29 septiembre 2010

Corneliu Porumboiu - Politist, adjectiv (2009)


Rumano/Romanian | Subs: Castellano/English/Portugués
115 min | XviD 704x384 | 1601 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1.52 GB + 3% recuperación/recovery

Policía, adjetivo
Cristi (Dragos Bucur), es un joven policía que pasa los días siguiendo a un estudiante sospechado de fumar marihuana. Desprovista de todo manierismo del policial, la película descompone el género y devuelve a la labor del protagonista el desconcierto, la burocracia y el tedio que viven los policías “de verdad”. Para colmo, Cristi no está seguro de que su tarea tenga sentido, y es consciente de que trabaja como ariete (uno minúsculo, pero una pieza al fin y al cabo) de un sistema desprovisto del sostén ideológico que tenía en el pasado. Sus pensamientos surgen, a regañadientes, en largas conversaciones con sus superiores donde debe justificar su proceder, a veces en el borde exterior de la legalidad. El título del film viene de uno de esos debates, y refleja la intención de Porumboiu; el hecho de que el clímax de la historia provenga de una respuesta oída al pasar mientras los personajes consultan un diccionario. (BAFICI)
Police, Adjective
A cop finds himself growing uncomfortable with his latest assignment in this study in the nature of power and authority from Romanian director Corneliu Porumboiu. Cristi (Dragos Bucur) is a seasoned police detective who has just gotten married to Anca (Irina Saulescu) and wants to keep his superiors happy. Cristi's boss, Nelu (Ion Stoica), has ordered the detective to keep a close watch on Victor (Radu Costin), a teenager who is suspected of dealing drugs for a local cartel. Cristi has spent several weeks following Victor's actions and is certain that the kid smokes marijuana with his friends, but isn't any kind of drug pusher and should be left alone. Cristi is also aware that Romanian authorities are expected to relax their laws regarding drugs in the near future, making it all but pointless to possibly ruin Victor's life by bringing him in, but while Nelu understands Cristi's thinking, he's not so willing to let the youngster off so easily.

DVD rip mío

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27 septiembre 2010

Aleksandr Medvedkin - Счастье - (1934)


Muda/Silent | Subs: Castellano/English/Français/IT/NE/PT
62 min | XviD 704x512 | 1601 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
802 MB + 3% recuperación/recovery
La felicidad
La inusitada historia del pobre campesino Jmyr, su mujer caballo y su vecino, el último kulak . Jmyr busca la felicidad. Por casualidad encuentra una importante suma de dinero con la que compra un caballo a topos y un arado que carga su esposa cuando el animal ya no puede más. La cosecha es productiva pero el campesino se verá desposeído de todo por la rapiña de las autoridades tradicionales. Jmyr desea poner fin a su vida pero ni siquiera eso puede hacer. Los poderes reaccionarios le acusan de querer morir sin autorización. ¿Quién alimentaría a Rusia? Finalmente triunfa la revolución y adviene la colectivización agraria. Jmyr debe afrontar nuevos sinsabores en su búsqueda de la felicidad.

"He visto la Comedia de Medvedkin, "La felicidad", y, como se suele decir, no puedo quedarme en silencio. Porque hoy, ¡he visto como rie un bolchevique! Se puede comenzar una comedia declarando: "Chaplin no existe". Es un hecho que Chaplin no juega un rol en este film... Esto es un Chaplin "con modelo nuevo"... Pero es aqui donde debo exprimir el entusiasmo que me produce Medvedkin: en su propósito, en lo que él revela de inteligencia, en su elección de momentos maravillosos... A la manera de Chaplin, el gag es individualista. A la manera de Medvedkin, el gag es socialista... Luego he aqui, no sólo una obra excepcional, sino también, ¡un autor excepcional! (Eisenstein - traducción de kimkiduk)

