31 mayo 2011

Pier Paolo Pasolini - Salò o le 120 giornate di Sodoma (1975)

 Italiano/Italian I Subs:Castellano/English
117 min I MKV 716x464 I 1560 kb/s I 192 kb/s cbr AC3 I 23.97 fps
1,45 GB
En una mansión, cuatro señores se reunen con cuatro ex-prostitutas y con un grupo de muchachos y muchachas, partisanos o hijos de partisanos, que han tomado prisioneros. En la casa impera el reglamento de los señores, al cual nadie puede escapar. Esta ley faculta a los señores para disponer de la vida de sus prisioneros en cualquier momento y de cualquier modo, y las transgresiones se castigan con la muerte.
Última película de Pasolini, que fue asesinado tras la filmación pero antes de acabar el montaje, Salò obtuvo previsibles críticas negativas a las cuales, por otra parte, el director nunca pudo responder. La obra reproduce el esquema de la novela del Marqués de Sade, basada en la repetición infinita del número cuatro. Los protagonistas principales son cuatro Señores, detentadores de todos los Poderes. El Duque posee el poder nobiliario, el Monseñor el eclesiástico, Su Excelencia el Presidente del Tribunal de Apelaciones el judicial, y el Presidente Durcet el económico. En una mansión que antaño fue lujosa, los cuatro Señores se reúnen con cuatro ex prostitutas y con un grupo de muchachos y muchachas, partisanos o hijos de partisanos, que han tomado prisioneros. En la casa impera el reglamento de los Señores, al cual nadie puede escapar. Esta ley faculta a los Señores para disponer de la vida de sus prisioneros en cualquier momento y de cualquier modo, y las transgresiones se castigan con la muerte. (Itàlica)
"Pasolini lucha contra el fanatismo idólatra del estado, que domina Europa desde la izquierda hasta la derecha (...) En Saló, el análisis estado-sujeto se fundamenta en la manera en la que se desencadena la dinámica del poder (mercantil, de consumo) para deformar el sexo, que es el centro vital del hombre y de la mujer, para manipularlo, ultrajarlo y humillarlo, destruyendo al hombre mismo (...) Busca, explorando en la esencia del estado, en los engranajes de sus estructuras públicas, la semilla que produce los frutos devoradores del fascismo, aunque éste se perpetúe bajo una forma menos ostensible y menos indecente" (Antonietta Macciocchi en "Quattre héresies cardinales pour Pasolini")
"El nuevo poder, en su asociación con el viejo poder, ha triunfado. Los seres humanos son reducidos a objetos, consumibles como cualquier otro producto de la sociedad. Los cuerpos sólo son comunes objetos de uso temporal y de facilísima fabricación, que se pueden comprar y tirar. Saló es la puesta en escena del genocidio cultural y físico de un mundo perpetrado por el poder, así como de la perpetuación de la infamia y de la violencia hasta que ésta se vuelve mecánica; en otras palabras, la puesta en escena de una verdadera y auténtica tecnología de la violencia" (Silvestra Mariniello en "Pier Paolo Pasolini", Ed. Cátedra, 1999)
"La lucha progresista por la democratización expresiva y por la liberación sexual ha sido brutalmente superada y vanificada por la decisión del poder consumista de conceder una amplia como falsa tolerancia. También la realidad de los cuerpos inocentes ha sido violada, manipulada, ofendida por el poder consumista: es más, tal violencia sobre los cuerpos se ha convertido en el dato más macroscópico de la nueva época humana (...) El derrumbamiento del presente implica también el derrumbamiento del pasado. La vida es un montón de insignificantes e irónicas ruinas" (Pier Paolo Pasolini) (Todos los textos tomados de Parcelas de Cine)
Pasolini's final work, Salo, or The 120 Days of Sodom, is one of the most controversial films ever made, and it remains banned in several countries. But it is the opposite of an exploitation film, let alone prurience: it's a profound exploration of fascism, an ideology that remains sickeningly alive in today's world, and the psychological and socioeconomic conditions that spawn it. Salo is also Pasolini's ultimate work of art and, for reasons I'll share below, one of cinema's masterpieces. (Jim's Reviews)
“En toda mi vida jamás he ejercido una acción violenta, ni física, ni moral. No porque yo soy un fanático de la no-violencia. La cual, si es una forma de autocostricción ideológica, también es violencia. Nunca he ejercido en mi vida violencia alguna, ni física ni moral, simplemente porque he confiado en mi naturaleza, es decir en mi cultura...” Pier Paolo
Subs castellano:
English subs:
-o-
Pier Paolo Pasolini en Arsenevich

