Arsenevich: octubre 2010

31 octubre 2010

Marcel Carné - Les enfants du paradis (1945)

Los niños del paraíso

En su momento, Los niños del paraíso fue elegida como la mejor película sonora francesa, estando considerada por los galos como su particular Lo que el viento se llevó. Es también una de las obras más significativas dentro del "realismo poético" que impregnó el cine francés desde finales de los treinta hasta la eclosión de la "nouvelle vague", movimiento cultivado por directores como Julien Duvivier, Marcel Carné o Jean Vigo, con la presencia de actores característicos como Jean Gabin, Michèle Morgan o Danielle Darrieux, y compuesto por una serie de películas teñidas de lirismo y fatalidad, de una peculiar atmósfera brumosa, de amores imposibles, felicidades efímeras y anhelos de huída.

Realizada a trompicones durante la Ocupación nazi por Marcel Carné (1909- 1996), el cineasta más famoso del país ya que Jean Renoir y René Clair se hallaban exiliados en EE.UU., Los niños del paraíso se estrenó en 1945 tras la liberación y estuvo en cartel a lo largo de 54 semanas. Gran fresco histórico del París de mediados del s. XIX, el del teatro popular y la literatura folletinesca, de calles bulliciosas y gentes que malviven, transcurre principalmente en el "boulevard du crime", así llamado irónicamente por la cantidad de obras de asunto criminal y desenlace fatídico que se representaban en sus teatros. Su hilo conductor es Garance, una hermosa mujer en busca de fortuna en cuya vida se cruzan cuatro hombres. En su segunda mitad (los nazis no dejaban hacer filmes de más de noventa minutos y Carné eludió la prohibición diviendo las tres horas de la historia en dos partes), Garance regresa a París y los hombres que habían influido en su vida aparecen de nuevo en escena.

Impregnada de un sentimiento melancólico, con momentos llenos de magia, la película se erige en un homenaje al teatro y a sus gentes, ofreciendo como no podía ser menos unas excelentes interpretaciones a cargo de Arletty (famosa actriz gala a menudo comparada con Marlene Dietrich), Jean- Louis Barrault, Pierre Brasseur o la española María Casares. Cuenta también con unos portentosos decorados de Alexandre Trauner, la presencia de dos mil figurantes, y sobre todo con los bellos parlamentos de Jacques Prévert.(UPNA)

El rip está dividido en dos partes. La primera es rip mío, la segunda de charulata de KG. Los datos técnicos corresponden a mi rip. El de charulata tiene la misma relación de aspecto, con un bitrate ligeramente inferior.

Children of Paradise

Poetic realism reaches sublime heights with Children of Paradise (Les enfants du paradis), the ineffably witty tale of a woman loved by four different men. Deftly entwining theater, literature, music, and design, director Marcel Carné and screenwriter Jacques Prévert resurrect the tumultuous world of 19th-century Paris, teeming with hucksters and aristocrats, thieves and courtesans, pimps and seers...

1840, boulevard du crime. Les amours contrariées de Garance et du célèbre mime Debureau, tous deux séparés par d'autres amours : Lacenaire, Frédérick Lemaître et un richissime comte pour Garance ; la fidèle, aimante et malheureuse Nathalie pour Baptiste. Chef-d’oeuvre absolu avec Jacques Prévert au scénario et Marcel Carné à la réalisation, Les Enfants du Paradis a été élu meilleur film de tous les temps par les critiques français à l’occasion du centenaire du cinéma. L’affiche est une succession de noms désormais mythiques (Jean-Louis Barrault,Pierre Brasseur, Marcel Herrand…) avec, au sommet, l’inégalable Arletty.

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Marcel Carné en Arsenevich

Hôtel du Nord

Le Quai des Brumes

Drôle de Drame

Les Visiteurs du Soir

Le jour se lève
Nogent, Eldorado du dimanche

Les Portes de la nuit

30 octubre 2010

Temur Babluani - Udzinarta mze (1992)

El doctor Gela (Elgudzha Burduli) está obsesionado con encontrar una cura para el cáncer, hasta el punto de que sus investigaciones ha sobrepasado ciertas barreras en su vida personal y ha sido despedido del hospital donde trabajaba. Pero él prosigue desde su casa, con sus ratones cancerosos, en busca de una vacuna... (FILMAFFINITY)

The director dedicated this lyrical, epic film-confession to the memory of his father who was a doctor. The film’s protagonist, an ambulance doctor, conducts dangerous experiments in search of a vitally important vaccine. His wife believes in his work, though his daughter would not understand him. His son, who is absolutely unlike his father in character, is trying to protect him. But self-denial in the name of science proves too high a price. Just when he is on the verge of discovery, the doctor loses everything he has gathered as a result of his twenty-year-long work. This loss brings him even closer to his son. The shooting of the film continued for seven years (1985-1992), making it a metaphorical culmination of the Soviet cinematography and the Soviet way of life as a whole.

