26 febrero 2011

Tadeusz Chmielewski - Ewa chce spac (1958)

1:34:42 Min | Xvid 1.518 kbps | 640x464 | 25 fps | Ac3 448 Kbps.| 1.31 GB
Polaco/Polish | Subtitles: Castellano, English, French, German and Polish .srt


Ewa Bonecka, estudiante, llega la víspera del comienzo del año escolar por la tarde a una pequeña ciudad. Trata de hallar alojamiento, pero no hay habitaciones libres. Se ve, por tanto, obligada a pasar toda la noche en la calle, una calle plagada de criminales, prostitutas donde también aparecen policias bondadosos… Hay peligro por todos los sitios, pero ella, una chica formal e ingenua, ni se entera…
A film made in a style of street ballad is a directing debut by Tadeusz Chmielewski. It is also the first film for Barbara Kwiatkowska, then a seventeen year old winner of the contest which attracted thousands of girls from Poland. The film depicts the adventures of an innocent farm girl who comes to the city a day before the new school year starts. A janitor does not let her in the dormitory and Eve is left without overnight accommodation. She meets a friendly policeman and then becomes involved in surreal events, involving unusual figures such as: policemen, thieves and prostitutes.


An essay by Mariola Dopartowa
Eva Wants to Sleep - A socialist gingerbread house

On 9 March 1958, after the premiere of this debut movie of Tadeusz Chmielewski, the critic Aleksander Jackiewwicz announced in "Trybuna Ludo" that true Polish comedy had been born. The movie marked the beginning of a distinct movement of surrealistic comedies in post-October cinematography, and gained the status of the movement's best film. Eve Wants to Sleep was considered a metaphor for a world awakening after the Stalinist night and advancing under the bright prospect of Gomulka's thaw. It may even be that it was the phrase "Stalinist night" that convinced cinematography authorities to finance this strange and unusual idea for a movie - as strange as the city (the city in the movie is called "strange") in which the equally strange plot is set.

Eva Wants to Sleep was in fact the result of a significant transformation in cinematography that took place in the socialist bloc under the influence of the cultural politics of the USSR. The first distinctive signs of reversing this influence in Polish culture, called Gomulka's thaw, had appeared at the beginning of 1957, closely related to the fate of the suppressed Hungarian uprising. Wladyslaw Gomulka had tried to intervene, at first as an ambiguous mediator between the Hungarians and the Soviet command, but finally withdrew in terror not only from the Hungarian issue but even from the watered-down promises he had given Polish society based on the developments. By the beginning of 1958, the political thaw was over. Thus, the movies and other artistic works created during that period cannot be interpreted as taking into account only Gomulka's thaw; the interaction of events was very complex.

The dialogues of Eva Wants to Sleep were written by Jeremi Przybora. It was a completely new phenomenon, paralleling the expansion of cabarets at the time. The classic Old Gentlemen Cabaret or the comedy Heat (Upal) directed by Kazimierz Kutz with the participation of Cabaret members constituted a separate and unique event in Polish culture, which luckily cannot be classified into any scheme. The enormously talented Przybora (and his Cabaret partner, Jerzy Wasowski) exploited the best 20th century traditions of slightly surrealistic humour. Przybora, with grace, lightness and sophistication used language that did not have to "demask", "stigmatise", or be "for" or "against". The normality, correctness and elegance of his language were values in themselves and gave it its surrealistic features. In comparison, the degraded language forms used in Polish People's Republic were exposed; it was very easy to spot what kindled a good mood, optimism, and hope for the better future, while at the same time not conforming to any propaganda or ideology.

The screenplay of the movie (the dialogues in particular) was living evidence of the authentic possibilities of a cinematography absorbed in the culture of its time. It created new artistic values, and did not construct them from different, randomly connected ideological elements. It was to some extent influence by the black series documentaries, a series of Polish films regarded as one of the main determinants of Gomulka's thaw. Its first portent appeared in 1955 as Look Out, Hooligans! by Edward Skorzewski and Jerzy Hoffman. These kinds of movies, which also included those of Kazimierz Karabasz, showed a new picture of Polish reality. It remains disputable whether that picture was true, or merely contrary to socrealism; undoubtedly, it was different than images of youths in uniform, zealously building a whole new political system, united with the Party and their brothers from the East Bloc and the whole world in communistic faith. The fact that movies treated social pathologies in the mid-1950s was simple consequence on the Stalinist uniformisation of life, which forbade different of socialistic views. These films warned that by destroying all remains of Stalinism, the chances of self-realisation of young people could not be liquidated; thus it postulated the need to establish a new organisation that could wrench young people away from mindless pleasures and drinking. It is hard not to notice the ideological ambiguity.