30 mayo 2011

Víctor Erice - El Espíritu de la colmena (1973)

Castellano/Spanish | Subs: Français/English
99 min | XviD 640x384 | 1780 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,36 GB + 3% recuperación/recovery

 Año 1940. Un pueblo perdido en la meseta castellana. Es domingo y llega la camioneta del Cine. En el desvencijado edificio que sirve para todo, se improvisa la proyección. La película: “El doctor Frankenstein”. Durante noventa minutos por las calles solitarias del pueblo resuenan las viejas palabras del mito romántico. En el improvisado salón, entre los espectadores dos niñas: se llaman Isabel (Isabel Tellería) y Ana (Ana Torrent). Siguen atentamente la proyección. Son hermanas. La pequeña, Ana, pregunta a la mayor por qué el monstruo mata y por qué al fin muere. Son las primeras preguntas que Isabel resuelve gracias a su imaginación: el monstruo es un espíritu que puede aparecerse siendo su amigo y convocándolo a través de ciertas palabras. Lo que para Isabel es un juego de la imaginación para Ana acaba siendo una realidad vital. Ella quiere al monstruo. Lo busca. Lo convoca. El viejo caserón donde viven las niñas con sus padres se va llenando de la presencia de algo impalpable que sólo Ana parece profundamente decidida a descubrir... (La Butaca)

DVD rip de la edición Criterion y capturas de ostermann (KG)

The Spirit of the Beehive
Widely regarded as a masterpiece of Spanish cinema, this allegorical tale is set in a remote village in the 1940s. The life in the village is calm and uneventful — an allegory of Spanish life after General Franco's victory in the Spanish Civil War. While their father (Fernando Fernán Gómez) studies bees in his beehive and their mother (Teresa Gimpera) writes letters to a non-existent correspondent, two young girls, Ana (Ana Torrent) and Isabel (Isabel Telleria), go to see James Whale's Frankenstein at a local cinema. Though they can hardly understand the concept, both girls are deeply impressed with the moment when a little girl gives a flower to the monster. Isabel, the older sister, tells Ana that the monster actually exists as a spirit that you can't see unless you know how to approach him. Ana starts wandering around the countryside in search of the kind creature. Instead, she meets an army deserter, who is hiding in a barn. The film received critical accolades for its subtle and masterful use of cinematic language and the expressive performance of the young Ana Torrent.

L'Esprit de la ruche
Espagne, 1940 ; peu après la fin de la guerre civile. Un cinéma itinérant projette Frankenstein dans un petit village perdu du plateau castillan. Les enfants sont fascinés par le monstre et, parmi eux, la petite Ana, 8 ans, se pose mille et une questions sur ce personnage terrifiant. Sa grande soeur, Isabel, a beau lui expliquer que ce n'est qu'un "truc" de cinéma, elle prétend pourtant avoir rencontré l'esprit de Frankenstein rôdant non loin du village...