There was a time when georgian cinema was stalled, all new movies were at least forgetable if not worse (actually not that many movies were coming out at that time).Udzinarta Mze(english trsanslation would be
"Sun of Sleepless" ) came out exactly at that time as a message that georgian cinematographic traditions weren't extinct. Movie is about Physician who is developing new treatment of cancer, but his studies are not well recieved because medical society is co "closed" one. He is not well recieved in the society in general because he is "different" and nobody needs him . Despite all this, his family is very supportive and his son who is seen in the begining of the movie as a some sort of criminal believes in his father more than anybody. As you might expect physician dies without achieving his dream.
Despite the fact that this movie is addressing the global problem of "closed society" it is very "georgian". Characters, relations between family, realtions between friends and outside world is very "georgian".
As you watch the movie you start liking the main characters more and more and you can feel that director has a huge compassion towards them, he really cares about them. Everything in this movie is outsdanding:story, cast, photography etc. Emotions can overwhelm you watching " Sun of Sleepless".
Movie is also full of comical and violent (latter is quite new to georgian cinema) episodes which are handled very tastefully and never go out of context, and you never get swayed away from the main theme, on the contrary these episodes are integral part of the movie. How does director do this? Don't know
Actors are magnificent. Guja Burduli playing the main character is extremly convincing as a struggling scientist, he is outstanding throughout the movie. D Kazishvili who plays his son Dato is not even a professional actor, but he does more than outstanding job, He steals the show in so many instances that him being amature is not even remembered.
And of course worth noting the haunting score written by director himself but one can see the roots coming out from georgian folk music.
Many things can be said about this movie, but there are not many movies out there that can deliver this level of perfect balance between realism and an art. It is an emotional filmmaking at its best.
It is simply a masterpiece of moviemaking!

Dvdrip de un servidor

English subs

.
.Nuevos enlaces, gracias a Ana
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26 octubre 2010

Paolo Sorrentino - L'uomo in più (2001)

El hombre de más

Primer largometraje de Paolo Sorrentino. En los años 80, Tony Pisapia (Toni Servillo) y su tocayo, Antonio (Andrea Renzi), se encuentran en la cima de sus profesiones. Tony es un cantante de clubes nocturnos que tras años de lucha ha logrado la fama en todo el país, y Antonio es un jugador de fútbol que se convierte en estrella después de anotar el gol de la victoria en un partido del campeonato de Europa. Sin embargo, después de unos años la vida de los dos hombres experimenta un drástico cambio. Tony desarrolla una adicción devastadora a la cocaína, y después de que se sabe que ha tenido relaciones sexuales con una menor de edad, no parece probable que su público lo perdonará. Mientras tanto, una lesión en la pierna ha puesto fin a la carrera futbolística de Antonio, y se encuentra comenzando de cero en una nueva carrera como entrenador. También se enfrenta a otra crisis personal cuando su mujer, frustrada por la falta de actividad de Antonio, lo abandona...

Subtítulos en castellano de tribu

One Man Up

In the early '80s, Tony Pisapia (Toni Servillo) and his namesake, Antonio (Andrea Renzi), have each risen to the peak of their chosen professions. Tony is a nightclub singer who after years of struggle has achieved nationwide fame, and Antonio is a soccer player who becomes a star after scoring the game-winning goal in the European championship match. However, a few years down the line both men are experiencing a sharp reversal of their good fortune. Tony has developed a devastating cocaine addiction, and after it's revealed he's become sexually involved with an underage girl, it doesn't seem likely that the public will ever forgive him. Meanwhile, a leg injury has put an end to Antonio's career as an athlete, and he finds himself starting from zero as he tries to launch a new career in coaching; he faces another personal crisis when his wife, frustrated by Antonio's career decline, leaves him. L'Uomo in Piu was loosely based on the true stories of two Italian celebrities, musician Franco Califano and football star Agostino Di Bartolomei.

English subtitles by bastelik and kinofil (KG)

Primo lungometraggio del giovane regista napoletano Paolo Sorrentino, "L'uomo in più" rientra nella rosa dei sei titoli italiani approdati all'ultimo Festival del Cinema di Venezia. Ambientato a Napoli negli anni Ottanta, quelli dell'esagerazione e del divertimento a tutti i costi, nasce e si costruisce sull'omonimia tra due uomini le cui vite, parallele per tanti aspetti, si incrociano per un breve ma significativo istante. Li conosciamo all'apice del successo, li seguiamo nelle prodezze della gloria, assistiamo ai loro incidenti di percorso, ne condividiamo il triste declino. Uno, Tony Pisapia, è un cantante acclamato dalle folle e amato dalle donne, egocentrico, sbruffone, sicuro di sé, invincibile. L'altro, Antonio Pisapia, è lo stopper di una squadra di serie A, autore di un memorabile gol in rovesciata, riservato, ingenuo, riflessivo, con il sogno di uno schema ideale da adottare in campo una volta diventato allenatore - quello dell'uomo in più, per l'appunto...

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Paolo Sorrentino en Arsenevich

L'Amico di famiglia
Le conseguenze dell'amore

25 octubre 2010

Otto Preminger - Anatomy of a Murder (1959)

Inglès | Subs:Castellano/Français/English

154 min | Xvid 704 x 384 | 1612 kb/s | 192 kb/s mp3 | 25 fps
1,94 GB + 3% de recuperación .rar

Un policía asesina fríamente al violador de su mujer. Tras ser detenido, es llevado a juicio, donde se reflejarán todo tipo de emociones humanas, desde los celos a la rabia. Uno de las películas de juicios más aclamadas de la historia del cine.

