31 diciembre 2010

Claude Chabrol - Alice ou la dernière fugue (1977)

Francés/French | Subs: Castellano/English
86 min | XviD 624x368 | 1182 kb/s | 83 kb/s mp3 | 25 fps 
810 MB + 3% recuperación/recovery

Alicia o la última fuga
En una noche oscura, un auto circula bajo una lluvia torrencial, patina y choca contra un obstáculo. Alice, la conductora, milagrosamente ilesa, comienza a buscar refugio. La luz de una vivienda aislada la atrae, su dueño parece conocerla y la invita a pasar la noche. A la mañana siguiente, ella se encuentra sola. Confundida, Alice quiere irse, pero la fuga no es posible, todos los caminos conducen de nuevo a su punto de partida...

DVD rip de pa6sur (KG)

Subtítulos en castellano del professor keller

 Alice or The Last Escapade
While leaving her husband, whom she now detests, Alice (Sylvia Kristel) drives into the countryside but must stop at an old house when her windshield cracks mysteriously. She is received at the house as if expected, and spends the night there while her car is being fixed. The next day, she cannot find the highway she turned off of, and returns again to the old house where a young man tells her she must "accept things." Once more she leaves, only to encounter a peasant wedding which is frighteningly boisterous and bawdy, whereupon her windshield breaks again. She returns to the mansion for the last time, where the truth is finally made apparent to her.

English subtitles by martinimus69 (KG)
 
Par une nuit noire, une voiture roule sous une pluie torrentielle, dérape et vient percuter un obstacle. Alice, la conductrice, sortie miraculeusement indemne, se met à la recherche d'un abri. La lumière d'une maison isolée l'attire, son propriétaire semble la connaître et l'invite à passer la nuit. Le matin venu, elle se retrouve seule. Déconcertée, Alice veut quitter les lieux, mais la fuite s'avère impossible, tous les chemins empruntés la ramènent à son point de départ...


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Claude Chabrol en Arsenevich

30 diciembre 2010

Jean Renoir - La Nuit du Carrefour (1932)

Francès | Subs:Castellano
71 min | Xvid 576x432 | 1217 kb/s | 76 kb/s mp3 | 25 fps
669 MB + 3% de recuperaciòn
Aventuras del comisario creado por G. Simenon Maigret.Su filme más misterioso. Una obra extraña y poética. Disparos, ruidos de carro, el aire aturdido de los habitantes de la aldea, la lluvia, los campos, la niebla...todo hace de La Nuit du Carrefour una espléndida película policiaca y de aventuras con enorme maestría en la creación de los ambiente citado.“La Nuit du carrefour”, adaptación de una novela de Simenon, ha sido durante muchos años una de las obras más invisibles y desconocidas de la filmografía renoiriana. Sobre ella ha existido una vieja leyenda negra, alimentada por el teórico francés Jean Mitry, que trabajó como meritorio del rodaje, según la cual se perdieron algunas latas de negativo del film, hecho que dificulta la comprensión de su trama. Algunos historiadores como el actual director de la CinémathéqueFrançaise, Dominique Paini la sitúan entre las películas de cine negro con tramas ligeramente incomprensibles, como “El sueño eterno” (The Big Sleep, 1946) de Howard Hawks. André Bazin no le dedica nigún parágrafo de su memorable libro sobre el director y Jean-Luc Godard, en una reseña del número especial que Cahiers du Cinéma dedicó al cineasta la describe como "la única gran película policíaca francesa, el más grande film francés de aventuras". Claude Beylie considera la película como una obra de una importancia similar a “L'Atalante” (1934) de Jean Vigo y como el film donde aparece en el cine de Renoir "el arte del desorden organizado, de la teatralización espontánea de la vida". Georges Simenon consideró “La Nuit du Carrefour” como la más perfecta de las múltiples adaptaciones cinematográficas de su obra y la interpretación del actor Pierre Renoir -hermano mayor del cineasta¬ como la mejor composición deMaigret.“La Nuit du Carrefour” es una obra extraña porque siendo una película de intriga -parte de la investigación del asesinato de un hombre en un garage- existe un abandono progresivo de los elementos narrativos en beneficio de la crea¬ción de una serie de atmósferas visuales que pretenden convertirla en una especie de crónica del terror humano. En muchas escenas, Renoir abandona los dispositivos narrativos de la encuesta policíaca para recrear el pasear nocturno de los protagonistas por escenarios llenos de reflejos de inquietud. La mirada distante y la figura luminosa de Else Andersen -Winna Winfried-, una adolescente danesa adicta a la cocaína que vive acompañada de una tortuga gigante, resulta difícilmente olvidable, como tampoco lo son los gritos de dolor de Carl Andersen (Geor¬ges Koudria) en la escena final, mientras un médico le extrae una bala. La figura impasible y enigmática de Maigret (Pierre Renoir) es como la de unespejismo que atraviesa un espacio cargado de evocaciones fantasmagóricas. A diferencia de la mayoría de películas de la serie negra, “La Nuit du carrefour” no avanza de la oscuridad a la claridad. El film parte de la niebla, para endensarse en la atmósfera cargada de humo del despacho de Maigret y acabar en la más terrible oscuridad, donde el aire se ha aturdido y los personajes parecen haberse convertido en sus propios espectros.Técnicamente, “La Nuit du carrrefour” es también una película llena de misterios. Su principal misterio es el uso que Renoir hace del sonido asincrónico. Como en las películas actuales de Godard, las voces aparecen mezcladas con toda especie de sonidos, sin que haya un primer término de diálogos planos y comprensibles. La iluminación está bañada de luces de apariencia expresionista que cargan y densifican las atmósferas. Entre los numerosos e impresionantes prodigios técnicos que pueblan todo el film,destaca una escena. En ella vemos la persecución en la noche de un Bugatti contra un grupo de traficantes. La persecución está rodada mediante un travelling frontal, puntuado por los reflejos de los disparos en la noche. “La Nuit du carrefour” recoge una herencia que va desde el cine de los folletines cinematográficos de Feuillade hasta los primeros filmes de Lang inspirados en estructuras folletinescas… (Angel Quintana, Nosferatu)