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Víctor Erice en Arsenevich 

28 mayo 2011

Djordje Kadijevic - Devicanska svirka (1973)

56:50 Min | 720x384 | Divx 1828 kbps | 25 fps | Mp3 128 Kbps | 800 MB
Serbo-Croata/Serbo-Croatian | Subtitles: English, Castellano .srt


Ivan está de camino a la ciudad cuando el hombre que le lleva en un carruaje se detiene en una zona rural negándose a continuar. El joven paseando por la zona se encuentra con un castillo del que sale una misteriosa música, por el camino le pregunta a un niño por él y éste echa a correr siendo atropellado por un carruaje en el que viaja la dueña del castillo, la exhuberante y tenebrosa Sibila, la cual invita al joven a pasar al castillo mientras socorren al niño. (Drama - Terror sicológico)


A strange story about the enchanted castle and the mysterious beauty who lured strangers to destruction as Siren.


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27 mayo 2011

Mikio Naruse - Tabi yakusha (1940)

Japonés/Japanese | Subs: Castellano/English
73 min | XviD 640x480 | 1498 kb/s | 128 kb/s mp3 | 25 fps
854 MB + 3% recuperación/recovery

 Actores itinerantes
Encantadora comedia sobre dos actores que interpretan las patas delanteras y traseras de un caballo en una obra de teatro Kabuki, y que sienten que su arte es menospreciado. Cuando el barbero que financia la obra decide sustituirlos por un caballo de verdad, deciden vengarse.

Travelling Actors
Lovely comedy about two actors who play the front and back legs of a horse and feel their artistry is unappreciated. When the self important barber who funds their show decides to replace them with a real horse, they plan to get even.

"One of my personal favorites. The actor who plays the front legs of the horse... sees his role as a serious artform. However, the harder he tries to succeed, the funnier things get for the audience. That's the kind of comedy I wanted to make. " (Mikio Naruse)

English subtitles by Glynford (KG)

"Una de mis película favoritas. El actor que interpreta a las patas delanteras del caballo... ve a su papel como un arte serio. Sin embargo, cuanto más intenta tener éxito, más divertido resulta para el público. Es el tipo de comedia que yo quería hacer. " (Mikio Naruse)

DVD rip de maximer (KG)

Subtítulos en castellano míos


Subtítulos en castellano aquí


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Mikio Naruse en Arsenevich

26 mayo 2011

Hal Ashby - Harold and Maude (1971)

Inglès/English | Subs:Castellano
88 min | Xvid 672x384 | 1778 kb/s | 448 kb/s AC3 | 25 fps
1,36 GB
Un joven con pulsión de muerte y una vivaracha anciana de 79 años encuentran el amor en esta negra comedia de culto de Hal Ashby.
En su segundo trabajo como director tras su oscarizado éxito como montador, Hal Ashby complementa el guión de Colin Higgins (adaptado por éste de su propio corto estudiantil) con una afectuosa visión sin prejuicios de las conductas estrafalarias y una aversión por las instituciones de la autoridad. En sus hábiles manos, Harold Chasen podrá resultar un tipo raro, pero su madre y su tío, general del ejército, están directamente chalados. La Paramount pareció quedar perpleja sobre cómo promocionar la película, y ésta recibió mordaces críticas y desapareció de la cartelera al poco de su estreno, ya que apenas hubo espectadores que se interesaran por la idea de un joven que deseara a una abuela. Pero, atrapado en su propia revuelta generacional, el público universitario respondió con pasión al mensaje de ir a la tuya sin importar lo que diga la iglesia, el estado o tu mami. Harold y Maude se convirtió en el éxito de culto de los 70: en Minneapolis se mantuvo al parecer en cartel durante tres años seguidos, con fans que afirmaban haberla visto 100 o más veces. Con la cómica creatividad de los suicidios de Harold y un romance en pantalla que definía el concepto de "único", Harold y Maude no fue sólo una sensación de culto, sino también el tipo de producción innovadora e idiosincrásica de principios de los 70 que durante un breve tiempo fue posible gracias a éxitos como Easy Rider (1969) y MASH (1970). Lucia Bozzola (Allmovie)
Black comedies don't come much blacker than this cult favorite from 1972, and they don't come much funnier, either. It seemed that director Hal Ashby was the perfect choice to mine a mother lode of eccentricity from the original script by Colin Higgins, about the unlikely romance between a death-obsessed 19-year-old named Harold (Bud Cort) and a life-loving 79-year-old widow named Maude (Ruth Gordon). They meet at a funeral, and Maude finds something oddly appealing about Harold, urging him to "reach out" and grab life by the lapels as opposed to dwelling morbidly on mortality. Harold grows fond of the old gal--she's a lot more fun than the girls his mother desperately matches him up with--and together they make Harold & Maude one of the sweetest and most unconventional love stories ever made. Much of the earlier humor arises from Harold's outrageous suicide fantasies, played out as a kind of twisted parlor game to mortify his mother, who's grown immune to her strange son's antics. Gradually, however, the film's clever humor shifts to a brighter outlook and finally arrives at a point where Harold is truly happy to be alive. Featuring soundtrack songs by Cat Stevens, this comedy certainly won't appeal to all tastes (it was a box-office flop when first released), but if you're on its quirky wavelength, it might just strike you as one of the funniest movies you've ever seen. --Jeff Shannon
"Tù puedes hacer lo que quieras." Cat Stevens