Más información en Pacarina del sur

Rip mío del DVD edición de Ruscico

Happiness
Aleksandr Medvedkin’s Happiness, as rowdy as any Soviet silent movie, is a comic parable composed of equal parts of Tex Avery and Luis Buñuel. It satirizes the plight of a Soviet farmer who finds himself providing for the state, the church, and his peers at the expense of his personal satisfaction. A hapless young prole, Khmyr, is tasked by his wife with the goal of going out in the world and finding happiness, lest he end up dead and dissatisfied after a lifetime of toil, like his father. Through stylistic exaggeration and a systematic attack on pre- and post-Revolutionary Russia’s dearest institutions, the movie achieves a wide-ranging, and deeply wounding, attack on the limitations placed on personal freedom in Russian society.
Le Bonheur
Khmyr est un moujik très pauvre. Il observe, avec sa compagne Anna et son beau-père, le riche propriétaire terrien (le koulak) s’empiffrer tandis qu’eux n’ont rien à se mettre sous la dent. Le père d’Anna décide de voler de la nourriture chez ce vaurien de Foka mais il se fait coincer et en meurt de peur. Anna chasse alors Khmyr en lui demandant de revenir une fois qu’il aura trouvé le bonheur. Le pauvre hère croise sur son chemin un pope et son monial qui se bagarrent pour une bourse. Il réussit à s’en emparer, achète un cheval, de la terre et revient triomphant chez Anna. Mais le bonheur est de courte durée : leur lopin de terre est quasi à la verticale et leur cheval ne parvient pas à labourer la terre. Anna se tue à tirer la charrue à la place de l’animal fourbu. Khmyr est au désespoir...

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24 septiembre 2010

Agnès Varda - Cléo de 5 à 7 (1961)

Francés | Subs: Castellano/English/Italiano/Portugués (muxed)
90 min | x-264 mkv 656x480 ~> 800x480 | 1545 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,09 GB

Cleo, una joven cantante, espera impaciente los resultados de un exámen médico. Cuando una adivina que lee las cartas le revela que tiene cáncer y que puede morir, sus preocupaciones aumentan. Tratando de ocupar su tiempo a la espera de los resultados, Cleo conoce un joven soldado que está a punto de partir al servicio militar en Argelia, y que confía en la joven sus temores a la muerte.
En 1985 Agnes Varda realizó una bella obra de nombre 'Sin techo ni ley', una obra sobre la intemperie vital encarnada en la sombría odisea, o su reverso, de una chica convertida en vagabunda por las carreteras de la Francia profunda, motivada por su rechazo a integrarse en una sociedad que rechaza. También es un tránsito sobre la intemperie vital las dos horas de la vida de Cleo, que se narran en la hermosa 'Cleo de 5 a 7' (1961), las que transcurren desde que una tarotista augura un sombrío futuro señalado por la enfermedad, y un estado emocional confuso en el que se esbozan las figuras de un hombre presente y otro posible, y la notificación del diagnóstico sobre su salud. Claro que ambas protagonistas difieren en su caracter. Cleo es una cantante que, aunque se a reconocida por la calle y se hayan editado tres singles, siente que la vida no le presta la suficiente atención ( como cuando pone uno de sus temas en un jukebox en un café y 'siente' que nadie la escucha). Hay quien dice que es un tanto niña consentida (tiene un columpio en su salón), que responde a ese tipo de mujer que tienda más a desear que la quieran que a superar sus miedos a amar. Cleo tiene muchos miedos, no sólo a la enfermadad o la muerte. En sus tránsitos por las calles, esos que se narran de un modo minuciosa, sea en coche con su asistenta o con la amiga que posa desnuda ( en cambio ella piensa que la desnudez es indiscreción, luego viene la noche, y la enfermedad) porque se siente feliz con su cuerpo, no por que se sienta orgullosa de él, o sean los tránsitos a pie, parece que vea reflejados esos miedos, como el hombre que traga sapos o aquel que se perfora con agujas. En sus paseos, o tránsitos, a veces su mirada vaga imprecisa, a veces fijándose, cuando no ofuscándose, o sintiendo que todas las miradas están pendientes de ella. En el café se desplaza nerviosa, sentándose y levantándose una y otra vez. El fondo de los encuadres también parece que expresa lo que se tensa en su mente, o la define, ya sea las figuras de los soldados a caballo con vestimenta de la época de Napoleón, que se reflejan en el escaparate de la tienda donde se prueba diversos sombreros ( le encanta probarse ropa), o los gatitos que juegan en su dormitorio. El último encuentro, en un espacio natural, un parque, con un soldado que debe volver en unas horas a Argelia, en el cual pareciera que están ambos solos, supone la reconciliación consigo misma, la posibilidad de que lo desconocido no sea algo que tema sino algo con lo que entable una conversación que pueda incluso denominarse un amor en gestación ( el último plano de ambos caminando, y sonriéndose, es ciertamente hermoso). Una de las más notorias cualidades de 'Cleo de 5 a 7', de Agnes Varda, es como hace del tiempo y el espacio, concreción y abstracción, inmediatez y reflejo del conflicto íntimo que se agita en Cleo, a veces signos de lo que teme o de lo que anhela. Registra lo que es la vivencia de esas dos horas, en el que el tiempo es también una experiencia interior, y además se trasciende a la condición alegórica de una mujer enfrentada a su forma de habitar la vida, un proceso que es, en su desarrollo, una conciliación, un saber dar los pasos en la tierra tras bajar de su columpio. (El Cine de Solaris)

