30 abril 2011

Bostjan Hladnik - Ples v dezju (1961)

1:38:30 Min | 672x400 | Xvid 1596 kbps | 25 fps | Ac3 192 Kbps | 1.24 GB
Esloveno/Slovenian | Subtitles: English, Castellano .srt


Una historia de amor entre Maruša, una actriz, y Peter, un pintor. Él vive en una pequeña y obscura habitación alquilada, ella en un pequeño departamento. Ellos pasan la mayor parte de su tiempo reunidos en un bar. Su relación está llena de incertidumbres y contrastes....
Con motivo de la celebración del centenario del cine Esloveno el año 2005, críticos de variadas generaciones escogieron Ples v dezju, como la mejor película eslovena de todos los tiempos.
El Fondo del Cine de la República de Eslovenia, por lo tanto, financió su lanzamiento en dvd con motivo de este aniversario.


Peter is the dark brooding type. Leading a vacuous, shapeless life, he longs for the ideal woman, while at the same time, half heartedly continuing with his habitual girlfriend, Marusa , who is considerably older, a fact that Peter is quick to point out. As an ageing actress, struggling for parts in her local theatre, she oozes insecurity and breathes uncertainty. Together, they spend their time in the local restaurant, smoking, drinking and trading verbal blows. "I bet you'll just end up a drunk," she tells Peter each time. Peter just grins and tells her how old she looks. Compounded by a thankless director who soon shows her the door, Marusa finds her identity being squeezed harder and harder against the wall. To escape, Peter and Marusa dream


Ples v dežju is a 1961 Slovene film directed by Boštjan Hladnik. Its international English title is Dance in the Rain. It is a love drama based on the novel Črni dnevi in beli dan by Dominik Smole.

It is Hladnik's first feature film after he returned from Paris, where he worked with Claude Chabrol, Robert Siodmak & Philippe de Broca.

On the occasion of the hundredth anniversary of Slovene film in 2005, Slovene film critics of various generations chose Ples v dežju as the best Slovene film. The Film Fund of the Republic of Slovenia thus funded its DVD release to in honour this anniversary. It was the first Slovene film to have its image and sound digitally corrected. A discussion with Boštjan Hladnik was filmed especially for this edition.


 Nuevos Links, gracias a Don Belianís


PlesvdezjuBH1961.part1.rar
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29 abril 2011

Claude Chabrol - Inspecteur Lavardin (1986)

Francés/French | Subs: Castellano/English
96 min | XviD 688x416 | 1539 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps 
1,16 GB + 3% recuperación/recovery
Inspector Lavardin
Inspector Lavardin es un ilustrador ejemplo del gusto de Chabrol por la novela negra, donde disecciona con acidez la burguesía francesa de provincias, sello característico de su prolífica carrera. Si en Pollo al vinagre nos relata una conspiración, bastante tosca y de carácter agreste, para mostrar la ruindad de las clases acomodadas, en Inspector Lavardin, sin subterfugios que le sirvan de pretextos, se lanza directamente a la yugular en su disección de las presuntas buenas maneras de las exquisitas familias adineradas. Con una sencilla puesta en escena, algo ajada y apolillada vista hoy, la gran virtud de este film es la manera que maneja la moralidad, dejando anticuadas a muchas películas de hoy, desde una mirada que actualmente se consideraría políticamente incorrecta. Pollo al vinagre también se hace partícipe de dicho enfoque totalmente subversivo, pero la contundencia de Inspector Lavardin nos resulta más atractiva. Es bien sencillo. Y es eludir totalmente la correspondencia entre la justicia legal y la moral. Para ello, un poco como Maquiavelo, el fin justifica los medios. Porque el inspector Lavardin se caracteriza por unos métodos un poco expeditivos y nada ortodoxos. (El Espectador Imaginario)

DVD rip y capturas de EceAyhan (KG)

Subtítulos en castellano del Professor Keller (¡gracias!)