"Su film màs misterioso. Misterio tal vez de manera involuntaria, puesto que Jean Mitry perdiò tres rollos al final del rodaje y el montaje debiò hacerse sin ellos. Sin embargo, eso no importa. A saber: personajes de Dsotoievsky en un decorado propio de Une Tènèbreuse Affaire. Porque Simenon=Dostoievsky+Balzac, como dicen sin ninguna modestia los fanàticos del comisario Maigret. Yo respondo: sì, pero La Nuit de Carrefour demuestra que esta ecuaciòn no es cierta sino es porqueRenoir la hace serlo. Al llevar a la pantalla La Nuit de Carrefour el autor de Orvet ha convertido al novelista de Suicidès y de Touriste de Bananes en el de Mouchette y Une Crime.Nos encontramos ante un film extraño y poetico. Un miedo que no es , sin embargo, el miedo, y en el que se encuentra, no obstante, su explicaciòn. Incluso Pierre-Renoir Maigret encuentra la soluciòn del problema antes de que sea expuesto. Y comprendemos, en fin, esa exclamaciòn que Simenon pone en boca de Maigret despuès de cada investigaciòn: "Hombre, còmo no lo habìa pensado antes". En este "claroscuro" escoge lo "claro". Gracias a Renoir, aceptamos esta evidencia como algo absoltumente normal. Los disparos que inquietan la noche, el ruido de un Bugatti lanzado a toda velocidad en persecuciòn de los traficantes (sublime travelling hacia delante a travès de las calles de la aldea dormida), el aire aturdido, enloquecido o rijoso de los habitantes de la aldea,perdida al lado de la carretera nacional, el acento inglès de Winna Winfried y su anticuado erotismo de rusa morfinòmana y filòsofa, el ojo de halcòn perezoso de Pierre Renoir, el olor de la lluvia y de los campos mojados en la niebla, cada detalle, cada segundo, cada uno de los planos, hacen de La Nuit de Carrefour la ùnica gran pelìcula policìaca francesa; màs aùn, dirìa yo: el màs grande film francès de aventuras. " Jean-Luc Godard


Subtítulos en castellano, cortesía de Nando


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Jean Renoir en Arsenevich

29 diciembre 2010

Julien Duvivier - Panique (1947)

Francés/French | Subs: Castellano/English
TV Rip | 91 min | XviD 624x464 | 1397 kb/s | 91 kb/s mp3 |  25 fps
980 MB + 3% recuperación/recovery
 Pánico
El cadáver de una mujer es descubierto cerca del hotel "Au Petit Caporal", donde reside - entre otros - el señor Hire, hombre taciturno y solitario y poco popular en el vecindario. El asesinato coincide con la llegada de Alice, un nueva vecina del señor Hire, de quien él pronto se enamorará perdidamente, sin saber que ella es la novia del asesino. Testigo secreto del asesinato, Hire se debate entre sus sentimientos por Alice y su odio hacia el astuto Capoulade...

Patrice Leconte adoptó la misma novela de Georges Simenon en su film Monsieur Hire

TV rip de gromit compartido por pa6sur.

Los subtítulos en castellano son de juliusoaks. Hay algunos diálogos que faltan porque también faltaban en los subtítulos en inglés. Aún así la película se puede ver y entender sin problemas. Yo solo he dado un toquecito a la ortografía, a las líneas largas y a ciertas incongruencias en el tuteo entre los protagonistas.

Panic
Recently released from prison, an attractive young woman Alice meets up with her lover Alfred. The latter, a vicious crook, has murdered an old woman at a fairground. The only witness was a reclusive old man named Monsieur Hire, who is secretly in love with Alice. Alfred and Alice contrive to divert suspicion on to Monsieur Hire...

English subtitles transcribed from the VHS rip by sigloxx. Some dialogues are missing.