Agnes Varda, the lone woman in the French New Wave boys' club, made her reputation with her second feature Cleo from 5 to 7, a 90-minute drama set in real time exploring the internal turmoil of a flighty young pop singer who awaits the results of a medical examination for cancer. Leaving behind her elegant, almost antiseptic apartment for the bustle of the Parisian streets, she weaves through crowds and watches street performers while struggling with her fears and self-recriminations, confronting her shortcomings and finding hope in a chance meeting with a young soldier. Varda captures the vibrant social world and its easy rhythms in creamy black and white with smooth long takes, bringing an almost tactile quality to Cleo's personal odyssey, punctuated with chapter titles marking the time until her appointment at the hospital. Corinne Marchand's Cleo enters as a spoiled adolescent, but introspective internal monologues and brief encounters with strangers etch a portrait of a woman hiding her fears under a façade of flightiness, only discarding the mask when she firmly embraces life in the face of possible death. --Sean Axmaker




 “Aquí hay una contradicción. Todo el tiempo aparece el reloj con la hora, sin embargo en el filme se siente un tiempo diferente, es la historia de una mujer que tiene miedo de morir de cáncer.” Agnès Varda

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23 septiembre 2010

John Brahm - The Locket (1946)

 Inglés/English | Subs: Castellano
86 min | XviD 640x480 | 1989 kb/s | 128 kb/s mp3 | 23.97 fps
1,27 GB + 3% recuperación/recovery

 
El medallón/La huella del recuerdo
Laraine Day interpreta a una cleptómana y mentirosa patológica, traumatizada por un incidente de su infancia, que impulsa al suicidio a los hombres alrededor de ella. Realizada con gran fuerza expresiva por el alemán John Brahm y el director de fotografía Nicholas Musuraca, este film es también un prodigio de construcción de guión como no se había visto desde El ciudadano, basado en tres flashbacks imbricados ente sí que terminan finalmente formando una rueda. Una película a redescubrir. (Teatro San Martín)
Lovely Nancy seems like the ideal bride to fiancée John Willis... until, just before the ceremony, Willis is approached by Harry Blair, claiming to be Nancy's former husband. The tale Blair unfolds (in a flashback within a flashback within a flashback!) paints Nancy as a kleptomaniac, habitual liar, and perhaps worse. But is Blair telling the truth? And does fate have another surprise in store?

DVD rip y capturas de orionzfire (KG)

Subtítulos en castellano de theycame2001 (DXC/Ci-Cl)


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21 septiembre 2010

Alain Corneau - Série noire (1979)


Francés | Subs: Castellano/English
111 min | XviD 640x384 | 1565 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
1,36 GB + 3% recuperación

Serie negra
Frank Poupart, un representante de comercio que trabaja para Staplin, y que ha sido abandonado por su esposa, se enamora de Mona, una joven de 17 años que vive con su vieja tía. Cuando Staplin le acusa de haber robado dinero suyo, Frank es arrestado, pero sale en libertad al pagar Mona la suma desaparecida. Entonces descubre que la chica se lo robó a su tía, la cual parece tener escondida una fortuna en su casa.

Corneau llevaba tiempo queriendo adaptar la novela de Jim Thompson "1280 almas" (1964), pero no lo consiguió (quien sí lo hizo, y con buenos resultados, fue Bertrand Tavernier). No obstante, si pudo adaptar, junto al prestigioso novelista Georges Perec, otra novela menos conocida del escritor de Oklahoma, "Una mujer endemoniada" ("A Hell of a Woman", 1954), trasladando la acción a los suburbios parisinos de la época. (Tronko, DXC)

DVD rip de assla (KG)

Subtítulos en castellano de dravot (Ci-Cl)



Frank Poupart is a slightly neurotic door-to-door salesman in a sinister part of Paris' suburbs. He meets Mona, a teenager, who's been made a prostitute by her own aunt. Franck would like to change his life and also save Mona from her aunt. Murder is the only solution he finds to achieve his goal...

English subs by edithwharton and depositio (KG)



Frank Poupart, représentant d'une minable entreprise de vente par correspondance, écume les banlieues sinistres. Jeanne , sa femme, lassée de cette existence médiocre, finit par le quitter. Un jour, à la recherche d'un mauvais payeur, il tombe sur une mégère qui tente de lui monayer les charmes de sa nièce de 17 ans, Mona, contre un peignoir. Troublé par l'innocence de la jeune fille, Frank refuse. Envoyé en prison par son patron qu'il avait escroqué, Frank est libéré grâce à Mona qui rembourse l'argent volé. La jeune fille lui fait alors miroiter le magot de sa tante qui leur permettrait de fuir la zone.