Inspector Lavardin
Inspecteur Lavardin is called in to investigate the murder of a leading moral figure in a village in provincial France.  Lavardin’s skills are put to the test as he encounters a web of deceit and intrigue, not to mention some very peculiar individuals.  To cap it all, the murder victim’s widow was once one of Lavardin’s former loves, something which has a profound bearing on the outcome of the investigation. (Films de France)

A l'occasion du meurtre de l'écrivain catholique Raoul Mons, l'inspecteur Lavardin retrouve Hélène, un de ses amours de jeunesse. Veuve de Mons, Hélène a une fille née d'une première union. Celle-ci a tué son beau-père, qui voulait la faire chanter. Avec ses méthodes bien particulières, Lavardin monte une machination et fait emprisonner celui qui le mérite plutôt que de briser la vie de la jeune femme...


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Claude Chabrol en Arsenevich

28 abril 2011

Ingmar Bergman - Karins Ansikte (1986)

Sueco/Swedish | Subs:Castellano/English
14 min | Xvid 640x480 | 1656 kb/s | 128 kb/s cbr mp3 | 25 fps
174 MB + 3% recuperación/recovery
Karin es la madre de Bergman, cuyo paseo por la existencia es evocado por su hijo a partir de la concatenación de imágenes fotográficas extraídas del álbum familiar: "Hace unos años hice una peliculita sobre la cara de mi madre. La hice con una cámara de ocho milímetros y un objetivo especial. Como había robado todos los álbumes de fotos de la familia cuando murió mi padre, disponía de abundante material. La película trataba, pues, del rostro de mi madre, del rostro de Karin, desde la primera imagen a los tres años hasta la última, una fotografía de pasaporte que se hizo unos meses antes del último infarto".
Bergman rodó una película muy bella usando únicamente fotografías, las de su álbum familiar, para contar sin palabras la historia de su madre. La película dura catorce minutos y se llama KARINS ANSIKTE. El rostro de Karin, su madre, se repite una y otra vez, en diferentes fotografías de diferentes épocas, al ritmo de un piano cuyas notas disonantes enlazan unos primeros planos con otros. Porque se trata de una película de primeros planos, como tantas películas de Bergman.
En KARINS ANSIKTE se intuye también una historia ya contada por Bergman en otras ocasiones. La triste historia de amor de sus padres, minuciosamente fabulada en ese precioso libro llamado Las mejores intenciones, que también podría haberse titulado El matrimonio amateur, como esa novela maravillosa de Anne Tyler con la que guarda muchas similitudes. Busco Las mejores intenciones y releo la primera página del libro. En un breve prólogo, Bergman explica:
"Los Akerblom eran una familia muy amiga de fotografiarse. A la muerte de mis padres heredé un buen número de álbumes; los primeros de mediados del siglo XIX, los últimos de principios de los años sesenta. Hay sin duda una enorme magia en esas imágenes, sobre todo si se examinan con ayuda de una lupa gigantesca: rostros, rostros, manos, posturas, ropas, joyas, rostros, animales domésticos, vistas, luces, rostros, cortinas, cuadros, alfombras, flores de verano, abedules, ríos, peinados, granos malignos, pechos que despuntan, majestuosos bigotes […] Pero sobre todo los rostros. Me meto en las imágenes y toco a las personas, a las que recuerdo y a aquellas de las que no sé nada. Esto es casi más divertido que los viejos filmes mudos que han perdido sus textos explicativos. Yo me invento mis propias pautas."
(Texto de Jonás Trueba, publicado en ElMundo)
Bergman’s short film from 1984 is little more than a flick through the family photo album, examining old images of his mother Karin, but it’s a mesmerising journey back in time. The photographs cover her childhood, adolescence and her marriage to a rather stern looking preacher, Bergman’s father Erik, and her role as a mother, up to the final photograph taken of Karin for a passport a few months before she died. The film provides a fascinating view of a certain social class at the turn of the 20th century as well as being a rare glimpse into the director’s family background. Silent, with occasional explanatory intertitles and a gentle piano score, it invites the viewer to examine eyes, expressions, dress and poses for deeper clues into the personality of the people in the photographs.
"Trazo mis líneas con la, tal vez, vana esperanza de que surja un rostro. ¿Tal vez lo que diviso es una verdad sobre mi propia vida? ¿Por qué, si no, me empeño con tanto afán?" Ingmar Bergman

