31 octubre 2010

Marcel Carné - Les enfants du paradis (1945)

 Francés/French | Subs: Castellano/English/Portugués
191 min | XviD 640x480 | 1753 kb/s* | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
2,63 GB + 3% recuperación/recovery
 
Los niños del paraíso
En su momento, Los niños del paraíso fue elegida como la mejor película sonora francesa, estando considerada por los galos como su particular Lo que el viento se llevó. Es también una de las obras más significativas dentro del "realismo poético" que impregnó el cine francés desde finales de los treinta hasta la eclosión de la "nouvelle vague", movimiento cultivado por directores como Julien Duvivier, Marcel Carné o Jean Vigo, con la presencia de actores característicos como Jean Gabin, Michèle Morgan o Danielle Darrieux, y compuesto por una serie de películas teñidas de lirismo y fatalidad, de una peculiar atmósfera brumosa, de amores imposibles, felicidades efímeras y anhelos de huída.

Realizada a trompicones durante la Ocupación nazi por Marcel Carné (1909- 1996), el cineasta más famoso del país ya que Jean Renoir y René Clair se hallaban exiliados en EE.UU., Los niños del paraíso se estrenó en 1945 tras la liberación y estuvo en cartel a lo largo de 54 semanas. Gran fresco histórico del París de mediados del s. XIX, el del teatro popular y la literatura folletinesca, de calles bulliciosas y gentes que malviven, transcurre principalmente en el "boulevard du crime", así llamado irónicamente por la cantidad de obras de asunto criminal y desenlace fatídico que se representaban en sus teatros. Su hilo conductor es Garance, una hermosa mujer en busca de fortuna en cuya vida se cruzan cuatro hombres. En su segunda mitad (los nazis no dejaban hacer filmes de más de noventa minutos y Carné eludió la prohibición diviendo las tres horas de la historia en dos partes), Garance regresa a París y los hombres que habían influido en su vida aparecen de nuevo en escena.

Impregnada de un sentimiento melancólico, con momentos llenos de magia, la película se erige en un homenaje al teatro y a sus gentes, ofreciendo como no podía ser menos unas excelentes interpretaciones a cargo de Arletty (famosa actriz gala a menudo comparada con Marlene Dietrich), Jean- Louis Barrault, Pierre Brasseur o la española María Casares. Cuenta también con unos portentosos decorados de Alexandre Trauner, la presencia de dos mil figurantes, y sobre todo con los bellos parlamentos de Jacques Prévert.(UPNA)

El rip está dividido en dos partes. La primera es rip mío, la segunda de charulata de KG. Los datos técnicos corresponden a mi rip. El de charulata tiene la misma relación de aspecto, con un bitrate ligeramente inferior.
 Children of Paradise
Poetic realism reaches sublime heights with Children of Paradise (Les enfants du paradis), the ineffably witty tale of a woman loved by four different men. Deftly entwining theater, literature, music, and design, director Marcel Carné and screenwriter Jacques Prévert resurrect the tumultuous world of 19th-century Paris, teeming with hucksters and aristocrats, thieves and courtesans, pimps and seers...
 1840, boulevard du crime. Les amours contrariées de Garance et du célèbre mime Debureau, tous deux séparés par d'autres amours : Lacenaire, Frédérick Lemaître et un richissime comte pour Garance ; la fidèle, aimante et malheureuse Nathalie pour Baptiste. Chef-d’oeuvre absolu avec Jacques Prévert au scénario et Marcel Carné à la réalisation, Les Enfants du Paradis a été élu meilleur film de tous les temps par les critiques français à l’occasion du centenaire du cinéma. L’affiche est une succession de noms désormais mythiques (Jean-Louis Barrault,Pierre Brasseur, Marcel Herrand…) avec, au sommet, l’inégalable Arletty.


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Marcel Carné en Arsenevich
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30 octubre 2010

Temur Babluani - Udzinarta mze (1992)

Georgiano/Georgian | Subs: Spanish, English, French, German, Italian, Russian (Sub/Idx)
123 min | XviD 656x480 | 1637 kb/s | 128 kb/s Mp3 | 25 fps
1,55 GB


El doctor Gela (Elgudzha Burduli) está obsesionado con encontrar una cura para el cáncer, hasta el punto de que sus investigaciones ha sobrepasado ciertas barreras en su vida personal y ha sido despedido del hospital donde trabajaba. Pero él prosigue desde su casa, con sus ratones cancerosos, en busca de una vacuna... (FILMAFFINITY)


The director dedicated this lyrical, epic film-confession to the memory of his father who was a doctor. The film’s protagonist, an ambulance doctor, conducts dangerous experiments in search of a vitally important vaccine. His wife believes in his work, though his daughter would not understand him. His son, who is absolutely unlike his father in character, is trying to protect him. But self-denial in the name of science proves too high a price. Just when he is on the verge of discovery, the doctor loses everything he has gathered as a result of his twenty-year-long work. This loss brings him even closer to his son. The shooting of the film continued for seven years (1985-1992), making it a metaphorical culmination of the Soviet cinematography and the Soviet way of life as a whole.