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19 septiembre 2010

Nagisa Oshima - Seishun Zankoku Monogatari (1960)


Japonés | Subs: Castellano/Français/English/Portugués/Italiano
96 min | XviD 672x272 | 1379 kb/s | 128 kb/s mp3 | 29.97 fps
1,01 GB + 3% recuperación/recovery

Historias crueles de juventud
Makoto está en el instituto cuando un estudiante de universidad, Kiyoshi, la rescata del ataque de un hombre. Al día siguiente él intenta aprovecharse y se acuesta con ella, aunque luego la rechaza. Pero ella no se resigna y lo llama de nuevo al poco tiempo, iniciándose una relación entre ellos. Ella le sigue a todas partes, y se acostumbra a sus actos delictivos... (FA)


La película transcurre durante las manifestaciones en contra del pacto de seguridad entre EEUU y Japón (AMPO) de 1960. Esta película también supondría el primer ejemplo de la filosofía política del director en la que el sexo, la violencia y el crimen pueden ser usados para subvertir las normas sociales y desafiar a las autoridades. En especial, en esta primera etapa de Oshima, la delincuencia es usada como un arma transgresiva de los códigos morales y sociales japoneses. Para ello Oshima rechaza cualquier tipo de juicio o condena por las acciones de sus protagonistas. Estos mismos se niegan a proferir cualquier tipo de remordimiento o sentimiento de culpabilidad que padres y autoridades esperan oír. (tomado de http://redsiglo21.com/eiga9/articulos/taiyozoku.html)

DVD rip y capturas de peppermint (KG) A pesar de los 29.97 fps, no noté efectos nocivos en el video.

Subtítulos en castellano de ciruja (DXC)

Cruel Story of Youth
Nagisa Oshima's groundbreaking film opens with young, attractive Mako and her friend hitching a ride from an old man. After her friend leaves, the man tries to rape her, and she is saved only by the handsome Kiyoshi. Later, against the background of the tumultuous 1960 U.S./Japan Security Treaty demonstrations, Kiyoshi and Mako walk along a grungy seaside lumberyard while talking about sex. He attempts to kiss her, she slaps him, and he throws her in the water. She cries out that she can't swim. When she continues to refuse his advances, he steps on her fingers as she clings to a log. Kiyoshi then saves Mako from a trio of seedy pimps looking to impress her into working for them, but after rescuing her, he forces himself on her again. With this unlikely beginning, Kiyoshi and Mako form a passionate though doomed romance. Soon she stops going to school and moves into his flea-ridden dive of an apartment. Utterly disillusioned with all trappings of societal convention, the two get cash by blackmailing businessmen and by shaking down Kiyoshi's middle-aged sugarmama. Tension with this Bonnie and Clyde duo builds after Mako has an abortion in a run down clinic, performed by an alcoholic doctor.
Contes cruels de la jeunesse
Makato est une étudiante qui use de ses charmes pour se faire raccompagner chez elle. Un soir, l’un de ses accompagnateurs tente de la ramener de force à l’hôtel, Kiyoshi, un étudiant intervient et corrige l’homme. Makato se rapproche alors de Kiyoshi et entame une relation amoureuse malgré les excès de violence de ce dernier.

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18 septiembre 2010

Fred C. Newmeyer & Sam Taylor - Girl Shy (1924)