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Ingmar Bergman en Arsenevich
 Karins Ansikte (1986)

24 abril 2011

Josef von Sternberg - Anatahan (1953)

Inglès y algo de japonés I Subs:Francés incrustado/Castellano srt
88 min I Xvid 512x384 I 1626 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 25 fps
1,07 GB
Unos náufragos militares japoneses llegan a una isla que parece desierta, pero allí viven una bella mujer y su marido. Cuando la mujer suscita el deseo erótico de los hombres, éstos empiezan a competir para poseerla. Reciben un comunicado que les informa de que la guerra ha terminado y Japón ha sido derrotado, pero prefieren creer que es una treta del enemigo y prosiguen su obsesiva disputa por Keiko. La cámara y la voz de Sternberg acompasan este mítico filme sobre la fascinación por la mujer. “Anatahan” es una película sorprendente, única en toda la historia del cine. Aunque Sternberg, en realidad y pese a su excepcional uso del sonido, siempre siguió haciendo cine mudo en el estadio más puro, su film postrero subraya el hecho del modo más contundente. No sólo por ese aire irreal que destila, pues, salvo algunos planos de exteriores sin personajes, todo el film se rodó en estudio; también por la insistencia en el puro gesto y en el inserto elocuente. Pero, por otro lado, y aquí viene la mayor extrañeza, “Anatahan” resulta especialmente avanzada para su tiempo y, aún hoy, decididamente moderna, ya que opera un marcado distanciamiento sobre su material de base, al que no es ajena su manifiesta teatralidad en el sentido más noble: la artificiosa reconstrucción de los decorados, la frontalidad de numerosos encuadres, las miradas a cámara en el desfile final (que van muchísimo más allá del guiño fordiano que cierra “El hombre tranquilo”).
Contrarios inusitados, cine y teatro, antigüedad y modernidad, se aúnan armoniosamente en “Anatahan”. La mirada al pasado es el trampolín para el futuro. Así lo atestigua la asombrosa elección de Sternberg, tan deudora del uso de intertítulos en el cine silente como novedosa en ése y en cualquier momento, de superponer a la versión original japonesa su propia voz en inglés, para traducir algún diálogo, anticipar acontecimientos o comentar la acción con máximas filosóficas, pese a que la película, tal es su sabiduría, se entienda perfectamente sin la voz en off. En efecto, esta voz reflexiva, que pone en primer término ese yo de la enunciación que tanto gustan de alabar los semiólogos al hablar de Welles, por ejemplo, enlaza ejemplarmente el último film del vienés con el primero, donde los rótulos parecían empeñados en comunicar el pensamiento de su autor; sólo que en “Anatahan” los comentarios son más escuetos, menos rimbombantes y mucho más sabios, por lo que aquello que en “The salvation hunters” era más bien defecto (perdonable, eso sí), ahora muda en virtud. Lo mismo cabe decir de otra inusitada rima con su primera filmografía: las serpentinas que en “La ley del hampa” le daban al cabaret ese aire tan barroco e irreal, ahora se transforman en las maromas del buque, las lianas de la jungla, las hojas de la vegetación, las redes o el entramado de los muebles, superando la intención decorativa para ilustrar una verdad esencial. Nunca personajes de un film han sido más prisioneros del entorno, físico y moral, que en la estación japonesa del cineasta; y nunca han estado más enjaulados, en otro rasgo de precursora modernidad, por la propia puesta en escena. Igual que esos peces de acuario que pululan por los títulos de crédito.
Barrotes como en un zoo, voz en off explicativa como en un documental: se diría que Sternberg contempla a sus criaturas con curiosidad antropológica…, o simplemente etológica. Pues, en efecto, si al norteamericano le atrajo el caso real de los soldados japoneses naufragados siete años en una isla desierta, fue, sin duda, para entregarse con ahínco a la puesta en evidencia del primitivismo subyacente en la sociedad (de cualquier país), para mostrar cómo, bajo circunstancias adversas, la civilización sucumbe ante la barbarie (inmersión sugerida por esos bellísimos travellings que nos introducen en la espesa selva, parientes de los ejecutados sobre los hombres entregados a la molicie o deslumbrados por la presencia de Keiko); en resumidas cuentas, para despojar de su máscara, esa meta crucial de su obra entera, a toda una sociedad. (...) No es de extrañar que “Anatahan”, final pieza maestra de un gran director, recibiera en Japón una acogida tan hostil, y en el resto del mundo, tan despreciativa, que incluso hoy en día sigue siendo una de sus películas menos difundidas; y aún peor, que en su momento supusiera el punto y final de tan brillante carrera. No hay clemencia para el que dice las verdades. Al menos, es un consuelo, la última secuencia de Sternberg es una de las más emocionantes, densas y admirables de toda la historia del cine. (Texto de Fernando Usón, tomado de El pollo urbano)
Intrigue, lust and the quest for power abound in this Josef von Sternberg film. Japanese seamen on a remote Pacific island stubbornly man their post long after the end of WWII, refusing to believe their country lost the war. The only other residents of the island are the overseer of an abandoned plantation and his beautiful young Japanese wife. The men vie for power . . . and the woman . . . in a ruthless bid for dominance. Based on the "true" story of Japanese soldiers who were shipwrecked during World War II and refused to believe that the war had ended until six years after Hiroshima. The actors speak only Japanese as the viewer is led through the story by an English-speaking narrator (von Sternberg) who tells the story of a woman stranded on the small island with 30 lecherous men. Adapted from the novel by Michiro Maruyama . Filmed in Japan.
"Es probablemente un error asumir que los seres humanos admitirán hurgar en sus propios errores antes que en los de los demás." Josef von Sternberg
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Josef von Sternberg en Arsenevich
Blonde Venus (1932) 
  Anatahan (1953)