Le cadavre d’une femme est découvert non loin de l’hôtel « Au Petit Caporal » où réside entre autre monsieur Hire, solitaire taciturne et original très peu apprécié dans le quartier. Ce meurtre coïncide avec l’arrivée d’une nouvelle voisine pour M. Hire en la personne d’Alice, dont il va rapidement tomber fou amoureux sans se douter qu’il s’agit de la fiancée du meurtrier. Témoin secret de l’assassinat, Hire va alors être déchiré entre ses sentiments pour Alice et sa haine pour le fourbe Capoulade…


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Julien Duvivier en Arsenevich

27 diciembre 2010

Dino Risi - Anima persa (1977)

Italiano I Subs: Castellano/English
98 min | DivX 6 672x384 | 1003 kb/s | 128 kb/s mp3  | 25 fps
800 MB + 3% recuperación/recovery

 Alma perdida
Un joven se instala en casa de sus tios, debido a sus estudios. Una noche comienza a oir extraños ruidos, notas de música que provienen de un piano e incluso cree ver a alguien vestido de payaso. Comienza a investigar ya que sus tios no le creen, y será la sirvienta de la casa quien le haga descubrir el secreto que envuelve todos estos acontecimientos fantasmagóricos.

DVD rip de In_humanity (FH)

Lost Soul
When the young would-be artist Tino arrives in Venice to live at the house of his uncle while he studies art, he soon discovers that his Austrian/Venetian uncle's house is packed with mystery -- there are abandoned rooms from which strange sounds emanate. Eventually, he is told that his uncle's insane brother is being kept in rooms on the top floor, and only Uncle Fabio (who is seldom home) is permitted to visit them. However, youth and curiosity impel him onward to even more discoveries.

Da un romanzo (1966) di Giovanni Arpino: il giovane Tino è a Venezia ospite dello zio ingegnere che vive con la moglie cagionevole di salute. Ben presto si accorge che la casa nasconde un mistero. Una notte sale in soffitta e una realtà sconvolgente lo farà fuggire. Con questo film Risi, il Billy Wilder del nostro cinema, è passato al thriller e il salto gli è riuscito. C'è più di un risvolto segreto che può offrire un'angoscia e un'inquietudine molto attuali. Gassman sulla corda tesa di un istrionismo di alta scuola.


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Dino Risi en Arsenevich 

25 diciembre 2010

Sergiu Nicolaescu - Osânda (1976)

Rumano | Subs: Castellano/English/ Français.srt
112 min | AVC 640x480 | 1623 kb/s | 256 kb/s Mp3 | 25 fps
1,49 GB + 3% recuperación/recovery


Tras ser condenado a 10 años de cárcel después del levantamiento de 1907 y después de algunos años en el frente, Manolache Preda (Amza Pellea) regresa a su pueblo natal. Cuando llega, se encuentra con que su esposa le ha abandonado y ha vendido sus tierras. Para poder llevar una vida normal, Manolache se compromete con el propietario León (Emmerich Schäffer) y se enamora de una mujer pobre, Ruxandra (Juan Pavelescu). Pero cuando el dueño es asesinado por dos campesinos, la culpa recae sobre el ex convicto, y comienzan a aparecer de nuevo las desgracias para él.


Opening with an arresting WWI trench battle, this details the return of soldier Manlache Preda to his village in Romania, where he finds his land had been possessed and his wife hasn't waited for him. It follows his subsequent relationship with the local squire - for the murder of whose uncle, in the 1907 peasant uprising, Preda had received a 10-year prison sentence - and his romantic attachment to the attractive, independent daughter of a fellow prisoner. It's competently directed and well shot, and many of its sequences, especially those involving the varied rural landscape, have an epic proportion. The melodramatic and eventually tragic adventures of the honourable peasant take on greater and greater symbolic significance.


Hasta hace menos de un año, Sergiu Nicolaescu, era un director completamente desconocido para mí. No había visto ningún trabajo suyo, pero este tema de las reautorías, me ha servido para encontrarme con un director, que ahora si puedo decir que me apasiona. Os he presentado algunos de sus trabajos en este último año, pero hasta que no he visto esta película, no me he dado cuenta de la verdadera dimensión de este director.

Realizada en 1976, Osânda, nos acerca a la figura de Manolache Preda, exconvicto y soldado que regresa a su aldea después de la Primera Guerra Mundial, donde es rechazado por todos. Aunque el guión pueda parecer sencillo, la historia (adaptación de una novela de Victor Ion Popa) crece más y más intensamente a medida que se desarrolla la película. Tanto es así, que nuestro protagonista, abandonado por su mujer durante esta etapa de exilio, tiene que buscar trabajo en la finca del terraniente que se ha apoderado de sus tierras, con el fin de recuperarlas por los servicios prestados. Y es, esta relación con su amo, la que desarrolla la trágica trama final. Tras el asesinato del propietario, todos culpan al exconvicto, que tiene que huir y refugiarse en las montañas...

Amza Pellea está como siempre magnífico, aquí muy alejado de aquel "Mihai Viteazul" que tanto renombre le dio en su país, como uno de los mejores actores rumanos de la historia, pero con una brutal fuerza interpretativa. Dentro de los papeles secundarios, de forma anecdótica, tener presente el papel del juez, interpretado por el propio director. Sergiu Nicolaescu además, logra diálogos profundos y concentrados, con imágenes de gran alcance, y una música formidable por parte de Tiberiu Olah. Existen en la película escenas memorables: el reencuentro entre el exconvicto y su amante en el refugio en la montaña, el entierro, y el final con ese juramento lanzado por Manolache, que define perfectamente el mundo en que vivimos.

Osânda es para los críticos la mejor película rumana de todos los tiempos, y seguro os hará pasar un rato maravilloso, porque es profunda, clara, directa e intensa.