The film is a seriocomedy about a naive farm girl who arrives late at night in a medium-sized city to find she is too early to take up residence in the school dormitory. For the whole night she is homeless, a tramp wandering the city. Like a child, Eva assumes that the world is good and people are simple-hearted. The assembly of people she meets presents a panorama of the social problems discreetly hidden in surrealistic tissue. At night thieves and prostitutes take over the streets, unrecognized by the innocent teenager. She interacts with owners of suspicious bars, watches lovers wander in the park, observes night watchmen and policemen going about their routines. The idealisation of the militia (here called the police) is particularly intriguing as it is close to Stalinist images, although here achieved by application of new means: lyrical and full of subtle humour. The picture of reality is completely de-realised, functioning outside time and history.

Even if viewers do not identify with the childish Eva, they may recognise in her disorientation their own sense of loss. In this world people and things are not what they seem. The movies of the Polish Film School treated this problem seriously. But in Chmielewski's movie the sad trait of the totalitarian world is shown not as an existential second meaning, but as an element skillfully turning the action into a comedy of errors. Eva, confronted with such a world, is funny; so is the plot. But the problems that are experienced by the characters in the movie cannot be classified as such. So we can see that the character of a girl playing a Forrest Gump kind of role, through which the absurdities and eccentricity of our world, which usually escape our attention, can be better illustrated.

The way the police officers are portrayed is absurd; they are as childish and awkward as the bereft Eva, yet dead serious. Against this background, the criminal word is shown in the movie seems to be full of fantasies, alive and true. The scenes of a master thief educating young students on his art are among the funniest in the movie. Yet the lyrical policeman marks the beginning of a rich gallery of such characters in the works of the Wasowski-Przybora duo, and the viewer's amusement may be due only to the stark and terrible realisation of the contrast between his world and the fiction of the film. Playing hopscotch of blowing on a flute while arresting criminals can amuse the average viewer only when he conciously rejects the status of the naive (and sleepy) Eva. Viewers watched this movie at a time when the Stalinist prisons had not yet been completely emptied, but Chmielewski's goal was to introduce the healing balm of keeping distance by laughing, not by demasking obvious matters. In fact, it seems that Eva Wants to Sleep was one of the very few movies which totally befundled the censors. In this comedy the border between infantile police and conventional criminal had disappeared.

In the second half of the 1950's, Poland was still a devastated country where the poverty and lack of opportunity were drastically worsened by a stagnant economy and the aggressive politics of the Soviet Union. Moscow was focused on subverting national identity and retaining a cheap labour force toiling away in the workshops. In such an environment the criminal world flourished. As in every totalitarian system, the authorities used the criminal world they blackmailed for various purposes: from denouncing and intimidating, to controlled aggression towards citizens and groups, either chosen or random. For this work, the state needed to develop a monstrous security apparatus. The more endangered people felt, the more willingly they let themselves hide under the protective wings of the militia as a necessary evil - and perhaps very necessary. Party officials at all levels interacted with the criminal word under conditions similar to those in the camps, where officials and guards exploited the inmates. In the socialist camp of the East bloc countries, the truly rebellious, independent and "wild" criminals living in ruins, forests or other "romantic" places, belonged only in literary and cinema fantasies, like the candy and gingerbread hut concocted in Chmielewski's movie. But the viewer should bear in mind the significance of the gingerbread house in the tale of Hansel and Gretel.

The constant disguising of police as criminals and vice versa, a classic motif of film comedies, is a clear reference to the fading borders between the two elements in the Polish People's Republic as well. The laughing vanishes when we remember who, and for what purpose, were wearing the militia uniforms, what clothes state officers wore, and why. Years later, the same ambiguity would be exploited by Andrzej Rosiewicz in his funny song about militants in disguise after the so-called Bydgoszcz events.

During this time, the authorities were trying to educate the large group of militia officers, to rid them of coarseness and boorishness - that is, to enhance the public image of the wearers of the militia uniform. Few educational materials of the militia school from Gomulka's that period have been preserved, but they are true gems - and among the most expensive souvenirs of the times, as evidenced by auctions in the Internet. With surprise, we find training sessions using satirical drawings from foreign newspapers, absurd lectures on correct Polish language and good behaviour, and even pictures of a police station and an examination room - so recruits wouldn't somehow be misled. These materials differ little from the surrealisitic visions in the Chmielewski film. They showed the two faces of Janus in the People's Republic: in materials marked "confidential" we can find instructions on how to disperse crowds, how to invigilate and how to set traps for citizens. They are not funny at all.

The critics, while acclaiming the absurd humour of the movie, treated it according to the Gomulka that standards: they created the impression that the movie is allowing society to recover from the "Stalinist night" trauma. Yet the presence of the film team on the screen in Eva Wants to Sleep suggests the film may be a hidden satire of Gomulka's thaw itself. To this day, descriptions of this period, repeated practically verbatim from one study to another, praise the newly (but temporarily) converted and reformed Gomulka and describe an extremely naive and innocent society that has regained its student theatres, cabarets, jazz music, fashionable clothes and coloured socks.

