30 marzo 2011

Gilbert Cates - I Never Sang for My Father (1970)

Inglés/English | Subs: Castellano
TV Rip | 92 min | XviD 640x352 | 975 kb/s | 78 kb/s mp3 | 23.97 fps
700 MB + 3% recuperación/recovery
 Mi padre, un extraño/Nunca canté para mi padre
Gene Garrison (Gene Hackman), un profesor universitario de cuarenta años, se ve obligado a poner sus planes de casarse y alejarse de sus padres ancianos en espera cuando su madre muere. Gene, que nunca fue capaz de complacer a su irascible padre Tom (Melvyn Douglas), está ahora obligado a luchar contra él sin la intervención cariñosa de su madre. Su hermana, Alice (Estelle Parsons), le dice a su hermano que debe afirmarse y liberarse de su padre, pero Gene es atormentado por su sentido del deber.
 Gene Garrison (Gene Hackman), a forty-year-old New York college professor, is forced to put his plans to marry and move away from his aging parents on hold when his mother dies. Never able to please his irascible father, Tom (Melvyn Douglas), he’s now forced to contend with him without his mother’s gentle intervention. His sister, Alice (Estelle Parsons), tells her brother he must assert himself and break free from their father, but Gene is torn by his sense of obligation.
TV rip de rentboy

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28 marzo 2011

Alfred L. Werker - He Walked by Night (1948)

Inglés/English | Subs: Castellano/Français/English
79 min | XviD 608x448 | 1113 kb/s | 120 kb/s mp3 | 23.97 fps
700 MB + 3% recuperación/recovery
 El demonio de la noche/Orden: Caza sin cuartel
En pleno apogeo del testimonial americano (a mitad de camino entre el neo-realismo italiano y el policial urbano de concepción dura), y cuando los estudios chicos trataban de morder tajada de la popularidad del film-noir, surge este film con pretención documental y sabrosos matices psicológicos. En el comienzo una voz en off (Reed Hadley) nos muestra a un oficial de policía (John McGuire) que, de regreso a su hogar luego de cumplir su horario, es asesinado a sangre fría por un merodeador (Richard Basehart). A partir de este momento la película invierte todo el tiempo posible en describir los métodos llevados a cabo por la policía (bajo directivas del Capitán interpretado por Roy Roberts) para rastrear pistas y evidencias que puedan llevar a conocer la identidad del criminal. Para dar a entender que el trabajo policial no es el dinámico y entretenido juego de deducción y persecución usualmente mostrado en las películas, se nos muestran incontables pericias, interrogatorios de sospechosos, retratos hablados, pesquisas entre reos y pedido de informes de otras reparticiones. Como resultado, poco a poco se va reconstruyendo el rostro y la ocupación del protagonista, el cual, a pesar del horrendo crimen, se nos muestra como un tipo tranquilo, que vive con un perrito, se dedica con brillantez a la electrónica y vende sus invenciones a un fabricante (Whit Bissell). Por supuesto, cada vez que necesita dinero no puede evitar asaltar licorerías o acechar a quienes pueden llegar a identificarlo. El ritmo narrativo, carente de matices, se agiliza en el tramo final, dando lugar a una climática persecución en el interior de las cloacas de Los Angeles. La película, dirigida por Alfred Werker, tiene algunas virtudes que tal vez sean responsabilidad del joven Anthony Mann, que dirigió (sin acreditar) un número no especificado de escenas. Ciertamente hay algunos momentos con una cortina musical que es la misma que un gran título de Mann, RAW DEAL (Pasiones de Fuego-1948), estrenada cinco meses antes por el mismo estudio (Eagle-Lion) y con idéntico compositor (Irving Friedman). Así y todo, el resultado es una fascinante combinación de varios estilos, corrientes y vetas cinematográficas. (Cinefania)

Based on a true story, He Walked By Night (1948) transcends its B-movie origins through a combination of crime-fighting realism and starkly stylish film noir visuals. Directed by Alfred L. Werker and an uncredited Anthony Mann for Poverty Row studio Eagle-Lion, the documentary-style voiceover narration and emphasis on Los Angeles police procedure, especially by Jack Webb's evidence expert, tautly builds suspense from the real-life (and then-newfangled) tools of police investigation, rather than from excessive heroics or emotionality. Cinematographer John Alton's deep focus shots, chiaroscuro nocturnal lighting, and oblique camera angles match the inner menace of Richard Basehart's intelligent and unbalanced cop killer, and they help orchestrate a climactic chase that rivals the sewer sequence in The Third Man (1949). Part of a wave of 1940s semi-documentary crime movies that included progenitor The House on 92nd Street (1945), Kiss of Death (1947), and Elia Kazan's Boomerang! (1947), He Walked By Night inspired Webb to create his "just the facts, ma'am" Dragnet series on radio and TV.