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25 mayo 2011

Patrice Leconte - Le parfum d'Yvonne (1994)


Francés/French | Subs: Castellano/English
 85min | X264 MKV 720x304 | 1995 kb/s | 128Kb/s AC3 | 25 fps
 1,29 GB


El perfume de Yvonne puede parecer una peli de amor más...Para mi no lo es, al contrario, me parece una historia de desamor, pero llena de belleza, sensualidad, miradas, gestos...


Aunque he puesto unas capturas un poco subidas de tono, la parte erótica del film es la menos importante.


La película está llena de grandes momentos, como la  memorable escena en la que dos de los protagonistas aparecen en un concurso de perros y coches  




El trasfondo de la sensación de soledad y desamparo de los emigrantes, la fugacidad de la vida, el valor de lo seguro ante lo posible, todo esto y mucho más está inmerso en El Perfume de Yvonne.
Déjense embriagar por su melancólica  fragancia, creo que les cautivará...


This movie tells a past love story that brings on a deep nostalgia due to gorgeous summer pictures enhanced by a luminous photography. It's almost a poetic and dreamlike work. And however, this happiness is too good to be true. Indeed, behind this idle and free life, hide zones of shadows. Victor Chmara claims to Yvonne that he is a wealthy Russian earl but he's nothing of the sort. He's just a young man who fled Paris so as to avoid his military enlistment (we are in 1958 and at this time, it is the Algerian war). Moreover, he wants to go to the USA but Yvonne refuses because Victor can't speak English. So, she leaves him and there's this famous sentence that says: love stories, in general don't have a happy ending. It is true.

Leconte built his movie on a long flashback and he alternates the story with two of the main characters' current situation. From this moment, we can take down a strong contrast between the shiny pictures of a celebrated and distant summer and the dark photography to connote a dull present that shows the main characters' distress and bitterness (especially the doctor Meinthe).

A beautiful and bitter movie. If you are a fan of Patrice Leconte, don't miss this one

-O-
Mas Leconte en Arsenevich

Monsieur Hire 


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(Ripeo propio en formato exclusivo para Arsenevich)




24 mayo 2011

D.A. Pennebaker - Dont Look Back (1967)