The film convincingly displays the ubiquitous naivety and innocence symbolised by Barbara Kwiatkowska (Roman Polanski's first wife) playing a woman-child patronizing reality. Writers, thinkers, historians and cultural critics often stress that a basic element of totalitarian utopia is infantilisation - often seen as "pretending to be grown-up" - in which the attributes of maturity are seriousness, gloom, solemnity and sorrow. Eva is one of those comedies in which the characters are dead serious, and that seriousness is an additional catalyst. Later, Przybora and Wasowski would make this subtle somberness a trademark of their works. This should be kept in mind while watching the movie - just to make sure you remain on the right side of the screen and haven't gotten involved in the fiction of the film.


Dvdrip by Urszula

Subtítulos en castellano cortesía de Parangutín.

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25 febrero 2011

Curtis Bernhardt - Die Frau, nach der man sich sehnt (1929)

Muda/Silent | Intertítulos en alemán/Subs "hard" français
+ .srt en castellano/English/Ru
73 min | XviD 592x432 | 1222 kb/s | 101 kb/s mp3 | 25 fps
700 MB + 3% recuperación/recovery

La mujer que uno anhela
Ladislaus Vajda adaptó el guión de La mujer que uno anhela del libro escrito por el checo Max Brod. Este thriller romántico alemán fue la última película muda del director Kurt Bernhardt, y el primer papel protagónico de Marlene Dietrich. Rodada en Berlín en 1928, la historia sigue a Stascha (Dietrich), una mujer fatal que seduce a un hombre recién casado en un tren. El actor vienés Fritz Kortner interpreta a su amante obsesivo, el Dr. Karoff.

TV rip y capturas de pa6sur (KG)

Subtítulos en castellano de Federico1921

The Woman Men Yearn For
Ladislaus Vajda adapted the screenplay for The Woman Men Yearn For from the book Die Frau, nach der man sich sehnt by Czech writer Max Brod. This German romantic thriller marked the last silent film for director Kurt Bernhardt and the first leading role for Marlene Dietrich. Shot in Berlin in 1928, the story follows Stascha (Dietrich), the femme fatale who seduces a recently married man on a train. Viennese actor Fritz Kortner plays her obsessive lover Dr. Karoff.

English subtitles by Kane32 (KG)

L’énigme/La femme que l’on désire
L’énigme est le premier film où Marlene Dietrich tient un rôle de premier plan. Elle n’est pas encore en tête d’affiche mais c’est bien elle qui au centre de cette histoire de triangle amoureux et de femme fatale. C’est l’adaptation d’un roman à succès de Max Brod. Alors qu’il vient d’épouser une riche héritière, le jeune Henry tombe amoureux d’une femme qu’il rencontre dans le train qui les emportent en lune de miel. Cette femme est accompagnée d’un homme plus âgé qu’elle et qui semble la tenir sous sa coupe...




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Curtis Bernhardt en Arsenevich 

  High Wall

23 febrero 2011

Billy Wilder - Sunset Blvd. (1950)

Inglés/English | Subs: Castellano/Français/Portugués/English
106 min | XviD 720x528 | 1647 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
1,36 GB + 3% recuperación/recovery

El Crepúsculo de los Dioses
El joven guionista de cine Joe Gillis (William Holden) atraviesa una crisis creativa y económica. Sus trabajos son rechazados por falta de originalidad y además necesita dinero con urgencia, pues tiene una deuda de 290 dólares por su auto que debe saldar, sino se lo quitarán. En un intento por esconder el auto, llegará casualmente a una mansión aparentemente abandonada en Sunset Boulevard, que para su sorpresa está habitada por la antigüa estrella de cine mudo Norma Desmond (Gloria Swanson) y su mayordomo Max (Erich Von Stroheim). Desmond ha escrito un guión con el que pretende retomar su carrera, por lo que contrata a Gillis para que lo corrija y así poder revivir la gloria de antaño... (Ver nota completa)

Rip mío de un DVD5 ruso

Gloria Swanson as Norma Desmond, an aging silent film queen, and William Holden as the struggling writer who is held in thrall by her madness, created two of the screen's most memorable characters in Sunset Boulevard. Winner of three Academy Awards., director Billy Wilder's orchestration of the bizarre tale is a true cinematic classic. From the unforgettable opening sequence through the inevitable unfolding of tragic destiny, the film is the definitive statement on the dark and desperate side of Hollywood. Erich von Stroheim as Desmond's discoverer, ex-husband and butler, and Nancy Olson as the bright spot in unrelenting ominousness, are equally celebrated for their masterful performances.

Boulevard du crépuscule
Norma Desmond, une ancienne star du cinéma muet, vit auprès de son mari, Max Von Mayerling, un metteur en scène. Elle demande à Joe Gillis, un scénariste, de lui écrire un rôle qui lui fera retrouver la gloire. Tous deux deviennent amants mais Joe est effrayé par le délire permanent de Norma et lorsqu'il la quitte, elle le tue...