23 abril 2011

Norman Z. McLeod - Alice in Wonderland (1933)

76 Min | Xvid 1.286 kbps | 656x480 | 23.976 fps | Mp3 75 Kbps | 750 MB
Inglés/English | Subtitles: Castellano, French .srt


En una aburrida tarde de invierno, Alice sueña que está visitando las tierras que hay detrás del espejo. Pero se convierte en una pesadilla surrealista, viajando a un mundo nuevo en sueños.
Esta versión de 1933 fue dirigida por Norman Z a partir de un guión de Joseph L. Mankiewicz, sobre la base del libro Alice's Adventures in Wonderland y A Través del Espejo de vidrio, de Lewis Carroll. También se inspiro en gran medida a la adaptacion de Eva LeGallienne y Florida Friebus.
Aparecen estrellas que incluyen a Charlotte Henry como Alicia, WC Campos como Humpty Dumpty, Edna May Oliver como la Reina Roja, Cary Grant como el Modelo de tortuga, Gary Cooper como el White Knight, Edward Everett Horton como The Mad Hatter y bebés LeRoy como El Joker.


This star-laden version of Lewis Carroll's novel combines elements of both the title novel and Carroll's sequel, Through the Looking Glass. In England of the 19th century, young Alice finds that the mirror over the library fireplace opens into a strange world. She has odd adventures and changes size several times both before and after she follows a time-obsessed White Rabbit (Skeets Gallagher). Soaked after nearly drowning in a pool of tears, Alice is helped to dry off by a Dodo (Polly Moran), and encounters a caterpillar (Ned Sparks), whose mushroom also changes Alice's size. In a noisy home where the Cook (Lillian Harmer) and the Duchess (Alison Skipworth) are always fighting, Alice takes care of the Duchess' baby, but it turns into a pig and runs away. Asking directions of the Cheshire Cat (Richard Arlen) is no help, and a tea party with the Mad Hatter (Edward Everett Horton), the March Hare (Charlie Ruggles) and the Dormouse (Jackie Searl) is confusing and annoying.