Inglès/English I Subs:Castellano
96 min I Xvid 496x384 I 877 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 29.97 fps
699 MB
Intenso y sorprendente documental en blanco y negro sobre la gira que el cantautor estadounidense Bob Dylan realizó en el Reino Unido en 1965. Considerado por muchos críticos como una de los films fundamentales sobre el mundo del rock.
“No tengo ganas de cantar”, dice como para sí mismo el chico narigón y de pelo revuelto. Acto seguido toma la guitarra acústica, sale del camarín y afronta el escenario, el seguidor y los aplausos como si tuviera todas las ganas del mundo. Misterios de un carácter proverbialmente elusivo, los límpidos 96 minutos en blanco y negro de Dont Look Back (se escribe así, aunque la ortografía correcta sería Don’t Look Back) representan tal vez la única ocasión en que Bob Dylan permitió, allá por mediados de los ’60, que su intimidad fuera escrutada. O, tal vez, aquello que Dylan decidió hacer pasar por intimidad. (...)
“Apenas sabía quién era Dylan y creo que sólo conocía una canción suya”, confesó a Página/12, en abril pasado, D.A. Pennebaker, realizador de Dont Look Back, cuando visitó Buenos Aires para la retrospectiva de su obra que presentó el Bafici. Tal vez justamente por eso, por la falta de conocimiento previo, la cámara de Pennebaker observa con tanta curiosidad a Dylan en la película, permitiendo que el espectador se sienta como un miembro más de la gira. Se trata de la que en abril y mayo de 1965 llevó a Robert Zimmerman por primera vez al Reino Unido y que resultaría su última gira acústica. Highway 61 Revisited se estaba cocinando y con él el paso definitivo a la electrificación. Dont Look Back empieza en el preciso momento en que el autor de “The Times They Are A-Changing” pone pie en el aeropuerto de Heathrow y termina en el auto que lo lleva lejos del Royal Albert Hall, tras haberlo seguido a través de toda Gran Bretaña.
Junto con Richard Leacock (su socio para la ocasión), Robert Drew y los hermanos Maysles (realizadores de la memorable Gimme Shelter), Pennebaker fue uno de los fundadores de la corriente conocida como Direct Cinema, que desde comienzos de los ’60 renovó no sólo el documental, sino incluso el cine de ficción. Lo que hicieron fue aprovechar el surgimiento de equipos livianos y económicos para captar la realidad “en directo”, sin guión y de acuerdo con el ritmo impuesto por los propios hechos. Despreciada en su momento por las majors de la industria (“es berreta, está fuera de foco y no se entiende ni lo que hablan”, recuerda el realizador que le escupió un ejecutivo de la Warner en el comentario que acompaña esta edición), Dont Look Back llegó a estar en cartel durante un año seguido, en una salita porno de San Francisco. Más tarde, en películas como Monterrey Pop, Ziggy Stardust and the Spiders of Mars y The War Room, Pennebaker confirmaría la absoluta modernidad de su estilo. (...)
No hay en esta verdadera obra maestra una sola escena que no sea imperdible, ya se trate del periodista que le pregunta a Joan Baez quién es ella, el gaste al que Dylan y Alan Price someten a un pesado que no se sabe qué quiere, la fan que chifla desde debajo de su ventana de hotel (y después reprocha las guitarras eléctricas de “Subterranean Homesick Blues”), Dylan tipiando una letra en la Lettera, componiendo un tema al piano o equivocando en escena una cita de T.S. Eliot, la pelea de borrachos en una habitación 5 estrellas (en presencia de Donovan y John Mayall) o la larga filípica sobre política y medios que Mr. Zimmerman enrostra a un periodista de Time. Es tal la sensación de presente que se desprende de esta película, que más que hace cuatro décadas parece filmada ayer. O mañana. (Horacio Bernades, Pàgina 12)
Y aquì un superartìculo del genial (bueno, en sus artìculos sobre Rock and Roll) Rodrigo Fresàn.