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Billy Wilder en Arsenevich
Mauvaise Graine (1934)

22 febrero 2011

John Huston - Under The Volcano (1984)

Inglès/English | Subs:Castellano
112 min | Xvid 592x336 | 1681 kb/s | 76 kb/s mp3 | 23.97 fps
1,36 GB + 3% de recuperación rar
México, 1938. Celebración del día de Difuntos. Con su país al borde de la guerra con Alemania, el cónsul británico en México, Geoffrey Firmin (Albert Finney), corta todo contacto con sus familiares y se sumerge en un proceso de autodestrucción mezclando el alcohol con los recuerdos. Nacido en Nevada (Missouri) en 1906, Huston falleció 81 años después, en 1987, como consecuencia de un enfisema pulmonar provocado por otra de sus grandes pasiones, el tabaco. Una vida larga para alguien que siempre había intentado llevarla hasta los límites, y que desde luego, apuró hasta el final: poco antes de morir dejaba listo el material de su última película, Dublineses, que rodó en silla de ruedas y con el continuo auxilio de una mascarilla de aire para poder respirar.
Dos años atrás había estrenado El honor de los Prizzi, una aproximación al mundo de la Mafia presidida por un marcado tono de humor negro. Pero fue un año antes, en 1984, cuando John Huston firmó su última gran película, Bajo el volcán. En su momento la crítica la acogió con frialdad y el público con desconcierto. Vista hoy, persisten los mismos problemas de ritmo y de guión. Sin embargo, al igual que ocurre con el Pat Garrett & Billy the Kid de Sam Peckinpah, la perspectiva de los años le ha otorgado a la cinta un encanto adicional para su disfrute, que radica precisamente en el hecho de saber que era una película muy personal de su director, un trabajo en el que el anciano realizador volcó todo lo que llevaba en las tripas y el corazón, para dejar plasmada su alma en el celuloide.
Tal vez por eso, más allá de todo el conjunto, lo verdaderamente destacable de Bajo el volcán es la magistral interpretación de Albert Finney en uno de los mejores papeles de su carrera. Pocos actores han retratado con tanto acierto dramático y capacidad de seducción escénica a un personaje atormentado y alcoholizado, cuya espiral de autodestrucción sólo se ve ligeramente suavizada por el placer que parece sentir mientras se deja caer en ese abismo. Un personaje que, en ocasiones, puede llegar a verse como un alter ego del propio director.
Resulta curioso observar cómo en la filmografía de Huston, sus protagonistas, los más auténticos al menos —lo que elimina las producciones de encargo con las que financiaba sus proyectos más personales—, pueden fácilmente agruparse en dos categorías: los aventureros (El tesoro de Sierra Madre, Cayo Largo, El hombre que pudo reinar), y los autodestructivos, normalmente vía alcohol (Vidas rebeldes, La noche de la iguana, Ciudad dorada, Bajo el volcán). Tal vez por ello, su película favorita era La reina de África, con ese Bogart encarnando, precisamente, a un aventurero conservado en alcohol. Por cierto, que aquel rodaje fue uno de los que más ayudó a forjar la mitología alrededor del cineasta, especialmente a través de los recuerdos del rodaje publicados por Katherine Hepburn. Fue ella quien comentó que todo el equipo sufrió de disentería con la excepción de Huston y Bogart, que no llegaron a probar el agua de África: sólo bebían ginebra.
Desde hacía más de veinte años, varios directores habían barajado la posibilidad de llevar a la gran pantalla Bajo el volcán la novela más aclamada de Malcolm Lowry. Este autor británico (1909-1957), de corta carrera y estilo tan brillante como atormentado, sufría un alcoholismo crónico que llevó a que algún periodista apuntara que sólo un realizador que supiese de los demonios y pequeños destellos de genialidad del alcohol sería capaz de adaptar con éxito alguna de sus obras.
Publicada originalmente en 1947, esta obra maestra literaria llegó a tentar a directores de la talla de Luis Buñuel, aunque sería finalmente Huston el primero en aventurarse a plasmar en imágenes las últimas 24 horas del ex cónsul británico Geoffrey Firmin en Cuernavaca, México, al pie de los volcanes Popocatepetl e Iztaccihuatl, durante la celebración del Día de los Muertos. La conducta autodestructiva de Firmin contrasta con el ingenuo idealismo de su hermanastro Hugh, mientras que Yvonne, la mujer de Firmin, vuelve a su lado con la esperanza de poder ayudarlo y recomponer así su relación. Sin embargo, la amargura y el alcoholismo del cónsul conducirán al descubrimiento de viejos secretos entre esos tres personajes centrales, que hacen imposible restablecer cualquier pasado.
Como ocurriera con Peckinpah, también John Huston veía México como la alternativa al mundo en el que estaba viviendo. Frente a la corrupción moral de ese mundo desarrollado, capitalista y controlador que era Estados Unidos, México, con todo lo bueno y lo malo, suponía una inocencia primitiva, el viejo orden natural, con la belleza y el horror de lo salvaje. De hecho, cuando Huston se hartó de Hollywood decidió autoexiliarse primero en Irlanda y después en México, algo que lo acercaba aún más a los pasos de Malcolm Lowry. (Al otro lado del rìo y entre los àrboles)
Adapted from Malcolm Lowry's novel set in Cuernavaca, Mexico, 1938, on the eve of WW II, Under The Volcano recounts the tragic life of British Consul Geoffrey Firmin's (Albert Finney) final struggles with alcoholism during Day of the Dead, as his estranged wife, Yvonne (Jaqueline Bisset) returns from New York to patch up their marriage and to encourage his sobering up. From the opening scene, Firmin is relentlessly drunk, mumbling Shakespearean-like rants with a dark sense of humor about the horrors of war and the perils of love. Finney's stunning performance recalls the best of Richard Burton (Who's Afraid of Virginia Woolf?), who was originally offered the role. Fortunately for the viewer, Finney was cast, as his compellingly dour portrayal of Firmin is undeniably masterful. Set in bars, restaurants, and amongst the plaza's Dia de los Muertos festivities featuring devils and skeletons alongside garlands and balloons, Under The Volcano's visual splendor underscores the decadence of Finney's drinking habit. There is not a single shot missing a bottle of liquor, and as Finney's health deteriorates the weather in the film subtly mimics his psychological state. --Trinie Dalton
"Algún día encontraré una tierra corrompida hasta la ignominia, donde los niños desfallezcan por falta de leche, una tierra desdichada e inocente, y gritaré: ‘Me quedaré aquí hasta que éste sea un buen lugar por obra mía.’" Malcolm Lowry
Nuevos enlaces, regalo navideño de chicharro