Resulta curiosa la imagen que todos tenemos de un actor como James Stewart. A lo largo y ancho de su carrera, en la que encontramos joyas de prácticamente todos los géneros, nos ofreció papeles que transmitían ante todo bondad y buenos sentimientos. Ya sea por sus trabajos a las órdenes de Frank Capra, en los westerns de Anthony Mann, en los thrillers de Alfred Hitchcock, o en películas como ‘El invisible Harvey’, Historias de Filadelfia’ o ‘El hombre que mató a Liberty Valance’ (por poner sólo unos ejemplos), Stewart siempre representó el lado más humano y justo del ciudadano medio norteamericano.
Por eso, y dejando a un lado las pocas veces que Stewart dio vida a personajes ambiguos o de dudosa moral (‘Dos cabalgan juntos’ de John Ford), llama la atención su cometido en ‘Anatomía de un asesinato’, el film judicial que Otto Preminger realizó en 1959. El actor da vida a un abogado, en épocas flacas, que decide aceptar el caso de un asesinato. Pero Stewart no realiza la misión que hizo en ‘Yo creo en ti’, donde se esforzaba por demostrar la inocencia de un acusado, sino algo realmente temible y duro: defender con todas las argucias posibles a un verdadero culpable de cometer un crimen.Otto Preminger fue uno de los grandes realizadores del cine norteamericano. Sólo por haber dirigido una obra de la importancia de ‘Laura’ (una de las cumbres del drama criminal), merecería un puesto de honor en la historia del cine. Pero es que además de la película protagonizada por Gene Tierney, Preminger firmó otras obras no menos importantes. ‘Al borde del peligro’, ‘Daisy Kenyon’, ‘El rapto de Bunny Lake’, ‘Angel Face’ o ‘Tempestad sobre Washington’ son algunas joyas de su cine tan personal, siempre aspirando a una determinada perfección. Algunas de sus películas permanecen incólumes al paso del tiempo dejando el sello, tan fácilmente reconocible y tan difícil de alcanzar, de las rotundas obras maestras.
‘Anatomía de un asesinato’ pertenece a ese subgénero de juicios, tan del gusto del espectador de casi todas las épocas. Pero el film de Preminger va por otros derroteros totalmente distintos al 90% del grueso de los films de esta índole. Es normal ver un film de juicios en el que se juegue con el espectador ocultándole datos, mostrando giros argumentales, e intentado sorprender al público con una determinada sorpresa final. Algo tan fácil de ofrecer, pero rara vez siempre bien hecho (me viene a la memoria ‘El sargento negro’ de Ford, o ‘Testigo de cargo’ de Wilder como perfectas muestras de ello). A Preminger no le interesa en caso en sí y sus recovecos, aunque en determinado momento se preocupe de analizar el crimen, pero con un determinado fin. Al director de ‘Laura’ le interesan los personajes y los que éstos son capaces de hacer, describiendo el mundo que les rodea y a ellos.Sabemos desde el principio que el acusado es culpable. Ha cometido un asesinato por celos, unos celos provenientes de la violación sufrida por su pareja, una mujer ligera de cascos de esas que enturbian los pensamientos de los hombres que pululan a su alrededor. Ben Gazzara y Lee Remick forman ese matrimonio, tan peculiar como extraño. Ella, coqueteando con todos, pero sintiéndose pertenencia de aquel que es capaz de matar por ella. La actriz fue elegida por el propio director, quien se fijo en ella después de verla en ‘Un rostro en la multitud’ de Elia Kazan, logrando imponer su nombre al de Lana Turner, actriz inicialmente prevista para dar vida al personaje. No sabemos de lo que hubiera sido capaz Turner con este rol (de sólo pensarlo me entran sudores), pero Remick confiere al personaje una mezcla de sensualidad e inocencia totalmente irresistible. A su lado, Gazzara, haciendo todo lo que su abogado le dice, pero pensando únicamente en su mujer, receloso de todo hombre que la mira, una bomba a punto de explotar.
Otto Preminger no juzga a sus personajes ni establece ningún tipo de moralidad sobre lo que narra. Se limita a exponer los hechos de forma directa, a veces cruel, dejando para el espectador el decidir qué está bien y qué mal. ‘Anatomía de un asesinato’ nos deja perplejos desde el momento en el que James Stewart acepta el caso porque necesita el dinero. Un hombre ha cometido un crimen, es culpable, pero como todo acusado tiene derecho a un juicio justo. Pero ¿existe justicia en el momento en el que alguien que ha matado a otra persona sale en libertad gracias a alegar locura temporal? Sabemos, ya que Preminger nos lo muestra claramente, que el personaje de Gazzara no estaba loco cuando cometió el crimen, ni se dejó llevar por un arrebato que le cegó el sentido común, y asistimos atónitos a la defensa por parte de Stewart de alguien que merece la cárcel. El acierto del Preminger es que lo muestra como algo totalmente cotidiano, sin sumar el aspecto de espectáculo que el cine posee. El más descarando realismo impregna cada una de las secuencias de esta gran película, lo cual hace más terrible su premisa. ‘Anatomía de un asesinato’ posee una banda sonora a cargo de Duke Ellington, quien aparece en la película realizando un cameo. Stewart además toca el piano en varios momentos, lo cual viste su personaje, definiéndole como alguien culto. Un score de puro jazz que da al film un abierto carácter de cine negro en la mejor tradición del género, con personajes normales y corrientes, tan vivos como las imprevisibles notas de cualquier melodía de Ellington. El ser humano queda perfectamente reflejado en ‘Anatomía de un asesinato’, película tal vez demasiado larga, pero que no deja indiferente. El acierto de Preminger fue darle la vuelta a la tortilla logrando que los buenos defendiesen al malo, y que los que le acusan (con toda la razón) pareciesen malos a nuestros ojos, al menos en lo que nos toca observar en el personaje de un apasionado George C. Scott, el fiscal al que se enfrenta Stewart en varias escenas del film.
¿Y qué queda después de la anatomía? Un mundo peor. Una mujer a las órdenes de un hombre inestable y violento, un asesino suelto, un abogado sin cobrar, y la justicia como el lugar en el que cualquiera con cultura y cabeza puede hacer trampa para poner la balanza de su lado. Todos salen perdiendo.
A continuación, los impresionante títulos de crédito iniciales, obra de Saul Bass, habitual colaborador de Preminger o Hitchcock, entre otros. Y como anécdota resaltar el lenguaje, demasiado atrevido para la época (habiendo incluso algún momento cómico al respecto). Tanto es así, que al padre de James Stewart le pareció la película más sucia que vio en su vida, recomendando en su periódico local el no ir a verla. (Blog de Cine)