Both a classic documentary and a vital pop-cultural artifact, D.A. Pennebaker's portrait of Bob Dylan captures the seminal singer-songwriter on the cusp of his transformation from folk prophet to rock trendsetter. Shot during Dylan's 1965 British concert tour, Don't Look Back employs an edgy vérité style that was, and is, a snug fit with the artist's own consciously rough-hewn persona. Its handheld black-and-white images and often-gritty London backdrops suggest cinematic extensions of the archetypal monochrome portraits that graced Dylan's career-making early-'60s album jackets.
Pennebaker's access to the legendarily private troubadour enables us to witness Dylan's shifting moods as he performs, relaxes with his entourage (including then lover Joan Baez, road manager Bob Neuwirth, and poker-faced manager Albert Grossman), and jousts with other musicians (notably Animals alumnus Alan Price and Scottish folksinger Donovan), fans, and press. It's a measurement of the filmmaker's acuity that the conversations are often as gripping as Dylan's solo performances. Grossman's machinations with British promoters, Baez's hip serenity, a grizzled British journalist's surrender to the fact of Dylan's artistry, and the artist's own taunting dismissal of a clueless sycophant are all absorbing. --Sam Sutherland
“Para vivir fuera de la ley, hay que ser honesto.” Bob Dylan
-o-

23 mayo 2011

Yves Allégret - Une si jolie petite plage (1949)

Francés/French | Subs: Castellano/English
86 min | XviD 624x464 | 1464 kb/s | 75 kb/s mp3 | 25 fps 
950 MB + 3% recuperación/recovery
Una noche lluviosa, un extraño llega a una ciudad costera del norte de Francia y se registra en un hotel barato. Todo lo que se sabe de él es su nombre - Pierre - y todo el mundo sospecha de él. Parece conocer bien la zona, parece estar bien de salud. Pero ¿por qué está aquí? ¿Por qué está tan triste? Las respuestas surgen cuando otro hombre aparece en escena, un conocido de Pierre que conoce el delito que ha cometido y que tiene la intención de utilizar la información para su propio beneficio...

DVD rip y capturas de pa6sur (KG)

Subtítulos en castellano de kimkiduk (Ci-Cl)

Riptide
One rainy night, a stranger arrives in a nondescript seaside town and checks into a cheap hotel.  All that is known about him is his name – Pierre – and everyone he meets is suspicious of him.  He appears to know the area well; he seems to be in good health.  But why is he here?  Why is he so sad?  The answers emerge when another man appears on the scene, an acquaintance of Pierre who knows the crime that he has committed and who intends to use the information to his own advantage…

Pierre arrive un soir de pluie dans un village du Nord de la France au bord de la mer. Il descend dans l'unique hôtel ouvert, tenu par Mme Mayeu. Cette grasse et mielleuse patronne est la nièce de l'ancien propriétaire, paralysé et privé de l'usage de la parole, qui a semblé reconnaître le jeune homme. Mme Mayeu houspille un garçon de l'assistance publique que Mme Curlier, femme d'un riche industriel plie à ses caprices lors de ses séjours de fins de semaines.

En lui, Pierre Monet retrouve son drame personnel : comme lui il fut employé dans cet hôtel à de lourdes besognes alors qu'il sortait de l'assistance... Il recevait lui aussi les avances d'une femme insatisfaite, une chanteuse avec laquelle il est parti un jour. Et qu'il a assassinée. Traqué par la police il est revenu sur les lieux de son adolescence... où il ne trouve pas la paix : la morte est sans cesse évoquée par un vieux disque, ou par Fred, un ami soupçonneux...


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22 mayo 2011

Jean-Luc Godard - Weekend (1967)