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-o-
John Huston en Arsenevich
Under the Volcano (1984)

21 febrero 2011

Joseph Losey - The Prowler (1951)

Inglés/English | Subs: Castellano/English
93 min | XviD 640x480 | 1896 kb/s | 128 kb/s mp3 | 23.97 fps
1,31 GB + 3% recuperación/recovery

El merodeador
Webb Garwood es un policía cínico que cree que el éxito llega con golpes de suerte. Respondiendo a una queja por la presencia de un merodeador en la casa de Susan Gilvray, Garwood queda deslumbrado por ella y su riqueza. Regresa para “constatar” que Susan está bien, y comienzan un romance, llevado a cabo mientras escuchan el programa nocturno de radio de John, el marido de Susan. Susan se siente culpable y termina la relación, pero Garwood sigue obsesionado... 

Webb Garwood (Van Heflin) is a cynical policeman who believes that success comes from lucky breaks. Responding to a prowler complaint at the home of Susan Gilvray (Evelyn Keyes), he is immediately attracted to her and her wealth. He returns to "check up" on Susan, and they begin an affair, conducted while listening to her husband John (Sherry Hall)'s all-night radio program. Feeling guilty, Susan ends the relationship, but Garwood remains obsessed...


Ver crítica en Cinema de Perra Gorda

DVD rip y capturas de roisiano (DXC/KG)

Subtítulos en castellano de James Mason & theycame2001, resincronizados por roisiano.


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Subtítulos
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Joseph Losey en Arsenevich
The Prowler (1951)

20 febrero 2011

Sergei Eisenstein - ¡Que viva México! (1979)