Otto Preminger turned this 1959 courtroom drama, based on the popular novel, into terrific adult drama. James Stewart stars as a small-town lawyer who defends an army officer (Ben Gazzara) accused of murdering a bartender who assaulted his wife (Lee Remick). The taut script, large performance by Stewart, and then-daring elements of the story (words like "panties" are spoken in the context of discussing a sex crime) give the action a certain immediacy--which you don't find very often in today's movies about jurisprudence. Nice work by Remick and Gazzara, as well as George C. Scott, Arthur O'Connell, and real-life judge Joseph N. Welch, who plays the judge in this film. A very good experience all around. --Tom Keogh"A los nueve años quería ser actor; a los 19 era ya director de escena; a los 21 fundé un teatro en Viena, que todavía existe; y a los 26 me fui a Estados Unidos. Así Adolf Hitler no tuvo la suerte de encontrarme en Austria cuando él llegó." Otto Preminger

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24 octubre 2010

Kelly Reichardt - Wendy and Lucy (2008)

Como si un siglo después repitiera en clave introspectiva el viejo sueño del oro, Wendy viaja a Alaska creyendo que allí hay una vida mejor, siempre que tenga su auto y especialmente a su amada perra Lucy. Pero en Oregon el auto se descompone y la perra es la dama que desaparece. Wendy necesita de los otros en un territorio de hostilidad individualista que la envuelve en una soledad tan conmovedora y humana como la amistad resquebrajada de los dos protagonistas de Old Joy, la anterior y también extraordinaria película de Kelly Reichardt, donde ya sobrevolaba su reflexión sobre la caída de los ideales de los ´70 y los que han venido a sustituirlos (aunque esa época del cine americano sea su gran oráculo y faro de referencia). Pueblos desolados, trenes como vestigios y personas en viaje buscando su destino dibujan una américa en minúscula. La aparente implosión del tono y la linealidad lacónica y simple del relato –que el apuro encasillador suele llamar "minimalismo"– no explican cómo logra Reichardt que Wendy y Lucy se adhieran a nuestro corazón para siempre, ni cuánto le debe a la entrega de su protagonista Michelle "ma belle" Williams. Wendy and Lucy nos (de)muestra cómo es que fue enorme un cine al hablar de las personas comunes, y cómo puede volver a serlo. (BAFICI)

Old Joy director Kelly Reichardt crafts this intimate tale of Wendy, an alienated Indiana woman who packs up her car and sets her sights on Alaska, but finds herself stranded in a small Oregon town with no money and only her faithful dog, Lucy, to keep her company. When Wendy realizes that there's nothing keeping her in her home state of Indiana, she makes the decision to relocate to Alaska and seek out work at the local fish cannery. With her four-legged friend Lucy in the passenger seat next to her, Wendy stops off to get some rest in a small Oregon town. The following morning, when Wendy attempts to start her car, the engine fails to respond. But this is only the first in a series of snowballing events, because as Wendy waits for the local garage to open she heads to the supermarket to pick up some dog food for Lucy. Opting to shoplift the puppy chow since she doesn't have much cash to speak of, Wendy subsequently finds herself in the local jail thanks to an overzealous employee. By the time Wendy pays her fine and gets back to the supermarket, Lucy is gone. Unfortunately the dog pound doesn't open until the following morning, and after receiving some help from a kindly local, Wendy gets some particularly bad news about her car... (AMG)

Wendy roule avec son chien Lucy vers l’Alaska, où elle espère trouver un travail qui lui rapporterait un peu d’argent. Dans une petite ville de l’Oregon, elle vole dans un supermarché et se fait arrêter par la police. Pendant ce temps, Lucy disparaît. Alors le monde trop précaire de Wendy s’écroule : sa voiture tombe en panne, elle n’a pas de quoi la réparer, elle est bloquée. Mais le gardien du supermarché lui vient en aide et lui redonne l’énergie pour reprendre la route... (Un Certain Regard - Cannes 2008)

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Kelly Reichardt en Arsenevich

Old Joy

23 octubre 2010

Vulo Radev - Kradetzat na praskovi (1964)

La I Guerra Mundial da sus últimos coletazos. Un grupo de prisioneros de guerra llega a la ciudad, entre ellos el serbio Ivo Obrenovich. Durante una de sus escapadas del campo, Ivo se cuela en un huerto privado y es pillado in fraganti robando peras por la esposa de un Coronel, Lisa. Ivo se queda prendado de ella por su bondad y porque ella también parece sufrir cual prisionero, por su marido al cual no ama.