Dvdrip de Yogiyamada

 
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22 abril 2011

Claude Chabrol - Les innocents aux mains sales (1975)

Francés/French | Subs: Castellano/English
120 min | XviD 672x400 | 1405 kb/s | 224 kb/s AC3 | 25 fps 
1,37 GB + 3% recuperación/recovery
 Inocentes con manos sucias
Inocentes con manos sucias es un thriller barroco y lleno de estilo que narra un regreso para Chabrol a la fuerza y a las convenciones del “pulp” tan presentes en sus primeros trabajos. La trama nos gira a través de un campo de minas de relaciones caleidoscópicas, aunque con un ritmo tranquilo que le permite al film adquirir todo tipo de resonancias trágicas. Chabrol pasa de la ironía a la ambigüedad con gran facilidad y demuestra una gran fuerza a lo largo del film

Saint Tropez, 1975. Julie Wormser (Romy Schneider), fascina como la fría y calculadora esposa que con su amante, escritor y vecino Jeff Marle (Paolo Giusti) conspiran para deshacerse de su rico marido, Louis (Rod Steiger), imponente y alcohólico. Ella lo golpea y del resto se encarga su amante. Pero al día siguiente, ¿dónde está el cuerpo?, ¿y el amante?, ¿hay algún secreto más allá de la puerta?..

DVD rip y capturas de EceAyhan (KG)

Dirty Hands
In this crime drama, a philandering wife plans to ill her alcoholic husband so she can run away with her lover. It all goes according to plan, and the widow is finally happy. Her happiness is short lived, as the "dead" husband shows up alive on her doorstep.

Saint Tropez, 1975. Julie Wormser et Jeff Marle, son amant, auteur et voisin, planifient le meurtre de Louis Wormser, son riche mari, impotent et alcoolique. Elle assome Louis, et laisse la suite à Jeff sans s'en préoccuper. Mais le jour suivant, Julie se retrouve seule et ignore où se trouve Jeff et ce qu'il a fait du corps de Louis...



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Claude Chabrol en Arsenevich

21 abril 2011

Ingmar Bergman - Nattvardsgästerna (1963)