Il marche dans la nuit
Morgan, un jeune homme solitaire expert en électroniquen, est surpris alors qu'il cambriole un magasin. Il est contraint de tuer un policier pour s'échapper. Un portrait robot est diffusé pour arrêter le coupable. La Police retrouve sa trace : une traque nocturne s'organise dans les rues de la ville. Morgan parvient à déjouer la Police grâce à ses talents d'électronicien et s'enfuit à travers les égoûts...


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25 marzo 2011

Joseph L. Mankiewicz - 5 Fingers (1952)

Inglés/English | Subs: Castellano/Français/Portugués/English
104 min | XviD 688x512 | 1603 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
1,30 GB + 3% recuperación/recovery
Operación Cicerón
Turquía permanece oficialmente neutral durante la Segunda Guerra Mundial, pero en realidad sirve como punto de encuentro para los espías de todas las potencias en conflicto que buscan una oportunidad para intercambiar secretos militares. Alemanes e ingleses son dos fuerzas esenciales en la zona, y entre ambas va a desarrollarse un caso de espionaje que estuvo a punto de cambiar el curso de la guerra, otorgando una ventaja importante a las potencias del Eje Berlín-Roma-Tokio. Diello (James Mason) un ambicioso personaje que ejerce como secretario y asistente del embajador inglés, ha tramado un arriesgado plan para venderle los secretos británicos a los nazis y huir posteriormente a Sudamérica...

DVD rip mío

Based on a true story, 5 Fingers stars James Mason as a man known to his superiors only as Cicero. Ostensibly the valet of the British ambassador to Ankara during World War II, Cicero is actually a Nazi agent. He holds no particular political viewpoint: the Nazis offered the best price, so for the time being he is loyal to them. Falling in love with the beautiful Danielle Darrieux, Cicero uses her home as a contact point to meet his German associates. At great personal risk, Cicero secures secret British war files and smuggles them to the Germans; they find the information in the files too far-fetched to be taken seriously--and thus are caught unawares on the morning of the D-Day invasion...

L'Affaire Cicéron
Ankara,1944, le valet de chambre de l'ambassadeur du Royaume-Uni propose à l'attaché d'ambassade d'Allemagne de lui vendre des photographies de documents britanniques classés top-secret. Dubitatifs, les Allemands acceptent, tout en craignant un piège. Ils donnent au domestique le nom de code Cicéron. La première livraison annonçant les lieux et dates de bombardements se révèle authentique. Le marché se poursuit. Ayant besoin d'une façade pour masquer ses discrets rendez-vous, le valet paie une comtesse ruinée et la charge d'organiser des soirées mondaines où la diplomatie allemande pourra officiellement se rendre. Les Britanniques s'aperçoivent qu'il y a une fuite dans leurs services et envoient un agent du contre-espionnage...


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Joseph L. Mankiewicz en Arsenevich

24 marzo 2011

George Stevens - A Place in the Sun (1951)