Set towards the end of World War I, The Peach Thief tells the story of a whirlwind love affair between a Serbian Prisoner Of War, Ivo Obrenovich and a Colonel's wife, Lisa (played by the beautiful Nevena Kokanova). Lisa catches Ivo Obrenovich stealing peaches from a tree in the Colonel's private garden. They soon fall in love with each other and start secretly meeting in the garden.

Dvdrip by dbdbdbdb
Subtitulos en español cortesía de Vozidar

Links
(gracias a Don Belianís)

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Subtítulo en español
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Subtitulo en español (enlace alternativo)

22 octubre 2010

Alain Resnais - Nuit et Brouillard (1955)

Francès I Subs:Castellano

32 min I Xvid 640x464 I 2934 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 23.97 fps
700 MB

Cortometraje, de 1956, Nuit et brouillard (Noche y niebla), sobre los campos de concentración. En él muestra su maestría formal, lo que le permite reflejar como nadie la tragedia del holocausto. Las digresiones de la narración fílmica, sutilmente organizada y montada junto con la ironía de los comentarios (de Jean Cayrol, antiguo recluso de un campo) captan la atención del espectador, y aseguran que incluso las imágenes más horribles sean vistas, con lo que su significado no puede eludirse. Esta película fue prohibida por las autoridades francesas, que exigían que se eliminasen las imágenes que mostraban la implicación francesa en las deportaciones.

En 1955, el Comité de Historia de la Deportación se dirige a Alain Resnais, joven director de cine y le propone realizar un documental sobre los campos nazis: será Noche y Niebla. Por primera vez, un documental mezcla imágenes concretas de archivos con algo más artístico, dirigido a suscitar una verdadera reflexión.La imagen ocupa en la memoria de la deportación un sitio preponderante. A partir de 1945, las fotos de los osarios de los campos liberados así como las fotos de los supervivientes dejaron estupefacta la opinión pública.
Alain Resnais usa en su documental películas y fotos de archivos en blanco y negro con las que se cruzan las imágenes en colores grabadas en 1955 en el campo de Auschwitz. Esas imágenes se acompañan del comentario sobrio e informativo del poeta Jean Cayrol, miembro de la Resistencia Francesa deportado en 1943 y superviviente de los campos nazis. Dicho por Michel Bouquet la narración se suma a un crescendo lento en el horror de las imágenes que confieren a la película una fuerza que confunde.
Pero, realizado diez años después del fin de la guerra, Noche y Niebla queda tributaria de la percepción que se podía tener del fenómeno en los años 50.
En primer lugar, el vocabulario empleado muestra la dificultad de percibir la diversidad del fenómeno: “los campos, los campos de concentración, los campos de la muerte, las cárceles nazis, etc.” se matizan con la diferenciación actual entre campos de concentración para las víctimas de la represión, y campos de exterminio para las de la persecución racista y antisemita.
No se realiza tampoco una referencia concreta a la exterminación judía. Así, la palabra “judío”, por ejemplo, es pronunciada una sola vez en todo el comentario: en una lista de víctimas del exterminio, “Stern, estudiante judío de Ámsterdam“. En la época, las palabras Shoah, genocidio u holocausto no se utilizaban.
No hay un deseo o una intención de insistir en la especificidad del holocausto algo que, por el contrario, será dominante a partir de los años 1970.
Una fotografía del documental fue también sujeto de polémica. Debido a la situación política de ocultación del régimen francés de Vichy (que colaboró al régimen nazi) para promover una reconciliación con Alemania, la comisión de censura exigió que fuera suprimida la fotografía de un gendarme francés vigilando el campo de Pithiviers, en las afueras de Paris. Los autores fueron obligados a ocultar la presencia francesa cubriendo el casco del gendarme por un recuadro de la fotografía y una viga falsa. Posteriormente se eliminaría el artificio y la imagen encontró su sitio en el documental.
Noche y Niebla da una cronología poco precisa. Es la visión que se tenía en 1955: un choque global donde se distingue todavía mal la amplitud y la diversidad del fenómeno.El documental saca su nombre de la interpretación del signo NN por la administración SS bautizando el programa que pretenderá reagrupar y eliminar a las poblaciones indeseables sin dejar rastro.“Nacht und Nebel” en alemán, dos imágenes del olvido al cual fueron sometidas las víctimas del universo concentracionario.
Alain Resnais, al contrario, pretende hablar para no olvidar. Junta las imágenes al texto de Jean Cayrol. Así a la manera de Primo Levi en Si esto es un hombre, Jean Cayrol nos comenta la vida de los deportados en los campos, sus costumbres, sus temores, sus esperanzas… Pero nos da también el testimonio monstruoso de los horrores nazis como los experimentos científicos, las violaciones o el “reciclaje”. Además, al horror de las palabras y de las imágenes, se añade también la voz y la dicción muy fría y casi muerta de Michel Bouquet. La banda original refuerza el contenido emocional y el lado fatalista de la película. El peso de las imágenes se vuelve aplastante, difícil hasta el punto de ser chocante.
Alain Resnais hace referencia a la dificultad de transmitir a lo largo de su documental. Crea un paralelismo entre el pasado y el presente, dos mundos totalmente diferentes: lo de antes, en negro y blanco, lleno de horror y de miseria, y lo de después, en color, ausencia total de vida humana. En treinta minutos, lo esencial esta dicho: el horror del homicidio en masa, la supervivencia y la muerte, el tiempo que pasa y… la apuesta por la memoria. El estupor admirablemente puesto en imágenes llama siempre la atención y alerta. En los últimos minutos, la película pasa de las memorias a las conciencias: “¿entonces, quién es el responsable?”
Alain Resnais nos propone interrogarnos con el fin de no repetir los errores pasados. “¿Quiénes entre nosotros vela desde esta extraña atalaya para advertir de la llegada de nuevos verdugos? [...] Y que pasamos por alto las cosas que nos rodean, y que hacemos oídos sordos al grito que no calla”.¿Que queda hoy de este horror? ¿Cómo hacer para evitar barbaries de este género?
Noche y Niebla es precisamente una interrogación que nos acusa a todos: ¿no somos todos verdugos, no podríamos convertirnos, por lo menos por complicidad?
Para tratarlo, Alain Resnais propone, en cuanto al aspecto estético, una forma de travelín “mental”, asociando nuestra mirada con nuestro pensamiento. Su función es hacernos pensar y reflexionar a través de una imagen.
Quiere dar una señal de alarma: hay que tomar en consideración el pasado con el fin de no revivirlo, hay que sacar un aprendizaje de eso.
Realizado diez años después del fin de la 2ª Guerra Mundial, la película es la primera que pone un jalón contra el negacionismo, así como una advertencia sobre los riesgos que representarían una banalización del antisemitismo, del racismo o del totalitarismo.
Queda difícil de imaginar hoy la fuerza de la película en su estreno en 1956 pero permanece imprescindible al día de hoy. (Texto de Rodolphe Hamel, tomado de Koult)