There was a time when georgian cinema was stalled, all new movies were at least forgetable if not worse (actually not that many movies were coming out at that time).Udzinarta Mze(english trsanslation would be
"Sun of Sleepless" ) came out exactly at that time as a message that georgian cinematographic traditions weren't extinct. Movie is about Physician who is developing new treatment of cancer, but his studies are not well recieved because medical society is co "closed" one. He is not well recieved in the society in general because he is "different" and nobody needs him . Despite all this, his family is very supportive and his son who is seen in the begining of the movie as a some sort of criminal believes in his father more than anybody. As you might expect physician dies without achieving his dream.
Despite the fact that this movie is addressing the global problem of "closed society" it is very "georgian". Characters, relations between family, realtions between friends and outside world is very "georgian".
As you watch the movie you start liking the main characters more and more and you can feel that director has a huge compassion towards them, he really cares about them. Everything in this movie is outsdanding:story, cast, photography etc. Emotions can overwhelm you watching " Sun of Sleepless".
Movie is also full of comical and violent (latter is quite new to georgian cinema) episodes which are handled very tastefully and never go out of context, and you never get swayed away from the main theme, on the contrary these episodes are integral part of the movie. How does director do this? Don't know
Actors are magnificent. Guja Burduli playing the main character is extremly convincing as a struggling scientist, he is outstanding throughout the movie. D Kazishvili who plays his son Dato is not even a professional actor, but he does more than outstanding job, He steals the show in so many instances that him being amature is not even remembered.
And of course worth noting the haunting score written by director himself but one can see the roots coming out from georgian folk music.
Many things can be said about this movie, but there are not many movies out there that can deliver this level of perfect balance between realism and an art. It is an emotional filmmaking at its best.
It is simply a masterpiece of moviemaking!


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29 octubre 2010

Henri-Georges Clouzot - Le Salaire de la Peur (1953)