 Francès/French I Subs:Castellano/English
140 min I Xvid 640x384 I 1700 kb/s I 175 kb/s vbr mp3 I 25 fps
1,45 GB
Una fábula apocalíptica, desencantada y satírica, definida como un nuevo viaje de Gulliver a través del colapso de la sociedad de consumo representada en una joven pareja de burgueses.
Jean-Luc Godard (Paris, 1930) encabeza, junto con otros realizadores (Chabrol, Truffaut, Malle, Resnais), el movimiento cultural cinematográfico surgido a principios de los 60 conocido como la "nueva ola francesa" (nouvelle vague), pero él es, por muchas razones, el miembro más interesante de este conjunto de directores.
Más allá de los aspectos formales o técnicos que significó este movimiento (a la nueva ola francesa se le atribuye, con mucha razón, el haber "reinventado" el lenguaje cinematográfico), para Godard significó una nueva forma de expresar sus ideas sobre la cultura y la sociedad occidentales, en particular Francia y Estados Unidos, y Week End (1967) es un claro ejemplo de esto.
En Week End el relato "La autopista del sur" (de Julio Cortázar), representa más bien una sugerencia, muy pronto vemos cómo la cinta de Godard toma su propio rumbo. La idea del embotellamiento interminable es una más (aunque la más notoria) de las metáforas empleadas por Godard para mostrarnos su visión de una sociedad alienada, de consumo y deshumanizada, y es para muchos, una película que anticipa los sucesos de Mayo del 68 en París. En esta cinta, la visión del mundo es catastrófica (como los autos volcados por doquier, accidentes y accidentados) y dentro de este desastre vemos (en el recorrido de sus dos protagonistas) lo que para Godard era la verdadera motivación de la gente: la satisfacción material, el individualismo o el consumo, y para exponer lo anterior, el director echa mano de recursos que realmente logran impactar a quien lo contempla, cosa muy común en el cine de Godard. (Proyecto Espartaco)
Pocas películas describen un momento histórico tan convulso como Weekend de Jean-Luc Godard. El apocalipsis burgués del maestro francés puede parecernos fuerte o ideológicamente rebuscado, pero el filme es auténtico (búsqueda que no reduce la poesía a lo político o viceversa). Un fin de semana de pesadilla es resumido en la toma de 10 minutos (montada en un carrito) sin cortes, donde apreciamos el motto central de la cinta: Un tranque de tráfico descomunal y a la vez paradigmático de la sociedad capitalista que incita lo peor de la naturaleza humana bajo esa apariencia civil judeo-cristiana. Vemos broncas, autos incendiados, trifulcas de automovilistas hastiados y cadáveres abandonados en la carretera. Aleatorio y metafílmico, Weekend resume y enjuicia la idea misma de la revolución. Godard se toma cualquier libertad. Sus actores le hablan a la cámara; en un momento dado, el protagonista del film protesta contrariado por lo absurdo de la película. Un recogedor de basura africano es entrevistado por alguien fuera de la cámara. La música va y viene, como en un denso vértigo sónico existencial. La Nouvelle Vague de Godard: búsqueda de la esencia de la sociedad contemporánea capitalista, mirada microscópica a las relaciones interpersonales del organismo social. Ver a Weekend, casi veinte años después, es darse cuenta cuánto hemos cambiado. Nos hemos domesticado. La provocación política, social y sexual que hicieron posibles obras maestras como Salo de Passolini (o ésta de Godard) ha cedido a una blandura generalizada. Nuestra actitud crítica es espuria, pero peor es nuestro aparente desafío, que en el fondo no es más que una forma autosuficiente de conformidad e inercia. (tumiamiblog)
Godard's Weekend lays down the trump in a harrowing and darkly funny allegory in which social mores fray along political lines. Played out in a metafilm in which characters question their own reality, a morally bankrupt Parisian couple tries to leave the city on a much-loathed country holiday with the wife's parents. Along the way, endless traffic jams, sudden violence, and vistas of gory car crashes underscore their corrupted values. Their lethal encounter with the in-laws and kidnap by an anarchic band of radical cannibals finds the couple--and presumably "decent" society with them--reverting to a nasty primitivism. The idea is of course that the bored, apathetic heart of the bourgeoisie is never far from acting out its most homicidal fantasies. --Alan E. Rapp
 "Periodista: ¿Dónde se situaría usted en relación con el conjunto del Cine?
JLG: Absolutamente fuera."
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God en Arsenevich