"El olvido del exterminio es parte del exterminio." Jean-Luc Godard

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Alain Resnais en Arsenevich

L'année dernière à Marienbad
Guernica
L'amour à mort
Je t'aime, je t'aime
On Connaît la Chanson
Coeurs
Providence
Les herbes folles
Loin du Vietnam

Van Gogh

18 octubre 2010

Tony Richardson - A Taste of Honey (1961)

Inglès/English | Subs:Castellano

97 min | DivX 640x384 | 881 kb/s | 112 kb/s mp3 | 25 fps
692 MB + 3% de recuperación rar

En un barrio obrero británico, una adolescente de 17 años vive con su madre, una mujer alcohólica y promiscua que la ignora por completo. Tras marcharse un día la madre con su nuevo novio, la joven encuentra a un amigo en un hombre gay de mediana edad, que pretende cuidarla tanto a ella como a su futuro hijo, pues la chica está embarazada de una aventura esporádica con un marinero.

La cuarta canción de ese milagro sonoro que fue Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band ofrece un testimonio agridulce de la infancia y juventud de toda una generación de ingleses. La voz optimista de McCartney, testimonio pop del triunfo agradecido desde la clase obrera, contrasta con el falsete malicioso, con el característico cinismo (¡No podría ir peor!…), de John Lennon.
No fueron quizá tanto jóvenes airados como voces de un desencanto: el propio de los jóvenes baby boomer que se habían educado bajo unos valores opresivos de una sociedad clasista. Pero lo que todavía era mención irónica y alocada en los años 60, y que acabará en enfrentamiento luego del 68, tiene sus raíces precisamente en la generación anterior. Son los años finales de la década de los 50, el tiempo del eslogan de Harold McMillan “You’ve never have it so good!” como freno a cualquier aspiración social fuera del conformismo.Es, también, una reivindicación propia de la cultura de baja clase social: John Wain –Lucky Jim (1954)–, John Braine –Un lugar en la cumbre (Room at the Top, 1957)–, Allan Sillitoe –Sábado noche, domingo mañana (Saturday Night and Sunday Morning, 1958)– provenían todos de entornos trabajadores, siendo en ocasiones autodidactas. Ellos crearon una literatura con expresiones populares, que la academia despreció, pero que llegó conectar con el público.
El término de angry young man se debe al encargado de prensa del Royal Court Theatre, George Fearon, que lo utilizó como perfecto reclamo para la que sería la piedra de toque del movimiento: Mirando hacia atrás con ira (Look Back in Anger, 1956). Escrita por John Osborne, otro autodidacta, representaba a Jimmy Porter como rebelde sin causa de una sociedad enclaustrada en la mediocridad y el puritanismo. La economía, en efecto, había llegado a una primera edad de oro del estado del bienestar keynesiano, pero esta rebeldía era sobre todo cultural, social, en contra de la superchería de las altas clases británicas. Algo que Allison recoge en la propia obra de teatro: "Tú sufres porque todo ha cambiado y Jimmy porque no ha cambiado nada."
Se iniciaba el drama de fregadero, kitchen sink, donde el realismo servía de espejo a las miserias de una cultura de baja clase social que no había tenido relevancia anteriormente. Se pretendía mostrar en la tarima la crudeza, los dramas domésticos que vivía el ciudadano de a pie en el Reino Unido.
Tanto Lindsay Anderson como Tony Richardson conocieron las tablas antes de lanzarse a la aventura cinematográfica. Se les unirá Karel Reisz como tercer violín, y poco antes dieron fe de sus inquietudes artísticas en la revista Sequence.
Empieza así a gestarse de manera paralela al nuevo cine europeo el Free Cinema, defendido con ferocidad por el propio Anderson y que hará del joven airado su estereotipo conocido. Para Michael Earton estos primeros films de rebeldía "son una conjunción fructífera entre las polémicas del Free Cinema y las novedades del Royal Court Theatre". Será un movimiento fugaz, deudor del naturalismo francés y de la constante escuela de documentalismo inglés, que virará de una pequeña proyección de cortos a finales de los 50 a una serie de películas donde el joven airado constituye un referente social plenamente reconocible (...) (Texto de Julio Tovar, tomado de Welovecinema)
El movimiento inglés llamado “free cinema” se afianza en los años sesenta con su aportación al cine social europeo con autores como Tony Richardson y una de sus primeros trabajos “Un sabor a miel”.
A caballo entre el documentalismo inglés, y el realismo emanado del cine italiano, Richardson, retrata una Inglaterra de clase trabajadora –o parada–, con sus barrios sucios y marginales, y sobretodo una juventud ausente en su formación cultural, con un futuro sin ilusión, y a la que le llega justo para satisfacer sus necesidades más primarias de una forma mísera e indigna.
Un ambiente demoledor, en el que Richardson todavía nos deja un resquicio para desarrollar una emotiva historia, entre una muchacha olvidada a su suerte por una madre fracasada, posesiva y caprichosa, a la que no obstante seguirá añorando, y un joven homosexual, que sin exigir nada a cambio ofrece sus incondicionales sentimientos a la joven.