Francès I Subs:Castellano
142 min I Xvid 576x432 I 1080 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 23.97 fps
700 MB (CD1) y 698 MB (CD2)
La obra maestra de Clouzot narra la peripecia de un grupo de hombres encargados de dinamitar a traves de un agreste pais latinoamericano. El riesgo de que el cargamento explote con la menor sacudida da a la mision y por ende a la pelicula, no solo un grado de suspense memorable, sino tambien un tono existencial -nihilista en ocasiones- realmente emotivo. Un soberbio tour de force.
Aunque identificada como un drama situado en el cine de acción, El salario del miedo también es una película neorrealista, especialmente en su primera parte. Y en su conjunto, un film de denuncia que, quizá sin proponérselo, acaba siendo político.
La acción discurre en algún lugar dejado de la mano de Dios en la América española sudamericana. Las Piedras es el nombre de la población y cuenta con su modesto aeropuerto: San Miguel. Rápidamente caemos en cuenta de la enorme miseria prevalente, del calor sofocante y de la pandemia del desempleo. Mario (caracterizado por Yves Montand) comenta a Jo (Charles Vanel), un recién llegado de pasado sospechoso pero francés como él, que ahí nadie tiene trabajo; si acaso, una pequeña ocupación de repente para poder comer y beber un trago. Llama la atención también que, amén de los oriundos (criollos, mestizos, indígenas y negros), la población congrega a una verdadera sucursal de la Legión Extranjera: franceses, españoles, italianos, canadienses y hasta un alemán. Todos igual de pobres que los locales, salvo los norteamericanos, que explotan un yacimiento petrolífero vía la empresa SOC (Southern Oil Company), asentada en el llamado Campamento B-60, la única en kilómetros a la redonda. Muchos dan la impresión de que viven porque no hay otra mejor cosa que hacer, pero la sensación de confinamiento y abandono los ha hecho permeables a la desgracia, por lo que dentro de todo hay alegría y matices variados de existencia, orientados todos a un estado de alerta permanente que permita identificar (especialmente en el caso de los extranjeros), la oportunidad de hacerse de recursos suficientes para escapar para siempre de esa geografía olvidada, a la que nunca debieron dirigirse y regresar a sus países de origen. (...)
A este lugar desconocido ha llegado Jo cuando paga 50 dólares por ser enviado a donde sea, al salir huyendo de donde vino: a parajes latinoamericanos, sí, pero con ambientes que tanto evocan a El Extranjero de Albert Camus, con toda su lasitud, desolación y abrumador calor. Quizá la diferencia más significativa entre la célebre novela del escritor existencialista y los cuadros geográficos y humanos que retrata El salario del miedo de Clouzot es que la gente que vive y anima este microcosmos, al menos actitudinalmente, encuentra modo de adaptarse sin conflictos e ir llevando la cosa sin tomársela muy a la tremenda. De hecho, el centro de reunión masculina –de machos, muy machos- es la cantina de un español poco comedido con su clientela.
Hay otra clave importante en esta primera parte de El salario del miedo que he calificado de neorrealista: como puede leerse con más detalle en el apunte biográfico del realizador (incluido en este mismo artículo, y efectuado con base en una notable semblanza hecha por Manuel Villegas López), Henri-Georges Clouzot filma El salario del miedo tras acometer un documental etnográfico-antropológico, a la postre inconcluso, al que tituló Brasil, país de origen de Vera Amado, con quien se casó y es más conocida por su nombre como actriz: Vera Clouzot (participa como Miss Darling en el film que nos ocupa). Es claro que el cineasta francés, tras su contacto con la selva cuasi-virgen amazónica, en su paso por andurriales y comunidades, con ritos, etnias, música y cosmovisiones francamente distintas a las propias de un galo por demás letrado de mediados del siglo XX, acomete su cinta con una sensibilidad diferente y mucho más cercana a esa realidad otra que no es la suya, lo que contribuye decisivamente al aire neorrealista de la primera parte del film. Especialmente logrado en ello es su retrato de la negritud, de formas diríase que primitivas y altamente rítmicas de la música y la danza colectiva, del papel de la religiosidad y la santería. Por contraparte, el papel que juega un amuleto como expresión de ánimo y esperanza en el caso de Mario-Montand: su boleto de acceso a un lugar en el legendario barrio de Pigalle en París. Para el caso, hace las veces de la esfera acuática Rosebud para Kane, en la magistral obra de Orson Welles. Curiosamente, ambos talismanes con papel señalado en el caso del desenlace de los dos films.
El paso del neorrealismo a una suerte de road-picture lo establece Clouzot a partir de algo que puede suceder en cualquier momento, cuando con lo que se trabaja es con la extracción de petróleo y la tecnología con la que se cuenta es la de principios de los cincuenta del siglo pasado (“de punta” entonces, ni quién lo dude): su “Ixtoc II” particular o, en proporción y alcances equiparables, la desgracia reciente que nos tuvo en vilo e indignó de nuestros mineros en Coahuila: se produce un accidente en el pozo petrolero que explota la compañía gringa y opera con elementos mínimos de seguridad para quienes ahí laboran. Los paganos, como siempre, son trabajadores del lugar: el saldo es de 4 muertos, 13 heridos y 8 quemados. Y, allá como aquí, queda exhibida la corrupción, la colusión de las autoridades locales y los sindicatos con la empresa, más preocupada por las pérdidas que arroja el pozo en llamas (porque no pueden seguir succionándolo) que por el tributo humano o el daño ecológico evidente que se está produciendo. Ante la falta de equipo especial para sofocar la conflagración y habida cuenta que los caminos que conducen al campamento donde está el pozo son en su mayoría de terracería y en un estado lamentable, quienes están a cargo de la compañía lanzan la convocatoria para osados que estén dispuestos a jugarse la vida, a cambio de una paga extraordinaria, transportando en desgastados camiones y sin mayor protección una gran cantidad de nitroglicerina. Sólo así, estiman los expertos de la organización petroquímica, podrá sofocarse el fuego. Tras riguroso reclutamiento de los que se presentan, son seleccionados cuatro aspirantes, uno de los cuales a última hora no se presenta (Smerloff, el antipático alemán, caracterizado por Jo Dest), mediada una “mano negra” que se sugiere pero nunca se aclara en el contexto del film.
¡Y a sufrir, espectador, se ha dicho! Salen dos camiones-bomba con una tonelada de nitroglicerina cada cual y tripulados, uno por Mario y Jo; el otro, por Luigi, el animoso italiano (Folco Lulli) y por Bimba (Peter van Eyck), un hombre introvertido y tormentoso, del que conoceremos parte de su historia en el trayecto. El camino, casi previsiblemente, se constituye en un periplo odiséico, que habrá de poner a prueba el temple y creatividad de quienes lo hollan. Se necesita determinación y valor: ningún obstáculo es suficiente cuando hay confianza en sí mismo; pero más aún cuando lo que se persigue es merecer la existencia aspiracional que sobrevendrá si se pasa la prueba. Si no, en fatal conclusión, la vida no vale nada, como dijera nuestro bardo guanajuatense.
En situaciones-límite, las máscaras y poses se derrumban (recuérdese, por ejemplo, Persona) … y entonces habrá de aflorar la pasta de la que está hecho cada uno de los cuatro camioneros: el prepotente, acaba por mostrarse menoscabado y cobarde; el animoso, se erige como figurón cuando sabe que máximo unos meses de vida le quedan por una afección respiratoria debida al trabajo que llevó a cabo en contacto con el polvo del cemento; el huérfano, que si bien golpeado por la vida en su infancia y de adulto vive en este lugar abandonado, cuando presiente que se acerca su hora, se afeita y arregla, para llegar al encuentro con la huesuda con gran dignidad; y también está convocado el de nervios de acero y que no se arredra, el fuerte, el condenado por la ley de la evolución a sobrevivir en tanto que es el de espíritu con mayor forja … y que, para su desgracia, no comprende que los episodios no concluyen hasta que terminan, y que sólo después de ello es posible bajar la guardia y celebrar como Dios manda.
La película es recordada por los grandes públicos, por aquellos justo que hicieron de El salario del miedo una “película de época”, por la intensa segunda parte del film, cuando el cine de acción y el road-picture se encuentran con fortuna. Aquí, Clouzot no construye retratos psicológicos de gran profundidad. Como el hombre de acción que era, somete a sus personajes –conforme al hilo anecdótico de la obra de Arnaud- a retos que demuestran sus tamaños reales y, en algunos casos, evidencian sus flaquezas y debilidades. Les hace ganar el pan con el sudor, con mucho sudor, de su frente y organismo todo. Como en el caso del mejor spaghetti-western de Sergio Leone, los diálogos son cortos y, también, los personajes hacen gala de cierto humor negro elegante, en medio de relaciones humanas en que la adversidad favorece lazos de solidaridad amistosa.
A fin de cuentas, los nadadores contra-corriente conocen cada cual su destino, y la presea a la que su participación les ha hecho merecedores … sin embargo, Clouzot recuerda al espectador que hay alguien detrás de la cámara, con poder no sólo para sugerir, sino para establecer los tintes del desenlace: el guerrero coronado tras su hazaña, se descuida incluso en lo elemental en su retorno contemplado a orígenes sucesivos. El Danubio Azul, el conocido vals de Richard Strauss, a la par que arranca los suspiros de más de una quinceañera de ayer u hoy, acompaña los plásticos y audaces giros de un conductor que juguetea en la conducción de su camión, ya despojado de la explosiva carga … y como en algunos finales de películas de Hitchcock, y luego también de Brian De Palma, aún está por suceder “algo” que bien contribuirá a la leyenda aún vigente de El Salario del miedo. Un detalle genial más de Clouzot que hace incontrovertible su magistralidad en la hechura del film.
Los personajes centrales de la cinta –que en algo evocan a los protagónicos de El tesoro de la Sierra Madre de John Huston- tienen ese tinte de aventureros y valientes; de ese llegar al límite prudente y más allá. Sólo así se alcanza la redención. La vida a cambio de un sueño, de un recuerdo, de lo que anega la nostalgia … a fin de cuentas, un fuego petrolero y existencial que se apaga con aguas y vaivenes de un Danubio Azul. Y por ello el título de esta nota, que refrenda la sabiduría de José Alfredo: “No vale nada la vida; la vida no vale nada“. (Texto de Luis Arrieta Erdozain, tomado de CineClub Viena 294)
Guatemala, 1951. Après diverses péripéties, un groupe d'Européens a échoué à Las Piedras, une misérable bourgade où règnent la misère et le chômage. Un jour, un puits de pétrole est ravagé par un gigantesque incendie. Une compagnie pétrolière américaine, la SOC, décide alors d'embaucher quatre hommes afin de convoyer 400 kilos de nitroglycérine, répartis en 2 camions, jusqu'au puits de pétrole. Quatre des Européens sont engagés : Mario, Jo, Luigi et Bimba. Mais la tâche ne sera pas aisée, car les routes sont presque impraticables. Le moindre cahot peut donc être fatal...
“Esto es como una prisión: entrar es fácil pero no hay salida. Si te quedas, revientas.” Mario a Jo
Subs :
-o-
Henri-Georges Clouzot en Arsenevich
NOTA: Ya estàn ahì los links de la versiòn mejorada (Criterion). De nada.
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28 octubre 2010