Mapache


"Osanda" means Sentence, or Damnation. A former soldier and convict returns to his village after World War I and is suspected and rejected by everyone (his wife included), with the exception of a young widow. The local aristocrat is murdered by bandits and the former convict runs for his life. Though simple as this premise may seem, the story (adapted from a novel by Victor Ion Popa) grows more and more intense as it goes on. Tough characters, great love, stubborn hate, realistic acting (most of the cast!), deep and concentrated dialogs, formidable music, powerful images.

Some memorable scenes: the convict and the widow silently meet again in his mountain refuge (just watch it, this is one of the greatest scenes on screen ever, I mean it), the burial, the ending with a farewell swearing to the world while falling with the wooden cross.

This is the best Romanian movie ever and one of the best around, too. It would be great for any viewer. Deep, focused, direct and intense.


Nuevo rip y nuevos enlaces


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Sergiu Nicolaescu en Arsenevich
Atunci i-am condamnat pe toti la moarte (1971)
Osânda (1976)

22 diciembre 2010

Mikio Naruse - Otome-gokoro - Sannin-shimai (1935)

Japonés/Japanese | Subs: Castellano/English
TV rip | 76 min | XviD 668x528 | 1601 kb/s | 174 kb/s mp3 | 29.97 fps
971 MB + 3% recuperación/recovery
 Tres hermanas de corazón puro
Tres hermanas de corazón puro, escrita y dirigida por Mikio Naruse en su primer film sonoro, cuenta la historia de tres hermanas muy diferentes obligadas a trabajar como músicas shamisen de la calle para ganarse la vida. O-Ren (Chikako Hosokawa), la mayor, va de mal en peor y se encuentra encaminada hacia los bajos fondos de Tokio, la exasperada hermana del medio, O-some (Masako Tsutsumi) intenta proteger a sus hermanas apaciguando a su exigente madre Hahaoya (Chitose Hayashi), y Chieko (Ryuko Umezono), la más joven, busca amor con el amable restaurador Aoyama (Okawa Heihachiro).

Three Sisters with Maiden Hearts
Three Sisters with Maiden Hearts, writer-director Mikio Naruse's first sound film, tells the story of three very different siblings forced to work as samisen street musicians to make ends meet. O-Ren (Chikako Hosokawa), the eldest, is on a downward spiral into Tokyo's Asakusa district underworld, exasperated middle sister O-some (Masako Tsutsumi) attempts to protect her sisters by appeasing their demanding mother Hahaoya (Chitose Hayashi), and Chieko (Ryuko Umezono), the youngest, pursues love and romance with kindly restaurateur Aoyama (Heihachiro Okawa).

English subtitles by Guy Yasko and Glynford (KG)

Tres hermanas es una de las obras más formalmente experimentales de Naruse, haciendo uso de una estructura compleja y juguetona del flashback y una cámara en constante movimiento para delinear los distintos caminos de las hermanas en la vida. Los bailes de Chieko al estilo Folies Bergere son para destacar, y demuestran la comprensión y afinidad de Naruse para con la psicología del artista en función. En unos 76 minutos relativamente breves, la sensación es que Tres hermanas explora toda una vida de dolor y tragedia. (Keith Uhlich - Slant)

TV rip y capturas de Bressoniac (KG)

Subtítulos en castellano de Mario Vitale (AZ)

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18 diciembre 2010

Lars von Trier - Medea (1988)

01:16:00 Min | 576x432 | Xvid 2.173 kbps | 25 fps | Ac3 224Kbps | 1.36 GB
Danish | Subtitle: English and Spanish .srt | Genre: Drama

Drama / SINOPSIS: Adaptación de la célebre tragedia griega que Lars Von Trier dirigió para televisión, sirviéndose de un guión adaptado por Carl Theodor Dreyer, quien nunca pudo rodarlo en vida. La historia mitológica se centra en lo acaecido después de la expedición de Jasón y los Argonautas. Tras años de amor y felicidad, Jasón pretende abandonar a Medea y sus hijos para casarse con Glauce, la hija del rey Creonte. Cuando el rey decide expulsar a Medea, ésta urde un perverso plan de venganza. (FILMAFFINITY)


Lars von Trier´s direction makes this film a shocking look into the disturbed mind of a woman who has been scorned and left. Medea´s revenge is horrible but never unbelievable. She does what every sane person would do, when deprived of all that she loves. The film burns itself into your mind and leaves you with a lasting impression of what human misery can be like.