Ruso I Subs:Castellano
84 min IXvid 704x528 I 1838 kb/s I 192 kb/s cbr AC3 25 fps
1,19 GB
Filme en cuatro episodios, más un prólogo y un epílogo. El prólogo presenta imágenes alegóricas al México prehispánico. El episodio "Sandunga" recrea los preparativos de una boda indígena en Tehuantepec. "Fiesta" desarrolla el ritual de la fiesta brava, mientras que "Maguey" escenifica la tragedia de un campesino victimado por rebelarse en contra de su patrón. "Soldadera" (episodio no filmado) presentaría el sacrificio de una mujer revolucionaria. El epílogo, también conocido como "Día de muertos", se refiere al sincretismo de las distintas visiones que coexisten en México alrededor del tema de la muerte.La saga mexicana del famoso director soviético comenzó en agosto de 1929, después de haber finalizado el rodaje de La línea general (1929). Eisenstein y sus colaboradores, Grigory Alexandrov y Eduard Tissé, salieron de Moscú para atender diversas invitaciones a congresos cinematográficos en Europa. La gira los condujo finalmente a los Estados Unidos, en donde los esperaba un contrato con la Paramount. Era la época en que Hollywood importaba talentos europeos para satisfacer su creciente demanda de películas, por lo que no debe parecer extraño que la Meca del cine se interesara en el afamado director de El acorazado Potemkin (1925).La experiencia hollywoodense de Eisenstein fue un verdadero desastre. A lo largo de 1930, el cineasta y sus colaboradores trabajaron en dos proyectos: Sutter's Gold, un guión original sobre la fiebre del oro en California, y An American Tragedy, una adaptación de la novela homónima de Theodor Dreiser. Desanimados por el rechazo de ambos proyectos, los soviéticos terminaron aceptando la invitación del novelista Upton Sinclair, quien junto con otros intelectuales de izquierda deseaba producir una película sobre México. Nuestro país no le era extraño a Eisenstein. En 1919, el cineasta había diseñado la escenografía para la puesta en escena de la obra teatral El mexicano de Jack London. La visita de Diego Rivera a Moscú en 1927 había iniciado una relación amistosa entre el pintor mexicano y el cineasta. Revolucionario convencido, Eisenstein deseaba fervientemente conocer el país de la primera revolución del siglo XX. Animado por el apoyo que le ofrecía Sinclair, el director inició la producción de ¡Que viva México! (1930-1932) una de las cintas inconclusas más famosas de la historia del cine.¡Que viva México! era desde su inicio un proyecto muy ambicioso. La cinta consistiría en cuatro episodios: Sandunga (una boda indígena en Tehuantepec), Maguey (el sacrificio de unos campesinos en una hacienda porfiriana), Fiesta (la preparación de un torero para el ruedo) y Soldadera (estampas de una mujer revolucionaria). El filme incluiría además un prólogo sobre el México prehispánico y un epílogo con imágenes del Día de Muertos.El rodaje inició a finales de 1930. Un año después, el director había filmado unos 200 mil pies de película y aún no comenzaba a filmarse el cuarto episodio. Siempre un perfeccionista, Eisenstein había preferido sacrificar el presupuesto antes que su compromiso estético. Esta situación, aunada a la mala reputación personal que Eisenstein generó ante Sinclair, hicieron que el productor ordenara el cese del rodaje en enero de 1932.Eisenstein pensaba que podía terminar la película con el material que había filmado y enviado a Los Ángeles. Sin embargo, el disgusto de Sinclair fue tan definitivo que el escritor movió influencias para que Eisenstein no pudiese ingresar de nuevo a los Estados Unidos. Adicionalmente, Sinclair se comunicó con Stalin y acusó al director de frívolo y alejado de los principios socialistas. Esta acusación, a la larga, convertiría a Eisenstein en el "ángel caído" de la cultura soviética y tendría repercusiones negativas en sus futuros proyectos.A pesar del boicot de su productor, Eisenstein y sus colegas lograron obtener la visa para reingresar a los Estados Unidos en marzo de 1932. El permiso estaba condicionado, por lo que los soviéticos no pudieron pasar por Hollywood en su camino hacia Nueva York. En abril, Eisenstein logró ver por primera y última vez el material que había filmado en México. Antes de partir, el director y Sinclair llegaron a un acuerdo que permitiría a Eisenstein editar el material en Moscú. Grigory Alexandrov se quedó en los Estados Unidos para recibir el material, pero Sinclair se comprometió a enviarlo. Tras el regreso de Alexandrov, el escritor envió los rollos, pero cuando estos llegaron al puerto de Hamburgo ordenó que los regresaran. De esta manera, la obra mexicana de Serguei M. Eisenstein nunca volvió a estar en sus manos.Con el material de ¡Que viva México! se hicieron diversos montajes, ninguno de los cuales puede considerarse como definitivo. Sinclair proporcionó el material al productor Sol Lesser para realizar Thunder Over Mexico (1933). Al año siguiente, el mismo productor editó dos cortos titulados Death Day (1934) y Eisenstein in Mexico (1934). Le siguió Time in the Sun (1956), editada por Marie Seaton, amiga y biógrafa del director. En 1977, el propio Alexandrov construyó su versión muy personal del material, la cual bautizó con el título original.En nuestro país, las imágenes de ¡Que viva México! fueron admiradas desde su rodaje y la influencia que tuvieron fue decisiva para la creación de una estética fílmica mexicana que tuvo a sus máximos exponentes en el cineasta Emilio Fernández y el fotógrafo Gabriel Figueroa.Eisenstein nunca pudo recuperarse de la tragedia que le significó perder el control sobre ¡Que viva México! Enfermo y deprimido, el cineasta se encerró por una temporada y aunque retornó al cine para filmar dos obras maestras más, Alexander Nevsky (1938) y la primera parte de Iván el Terrible (1943-1945), su ánimo nunca pudo recuperarse. Rechazado por el régimen stalinista, el cineasta falleció sin haber visto finalizada la segunda parte de Iván el Terrible y sin haber podido realizar su ambicioso proyecto sobre el país de la primera revolución del siglo XX. (Cultura Mèxico)
"Aquì, nuevamente estàn arrojados al primer plano, hasta casi poder tocarlos, unos cràneos blancos. Pero son de cartòn: màscaras de cràneos. Detràs de ellos, en su tamaño normal, dan vueltas los carruseles y las ruedas verticales de la risa, apareciendo a travès de las òrbitas vacìas de las màscaras, obligàndolas a guiñar, como diciendo que la muerte no es màs que un cartòn vacìo, a travès del cual, siempre y de todas formas, atravesarà el torbellino de la vida." Sergei Eisenstein