Otto Preminger - Laura (1944)

 
  Inglés/English | Subs: Castellano/Français/Portugués/English
87 min | XviD 640x480 | 1410 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,07 GB + 3% recuperación/recovery

 En la ciudad de Nueva York, una mujer llamada Laura Hunt (Gene Tierney) ha sido asesinada. El detective Mark McPherson (Dana Andrews) se hace cargo del asunto, siendo sus primeras tareas el interrogatorio de dos posibles sospechosos: un periodista llamado Waldo Lydecker (Clifton Webb) y Shelby Carpenter (Vincent Price), el prometido de la fallecida.

Probablemente el mejor título del director vienés Otto Preminger y una de las historias más fascinantes del cine negro de los años 40.
Iniciada por Rouben Mamoulian, la película centra el misterio en torno al personaje femenino que da título al film, una mujer que obsesiona a todos los hombres que se acercan a su personalidad y figura, desde el sentimiento necrófilo del policía encargado de la investigación, hasta el sincero entusiasmo amoroso de un seductor gigoló de refinado porte, pasando por la ofuscación paranoica de un maduro y celoso escritor, lleno de agudeza y cultura, que se verá arrastrado por una malsana perturbación pasional. (El Criticón)

DVD rip y capturas de charulata (KG)

 This adaptation of Vera Caspary's suspense novel was begun by director Rouben Mamoulien and cinematographer Lucien Ballard, but thanks to a complex series of backstage intrigues and hostilities, the film was ultimately credited to director Otto Preminger and cameraman Joseph LaShelle (who won an Oscar for his efforts). At the outset of the film, it is established that the title character, Laura Hunt (Gene Tierney), has been murdered. Tough New York detective Mark McPherson (Dana Andrews) investigates the killing, methodically questioning the chief suspects: Waspish columnist Waldo Lydecker (Clifton Webb), wastrel socialite Shelby Carpenter (Vincent Price), and Carpenter's wealthy "patroness" Ann Treadwell (Judith Anderson). The deeper he gets into the case, the more fascinated he becomes by the enigmatic Laura, literally falling in love with the girl's painted portrait. As he sits in Laura's apartment, ruminating over the case and his own obsessions, the door opens, the lights switch on, and in walks Laura Hunt, very much alive! To tell any more would rob the reader of the sheer enjoyment of watching this stylish film noir unfold on screen. Everything clicks in Laura, from the superbly bitchy peformance of Clifton Webb (a veteran Broadway star who became an overnight movie favorite with this film) to the haunting musical score by David Raskin.

 Le jeune inspecteur Mark McPherson (Dana Andrews) enquête sur la mort de Laura Hunt (Gene Tierney), une jeune et séduisante décoratrice mystérieusement assassinée. En recueillant les confidences de Waldo Lydecker (Clifton Webb), chroniqueur mondain et mentor de la jeune femme, Mark se laisse peu à peu envoûter par la personnalité de la disparue et par son portrait, qui orne le mur du salon de son appartement… Chef-d’œuvre du film noir réalisé en 1944 par Otto Preminger d’après un roman de Vera Caspary, Laura est aussi fascinant que son insondable héroïne, incarnée par une sublime Gene Tierney de vingt-quatre ans. Romantique et mystérieux, relevé par une pointe de satire, ce bijou du 7e art est transcendé par la beauté exceptionnelle de l’actrice, mais aussi par la musique entêtante de David Raksin (devenue un classique) et la mise en scène inspirée de Preminger. Pourtant nominé dans cinq catégories aux Oscars, Laura n’a remporté en 1945 que l’Oscar de la meilleure photo, un superbe noir et blanc signé par le prestigieux Joseph LaShelle.