Los maté porque eran míos

El mito de Medea es uno de los más terribles que han llegado hasta nosotros desde la tradición clásica. Y si no, juzguen ustedes mismos: la susodicha es impelida a traicionar a su pueblo natal –donde ejercía con verdadera devoción su hechicera profesión-, facilitando así el robo del vellocino de oro, perpetrado por el ínclito Jasón y sus aguerridos argonautas (¡lo que hay que hacer para reconquistar el reino que tu tío malísimo Pelias le robó a papá Esón!)
Ya que estamos, vamos a contar toda la trama, ¿no? (sobretodo porque la inmortal leyenda difiere en numerosos puntos del argumento de esta película. Ya saben, "licencias poéticas"). Jasón llegaba a la etapa reina de su particular tour muy baqueteado. La verdad es que no se lo pusieron nada fácil: antes tuvo que «uncir al yugo unos toros de pezuñas de bronce y aliento de fuego, sembrar los dientes del dragón de Cadmo; y una vez realizados estos dos trabajos, quedaba el obstáculo más importante antes de llegar al vellocino: un descomunal dragón que custodiaba el bosque donde, suspendido de un árbol, se hallaba el vellocino». Complicado de cojones, vamos.
Pero volvamos a Medea y a su tormento en ciernes. La pobre mujer quedó prendida por sus huesos, transpuesta e indispuesta por las malas artes de Hera y Atenea, protectoras del mimado Jasón. Así que promete echarle una mano para mangar la refulgente lana del cordero si a cambio él acepta casarse con ella a su vuelta a Grecia (típica treintañera desesperada... ¡ten cuidado, Jasón, que esta te buscará la ruina!).
En la persecución subsiguiente, Medea ya da cumplidas muestras de crueldad mental. Para retrasar a las huestes capitaneadas por su padre Eetes —al que no le ha sentado nada bien que le sisen el único bien de interés turístico del poblado—, decide secuestrar a su mismísimo hermano Apsirto e ir esparciendo sus miembros por el camino... obligando a su desdichado progenitor a realizar numerosas paradas para hacerse con los restos de su hijo amantísimo.
Quemadas pues sus naves y embarcada en la Argo hacia su asumido exilio, Medea y los héroes del Cáucaso arriban por fin a Iolco. ¿Y con qué se encuentran allí? Pues resulta que Pelías no ha perdido el tiempo y ya se ha cepillado al padre y a la madre de Jasón, por lo que pudiese pasar... este último encaja bien el golpe y decide irse a vivir con su pibita a Corinto, donde fraguar la venganza a fuego lento (no me pidan explicaciones... esto de la mitología es la mar de extraño).
En estos diez años de aparente calma, Medea le dará dos fermosos hijos al causante de su perdición. Mas Jasón se prendará de la hija del rey Creonte de Corinto —¡hombres!— y le pedirá el divorcio a Medea, alegando algo así como que "aunque cierto es que me acostaré con otra, gran beneficio conllevará mi futura posición para ti y tus hijos" (¡anda que no tenía cuento el tal Jasón!) Como ya imaginan, la despechada Medea no está dispuesta a abrazar el ostracismo y contestar con un mutis por el forro... algo le ronda por la cabeza... un artificio maquiavélico, fatal, perfecto en su desaforada maldad...
La Medea de von Trier se sitúa en un pasado difuso, un bajo medioevo con reminiscencias grecorromanas. Allí conoceremos a un Jasón charlatán, bien instalado y con una posición preeminente, la cuál le permite no tener que rendir muchas cuentas a nadie de sus actos.
Todavía alejado de las fiebres pasajeras del dogma, este sobresaliente producto televisivo posee una factura cuidadísima, en plena etapa manierista de su responsable y máxime artífice (su realización fue un verdadero galimatías: rodada en video, transferida a 35 mm... ¡para volver a ser repicada a video!) Las muy tarkovskianas figuras del caballo agonizante (Andréi Rublev (Andréj Rublëv, 1966)) y las aguas tan cristalinas como nocivas (Stalker (id., 1979)) se nos presentan envueltas en un aire de cuento satánico, brumoso y estilizado, que arranca con las oníricas imágenes de una Medea dejándose arrastrar por las olas (¿antes o después de haber perpetrado su crimen?). Convencido como estaba por aquél entonces de ser el legítimo heredero de Dreyer, von Trier adapta aquí uno de sus guiones póstumos (basado a su vez en el original de Eurípides) y cuenta también con la complicidad de dos viejos actores dreyerianos: Baard Owe y Preben Lerdorff Rye.
Interesante resulta la comparación de esta con otra Medea de enjundia, separada 20 años en el tiempo: la de Pier Paolo Pasolini. Este optó por un final más clásico de la epopeya (Medea pasa a sus hijos a cuchillo; von Trier apuesta por un ahorcamiento, mucho más aséptico aunque visualmente más espectacular). El que la protagonista de la Medea del italiano fuese la divina Callas, incrementaba la dimensión del mito (¿qué mejor que elegir a otro mito para interpretarla?), aunque seamos sinceros: la ópera le sentaba mucho mejor que el celuloide. Abundaban también las maldades típicas de PPP: centauros muy cultivados, sacrificios humanos, ambiguos jueguecitos de Jasón con efebos hiper-sexuados...
No, la tragedia de Medea le interesa a von Trier por otros motivos. La inconstancia (cercana al repudio) que demuestra Jasón en el compromiso marital, contrasta con la locura de amor que padece una Medea dispuesta a cualquier cosa con tal de preservar el núcleo familiar... dispuesta, llegado el caso, ¡a acabar con la propia familia!
El cine de von Trier está repleto de sacrificios, de relaciones amorosas descompensadas: un moralista inconfeso y una prófuga caprichosa en Dogville (id., 2003), una joven con sexualidad recién estrenada y un marido paralítico en Rompiendo las olas (Breaking the Waves, 1996), un idealista dispuesto a ayudar en la reconstrucción de Alemania y una "loba" Matahari (Europa (id., 1991)). El sacrificio de amor de Medea (matar a lo que más quiere y perder definitivamente a quién le dio esos hijos) es una opción extrema y, por lo tanto, muy del agrado del danés, que logra dotar a tan terrible acción de una inexplicable lógica interna...
Es posible que sea de ahí de donde surja la (a priori) inverosímil identificación con los personajes de sus películas. No de esa presunción que nos lleva a asegurar que obraríamos exactamente igual sometidos a idénticas torturas / tribulaciones, sino del hecho de ver en ellos reflejada nuestra propia naturaleza, tan proclive a la indulgencia (para conmigo mismo, ¡no faltaría más!); nuestro lado masoquista, vamos, dispuestos siempre a sentir antes lástima por nosotros mismos que por un prójimo indeterminado.
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Brilliant expose' and depiction of the classical Greek play. I never had any feeling of sympathy for the character of Medea. I always found her murderous rage against her husband reprehensible. No hatred or anger can justify murdering one's own children. But for the first time, I felt a sadness and compassion towards Medea. Lar Triers treatment and subsequent rendition of Medea's plight made me think of her more than just as a "woman scorned" and I finally understood what moved her to this sacrilegious act of infanticide. Jason was her entire life and the one that she should have killed. So in his absence, she slew his progeny. She wanted to wipe any trace of him from the earth and from her heart. So she destroyed everything at once including herself. There would never be any chance of returning after this unforgivable act.