Inglès/English | Subs:Castellano/Français/English
117 min | XviD 592x448 | 1221 kb/s | 448 kb/s AC3 | 25 fps
1,36 GB + 3% de recuperación rar
Adaptación de "Una tragedia americana", la famosa novela de Dreiser. George Eastman (Montgomery Clift), un joven humilde y sin dinero, consigue un trabajo gracias a la influencia de un lejano tío suyo, el rico industrial Charles Eastman (Herbert Heyes). A pesar de su parentesco, Eastman asigna George un modesto trabajo en su fábrica y no le deja entrar en su círculo social. A pesar de ello, el joven conoce a Ángela Vickens (Elizabeth Taylor), una bellísima aristócrata de la que se enamora. Pero George tiene novia, una humilde empleada de la fábrica, razón por la cual tendrá que afrontar un espinoso dilema moral. En los años difíciles del maccarthysmo obtuvo George Stevens uno de los mayores éxitos de su carrera con Un lugar en el sol (1951), un filme que se vería coronado con seis Oscars: a la dirección, al guión, a la fotografía, al montaje, a la música y al vestuario. Se basó en la célebre novela social de Theodore Dreiser Una tragedia americana, publicada en 1925 y basada en el caso auténtico del asesinato en 1906 de Grace Brown por su arribista amante, texto que ya había tentado a S. M. Eisenstein en su breve e infructuosa incursión en Hollywood. Pero cuando los gerifaltes de la Paramount le preguntaron si su protagonista era culpable del asesinato de la chica, el director soviético respondió que la culpa era de la sociedad y de los valores del sistema capitalista que le habían empujado al crimen. Aquí se acabó el diálogo con el director bolchevique y el proyecto fue traspasado a Josef von Sternberg, quien lo rodó en 1931 con Philips Holmes y Sylvia Sydney, respetando el título original de la obra, An American Tragedy.En su versión Stevens cambió el nombre del protagonista y el título original del libro, transformándolo en Un lugar en el sol, en coherencia con el diferente tratamiento que dio al asunto original, pues convirtió el drama social en un film romántico, en el que el amor (sentimiento legítimo) y la ambición social (valor legítimo en la sociedad norteamericana) ofrecían las claves de la conducta del protagonista. Así, el humilde George Eastman (Montgomery Clift), sobrino de un gran fabricante de bañadores femeninos, pasa de ser el novio de Alice, una obrera de la empresa y a la que ha dejado embarazada (Shelley Winters), a ser seducido por Angela Vickers, una hermosa muchacha de la alta sociedad (Elizabeth Taylor). La dificultad para conseguir un aborto y las presiones de Alice sobre George para que se casen deterioran su relación. La fastidiosa doble vida del protagonista, que frena sus aspiraciones amorosas y su salto de clase, desemboca en un paseo en barca en un lago, en el curso del cual vuelca la embarcación y Alice muere ahogada. Como Stevens escamotea el episodio con una oportuna elipsis, la muerte de Alice abre un abanico de hipótesis acerca de la culpabilidad de George.El hermoso tratamiento fotográfico en claroscuro de buena parte del filme refleja a la perfección el atribulado mundo interior de George. “Esto es demasiado bonito”, dice tras conocer a Angela. Antes de esta escena, otro claroscuro, esta vez impuesto por la censura, hace que el dial encendido y la música de un aparato de radio nos sugieran el coito en noche lluviosa que provocará el embarazo de Alice. Hay algo dostoiewskiano en el claroscuro de la conciencia de George tras ser deslumbrada por la radiación erótica de Angela. Y Stevens, en efecto, reconduce el drama social de Dreiser a una cuestión ética, a un problema de conciencia. Un abogado intenta convencer al jurado de que aunque George acarició el proyecto de asesinar a Alice, no fue su asesino, ya que su muerte fue fruto del accidente acuático. Declarado culpable de asesinato premeditado, George confesará en la cárcel a su madre y a un cura: “No sé si soy culpable de esto o no. Y me gustaría saberlo”. Y en su conducción por el corredor de la muerte el espectador tendrá el consuelo final de la sobreimpresión mágica de un beso de Angela, con el mejor glamour hollywoodiense.Un lugar en el sol ofreció la temperatura del star-system de la época, con un atormentado Montgomery Clift, según el canon del Actor’s Studio y en su quinta película, transfigurado por una jovencísima y deslumbrante Elizabeth Taylor, de quienes se dice que el estudio alentó su romance durante el rodaje, en beneficio del resultado final. Ambos consolidaron así su lugar en el sol de la fama hollywoodiense, mientras Shelley Winters daba un giro espectacular a su carrera, abandonando su anterior perfil frívolo. Y es reseñable que dos víctimas de la caza de brujas maccarthysta colaboraron en este filme: el guionista Michael Wilson y la actriz Anne Revere, en el papel de madre del protagonista, sin alcanzar en cambio su debido lugar en el sol. (Texto de Román Gubern, tomado de El Cultural)
George Stevens won an Oscar for his 1951 adaptation of Theodore Dreiser's novel An American Tragedy, though the film seems a little overwrought today and even self-parodying at times. Still, Montgomery Clift's performance as a poor lad so drawn to a rich, beautiful girl (Elizabeth Taylor) that he contemplates killing his lower-class fiancée (Shelley Winters) is powerful, sympathetic, and mesmerizing. Taylor makes a strong impression, but Winters is awfully good in the less-glamorous role. The tone of the film is oppressive--the film doesn't exactly breathe with possibility--but there are lots of good reasons to give this movie a visit. --Tom Keogh
"Creo ser bella a mi manera, porque quiero ser lo que soy." Elizabeth Taylor
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Elizabeth Taylor en Arsenevich
In Memoriam
(27 de febrero de 1932 - 23 de marzo de 2011 )

22 marzo 2011

Sacha Guitry - Le Roman d'un Tricheur (1936)

