inglès/English I Subs:Castellano
90 min IXvid 576x432 I 1273 kb/s I 112 kb/s vbr mp3 I 25 fps
985 MB
La vida del presidente Abraham Lincoln a través de los hechos más significativos que tuvieron lugar durante su mandato: la cabaña donde se crió, los debates con Douglas, su anécdota con el General Grant, sus amores y su matrimonio con Mary Todd. Esta fue la primera de sólo dos películas realizadas por Griffith en la era sonora; no fue un éxito en el momento, pero en los últimos años ha llegado a ser considerada como la película definitiva sobre el presidente.
Durante la segunda mitad de la segunda década del siglo XX, David Lewelyn Wark Griffith –nacido el 22 de enero de 1875 en una granja de Oldham County, Kentucky– era un intocable para sus contemporáneos. Con toda razón: a esa altura, Griffith había establecido el canon de la gramática cinematográfica, empujando hacia adelante el conjunto de la flamante industria del cine, fijando el largometraje como duración standard para las películas, formando a una generación de sucesores y legando a la contemporaneidad dos monumentos fílmicos de la talla de El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). Durante la década siguiente, la estrella de Griffith iría en franca declinación, y a comienzos de los ‘30 se extinguiría. Para entonces, las moving pictures ya hablaban, y el público y los críticos comenzaban a hastiarse de un tipo de cine que le debía todo a la novela popular del siglo XIX. En julio de 1948, al entierro asistieron sólo cuatro miembros de la industria que aquel pionero echó a andar. (...) (Pàgina 12)
The Dramatic Life od Abraham Lincoln producida en 1924 por Phil Rosen, vuelve la vista con nostalgia a un pasado anticuado, màs sencillo, màs inmediato y donde presuntamente nada separaba a los gobernantes de los gobernados. Abraham Lincoln, la primera pelìcula sonora de D. W. Griffith, va en esta misma direcciòn. El director subraya la dimensiòn "popular" y las cualidades morales del presidente norteamericano màs famoso del siglo XIX. (...) (El Siglo XX en pantalla)
(...) Nace un nuevo Hollywood, el cine mudo se desvanece, y con ella figura de su padre artístico, uno de tantos que hizo posible el reinado interminable de la Meca del Cine.
La Warner logra que podamos escuchar las voces y oír cantar a Al Jolson en “El cantante de jazz” (The Jazz Singer, 1927).
El cine vuelve a transformarse. Griffith declara que las películas habladas desaparecerían, que nunca sería posible sincronizar la imagen con la voz, que la única voz del cine debería ser la música. "La verdadera gran película y el director que piensen más en su prestigio que en los dólares seguirán siendo mudos... Las primeras películas habladas van a adolecer de las mismas faltas de naturalidad, interpretación dudosa, momentos de inacción prolongada, etcétera, de las películas de hace veinte años, y producirán en el público una sensación de retroceso del cine como industria y como arte." (David W. Griffith, declaraciones a la revista Photoplay, a fines de 1928).
Aun así hace algunas películas sonoras, como “Lady of the pavements”, de 1929; “Abraham Lincoln”, de 1930 (una de sus últimas grandes películas) o “The Struggle”, de 1931, su última película. El lenguaje inventado por Griffith ya no puede dar más de sí. Se ha convertido en patrimonio de la cinematografía universal. El cine aplasta a su padre artístico y lo manda al olvido.
René Clair, el genial director francés, lo describe, ya decadente, en una taberna del barrio chino de Londres, en 1935, donde le invitó una copa. Griffith se levantó súbitamente y dejó el lugar: "Se diría que paseaba entre la niebla en busca de su perdida juventud y su genio extinguido, tratando de encontrar en la noche del pasado aquella niña triste de “Los Lirios rotos”, aquella sombra que él hizo nacer y que ahora tenía más vida que él mismo..."
Griffith se va solo, en la oscuridad de la noche, sin ser despedido por una multitud a su alrededor y sin el sol brillando en el cielo. La noche del 23 de julio de 1948, olvidado por todos, en un sucio cuarto del hotel Knickerbocker de Hollywood, muere David Wark Griffith, víctima de una hemorragia cerebral. (Fragmento del texto de Oskarele, tomado de Pa Lo Que Hemos Quedao)
Directed by D.W. Griffith, this Lincoln effort was one of the great talking films of the post-silent film era. These brief vignettes about Lincoln's early life includes his birth, early jobs, his affair with Ann Rutledge, his courtship of Mary Todd and the Lincoln/Douglas debates. His presidency and the Civil War are covered in more detail, and the film concludes with the assasination. Walter Huston stars as the beloved President.
"En 1960 para nosotros hacer cine era imitar a D.W. Griffith realizando sus películas bajo el sol de California, antes incluso del nacimiento de Hollywood." François Truffaut
"Así como se vuelve a los griegos para escribir una obra literaria, en Cine sería bueno volver a Griffith." Eric Rohmer
Subs:
-o-
D. W. Griffith en Arsenevich
The Struggle
Intolerance
The Battle of the Sexes
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24 octubre 2011

Christian Petzold - (Dreileben) - Etwas Besseres als den Tod (2011)

Alemán/German | Subs: Castellano/English
87 min | XviD 720x400 | 1627 kb/s | 447 kb/s AC3 | 25 fps
1,26 GB + 3% recuperación/recovery
 Mejor que estar muerto
Johannes hace su servicio comunitario como enfermero en un hospital en las afueras del Bosque de Turingia, Alemania. En realidad, él quiere solicitar una beca para estudiar medicina en Los Angeles, pero le falta motivación para estudiar para el examen. Un día, mientras Johannes se encuentra de guardia en el hospital, se escapa del mismo un delincuente sexual convicto. La policía organiza una búsqueda masiva por la zona.

Por casualidad Johannes conoce a Ana, una joven bosnia que trabaja como camarera en un hotel cercano. Ana quiere irse con Johannes y comenzar una nueva vida en Estados Unidos, pero las cosas se complican...

DVD rip y capturas de EceAyhan (KG)

Subtítulos en castellano míos

Beats Being Dead
A big hospital on the outskirts of a small city in the middle of the Thuringian Forest. Here Johannes carries out his alternative national service. The head physician, a family friend, has recruited him. Johannes gets to know Ana. During the night of their first embrace, a sex offender escapes from the hospital. His flight and the police’s hectic search accompany the story of Johannes and Ana – a love story transcending boundaries, without a future.

English subs extracted from a hard subbed DVD by RudolfLemkeSchmidt (KG)

This movie is part of the Dreileben (Three lives) project by Petzold, Dominik Graf and Christoph Hochhäusler. All three movies feature an escaped convict in the Thuringian region, and all three movies can be viewed independently.


Película al que el adjetivo de "pequeña" le queda ligeramente grande. Con un giro inesperado y con final abierto. Se puede ver.

Parte de la trilogía Dreileben (Tres vidas) de Petzold, Dominik Graf y Christoph Hochhäusler, todos de la escuela de Berlin. La única constante acordada entre los tres directores es que habría un criminal convicto recién escapado como parte de la trama, y que la historia o gran parte de ella transcurriría en al zona de los bosques de Turingia.
Fuera de ello, las películas se pueden ver en forma independiente. Aún no he visto las otras dos, pero no tengo buenas referencias de la de Hochhäusler.


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Christian Petzold en Arsenevich
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