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Otto Preminger en Arsenevich 


 
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27 octubre 2010

Jason Reitman - Juno (2007)

Inglès/English-Castellano (Dual) I Subs:Castellano
93 min I Xvid 624x336 I 1282 kb/s I 448 kb/s cbr AC3 I 25 fps
1,36 GB
Juno Macguff (Ellen Page) tiene 16 años y es, según los adultos que la rodean, más inteligente de lo que le conviene. Y sí, es cierto, es ingeniosa, culta, rápida en las respuestas, observadora y, sobre todo, sarcástica. Ese sarcasmo es su particular trinchera para esconder sus miedos y las dudas. La relación que mantiene con un compañero de clase, Bleeker (Michael Cera), acaba de dejar fruto: está embarazada.Juno viene a recoger el testigo dejado el año pasado, en estas fechas previas a la ceremonia de entrega de los premios Oscar, por Pequeña Miss Sunshine. Ambas películas se sitúan en ese desdibujado espacio que pretende dar forma a ese cuerpo difuso llamado cine independiente y asientan el punto de vista de la narración en las vicisitudes de los niños y jóvenes, aunque el calado de las dos historias sea eminentemente adulto. Hoy en día, cualquier cosa cabe en el ajado saco de lo indie. A fin de cuentas, los ecos lejanos del cine de Rainer Werner Fassbinder o John Cassavetes parecen cumplir mejor los preceptos de la independencia cinematográfica que esta producción de una filial de la Fox. Es cierto que Juno prima la ficción de raíz humanística frente a los efectos especiales o las caras de actores semi-desconocidos versus a las estrellas hollywoodenses consagradas; sin embargo, el discurso del cine independiente se ha adocenado, fagocitado por la maquinaria de las grandes productoras que parecen haber transformado el serpenteante río del Festival de Sundance en una provechosa piscifactoría de activismo cinematográfico.
Atrás quedan títulos como Gracias por fumar —del propio Jason Reitman—, Alta fidelidad, American Splendor —los títulos de crédito de Juno nos remiten a esta película— o Entre copas. Y de todas ellas, se pueden escribir frases parecidas. Entrando más en materia, Juno saca partido de instalar a sus personajes en situaciones de cierta complejidad, donde los silencios se convierten en trances incómodos y las interacciones sociales se tornan en algo notablemente tenso. El guión de Diablo Cody exprime, en estas circunstancias, la comicidad de un material que apunta, más bien, a la tragedia y lo melodramático. La historia de Juno (inconmensurable Ellen Page), esta joven de 16 años que decide entregar en adopción al bebé que está engendrando, se deja ver, en un principio, como una comedia adolescente (la habitación de Juno y su amiga está rebosante de pósters y todo tipo de gadgets; asimismo, constantemente veremos a chicos corriendo con la equipación deportiva del instituto y a cheerleaders entrenando sus destrezas mientras piensan en el próximo baile de fin de curso) hasta que ésta conoce a los futuros padres adoptivos del pequeño. A partir del momento en el que Juno determina a quién cederá su bebé, las aristas del relato comienzan a revelarse. Juno congenia con Mark (Jason Bateman), se identifica con él, hasta que la imagen idealizada de éste se diluye para dar paso a otra mucho más desengañada, presa de la inmadurez de un Peter Pan que no quiere crecer. A su lado, Vanesa (Jennifer Garner) parece ser una mujer que desea colmar su vacío existencial con cierta rigidez en sus relaciones diarias y, sobre todo, con una maternidad a estrenar.
Sin alcanzar el grado de hieratismo de los personajes que Wes Anderson mima en su excelente Viaje a Darjeeling ni la excentricidad de los de Pequeña Miss Sunshine, y que suele ser tan común en este tipo de producciones, el catálogo de sujetos que pueblan la película es de lo más variopinto. Partiendo de la propia Juno, que se muestra como una adolescente alejada de cualquier corriente actual. Sus frases, vacías de lisonjas, que rechinan hasta casi parecer increíbles —y más si tenemos en cuenta que fuma en pipa— por su mordacidad e inteligencia, son las que van desgranando la hipocresía y el fariseísmo de los adultos que la rodean y de sus compañeros y compañeras de clase. Ante la disyuntiva de dos caminos a seguir y pudiendo llevar la contraria, mejor escoger la opción del medio —son diversos los planos en los que, de espaldas a la cámara, Juno se abre camino ante una ingente masa de adolescentes que transitan en sentido contrario al suyo—, aunque ésta no sea, precisamente, un atajo. Así, el modo deseable de insubordinarse no es abortar con autorización paterna o sin ella, sino teniendo a su hijo y dándolo en adopción a una pareja lo más cool posible.
Puede ser que como le sucediera a Pequeña Miss Sunshine o Entre copas, esta película acabe siendo un tanto sobrevalorada por público y crítica. No obstante, de lo que no cabe duda es que Juno cuenta una historia que nos va atrapando poco a poco y que deja un excelente sabor de boca, quizás por ese magnifico travelling en retroceso con el que Reitman cierra la película. Bleeker (Michael Cera) y Juno cantan una canción con sus guitarras y acaban besándose mientras un grupo de atletas de instituto pasan corriendo por delante suyo. Definitivamente, eso no va con ellos. (Texto de J.A. Souto Pacheco, tomado de Miradas de Cine)
Somewhere between the sharp satire of Election and the rich human comedy of You Can Count On Me lies Juno, a sardonic but ultimately compassionate story of a pregnant teenage girl who wants to give her baby up for adoption. Social misfit Juno (Ellen Page, Hard Candy, X-Men: The Last Stand) protects herself with a caustic wit, but when she gets pregnant by her friend Paulie (Michael Cera, Superbad), Juno finds herself unwilling to terminate the pregnancy. When she chooses a couple who place a classified ad looking to adopt, Juno gets drawn further into their lives than she anticipated. But Juno is much more than its plot; the stylized dialogue (by screenwriter Diablo Cody) seems forced at first, but soon creates a richly textured world, greatly aided by superb performances by Page, Cera, Jennifer Garner and Jason Bateman as the prospective parents, and J.K. Simmons (Spider-Man) and Allison Janney as Juno's father and stepmother. Director Jason Reitman (Thank You For Smoking) deftly keeps the movie from slipping into easy, shallow sarcasm or foundering in sentimentality. The result is smarter and funnier than you might expect from the subject matter, and warmer and more touching than you might expect from the cocky attitude. Page's performance is deceptively simple; she never asks the audience to love her, yet she effortlessly carries a movie in which she's in almost every scene. That's star power. --Bret Fetzer
"Sólo necesito saber si es posible que dos personas estén felices juntas para siempre." Juno
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26 octubre 2010