Sueco/Swedish | Subs:Castellano/English
82 min | XviD 640x480 | 2360 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,41 GB + 3%
Thomas es un pastor protestante que celebra los oficios religiosos con la iglesia casi vacía. Es un hombre solitario que sufre una profunda crisis espiritual y cuya vida carece de sentido. Incluso el amor que le profesa la maestra Marta se ha vuelto para él una carga insoportable. Su situación se agrava al verse incapaz de ofrecer ayuda alguna a una pareja de campesinos que acuden a él para pedirle consejo. Cuando, poco después, el campesino se suicida, Thomas se encuentra al borde del abismo y ya nada podrá llenar su vacío interior.Uno de los temas recurrentes del genial director de cine Ingmar Bergman (Uppsala, 1948 – Isla de Faro, 2007) fue la aparente ausencia de Dios. Esa contradicción que atravesó -y atraviesa- a las sociedades contemporáneas, entre el racionalismo escéptico y las necesidad espiritual inherente al ser humano. Dudas del materialismo enfrentadas al óceano de misterio que significa estar vivo. Y todas las preguntas humanas que nacen en el medio.En el relato bergmaniano se reitera la necesidad de encontrar respuestas, cuando no auxilio, en la divinidad. Pero esas respuestas no llegan, algo que muchos seres humanos interpretan como un mensaje en sí mismo, como un premio o un castigo, aunque no haya habido contestación divina. Sin embargo, la atmósfera creada por el maestro sueco -hijo de un severo pastor luterano- si bien critica imposiciones clericales absurdas, deja la puerta abierta hacia la existencia de un orden superior, hacia un universo infinito cuyas reglas aún no comprendemos.Mientras se desgrana ese dilema, en sus obras maestras desfilan temas viscerales como la muerte, la traición, el honor, la justicia y la soledad. El silencio de Dios se rastrea en algunas de sus películas más admiradas: .El séptimo sello. (1956), .La fuente de la doncella. (1959) y .Cuando huye el día. (1957).
Quizá, la conclusión del maestro esté en la obra que los críticos interpretaron como un testamento -si bien siguió filmando-, .Fanny y Alexander. (1982), en la que uno de los personajes reza: .Nosotros no hemos venido al mundo para desvelar sus misterios, no estamos equipados para semejantes menesteres y es mejor que ignoremos los grandes interrogantes, porque vivimos en nuestro pequeño mundo. Nos contentamos con eso. [...] Pero para ello es necesario saber hallar el placer en este, nuestro pequeño mundo….Intentando aproximarse a su leyenda, el actor Max von Sydow -la cara de gran parte de sus personajes- lo definió así: .No he conocido a nadie que sepa tanto y profundamente sobre la naturaleza del hombre. Y es a partir de ese conocimiento cuando él puede transmitir tanto cinismo en sus personajes, pero al mismo tiempo siente pasión por la vida. Bergman es capaz de sentirse sorprendido por las historias de la gente y por la naturaleza humana. Puede captar lo que todos llevamos dentro. Y quizá sea esto lo que percibimos cuando vemos sus películas. Si tuviera que volver a filmar un clásico, como el Fausto de Goethe, no se sentiría para nada influido por las numerosas adaptaciones que se han hecho. (La Contramarcha)
Dos de los grandes ejes temáticos de la filmografía de Bergman, la duda metafísica (El séptimo sello, Como en un espejo...) y el análisis introspectivo de las relaciones íntimas (Secretos de un matrimonio, Un verano con Mónica...) se funden magistralmente en esta película, formando una unidad indisociable donde ningún motivo se supedita al otro.Si en Fanny y Alexander está “todo Bergman” por expansión de personajes y situaciones, aquí lo está por reducción a sus rasgos esenciales. De esta manera, la puesta en escena deviene una de las más concisas, depuradas y austeras de su autor.La desnudez formal se traduce en un rigor compositivo donde los primeros planos alcanzan un significado de tal magnitud que se convierten en dignos herederos de los de La pasión de Juana de Arco. La analogía con Dreyer nos podría llevar también a Gertrud, en cuanto al meditado uso de los fondos en conexión con las emociones de los personajes.A mi juicio, Gunnar Björnstrand realiza el mejor trabajo de su carrera e Ingrid Thulin está, como siempre, inconmensurable. La implacable fotografía en blanco y negro de Sven Nykvist probablemente sólo tiene parangón con la de Persona, otra de las obras capitales del dúo creador.En fin, aunque algunos todavía consideren Los comulgantes esclava de su época y, por tanto, caduca o pasada de moda, para mí siendo una obra de arte absolutamente intemporal, cumbre de Ingmar Bergman y un hito que demuestra, una vez más, que la auténtica complejidad se alcanza a través de la más absoluta sencillez. (Quim Casals)The Winter Light is the second in a trilogy of dramas by acclaimed Swedish director Ingmar Bergman that explores religious faith and doubts in a visceral, visual, and provocative manner. The first, Through a Glass Darkly, was an international success and heralded this new phase in the director's career. This compelling drama is set within a three-hour period on a Sunday afternoon in November, and begins when the local pastor, Tomas Ericsson (Gunnar Bjornstrand), is finishing his sermon. As of late, Pastor Ericsson has watched his congregation dwindle to a minimal level. Among the remaining parishioners is Marta (Ingrid Thulin) a plain-looking schoolteacher who has long been in love with the pastor. Meanwhile, fisherman Jonas (Max von Sydow) is anxiety-ridden over the nuclear power of the Communist Chinese, but Pastor Ericsson cannot help him, saddled with some overwhelming spiritual dilemmas of his own. As Ericsson struggles with his demons and faces Marta's unwanted (and to him, repugnant) romantic attentions, some hints of the qualities of God begin to surface."Pase lo que pase, tienes que decir tu misa. Es importante para los feligreses, es más importante aun para ti. Si también es importante para Dios, ya lo veremos. Si no hubiera otro dios que tu esperanza, también sería importante para ese dios." Ingmar Bergman