Francès/French | Subs:Castellano/English
78 min | Divx 529x392 | 1138 kb/s | 124 kb/s mp3 | 25 fps
700 MB + 3% de recuperación rar
Comedia sobre las memorias de un caradura obligado a serlo por el destino. Su manera de ganarse la vida, los hoteles, las mujeres que se cruzan en su camino, siempre para torcérselo...Actor, poeta, ensayista, libretista de ópera, autor de más de 120 obras de teatro y realizador de 25 películas, no es fácil separar su condición de argumentista de la de intérprete, guionista y aún director de actuación. Su vida entera fue pura representación.
Sacha Guitry (1885-1957) alardeaba de su escepticismo elegante, de su mímica, de su voz amaestradamente modulada, de su ingenio volteriano y su indiferencia ante los problemas trascendentales. Publicó una veintena de libros de poesía. Representó más de 150 papeles en la escena y actuó en 40 películas.Pero, por encima de todo, cultivó amorosamente la egolatría, de que era símbolo su famoso moi. Tan célebre o más como su afán de originalidad y de coleccionar excentricidades. Sin olvidar que fue hastacolaboracionista en los años de la guerra, aunque este pecado se lo perdonó pronto el noble pueblo francés.
Si bien muchas de sus películas son vulgares y en ellas abunda lo mismo la pirueta y el cinismo que la mediocridad y el convencionalismo profesionales, hay que aceptar que el conjunto de su obra ha tenido unaindudable influencia en el cine galo.Guitry amaba el detalle, la alusión, la pequeña historia, la anécdota y el toque irónico. Lástima que la supervaloración de la frase, la casi inmovilidad de la cámara y un evidente descuido en la forma echarantodo por la borda.
“Sacha”, como le decían cariñosamente los parisienses, había nacido en Rusia y era hijo del famoso histrión Lucien Guitry, primer actor de la no menos famosa compañía de Sara Bernhardt. Y estuvo casado con trespopulares actrices de la época: Gaby Morlay, Yvonne Printemps y Jacqueline Delubac.
A los 14 años ya era actor. Y a los 17 escribió su primera pieza teatral. Su más sonado éxito en las tablas, como autor e intérprete, lo alcanzó con Debureau, comedia escrita en 1918 y repuesta más adelante en1926 y 1950.Por el cine se interesó pronto. En 1915 hizo un documental en el que incluyó a un grupo de figuras destacadas de la cultura, como los pintores Degas y Monet, el dramaturgo Rostand, el músico Saint-Saens y el escultor Rodin. Comienzo al que seguiría un paréntisis de casi 20 años, cuando decidió llevar a la pantalla sus propias obras teatrales.
Al igual que Marcel Pagnol, nuestro hombre sigue también la tendencia teatral. Y como aquél, es partidiario del “teatro en conserva”. Pero, paradójicamente, su vivo ingenio nos compensa a veces de las continuas transgresiones a una posible estética fílmica.
Es cierto que este gran teatristas se muestra insensible a todo lo que no sea escena y candileja. Eso está claro. El fenómeno consiste en que un raro sentido le hace llegar al cine por vías inesperadas.De esta manera, rueda La novela de un tramposo, en la que incluye un comentario verbal que presenta, guía y explica la acción y los personajes. Cosa que la convierte en cinta pionera en la disociación sistemáticadel sonido y la imagen.
También hace Las perlas de la corona, obra dividida en pequeños sainetes con un comentario lleno de exquisita gracia y afinada puntería para dar en el blanco de la ironía.
Y algunas otras, donde se nota cómo, por amor al teatro, llega incluso a óptimos resultados cinematográficos. Y todo aquello que ha servido para pulir antes que él, el lenguaje del cine, se espiritualiza al pasar por sus manos, finas y elegantes como las de un Van Dyck.
Después de la Liberación, llegan malos tiempos. Guitry es detenido y debe rendir cuentas ante los tribunales galos sobre su trayectoria durante la ocupación alemana. Se le exonera pero no queda satisfecho. Y entonces decide rodar, para justificar su proceder, El diablo cojuelo,retrato magnífico de Talleyrand, el político y diplomático francés que durante su vida sirvió a todos los regímenes y fue un maestro en el doble juego.
Nunca ocultó que sentía una profunda simpatía por este hombre. Lo prueba, primero, el hecho de que, más adelante, lo volvió a encarnar en la pantalla en dos oportunidades. Y después, porque en una entrevista que se le hizo poco antes de morir y le preguntaron qué personalidad le resultaba más fascinante en la historia de Francia, dijo: “Talleyrand. Nadie como él. Fue el que mejor comprendió los problemas a los que se enfrentó”.Pasada la tormenta que debió encarar, la estrella de Guitry volvió a brillar. Se convierte en el cineasta oficial de la IV República y realiza una trilogía que le da gran renombre internacional: Si Versalleshablara, Napoleón y Si París nos contara, sin duda sus triunfos más sólidos, que sus críticos más severos, como Georges Sadoul, tildan de “desfiles seudohistóricos de gran espectáculo”.
Su despedida del cine fue La pareja de tres, una amable broma, en la que se derrocha agudeza y ligera ironía. En los créditos aparece como realizada por él, pero en realidad casi toda la dirigió Clement Duhour,productor de sus últimas películas, cuando empeoró la salud del cineasta. (Texto de Rodolfo Santovenia, tomado de Akerunoticias)
"La novela de un tramposo", primera película de ficción plenamente asumida por Sacha Guitry, es considerada una de las 100 películas más importantes en la historia del Cine. Innovador, Sacha Guitry fue el inventor de la "voz en off" que es el sistema para ver una escena con el comentario de un actor que no aparece en pantalla. La película, que ahora se considera emblemática en la historia del mundo del cine, tuvo bastantes contradictorios comentarios cuando fue presentada el 19 de septiembre de 1936: "esta película es un poco larga, más propia del cine mudo, pero sus resultados técnicos son espléndidos". No fue hasta más tarde cuando la película se reconoce plenamente en su verdadero valor, y es considerada una obra maestra por Orson Welles y Francois Truffaut, y acogida y admirada por los cineastas de la Nouvelle Vague. La película es una adaptación de una libro de Sacha Guitry, Memorias de un tramposo, representada con posterioridad en el teatro con el mismo título por Francis Huster. Maravillosa.
The story of the cheat begins and ends with personal misfortune. When he was a young boy, our hero was caught stealing money from the family shop. As a punishment, he was not allowed to join his family on their picnic. They ate mushrooms and died of food poisoning, he survived and was placed in the care of his unscrupulous aunt and uncle, who intended to rob him of his inheritance. Years later, our hero ends up as a croupier in a casino at Morocco. There, he is about to embark at what looks like being a very lucrative career – as a professional cheat. (FilmsdeFrance)"Si la gran originalidad de "La novela de un tramposo" consiste en ser el único film de ficción de la historia del cine que haya sido comentado por una voz en off en un 90%, su inmenso mérito consiste en hacer olvidar esta particularidad, a tal punto que los espectadores que fueron interrogados a la salida de la sala creían haber visto una película actuada y hablada directamente." François Truffaut
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21 marzo 2011