Paolo Sorrentino - L'uomo in più (2001)

 Italiano | Subs: Castellano/English/Italiano
97 min| DivX 640 x 352 | 812 kb/s | 160 kb/s mp3 | 25 fps
680 MB + 3% recuperación/recovery

El hombre de más
Primer largometraje de Paolo Sorrentino. En los años 80, Tony Pisapia (Toni Servillo) y su tocayo, Antonio (Andrea Renzi), se encuentran en la cima de sus profesiones. Tony es un cantante de clubes nocturnos que tras años de lucha ha logrado la fama en todo el país, y Antonio es un jugador de fútbol que se convierte en estrella después de anotar el gol de la victoria en un partido del campeonato de Europa. Sin embargo, después de unos años la vida de los dos hombres experimenta un drástico cambio. Tony desarrolla una adicción devastadora a la cocaína, y después de que se sabe que ha tenido relaciones sexuales con una menor de edad, no parece probable que su público lo perdonará. Mientras tanto, una lesión en la pierna ha puesto fin a la carrera futbolística de Antonio, y se encuentra comenzando de cero en una nueva carrera como entrenador. También se enfrenta a otra crisis personal cuando su mujer, frustrada por la falta de actividad de Antonio, lo abandona...

Subtítulos en castellano de tribu

One Man Up
In the early '80s, Tony Pisapia (Toni Servillo) and his namesake, Antonio (Andrea Renzi), have each risen to the peak of their chosen professions. Tony is a nightclub singer who after years of struggle has achieved nationwide fame, and Antonio is a soccer player who becomes a star after scoring the game-winning goal in the European championship match. However, a few years down the line both men are experiencing a sharp reversal of their good fortune. Tony has developed a devastating cocaine addiction, and after it's revealed he's become sexually involved with an underage girl, it doesn't seem likely that the public will ever forgive him. Meanwhile, a leg injury has put an end to Antonio's career as an athlete, and he finds himself starting from zero as he tries to launch a new career in coaching; he faces another personal crisis when his wife, frustrated by Antonio's career decline, leaves him. L'Uomo in Piu was loosely based on the true stories of two Italian celebrities, musician Franco Califano and football star Agostino Di Bartolomei.

English subtitles by bastelik and kinofil (KG)

 
Primo lungometraggio del giovane regista napoletano Paolo Sorrentino, "L'uomo in più" rientra nella rosa dei sei titoli italiani approdati all'ultimo Festival del Cinema di Venezia. Ambientato a Napoli negli anni Ottanta, quelli dell'esagerazione e del divertimento a tutti i costi, nasce e si costruisce sull'omonimia tra due uomini le cui vite, parallele per tanti aspetti, si incrociano per un breve ma significativo istante. Li conosciamo all'apice del successo, li seguiamo nelle prodezze della gloria, assistiamo ai loro incidenti di percorso, ne condividiamo il triste declino. Uno, Tony Pisapia, è un cantante acclamato dalle folle e amato dalle donne, egocentrico, sbruffone, sicuro di sé, invincibile. L'altro, Antonio Pisapia, è lo stopper di una squadra di serie A, autore di un memorabile gol in rovesciata, riservato, ingenuo, riflessivo, con il sogno di uno schema ideale da adottare in campo una volta diventato allenatore - quello dell'uomo in più, per l'appunto...


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Paolo Sorrentino en Arsenevich
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25 octubre 2010

Otto Preminger - Anatomy of a Murder (1959)