El retrato de la sórdida vida de los protagonistas, con la adolescente embarazada en una ocasional aventura, –emulando la historia de su propia madre–, un joven de tendencias sexuales excluyentes o una mujer madura que apura sus últimos encantos femeninos, nos ofrecen un panorama desolador del todopoderoso impero británico.
Aquí, las referencias de Dickens, con su humanización de personajes marginados, se hacen evidentes, puestas al día con una estética paralela a la “nouvelle vague” o al cine social que se desarrolló en la década en el resto de Europa. (Angel Lapresta: Un Cine del siglo XX)Tony Richardson's film of Shelagh Delaney's play was a critical and commercial success, following hard on the heels of Saturday Night and Sunday Morning (d. Karel Reisz, 1960) and its impact on British screens.
The film was opened out from the play, through Richardson and cinematographer Walter Lassally's impressionistic use of industrial landscapes. The canals and backstreets of Salford take on a dreamy air as Jo tries to come to an accommodation with herself and her life. Some of the imagery, such as Jimmy's boat going down the ship canal or the match cut between a starry sky and a dance hall ceiling, is incredibly beautiful, creating a coming-of-age portrait which compares with the best such works in world cinema.
Subjects like sex, abortion and homosexuality were tackled through the emotions of Jo, played impressively by newcomer Rita Tushingham. However the loose plot and languid atmosphere make it seem less didactic than some of the other new wave films. Jo is and always has been an outsider to 'respectable' society and so approaches life on her own terms. Ellen and Geoff are also cast out in different ways by their sexuality, yet feel more need than Jo to be accepted, hence Geoff's desire to be a husband and father. (Screenonline)

"Hemos tenido nuestra revolución social; tenemos un buen sistema de seguridad social y nuestros logros tecnológicos son algo de que lo tenemos que estar orgullosos. Entonces, ¿cómo explicar el predominio del cinismo, del idealismo confuso y la fatiga emocional? ¿Por qué hay tantas voces jóvenes resentidas y derrotistas en lugar de estar en pugna y afirmándose?" Lindsay Anderson

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Tony Richardson en Arsenevich

The Loneliness of the Long Distance Runner

PD: Este post està dedicado a otros jòvenes airados como Hipo y Morrissey (en estricto orden alfabètico, porque sabido es que no hay jerarquìas en la amistad).

15 octubre 2010

Mikio Naruse - Ukigumo (1955)

699 MB + 3% de recuperación rar

Yukiko recorre las ruinas producidas por los bombardeos de Tokio en busca de Tomioka, un hombre con el que trabajó durante la guerra, cuando éste estuvo destinado en el sureste asiático. Yukiko confía en ser bien recibida por Tomioka, al que cree recientemente divorciado, pero descubre que aún sigue casado y vive con su mujer y su suegra. Sobresaltado por su visita, Tomioka deja a su familia en casa, y los amantes terminan en un hotel.

Naruse, una influencia determinante en cineastas orientales contemporáneos, como Edward Yang y Hou Hsiao-hsien, se inició como asistente de Heinosuke Gosho, en los estudios Shochiku, durante el período mudo, y tuvo sus primeros éxitos como director en la década del '30. Pero fue recién a partir de los años '50, en una serie de melodramas para la compañía Toho, que alcanzó su verdadera culminación. Autor de sutiles transposiciones de la literatura de Fumiko Hayashi y Yasunari Kawabata, Naruse se convirtió también en el creador de varias de las más legendarias estrellas femeninas del cine japonés, las actrices Hideko Takamine, Isuzu Yamada y Setsuko Hara. Con ellas como estandarte, Naruse retrató el desmantelamiento de la familia patriarcal japonesa y el malestar conyugal, siempre desde el punto de vista de la mujer.Mucho antes de la llegada del feminismo, Naruse trató temas particularmente sensibles para el público femenino, como el dilema entre permanecer fiel a la familia tradicional o tomar un rumbo independiente. A diferencia de las mujeres inmortalizadas por Ozu y Mizoguchi, que solían aceptar su condición con estoicismo, las mujeres de Naruse son también víctimas del mundo masculino, pero se rebelan contra el sistema que las oprime y prefieren un camino solitario antes que resignar su libertad.
Para el crítico francés Jean Douchet, “Naruse proponía algo que es preciso calificar como moderno y que justifica la admiración que se le tributa en nuestros días. Naruse fue moderno por su extremada atención a los movimientos y pulsaciones más ínfimos de la vida. Su cámara se adhiere a cada instante del presente de sus personajes”.
En palabras de la especialista estadounidense Audie E. Bock (la primera en organizar una retrospectiva de Naruse en occidente), “la cultura japonesa tiene una alta valoración de la comunicación no verbal y Naruse es el director que mejor supo expresar esta preferencia cultural con la técnica del cine. En una película de Naruse, el momento en el que los sentimientos de un personaje hacia otro cambian de forma dramática viene expresado a menudo sin palabras, a través de minúsculas desviaciones de la mirada o del gesto más pequeño y sutil”. "Hay que correr detrás del primer Naruse que se ponga a nuestro alcance –aconsejó a su vez el crítico español Miguel Marías– porque es uno de esos cineastas que cambian nuestra idea del cine". (Diversica)