Robert Hossein - La Mort d'un Tueur (1964)

Francés/French | Subs: Castellano/English
TV rip | 76 min | XviD 640x400 | 1539 kb/s | 117 kb/s mp3 | 25 fps
900 MB + 3% recuperación/recovery
 La muerte de un asesino
Massa sale de la cárcel y está seguro de que Luciano, un viejo amigo, es responsable de su encarcelamiento. Massa procede a vigilar a Luciano, quien ha estado viviendo con María, la querida hermana de Massa. Al sentirse doblemente traicionado, Massa está decidido a vengarse de Luciano ...
 Death of a Killer
When Massa is released from prison, he's sure that Luciano, an old friend, is responsible for his incarceration. Massa proceeds to keep watch on Luciano, who has been living with Massa's beloved sister Maria. Feeling doubly betrayed because of his unhealthy adoration for Maria, Massa is determined to get back at Luciano...
English subtitles by Nocturne & Michel 23 (KG) 
 Massa, un repris de justice qui vient de purger cinq ans de prison, découvre à sa sortie, sa sœur Maria, en ménage avec celui qu'il croit responsable de son incarcération...


TV rip y capturas de scarabus (KG)

Subtítulos en  castellano de hammett (Noirestyle)


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20 marzo 2011

Jean Renoir - Madame Bovary (1933)