Inglès/English-Castellano (Dual) I Subs:Castellano
154 min I Xvid 624x352 I 1043 kb/s I 103 kb/s vbr mp3 I 25 fps
1,36 GB
Un policía asesina fríamente al violador de su mujer. Tras ser detenido, es llevado a juicio, donde se reflejarán todo tipo de emociones humanas, desde los celos a la rabia. Uno de las películas de juicios más aclamadas de la historia del cine. Resulta curiosa la imagen que todos tenemos de un actor como James Stewart. A lo largo y ancho de su carrera, en la que encontramos joyas de prácticamente todos los géneros, nos ofreció papeles que transmitían ante todo bondad y buenos sentimientos. Ya sea por sus trabajos a las órdenes de Frank Capra, en los westerns de Anthony Mann, en los thrillers de Alfred Hitchcock, o en películas como ‘El invisible Harvey’, Historias de Filadelfia’ o ‘El hombre que mató a Liberty Valance’ (por poner sólo unos ejemplos), Stewart siempre representó el lado más humano y justo del ciudadano medio norteamericano.
Por eso, y dejando a un lado las pocas veces que Stewart dio vida a personajes ambiguos o de dudosa moral (‘Dos cabalgan juntos’ de John Ford), llama la atención su cometido en ‘Anatomía de un asesinato’, el film judicial que Otto Preminger realizó en 1959. El actor da vida a un abogado, en épocas flacas, que decide aceptar el caso de un asesinato. Pero Stewart no realiza la misión que hizo en ‘Yo creo en ti’, donde se esforzaba por demostrar la inocencia de un acusado, sino algo realmente temible y duro: defender con todas las argucias posibles a un verdadero culpable de cometer un crimen.Otto Preminger fue uno de los grandes realizadores del cine norteamericano. Sólo por haber dirigido una obra de la importancia de ‘Laura’ (una de las cumbres del drama criminal), merecería un puesto de honor en la historia del cine. Pero es que además de la película protagonizada por Gene Tierney, Preminger firmó otras obras no menos importantes. ‘Al borde del peligro’, ‘Daisy Kenyon’, ‘El rapto de Bunny Lake’, ‘Angel Face’ o ‘Tempestad sobre Washington’ son algunas joyas de su cine tan personal, siempre aspirando a una determinada perfección. Algunas de sus películas permanecen incólumes al paso del tiempo dejando el sello, tan fácilmente reconocible y tan difícil de alcanzar, de las rotundas obras maestras.
‘Anatomía de un asesinato’ pertenece a ese subgénero de juicios, tan del gusto del espectador de casi todas las épocas. Pero el film de Preminger va por otros derroteros totalmente distintos al 90% del grueso de los films de esta índole. Es normal ver un film de juicios en el que se juegue con el espectador ocultándole datos, mostrando giros argumentales, e intentado sorprender al público con una determinada sorpresa final. Algo tan fácil de ofrecer, pero rara vez siempre bien hecho (me viene a la memoria ‘El sargento negro’ de Ford, o ‘Testigo de cargo’ de Wilder como perfectas muestras de ello). A Preminger no le interesa en caso en sí y sus recovecos, aunque en determinado momento se preocupe de analizar el crimen, pero con un determinado fin. Al director de ‘Laura’ le interesan los personajes y los que éstos son capaces de hacer, describiendo el mundo que les rodea y a ellos.Sabemos desde el principio que el acusado es culpable. Ha cometido un asesinato por celos, unos celos provenientes de la violación sufrida por su pareja, una mujer ligera de cascos de esas que enturbian los pensamientos de los hombres que pululan a su alrededor. Ben Gazzara y Lee Remick forman ese matrimonio, tan peculiar como extraño. Ella, coqueteando con todos, pero sintiéndose pertenencia de aquel que es capaz de matar por ella. La actriz fue elegida por el propio director, quien se fijo en ella después de verla en ‘Un rostro en la multitud’ de Elia Kazan, logrando imponer su nombre al de Lana Turner, actriz inicialmente prevista para dar vida al personaje. No sabemos de lo que hubiera sido capaz Turner con este rol (de sólo pensarlo me entran sudores), pero Remick confiere al personaje una mezcla de sensualidad e inocencia totalmente irresistible. A su lado, Gazzara, haciendo todo lo que su abogado le dice, pero pensando únicamente en su mujer, receloso de todo hombre que la mira, una bomba a punto de explotar.
Otto Preminger no juzga a sus personajes ni establece ningún tipo de moralidad sobre lo que narra. Se limita a exponer los hechos de forma directa, a veces cruel, dejando para el espectador el decidir qué está bien y qué mal. ‘Anatomía de un asesinato’ nos deja perplejos desde el momento en el que James Stewart acepta el caso porque necesita el dinero. Un hombre ha cometido un crimen, es culpable, pero como todo acusado tiene derecho a un juicio justo. Pero ¿existe justicia en el momento en el que alguien que ha matado a otra persona sale en libertad gracias a alegar locura temporal? Sabemos, ya que Preminger nos lo muestra claramente, que el personaje de Gazzara no estaba loco cuando cometió el crimen, ni se dejó llevar por un arrebato que le cegó el sentido común, y asistimos atónitos a la defensa por parte de Stewart de alguien que merece la cárcel. El acierto del Preminger es que lo muestra como algo totalmente cotidiano, sin sumar el aspecto de espectáculo que el cine posee. El más descarando realismo impregna cada una de las secuencias de esta gran película, lo cual hace más terrible su premisa. ‘Anatomía de un asesinato’ posee una banda sonora a cargo de Duke Ellington, quien aparece en la película realizando un cameo. Stewart además toca el piano en varios momentos, lo cual viste su personaje, definiéndole como alguien culto. Un score de puro jazz que da al film un abierto carácter de cine negro en la mejor tradición del género, con personajes normales y corrientes, tan vivos como las imprevisibles notas de cualquier melodía de Ellington. El ser humano queda perfectamente reflejado en ‘Anatomía de un asesinato’, película tal vez demasiado larga, pero que no deja indiferente. El acierto de Preminger fue darle la vuelta a la tortilla logrando que los buenos defendiesen al malo, y que los que le acusan (con toda la razón) pareciesen malos a nuestros ojos, al menos en lo que nos toca observar en el personaje de un apasionado George C. Scott, el fiscal al que se enfrenta Stewart en varias escenas del film.
¿Y qué queda después de la anatomía? Un mundo peor. Una mujer a las órdenes de un hombre inestable y violento, un asesino suelto, un abogado sin cobrar, y la justicia como el lugar en el que cualquiera con cultura y cabeza puede hacer trampa para poner la balanza de su lado. Todos salen perdiendo.
A continuación, los impresionante títulos de crédito iniciales, obra de Saul Bass, habitual colaborador de Preminger o Hitchcock, entre otros. Y como anécdota resaltar el lenguaje, demasiado atrevido para la época (habiendo incluso algún momento cómico al respecto). Tanto es así, que al padre de James Stewart le pareció la película más sucia que vio en su vida, recomendando en su periódico local el no ir a verla. (Blog de Cine)
Otto Preminger turned this 1959 courtroom drama, based on the popular novel, into terrific adult drama. James Stewart stars as a small-town lawyer who defends an army officer (Ben Gazzara) accused of murdering a bartender who assaulted his wife (Lee Remick). The taut script, large performance by Stewart, and then-daring elements of the story (words like "panties" are spoken in the context of discussing a sex crime) give the action a certain immediacy--which you don't find very often in today's movies about jurisprudence. Nice work by Remick and Gazzara, as well as George C. Scott, Arthur O'Connell, and real-life judge Joseph N. Welch, who plays the judge in this film. A very good experience all around. --Tom Keogh"A los nueve años quería ser actor; a los 19 era ya director de escena; a los 21 fundé un teatro en Viena, que todavía existe; y a los 26 me fui a Estados Unidos. Así Adolf Hitler no tuvo la suerte de encontrarme en Austria cuando él llegó." Otto Preminger
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24 octubre 2010