This is the definitive Medea. Lars Triers deserves praise for bringing this tragedy into focus. For making Medea human instead of a monster he deserves our gratitude.



Nuevos enlaces, gentileza de chicharro

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17 diciembre 2010

Claire Denis - White Material (2009)

Francés/French | Subs: Castellano/English/Français*
101 min | XviD 720x304 | 1372 kb/s | 160 kb/s mp3 | 25 fps
1,08 GB + 3% recuperación/recovery

En un país africano cuyo nombre no se revela pero que, metonímicamente, funciona como alusión a toda una realidada continental-histórica, una mujer de nombre María se niega a abandonar la plantación de café que ha funcionado como herencia de su familia desde hace bastante tiempo. Claro, abandonarla sería la mejor idea en ese momento, debido a que el conflicto entre los rebeldes guerrilleros y las fuerzas paramilitares del estado han llevado el combate hasta puntos sin retorno, en donde la única salida lógica parece ser el sangriento aplastameinto de un grupo por el otro. El problema se acrecienta cuando empiezan a circular rumores de que uno de los miembros del grupo de los rebeldes, el líder militar del movimiento, un tal “boxeador” —- así lo llaman —-, está refugiado en la plantación... (Fernando Bogado - nota completa en Extracine )

DVD rip y capturas de newda (KG)

Subtítulos en castellano míos.

A contemporary story set in an unnamed African country torn by a rebellion. In a rural province, birthplace of one of the rebel chiefs, Maria, a fierce and fearless white woman, refuses to abandon her coffee crops, or to acknowledge the danger to which she is exposing her family. For Maria, to leave is to surrender: a sign of weakness, of cowardice. On this plantation which has already supported three generations of whites, André - her ex-husband and father of their teenage son - is frightened by her blind, stubborn pride. Without her knowing, he resolves to arrange the family's escape to France. The crops no longer mean anything to him. He has married again, a young African woman with whom he has a son, and for them, he will stop at nothing. Not even at betraying Maria by placing her destiny in the hands of the local mayor, a man he believes to be his friend.
Dans un pays d'Afrique, pendant une période troublée par une rébellion. Dans une province agricole dont un des chefs rebelles est issu, Maria, une femme blanche, farouche et brave, refuse de renoncer à sa récolte de café, refuse de voir le danger qu'elle fait courir à sa famille. Pour elle, baisser les bras c'est faire preuve de mollesse, de lâcheté. Dans cette plantation qui a déjà fait vivre trois générations de Blancs, André, son ex-mari, et le père de leur grand ado de fils, redoute l'aveuglement, l'entêtement et l'orgueil de Maria. Il décide d'organiser sans qu'elle le sache la fuite de la famille, le rapatriement de tous vers la France...

*Sous-titres français pour certains dialogues dans une langue africaine


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Claire Denis en Arsenevich
White Material (2009)

16 diciembre 2010

Jean Eustache - Les Mauvaises frequentations (1963)

Francés | Subs:Castellano/English (muxed)
39 min | x-264 mkv 640x480 | 2560 kb/s | 384 kb/s AC3 | 29.97 fps
714 MB
Anclado en la nouvelle vague, admirado por Godard y Rohmer, picaresco y desesperado, luminoso y sombrío a la vez, el primer cortometraje de Eustache prueba que, como se ha dicho, "su grandeza fue evidente ya desde el principio". Un personaje que prefigura, en su arrogancia absurda, al Alexandre de La Maman et la putain recorre junto a su mejor amigo las calles del suburbio parisino de Robinson, en busca de diversión y problemas. O sea: mujeres. Estableciendo la distancia rigurosa en el retrato de la juventud y la vida callejera que sería constante en el cine de Eustache, sus malas compañías impresionan, en palabras de Jean Douchet, "por tener los mejores contactos: aquellos con los maestros del cine".