DVD rip de rulle (FH)

Nuevos enlaces, cortesía de Ana

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Ingmar Bergman en Arsenevich
Nattvardsgästerna (1963)

18 abril 2011

Mikio Naruse - Yogoto no yume (1933)

Muda/Silent c/ intertítulos en japonés | Subs: Castellano/English
64 min | XviD 640x480 | 1471 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
768 MB + 3% recuperación/recovery

 Sueños cotidianos
Sumiko Kurishima interpreta a una mujer cuyo marido la había abandonado, tras el nacimiento de su hijo. A falta de otra opción mejor, se ha visto obligada a mantener a su hijo y a ella misma trabajando como anfitriona en un bar de la costa. Cuando el inútil de su marido (Tatsuo Saito) vuelve, su primer impulso es rechazarlo, pero sus vecinos la convencerán de darle una segunda oportunidad. Saito demuestra ser un padre atento y un marido cariñoso, pero en medio de la depresión económica es incapaz de encontrar trabajo (y está profundamente avergonzado de que su esposa mantenga a la familia con su trabajo vergonzoso). Cuando el hijo es herido en un accidente, él trata de conseguir dinero para pagar la atención médica cometiendo un robo. Su esposa se niega a recibir el dinero, pidiéndole que se entregue...

Every-Night Dreams
In this film, Sumiko Kurishima plays a woman whose husband had deserted her, following the birth of her child. For lack of any better option, she has been forced to support her son and herself as working as a hostess at a waterfront bar. When her ne'er-do-well husband (Tatsuo Saito) returns, her first impulse is to reject him, but her neighbors prevail on her to give him a second chance. Saito proves to be a thoughtful father and a loving husband, but in depression-stricken Tokyo is unable to find work (and is deeply embarrassed that his wife must support the family in the tawdry way she does). When his child is injured in an accident, he tries to get money to pay for medical care by committing a robbery. His wife refuses the money, urging him to turn himself in...

"Fabular, imaginar, anhelar, desear… son innumerables los sinónimos de soñar, uno de los pocos refugios que todavía le quedan al ser humano. Tal vez, una de las más hermosas huidas del día a día, pero también de las  más doloras. Dolor, ese es el sentimiento que quizá de forma más precisa nos ayude a entrar en el film que nos ocupa en estas líneas. Soñar cada noche. ¿Quién sueña cuando cierra los ojos y todo se cubre por las tinieblas? ¿Tal vez el pequeño hijo de la pareja protagonista, para quien el mundo no es sino una hermosa fantasía construida a su alrededor, para que no pueda comprender todo el dolor que le rodea? «Sueño cada noche». ¿Quién hace  semejante afirmación? El matrimonio protagonista de este film de Naruse ya no puede soñar, como mucho podría anhelar hacerlo. La vida les ha arrancado abruptamente la posibilidad de desear. Ya no hay cabida para la ilusión..."

Leer la nota completa (spoilers incluídos) de Ramón Alfonso en Miradas de Cine

Rip mío del DVD compartido por artcinema22 en Cinematik

Subtítulos en castellano de MieMie


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English subs
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Mikio Naruse en Arsenevich
Yogoto no yume (1933)

16 abril 2011

Nanni Moretti - Bianca (1984)

01:33:40 min | Divx 720x384 | 1437 kb/s | 25 fps | Ac3 192 Kbps. | 1.07 GB
Italiano/Italian | Subtitles: Castellano srt | Genre: Drama



Michele (Nanni Moretti) es un profesor de matemáticas que acaba de conseguir un nuevo trabajo en un colegio. Tras el asesinato de una mujer en su barrio, Michele conoce a Bianca (Laura Morante), una atractiva compañera de trabajo. (FILMAFFINITY)


Michele is a mathematics professor who just started a new job in a school with some peculiar teaching methods. After a woman in his neighborhood is murdered, Michele meets beautiful colleague Bianca, and a relationship begins between the two. Where is this relationship heading, and will Michele be able to help the police catch the murderer?


Nuevos enlaces, gentileza de chicharro

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