La película nos cuenta la historia de dos personas cuya vida ha entrado en barrena, y no son capaces de levantar el vuelo. Por enésima vez la historia se sitúa en el Japón de posguerra, incluso hay que mencionar que en este trabajo si que hay alguna alusión al conflicto bélico. Además no solo se alude a este sino que directamente el protagonista admite que son los perdedores de la misma y que eso va a afectar de forma tajante a su forma de vivir.Yukiko (Hideko Takamine) y Tamioka (Masayuki Mori) se conocen en Indochina, durante unos trabajos para el ministerio forestal, allí salta la chispa y su relación acaba siendo más intensa. De hecho el punto de referencia para que a posteriori se vuelvan a encontrar será su relación vivida en primera instancia. Ella sobre todo se aferra al recuerdo, para recobrar el amor de él, más bien se obstina en no renunciar, aunque Tamioka esté casado.

Ante un tema de relaciones de pareja, en la que pueden surgir conflictos y rupturas matrimoniales, la forma de narrarlo que tiene Naruse es tranquila y sosegada. Al contrario de como se haría en un trabajo de corte más occidental. Alguien que no esté muy acostumbrado al cine oriental, podría pensar que los personajes no sienten ni padecen, simplemente es otra forma de ver los conflictos y traumas personales. De hecho el director minimiza todo lo que puede los diálogos para mostrar estas situaciones de cierta tensión delante de la cámara y que prevalezca el lenguaje corporal, sobe todo el de los rostros.Se puede decir que lo que le encanta al director japonés es experimentar con al resistencia del ser humano. Saber lo que realmente es capaz de dar de sí en situaciones totalmente extremas, situaciones no solo externas como podría ser su economía, trabajo, vivienda, situación social. Sino también unas condiciones intensas interiormente, como relacionan a los celos a la envidia, a que la persona amada acabe yéndose con otro tan solo por conveniencia ni siquiera porque lo desea.En este dramático toma y daca se mueven continuamente nuestros personajes. Viviendo a veces juntos y otras separados, pero no alejándose demasiado uno del otro, refugiándose en ocasiones en la bebida para poder soportar los reproches de uno u otro. Esta inclinación recuerda a otros trabajos posteriores, donde la bebida juega un papel bastante importante en la degradación de las relaciones personales. En definitiva una obra maestra que deberíamos tener en cuenta y que quizás exija un poco de nuestra paciencia para que podamos apreciarla en su totalidad. (TRONCHA de Pelìculas y Libros Mìticos)

Ukigumo (1955), directed by Mikio Naruse, was shown as "Floating Clouds" at the Dryden Theatre in Rochester as part of a Naruse retrospective. This is Naruse's best-known film, and it stars his muse, the outstanding actor Hideko Takamine. The film is adapted from a novel by Fumiko Hayashi. Seven or eight of Naruse's films were based on novels by this author. Finally, many of the Toho studio supporting players appear in this movie, as they do in all of Naruse's films. In summary, "Floating Clouds" is classic Naruse. As in many Naruse films, the theme is grim. Japan is still struggling in the aftermath of World War II. The economy is slow, and the pall of defeat still hangs over the country.Although we think of the war as totally tragic for everyone involved--especially everyone Japanese--this isn't accurate. Hideko Takamine's character (Yukiko) had a passionate and sincere wartime romance with an engineer when they were both stationed in an area away from the combat zone. It becomes clear--ten years later--that this love affair was the high point of both their lives. Masuki Mori plays Kengo, the engineer who loves Yukiko, but who will never marry her.The tragedy of the film is that both Yukiko and Kengo have known happiness, but realize they will never know it again. Such happiness as they can grasp is undone by the harsh realities of financial and physical problems. (IMDB)

“Mis experiencias como ayudante de otros directores han sido escasas pero entre estas la que más me impresionó fue el método de trabajo de Naruse. Tenía algo que es el don de los expertos. El método de Naruse consiste en colocar un breve plano tras otro, pero cuando los vemos empalmados en la película dan la impresión de formar una sola toma larga. El flujo es tan majestuoso que los empalmes son invisibles. Este flujo de planos cortos, que a primera vista parece plácido y convencional, luego se revela como un río profundo con una superficie tranquila, que disimula una rápida y turbulenta corriente subterránea. Su destreza en esto no tenía parangón.” Akira Kurosawa

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Mikio Naruse en Arsenevich