Francès | Subs:Castellano/English
98 min | Xvid 576x432 | 1020 kb/s | 128 kb/s mp3 | 29,97 fps
840 MB + 3% de recuperación rar
Adaptación de la novela de Gustave Flaubert. Emma Rouault, una joven chica rural, se casa con un doctor recientemente enviudado, Charles Bovary, pero su amor por él no perdura. Mientras que Bovary es feliz siendo un ordinario doctor de provinciano, Emma ansía llegar más alto. Cuando su marido fracasa en una operación de pie, ella pierde todo el respeto que le tenía y tiene una aventura con un rico galante...
Tal es la fuerza de lo socialmente aceptado, lo que se espera de la persona en su relación con los demás, y la de lo inaceptado, y que por tanto debe buscar otros cauces de expresión, que de su encuentro – casual o maquinado -- nacen monstruos. El sueño de la razón los engendra y el artista los revela, trátese de Goya, de Dr. Jekyll y Mr. Hyde o de Madame Bovary.
Diseñada por Flaubert con el rigor que solemos atribuir a ingenieros o científicos, la magia de esta novela no es fruto de la inspiración y tampoco sólo fruto de la observación: tras esbozar el argumento de principio a fin (basado en una noticia de la época, que se publicó en algún periódico francés), su autor se dedicó a construir cada escena de cada capítulo paso a paso, trabajándolas diálogo a diálogo y línea a línea, hasta que cada mínima pieza ajustase perfectamente en el ensamblado total. Casi es el método con que se trabaja la escritura de guiones de cine en los talleres actuales.
Flaubert fue llevado a juicio, acusado de haber escrito una novela pornográfica en 1857, un año después de su publicación en Francia. Casi 150 años después, nuestros códigos de permisibilidad lectora han cambiado tanto, se han vuelto tan flexibles que resulta interesante también releerla a la luz de ese juicio u opinión social (por fin Flaubert y Madame Bovary resultaron absueltos, y la novela pudo seguir distribuyéndose). (...)
La película dirigida por Jean Renoir en 1933, Madame Bovary, ilumina algunos aspectos de la novela y recata otros (...)
Lo que tal vez mejor resalte en la obra de Renoir es el esplendor de la ensoñación romántica, reflejada por ejemplo en la escena del gran baile en la mansión de los aristócratas.
Allí Emma danzará el vals con su futuro amante Rudolf, el aristócrata, de quien queda prendada por la grandiosidad de sus gestos: ambos se pierden en el vértigo de la danza, y al sentir ella un ligero vahído (tan del gusto de la época), Rudolf, como dueño de la casa, ordena a los criados que rompan las ventanas, y así van haciéndolas trizas con los asientos, para que entre un poco de aire fresco nocturno y aliviar a la dama… Este gesto de derroche, imperdonable despilfarro, en la película y en la novela revelan lo que Emma pide de los otros, que la amen hasta el punto de pasar por alto las convenciones sociales de la medianía, que sin embargo son las suyas y las de la clase social donde le ha tocado existir. (Texto de Amparo Arróspide, tomado de Wakan)
El filme -dice Bazin- no es más que un entrelazado de relaciones, de alusiones, de correspondencias: un carrusel de temas en los que la realidad y la idea moral se corresponden, sin fallos de sentido ni de ritmo, de tonalidad o de melodía. Bazin exige una nueva moral por parte del espectador, apuesta a un cine impuro.Renoir adapta a Zola, a Maupassant, a Flaubert, pero lo hace a su modo, triturando los guiones. Sus versiones de Naná o Madame Bovary no respetan la letra y, apenas, el espíritu del original. Elige los intérpretes que le gustan, aquellos con los que se siente cómodo (Gabin, Simon, Dalio, Jouvet, Fresnay), sin preocuparse si el personaje les va bien. El y su gente son como un club, una banda que se lleva estupendamente, aunque luego la taquilla no responda. En sus películas se nota la fuerza, la amplitud, la variedad de registros, la generosidad creadora. Las transita un escepticismo sonriente, una ironía desprovista de amargura, a lo sumo el reconocimiento del destino oponiéndose a la felicidad. Hay en Renoir un deseo constante de diálogo entre conceptos irreconciliables: la naturaleza y la representación.Jean Renoir descubre el realismo en los filmes de Eric von Stroheim (no por casualidad lo incluiría luego, como actor, en La gran ilusión).
Toni, un título de su primera etapa, prefigura el neorrealismo. Rueda en escenarios naturales, desecha toda forma de psicologismo. Para él, la realidad es ante todo social y ética. Un moralista, en suma, que no se aparta del hombre y sus problemas. Los filmes de Renoir -insiste Bazin- están hechos con la piel de las cosas. Cada uno de sus filmes está proponiendo una moral de la sensualidad. Su puesta en escena es como una caricia, en cualquier caso, como una mirada. Al más francés de los directores franceses le importa menos la verosimilitud que el respeto a una cierta lógica dramática. No sacrifica el árbol al bosque. Se detecta en su filmografía la desaparición casi total del montaje y una forma de expresión depurada de cualquier simbolismo. Los personajes de obras capitales como La gran ilusión, La regla del juego o Los bajos fondos, se unen, más allá de las clases sociales, por lo que Bazin denomina una aristocracia de los sentimientos, de la sensibilidad. No existen más jerarquías que las del talento y el corazón. (Jorge Carnevale, Textos de Bazin sobre Renoir)
Dans la campagne normande en 1839, Emma épouse Charles Bovary, un médecin. Elle pense ainsi satisfaire son besoin d'évasion et de romantisme. Très vite, elle s'ennuie auprès de son mari étriqué et accumule les dettes et les amants. Elle tombe amoureuse de Rodolphe, un jeune aristocrate qui l'abandonne froidement. De désespoir, Emma se suicidera. D'après le roman de Gustave Flaubert. "Un francés que vive en Francia, que bebe vino tinto y come queso de Brie entre los grises paisajes parisinos, no puede hacer ninguna obra de calidad más que apoyándose en las tradiciones de las gentes que viven como él. Empecé a darme cuenta de que el gesto de una lavandera, de una mujer que se peina frente a un espejo, de un vendedor ambulante delante de su carro, tenían a menudo un valor plástico incomparable." Jean Renoir
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-o-