Nuevos enlaces, cortesía de chicharro

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Sergei Eisenstein en Arsenevich

18 febrero 2011

Fyodor Otsep - Amok (1934)

Francés/French | Subs: Castellano/English
84 min | XviD 512x384 | 1569 kb/s | 256 kb/s AC3 | 25 fps
1,07 GB + 3% recuperación/recovery
El Dr. Holk lleva una vida solitaria en una colonia tropical holandesa. Ha huido del amor y de la civilización y su única compañía es el alcohol y el trabajo, que lo lleva a aldeas asoladas por la suciedad, la fiebre, el miedo y una extraña enfermedad que convierte a las personas en locos: Amok ("Amok" es el nombre dado en Malasia a ataques de rabia furiosa). Un día recibe la visita de la joven y bella Hélène Haviland, que le pide abortar el hijo de su amante antes de que regrese su marido.

Dr. Holk leads a lonely life in a small Dutch colony in the tropics. Fled from love and civilisation his only companions are alcohol and his work, which takes him to the villages ravaged by dirt, fever, fear and a strange illness turning innocent people into madmen: Amok. One day he receives a visit by the young and beautiful Hèlène Haviland, who asks him to abort her lover's child before her husband returns.
English subs, courtesy of  corvusalbus (KG)

« Amok » est le nom qu’on donne en Malaisie à des accès de rage furieuse qui poussent celui qui en est atteint à courir droit devant lui et à se livrer à des actes meurtriers. Sur le bateau qui le ramène en Europe, un médecin allemand raconte son histoire à un voyageur inconnu. Une femme était venue lui demander, dans le dispensaire isolé où il vivait au fond de la jungle en Malaisie, de « faire passer » l’enfant qu’elle attendait d’un amant. Elle lui proposait, en échange, d’éponger ses dettes. Le médecin, fasciné par la beauté de la femme, lui avait demandé, pour prix de son aide, une nuit d’amour. Sur son refus, il avait été saisi de «l'amok » et l’avait poursuivie...
Hoy les traigo algo distinto, una película basada en un cuento de Stefan Zweig y dirigida por el trotamundos soviético Otsep. Por momentos es tan mala que roza el ridículo, pero también es deliciosamente bizarra y logra lo que a primera vista parece muy difícil; ser políticamente incorrecta tanto en 1934 como en 2011, claro que por razones muy distintas.

TV rip de Lubitsch (KG)

Subtítulos en castellano míos


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17 febrero 2011

Jacques Tati - Playtime (1967)

Jacques Tati - Playtime (1967) 
Francés/French | Subs:Castellano/English
124 min | mkv  x264  720x384 | 1375 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,37 GB + 3% recuperación /recovery