Kelly Reichardt - Wendy and Lucy (2008)

 Inglés/English | Subs: Castellano/Français/English
73 min | XviD 704x384 | 1802 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
1,07 GB + 3% recuperación/recovery
 Como si un siglo después repitiera en clave introspectiva el viejo sueño del oro, Wendy viaja a Alaska creyendo que allí hay una vida mejor, siempre que tenga su auto y especialmente a su amada perra Lucy. Pero en Oregon el auto se descompone y la perra es la dama que desaparece. Wendy necesita de los otros en un territorio de hostilidad individualista que la envuelve en una soledad tan conmovedora y humana como la amistad resquebrajada de los dos protagonistas de Old Joy, la anterior y también extraordinaria película de Kelly Reichardt, donde ya sobrevolaba su reflexión sobre la caída de los ideales de los ´70 y los que han venido a sustituirlos (aunque esa época del cine americano sea su gran oráculo y faro de referencia). Pueblos desolados, trenes como vestigios y personas en viaje buscando su destino dibujan una américa en minúscula. La aparente implosión del tono y la linealidad lacónica y simple del relato –que el apuro encasillador suele llamar "minimalismo"– no explican cómo logra Reichardt que Wendy y Lucy se adhieran a nuestro corazón para siempre, ni cuánto le debe a la entrega de su protagonista Michelle "ma belle" Williams. Wendy and Lucy nos (de)muestra cómo es que fue enorme un cine al hablar de las personas comunes, y cómo puede volver a serlo. (BAFICI)
Old Joy director Kelly Reichardt crafts this intimate tale of Wendy, an alienated Indiana woman who packs up her car and sets her sights on Alaska, but finds herself stranded in a small Oregon town with no money and only her faithful dog, Lucy, to keep her company. When Wendy realizes that there's nothing keeping her in her home state of Indiana, she makes the decision to relocate to Alaska and seek out work at the local fish cannery. With her four-legged friend Lucy in the passenger seat next to her, Wendy stops off to get some rest in a small Oregon town. The following morning, when Wendy attempts to start her car, the engine fails to respond. But this is only the first in a series of snowballing events, because as Wendy waits for the local garage to open she heads to the supermarket to pick up some dog food for Lucy. Opting to shoplift the puppy chow since she doesn't have much cash to speak of, Wendy subsequently finds herself in the local jail thanks to an overzealous employee. By the time Wendy pays her fine and gets back to the supermarket, Lucy is gone. Unfortunately the dog pound doesn't open until the following morning, and after receiving some help from a kindly local, Wendy gets some particularly bad news about her car...  (AMG)
 Wendy roule avec son chien Lucy vers l’Alaska, où elle espère trouver un travail qui lui rapporterait un peu d’argent. Dans une petite ville de l’Oregon, elle vole dans un supermarché et se fait arrêter par la police. Pendant ce temps, Lucy disparaît. Alors le monde trop précaire de Wendy s’écroule : sa voiture tombe en panne, elle n’a pas de quoi la réparer, elle est bloquée. Mais le gardien du supermarché lui vient en aide et lui redonne l’énergie pour reprendre la route... (Un Certain Regard - Cannes 2008)


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Kelly Reichardt en Arsenevich
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23 octubre 2010

Vulo Radev - Kradetzat na praskovi (1964)

1:20:15 Min | 592x448 | Xvid 1.097 kbps | 25 fps | Mp3 110 Kbps | 755 MB
Bulgarian | Subtitles: English, Francais, Deutsch, Russian, Bulgarian .sub, Spanish and English.srt | Genre: Drama


La I Guerra Mundial da sus últimos coletazos. Un grupo de prisioneros de guerra llega a la ciudad, entre ellos el serbio Ivo Obrenovich. Durante una de sus escapadas del campo, Ivo se cuela en un huerto privado y es pillado in fraganti robando peras por la esposa de un Coronel, Lisa. Ivo se queda prendado de ella por su bondad y porque ella también parece sufrir cual prisionero, por su marido al cual no ama.


Set towards the end of World War I, The Peach Thief tells the story of a whirlwind love affair between a Serbian Prisoner Of War, Ivo Obrenovich and a Colonel's wife, Lisa (played by the beautiful Nevena Kokanova). Lisa catches Ivo Obrenovich stealing peaches from a tree in the Colonel's private garden. They soon fall in love with each other and start secretly meeting in the garden.


Dvdrip by dbdbdbdb
Subtitulos en español cortesía de Vozidar


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