19 marzo 2011

Michael Cacoyannis - Stella (1955)

1:30:38 Min | 536x404 | Xvid 1.233 kbps | 29.970 fps | Mp3 84 Kbps | 863 MB
Griego/Greek | Subtitles: English, Castellano.srt


Stella es una hermosa y alegre cantante de clubs nocturnos, quien rechaza uno a uno a sus amantes, hasta que se enamora de un famoso jugador de fútbol (pobre) pero lo deja en el altar, lo que desencadena una violenta tragedia.


The story of a rebellious young Bouzouki performer named Stella (Mercouri) who abhors marriage, defies the rules of conventional morality, and pays for a freedom denied her by the men who love her. She must must choose between two lifestyles when she finds herself hopelessly in love with a young football player who wishes her to settle down and abandon her reckless ways. Writer and director Cacoyannis' (A GIRL IN BLACK, A MATTER OF DIGNITY) second feature won the Golden Globe for Best Foreign Film in 1956. Based on the play by Iakovos Kabanellis.


It is my opinion that this film is the best film ever created in Greece. This a story of Greek female singer who is full of passion and despises any social or moral "must". She is living her life like nobody else. Until our anti-hero Stella meets her destiny in the face of Miltos, a man who will try anything in order to make her his. Of course, a passion can have only one tragic end. The direction of Michalis Cacoyiannis is superb. The stars Melina Mercouri, Giorgos Fountas and Alekos Alexandrakis are some of the best actors that the Greek cinema and theathre has created. Also the music is made by an Oscar winner composer, named Manos Hadjidakis, and it reflects all the emotions that the actors have. If you can not understand what Mediterranean passion means, see this film, and you will. SUPERB!!! (IMDB)


Subtítulos en castellano, cortesía de Nexeladmon

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17 marzo 2011

Luchino Visconti - La Terra Trema (1948)