Retomemos por un momento aquella idea de Godard que sugería que algunos de los más grandes cineastas de la historia podrían haber destacado en otros oficios de no haberse dedicado al cine. Entre aventureros, periodistas y aviadores, el suizo concluía diciendo que Nicholas Ray era el cine. Nosotros podríamos tomar prestada por un momento esta idea y hacerla extensible, actualizada, a los nombres que componen esta lista de 100 cineastas que proponemos en Miradas de Cine. Es probable también que pudiésemos encontrar un oficio para cada uno de ellos, pero… ¿y Jean Eustache? ¿Qué sucede con el cineasta de Pessac? ¿Deberíamos hacer caso de sus propias palabras cuando decía que en ocasiones se veía más como un novelista antes que como un cineasta? Aunque lo literario tenga un peso importante en su cine, lo cierto es que parece difícil imaginarle como otra cosa distinta a la que fue. El cine impregnaba su ser, de él se sirvió para trazar su biografía, y quizá, fuese el cine —como llegó a afirmar Phillipe Garrel— el causante de su muerte. Sus mentores fueron los jóvenes turcos de Cahiers, que le obligaron a pensar, pero, a diferencia de aquellos, la nueva generación (el propio Eustache, Garrel, Pialat…) guardará su cinefilia en el interior, como una herida espiritual: conocer la belleza y saber de la imposibilidad de recuperarla. Eso sí, quizá en su acepción de cineasta cabría algún matiz significante; Eustache sería más bien un artesano-cineasta, «para bodas y banquetes» como le gustaba decir; sin ironía, con humildad.
Baste regresar entonces a las imágenes del díptico formado por La Rosière de Pessac (1968/1979) filmadas con una década de diferencia entre ellas. Allí, Eustache regresa a provincias, en pleno revuelo del sesenta y ocho francés, para filmar con distanciada objetividad un rito popular de origen medieval. Algo tan banal (y reaccionario) como la elección anual de una doncella virtuosa de la población ocupa por completo el desarrollo del filme. Pero no debemos entrar en sus imágenes esperando algún tipo de comentario irónico u oculta moraleja por parte de su director; en caso contrario la tozuda sucesión de imágenes nos expulsará del filme tarde o temprano. Allá donde otros otorgan sentido al discurso conforme a sus intereses mediante habilidades de yuxtaposición, comentario o planificación, Eustache renuncia conscientemente a todo aquello que muchos se empeñan en perseguir, eso que solemos llamar “la mirada propia” limitándose (sic) a observar con ojos respetuosos y despiertos la realidad que le rodea —en este mismo sentido optará por la bicefalia en la dirección de Le cochon (1970), tratando de borrar toda huella o intencionalidad en sus imágenes—. Su voluntad más preciada será entonces registrar, dar fe: «El papel del autor en el cine debe ser un papel de no intervención; es lo contrario del autor dramático, que inventa… Para mí, el autor en el cine debe estar allí para que el poder no sea tomado por los demás, pero no para que él imponga su voluntad». Una declaración de principios que conecta al cineasta con el origen mismo del cinematógrafo y las primeras imágenes (construidas, no inventadas) tomadas por los operadores Lumiére; una conexión que puede apreciarse con claridad en la construcción de filmes como los anteriormente mencionados o Número Zéro (1971), pero también en la complejidad del punto de vista adoptado en Une sale histoire (1977), Le Jardin des délices de Jérôme Bosch (1980) u Offre d’emploi (1980). Así, cuando regrese a Pessac en 1979 para filmar de nuevo la fiesta de La Rosière, Eustache capturará en sus imágenes no otra cosa que el paso del tiempo, la inmóvil evolución de las tradiciones, de los cambios que operan en la superficie: ropajes, colores, espacios, y que le llevarán a lamentar que alguien, antes que él, no hubiese filmado esas mismas imágenes décadas atrás, durante la ocupación alemana o antes incluso del estallido de las grandes guerras.
¿Qué sucede entonces con las ficciones más puras, aquellas por las que el cineasta de Pessac es habitualmente recordado? Para entrar en ello debemos hacer de nuevo un alto en el camino. Cuando Eustache sitúa su cámara ante Odette Robert, su propia abuela, en 1971 y filma sin cortes las dos horas que componen originalmente Número Zéro, lo hace con el propósito de preservar en celuloide un rostro y una voz, pero sobre todo un testimonio y un tiempo. El testimonio será el espacio de la propia biografía, la historia familiar —la película surge de la necesidad de preservar ésta como legado para su hijo Boris—. No hay lugar para la gran Historia, para la revelación, pero al mismo tiempo, por el mero hecho de imprimirse en celuloide, todo deviene Histórico (en el mismo sentido en que lo hacen las imágenes Lumiére de un tren llegando puntualmente a su estación o de un grupo de obreros saliendo de la fábrica tras una jornada de trabajo). Es en éste deslizamiento de lo general a lo particular en el que la objetividad del artesano y la subjetividad del poeta comienzan a fundirse, sirviéndose de la cámara como el arqueólogo de su instrumental para sacar a la luz, analizar y preservar. Es posible que nadie más que el propio cineasta pudiera abarcar por completo el significado emocional de ese rostro y ese relato concreto, recogido al calor de un whisky y unos cigarrillos, pero es de ese mismo instante de confluencia del que surge una irrenunciable necesidad, aquella que pasa por atrapar el tiempo en imagen. La imagen se revela entonces testimonio de todo aquello que permanece en off. Y quizá sea por este camino, el de la imbricación de la necesidad íntima y el deseo de dejar constancia de un tiempo, por el que llegaremos entonces a La maman et la putain (1973) —filmada no por casualidad inmediatamente después de Número Zéro—, donde lo biográfico y lo relatado se unen hasta no conformar más que un todo indisoluble.