Un grupo de turistas americanas hace un viaje por Europa, que prevé la visita de una capital por día. Al llegar a París, se dan cuenta de que el aeropuerto es exactamente igual al de Roma, de que las carreteras son idénticas a las de Hamburgo y que las farolas guardan un curioso parecido con las de Nueva York. En resumidas cuentas, el escenario no cambia de una ciudad a otra. Y ya que no pueden conocer París, se conformarán con pasar veinticuatro horas con parisinos de verdad, entre ellos Monsieur Hulot. Playtime, de Jacques Tati, fue la primera, y puede que la más divertida, crítica a la globalización imperante: ese grupo de turistas que vagabundea por París, que es un puzzle de otras ciudades, ganada por la deshumanización, las arquitecturas sin alma, la pomposidad y prosperidad de la prisa como modo de vida, las pesadillas del tráfico y la asepsia de los no lugares, acaban previsiblemente añorando sus pequeños dominios, donde las cosas conservan su olor y su sabor, aún es posible un poco de silencio y, en fin, los vecinos saben cómo te llamas. El mundo que plantean las películas de Tati, lejos de ser una exacerbación o caricatura de nuestro mundo, acaba siendo de un hiperrealismo preocupante. La pesadilla que se yergue en Tráfico ¿no se repite o queda pequeña cada mañana de día laboral -y si llueve peor- en cualquier autovía de acceso a cualquiera de nuestras ciudades? Tati arriesga un diagnóstico sombrío pero también ofrece una receta infalible: contra el mundo mecanizado donde las apariencias son dogmas, hay que volverse a la vida sencilla. Contra la organización metódica y la gélida elegancia de la casa racionalista de Mi Tío -ocupada por una familia donde se le mutila la infancia al niño, la madre vive para las visitas y el padre es un ejecutivo que ha expulsado de su programa vital todo aliento de vida verdadera-, la buhardilla donde vive el personaje que interpreta Tati, alguien que tiene poca cosa pero que es dueño y señor de su pobreza, disfruta de mucho tiempo libre y es capaz de dedicar un minuto a colocar las hojas de su ventana para que en ellas rebote un rayo de sol que regalarle a un pajarillo que vive enfrente. Contra la eficacia del mecanicismo y la tecnología, reacciona también el pletórico cartero de Día de fiesta. La película cuenta la jornada acrobática y delirante de un empleado de correos de un pequeño pueblo francés en el que se proyecta un documental donde se informa que el Servicio Postal de los Estados Unidos se ha equipado con un helicóptero para hacer más eficaz su servicio.Herido en su orgullo, el cartero Tati, montado sobre su Rocinante particular, una vieja bicicleta, emprende entonces una apoteósica carrera para demostrar y demostrarse que no hacen falta prodigios técnicos para hacer llegar las cartas a sus destinatarios. La película no sólo es divertidísima -y su ritmo no decae en momento alguno, como sí sucede en las más elaboradas pero menos armónicas PlayTime y Tráfico- sino también una lección de filosofía humanista. Por supuesto que la batalla está perdida, pero si los personajes casi mudos de Tati no arrostrasen esa batalla, no tendrían esa grandeza. Jacques Tati, que gustaba de poner en solfa el tiempo que le tocó vivir y la idea de progreso -siguiendo aquel dictamen de Hannah Arendt según el cual progreso y felicidad estaban reñidos de manera ineludible- aprendió mucho del mejor Chaplin, si bien sus dotes como actor no pueden compararse a las de éste, a quien admiraba hasta el punto de que en una ocasión aseguró que su obra era toda ella una especie de nota a pie de página de Tiempos modernos. Se arruinó varias veces, obcecado en la necesidad de hacerse cargo de todas sus empresas, y se negó a exportar su Monsieur Hulot a Hollywood, temiendo que desvirtuaran a su personaje admirable. Es irremediable que, hoy, las películas de Tati nos carguen de melancolía. Sus soberanos asertos pueden parecernos anacrónicos e incluso pueriles, pero basta recibirlos con un poco de inteligencia para advertir que en ellos sigue latiendo una gran lección. A Tati se le ha considerado el apóstol cinematográfico del ecologismo.Toda su maravillosa obra es un canto a los placeres de la lentitud.El paseante que, entre fríos edificios, es capaz de disfrutar de su paseo, el ciclista que cumple con su trabajo para demostrarse que no necesita de helicópteros, el ciudadano que se niega a aceptar que su ciudad sea copia de otras ciudades son concisos héroes que nos enseñan cómo nos engañan quienes tratan de convencernos de que vivir consiste en agotar nuestras vidas con un cúmulo de cosas, tareas, hipotecas, propiedades, preocupaciones y ambiciones que carecen de importancia cuando se enfrentan a lo fundamental, que no nos proporcionan ninguna verdad que nos sirva y a la vez hace millonarios a los publicistas, los psicólogos y los vendedores de bisutería espiritual. (Texto de Juan Bonilla, tomado de El Mundo)

"Playtime no se parece a nada visto antes en el cine; no hay ninguna película encuadrada o mezclada como ésta. Es una película que viene de otro planeta donde se hace cine de otra forma." François Truffaut
"No estoy en contra de que los niños en los colegios gocen del sol tras enormes ventanales. Pero nuestro universo se está convirtiendo en algo anónimo y uniforme." Jacques Tati


There's never been, and never will be, another comedy like Playtime. Three years in the making, French comedy master Jacques Tati's 1967 classic was an epic, experimental undertaking of unprecedented scale: Requiring the lavish construction of three entire city blocks of ultra-modern buildings, it was the most expensive French film up to that time, financially ruined its creator, baffled many viewers and critics when it was finally released after numerous delays, and is now regarded as Tati's undisputed masterpiece. Once again, Tati plays his comedic alter ego, the hapless M. Hulot (first seen in 1953's Mr. Hulot's Holiday), seen here as a befuddled pawn on a gigantic chessboard (metaphorically speaking) of modern conformity. He's simply trying to get to an appointment, but in the film's astonishing mock-Parisian landscape of antiseptic steel, glass, and plastic, Tati's resonant theme of contemporary confusion is fully expressed through meticulous use of framing and space--so effectively, in fact, that critic Jonathan Rosenbaum (in an accompanying essay) suggests that the film's dazzling "Royal Garden" sequence "may be the most formidable example of mise-en-scène in the history of cinema." With M. Hulot taking a back-seat to the film's breathtaking accumulation of visual details, Playtime (or, if you prefer, Play Time) rewards multiple viewings, revealing something new every time in its widescreen canvas of subtle gags and delirious eccentricity. Although journalist Art Buchwald provided English dialogue for the film, Playtime bears closer kinship to silent comedy, with universal humor and a musical soundtrack that's as essential as any of the visuals. Tati (1908-1982) never recovered from the film's financial failure, but happily, he lived long enough to see Playtime receive its much-deserved critical re-appraisal. --Jeff Shannon


BRRIP de KeN (ZT)
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