Italiano I Subs:Castellano
153 min I Xvid 576x432 I 1149 kb/s I 120 kb/s mp3 I 25 fps
1,36 GB
Un joven pescador de Aci Trezza, 'Ntoni Velastro, trabaja en exclusiva para unos mayoristas que abusan descaradamente de él y de sus compañeros. Harto de tanta injusticia, 'Ntoni se rebela junto a otros pescadores, con los cuales es arrestado por haber provocado desórdenes.El asunto de La tena trema no debe nada a la guerra. Se trata de una tentativa de rebelión de los pescadores de un pueblecito siciliano contra el yugo económico del armador local. (..)). Áunque en La terra tremci (film comunista) se considere al pueblo entero, es a través de una familia, desde el abuelo hasta los nietos, como se nos cuenta la aventura. (..) Visconti no ha querido, tampoco, recurrir a la interpretación profesional; ni siquiera a la «amalgama» de Rossellini. Sus pescadores son verdaderos pescadores contratados en el lugar mismo de la acción. Visconti ha buscado —y obtenido incontestablemente— una síntesis paradójica de realismo y esteticismo. (..)..., no ha recurrido en absoluto a los efectos obtenidos por la sucesión de imágenes. Cada una de ellas encierra su sentido y lo expresa por completo. También por eso, La terra trema sólo puede relacionarse de manera muy parcial con el cine soviético de los años 1925 a 1930 en el que el montaje era esencial. Hay que añadir que no es gracias al simbolismo de la imagen como descubrimos el sentido: ese simbolismo al que Eisenstein (y Rouquier) han recurrido constantemente. La estética de la imagen es siempre rigurosamente plástica; evita toda trasposición épica. La flotilla de barcas que sale del puerto puede ser de una belleza arrebatadora, pero no deja de ser sin embargo la flotilla de un pueblo; y no, como en El acorazado Potemkin, el entusiasmo y la adhesión de la población de Odesa que enviaba sus barcos de pesca para llevar provisiones a los rebeldes. Pero, se dirá quizá, ¿dónde puede refugiarse el arte después de unos postulados tan ascéticamente realistas? En todas partes. Primeramente, en la calidad fotográfica. Nuestro compatriota O. R. Aldo que no había hecho antes nada de importancia y no era apenas conocido más que como simple fotógrafo, ha conseguido un estilo de imagen profundamente original y de la que no encuentro apenas otro equivalente que los cortometrajes suecos de Ame Sucksdorf. (..) Las imágenes de La terra trema encierran paradójicamente la habilidad suficiente par integrar el realismo documental de Farrebique con el realismo estético de Citizen Kane no de manera absoluta, la profundidad de campo ha sido utilizada aquí al menos por vez primera fuera del estudio de una manera consciente y sistemática, en exteriores a cielo abierto, bajo la lluvia e incluso en plena noche, así como en interiores, en los decorados reales de las casas de los pescadores. No hace falta insistir sobre la proeza técnica que esto representa, pero quisiera subrayar que la profundidad de campo ha llevado a Visconti de una manera natural (como a Welles) no solamente a renunciar al montaje, sino —tal como suena— a reinventar la planificación. Sus «planos», si se puede todavía hablar de planos, son de una longitud desmesurada, con frecuencia de tres o cuatro minutos; y en ellos se desarrollan varias acciones a la vez con la mayor naturalidad. Visconti parece también haber querido construir la imagen sobre el acontecimiento de manera sistemática. ¿Hay un pescador que lía un cigarrillo? Ninguna elipsis nos será concedida, tendremos que ver toda la operación. No será reducida a su significación dramática o simbólica, como hace el montaje ordinariamente. Los planos son a menudo fijos, dejando a los hombres y a las cosas entrar en el cuadro y situarse; pero Visconti practica también una panorámica muy particular, desplazándose lentamente sobre un amplio sector. Es el único movimiento de cámara que se permite, excluyendo por tanto todo travelling y, por supuesto, todo ángulo anormal. La increíble sobriedad de esta planificación sólo se soporta gracias al extraordinario equilibrio plástico del que sólo la reproducción fotográfica podría dar aquí la idea. Pero es que también más allá de la pura composición móvil de la imagen, los realizadores testimonian un íntimo dominio de su profesión. En los interiores, sobre todo, que hasta el presente parecían escapar a las posibilidades del cine. Quiero decir que las exigencias de la iluminación y de la toma de vistas hacían casi imposible la utilización de interiores naturales. Se ha hecho a veces, pero, en general, con un rendimiento estético muy inferior al que podía obtenerse en exteriores. Por vez primera, todo un film (su estilo de planificación, su interpretación y la calidad de la fotografía) resulta homogéneo intra y extra muros. Visconti ha estado a la altura de la novedad de este descubrimiento. A pesar de la pobreza, o incluso a causa de la banalidad de ese hogar de pescadores, surge de él una extraordinaria poesía, a la vez íntima y social. Pero lo que merece quizá una mayor admiración es la maestría con la que Visconti ha dirigido a sus intérpretes. No es ciertamente la primera vez que el cine utiliza actores no profesionales, pero nunca hasta ahora, quizá con la excepción de los films exóticos donde el problema reviste características peculiares, habían sido tan perfectamente integrados con los elementos más estéticos del film. (..). Aquí, el actor ha de permanecer a veces en el campo de la cámara durante varios minutos y habla, se mueve y obra con una naturalidad, más aún, con una gracia inimaginable. Visconti viene del teatro; y ha debido comunicar a sus intérpretes, más allá de la naturalidad, la estilización del gesto que es la culminación del oficio de actor. Uno se queda perplejo. Si los jurados de festivales no fueran lo que son, el premio a la mejor interpretación en Venecia debería haberse adjudicado, anónimamente, a los pescadores de La Terra trema.Estamos viendo cómo con Visconti el neorrealismo italiano de 1946 queda, en más de un aspecto, superado. (..) . Visconti tiene el mérito de integrar dialécticamente las adquisiciones del cine italiano reciente a una estética más amplia, más elaborada, donde incluso el término de realismo no tiene gran sentido. La terra Tema es la única abertura estética original, cargada, por tanto, hipotéticamente, de esperanza. (André Bazin, ¿Qué es el cine?)
Aci Trezza, porticciolo vicino ad Acireale. La famiglia Valastro vive poveramente di pesca, attività controllata da grossisti senza scrupoli. Il figlio maggiore dei Valastro, 'Ntoni, protesta contro i loro abusi, ma la sua è una rivolta che rimane solitaria.
In seguito ad una rissa iniziata con Lorenzo, grossista profittatore e spaccone, 'Ntoni è rinchiuso in prigione e quando, pagato il rilascio, ne esce, decide di mettersi in proprio con la sua famiglia. All'inizio gli affari vanno bene ma una tempesta distrugge la loro barca, i debiti aumentano, le riserve di acciughe devono essere vendute a basso costo e la famiglia si disgrega.
"Decir algo personal no es fácil. Hay que meditar sobre lo que se dice y trabajar mucho." Luchino Visconti
Nuevos enlaces, gracias a Ana

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Luchino Visconti en Arsenevich
Ludwig
Senso
Bellissima
Le Notti Bianche
Vaghe stelle dell'Orsa...
Lo Straniero
L'innocente
Il gattopardo