Podemos estar tentados entonces de leer las ficciones de Jean Eustache como el recorrido biográfico del joven autodidacta que se traslada a vivir a París, donde hacen aparición los cines, los bulevares y los cafés —«No hay un futuro que esperar ni un lugar adonde ir; hay cafés»—. Comenzaríamos entonces con Mes petites amoureuses (1974) asistiendo al paso a la madurez del joven Daniel y cómo, en él, los estertores de una mentalidad inocente, sentimental y romántica se enfrentan por primera vez a su absoluta negación y descreimiento. Llega después la amarga juventud en provincias, la precariedad económica y sentimental de Les Mauvaises Frequentations (1963) yLe Père Noël a les yeux bleus (1966). Pequeños relatos de itinerarios morales á la Rohmer pero en los que se suprime toda consecuencia reflexiva por parte de sus personajes. En la primera de ellas, lejos de ser la pareja de amigos quienes den por clausurada su jornada de aventuras, será el cineasta quien los deje marchar, cantando por las calles dispuestos a continuar la fiesta en un burdel. Los personajes de Eustache poseen la dureza y melancolía del provinciano, con las tentaciones de la capital, observarán con una mezcla de envidia y desprecio a burgueses e intelectuales, pero abandonando toda esperanza, toda creencia en sí mismos, abordados por un exacerbado nihilismo. Será así, con éste bagaje, como lleguemos a la resaca post mayo 68 en la que la política pasará a ser un elemento más de la vivencia individual y sentimental en La maman et la putain. Todo se revela entonces gris, bello y triste, como recuerda Michel, en uno de los excepcionales monólogos que componen el cuerpo del filme, «en esas horas del amanecer en las que confluyen en las barras de los bares los trasnochadores, los solitarios y los obreros dirigiéndose al trabajo». La única conclusión posible será la entrega absoluta, temerosa y vacilante, al amor, una arcada violenta que sobreviene en el instante decisivo, cuando se han acabado todas las palabras.
Pero continuar de este modo, separando las ficciones de los documentales, tan sólo nos conduciría a dejar atrás mucho más de lo que creemos. Para ver completamente a Jean Eustache agazapado tras sus imágenes deberíamos unir todos sus filmes e, intercalando unos con otros, trazar esa línea vital comenzando por la historia familiar en Número Zéro —como señala certera la abuela del cineasta, «si hay que empezar por alguna parte, empecemos por el principio»—, pasando al espectral recuerdo del lugar de la infancia capturado entre las imágenes de La Rosière de Pessac, abrazando la dolorosa adolescencia en Mes petites amoureuses y seguir así el itinerario del desencanto hasta La maman et la putain. Es en este deseo de anotar, de ver y reconstruir lo vivido, de atrapar el (propio) tiempo en una imagen, en el que parece que el único compañero de viaje posible para Jean Eustache sea Jonas Mekas. Ambos atacados por una misma pulsión enfermiza por registrar, por atrapar en el tiempo y que por caminos bien distintos los conduce a ambos a un cierto estado de primitivismo, de pureza.
Quizá no podamos contar a Jean Eustache entre ese puñado de cineastas decisivos para la historia del medio, mucho menos para la gran Historia. Ni falta que hace. Aunque en sus películas haya abrazado complejas estructuras de representación no se recordará por ser un creador de nuevas formas —es casi un reaccionario en este sentido— y los caminos transitados por su cine probablemente tan sólo le hayan servido a él mismo. Pero qué importa. Su cine, formado por grandes bloques de rotundidad escultórica y pétrea, hace pensar en una de esas amistades que se pierden en la oscuridad del recuerdo, forjadas en noches de insomnio y excitación juvenil; a confesiones expresadas a media voz durante un paseo de tarde, en alguna ciudad de provincias. Vivencias/imágenes que se contienen en formas tan puras que permanecen intactas a pesar de los años y las distancias, unidas por lazos invisibles a nuestros pasos. ¿Alguien da más? (Texto de Ángel Santos Touza, tomado de Miradas de Cine)
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DVD rip y capturas de alexkid (KG)


"Desde siempre he rechazado el título de "artista"... Desde hace tiempo rechazo sin embargo considerar el cine como un oficio. Eso es. Ni el escritor, sentado cada día ante su mesa de trabajo, ni el cineasta, ocupado en el plató, tienen tiempo de esperar a la inspiración. Y el resultado del trabajo, de un trabajo encarnizado, es más interesante que el de un "período de inspiración". La fantasía tiene su lugar, claro. Pero lo que cuenta es sobre todo el cuidado y el remate del trabajo. Me enteré hace tiempo de que los artesanos de la Edad Media debían realizar una obra para probar su habilidad. Se exponía y, si se la juzgaba mala, se quemaba. Aquello era una obra maestra. En definitiva, la palabra "artesano" se ajusta bastante bien al cineasta que yo querría ser." Jean Eustache
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Jean Eustache en Arsenevich