Muda/Silent | Intertìtulos/Intertitles:Castellano/English
80 min | DivX 640x480 | 1083 kb/s | 128 kb/s mp3 | 29.97 fps
700 MB + 3% de recuperación rar
Harold es un aprendiz de sastre, que padece una terrible timidez a la hora de tratar con las mujeres. Cuando toca atender a una cliente el pobre lo pasa fatal. Paradójicamente, tiene una inclinación a escribir, y desea llevar a un editor su manual de seducción de mujeres, donde asegura hablar de lo que sabe aunque, claro está, el hombre no tiene ni idea. El caso es que cuando viaja en tren para presentar su libro, conoce a una joven a la que ayuda en su apuro de llevar oculto un perrito -está prohibido llevar animales a bordo-, y de la que se enamora locamente. Con lo cual cambia su percepción de las mujeres.
A estas alturas Harold Lloyd pasa por ser el cómico más taquillera del momento, por encima de Charles Chaplin y Buster Keaton, siendo Chaplin el único que logra superarle en prestigio.
Films tan notables como El mimado de la abuelita (Grandma's boy, 1922), El hombre mosca (Safety Last, 1923) ¡Venga alegría! (Why Worry?, 1923) o Casado y con suegra (Hot Water, 1924) confirman al simpático cómico de las gafas como el preferido del gran público. Por eso Lloyd, una vez consumada su ruptura con Hal Roach, cree que ha llegado el momento de asumir el control absoluto sobre sus películas.Girl Shy va a constituir su primer proyecto como productor independiente.Retomando el personaje de muchacho tímido que ya exhibiera en Grandma's boy, Lloyd amplia y desarrolla sus posibilidades en el presente film. Mediante un ejercicio de onirismo,que constituye un claro ejemplo de introspección subconsciente, el protagonista se lanza a representar otros papeles, vedados habitualmente para él, dada su profunda timidez. De ese modo,el tartamudo incorregible con las mujeres, se presenta ante una vampiresa como un duro indiferente,resultado de la experiencia que hubiera querido tener, y como un rudo primitivo frente a la jovencita chic, en clara manifestación de su ello reprimido.
Utilizando el carácter del muchacho como pretexto, Lloyd imprime al film un tiempo lento, muy adecuado para insertar en él diferentes y divertidos gags. Demostrando su habilidad en el manejo del ritmo, Lloyd -junto con los realizadores, Newmeyer y Taylor-, da un espectacular giro y nos ofrece la trepidante persecución final, en donde se atinan velocidad y suspense, y cuyos últimos minutos son una auténtica antología del género.
El film se estrena el 28 de marzo de 1924 en el Roof Theater de Nueva York. Es un nuevo éxito para el cómico. La película recauda dos millones de dólares,confirmando que Lloyd se encuentra
en la cima de su popularidad. (Texto de Luis Enrique Ruiz. tomado e Obras Maestras del Cine Mudo)Uno de los primeros aspectos que cabe resaltar del film es que en esta obra ya notamos que tanto Harold Lloyd como los directores Fred C. Newmeyer y Sam Taylor dominaban ampliamente el lenguaje cinematográfico y aspiraban a crear algo más que una simple comedia. No se contentaban ya simplemente con elaborar una serie de gags efectivos sino que podemos observar un trabajo de realización bastante más trabajado que el de una película cómica del montón. Una de las mejores muestras de ello es la escena en que Harold se imagina sus episodios amorosos con una vampiresa y una chica a la moda, escenas tratadas con muchísima gracia reflejando los tópicos relacionados con ambos estereotipos y excelentemente recreadas (por ejemplo, es fantástico el tipo de ambientación que envuelve la escena de la vampiresa y cómo Harold se sirve de ésta para crear gags).También resulta muy destacable ese trabajo en la romántica escena campestre, que consigue resultar divertida sin romper la ambientación tan idílica que rodea a la pareja protagonista (impagable cuando Harold busca un lugar acogedor con el que sentarse con Mary). En otras palabras, consigue el objetivo general de la película: conmovernos con la historia de los protagonistas sin dejar de ofrecernos pequeños gags que hacen que el romance no se haga demasiado empalagoso.El guión es otro de los puntos fuertes de esta película por la forma como se nos cuenta la historia que nos lleva de una situación a otra con toda fluidez y por el inteligente uso de diversos recursos como objetos para darnos a entender lo que piensan los personajes. El mejor ejemplo de ello es la caja de galletas de perro y la de bombones, que aparecen en todo el film y tienen un fuerte significado. La primera vez que se encuentran en el tren él consigue de ella una caja de galletas de perro y ella una caja de bombones que Harold compra por accidente. A lo largo del film ambos personajes recurrirán a estos objetos para recordar a su ser amado, lo cual no está exento de comicidad (sobre todo en el caso de la divertida caja de galletas con un feroz bulldog dibujado en el paquete) y que sirve como parodia de las tópicas historias románticas en que la pareja guarda como recuerdo algo como una flor, un mechón de pelo o un bello pañuelo.El momento más doloroso y dramático es cuando Harold decide romper con ella porque nunca será un hombre de provecho (la típica decisión que uno se supone que toma desinteresadamente “porque la ama demasiado” pero que en realidad acaba siendo una estupidez) y le hace creer que para él su relación no era más que otro de sus muchos ligues. Y para mostrar ese hecho la forma más directa de darle a entender su traición es comprar a otra mujer que se encuentra en el parque una caja de bombones de la misma marca que él le compró antes en el tren (curiosamente, luego le quita la caja a su nuevo ligue y se escapa corriendo, como si no pudiera soportar el hecho de comprarle los mismos bombones a otra). Mary, desconsolada, destrozará la caja de bombones de su amado Harold y aceptará casarse con su estirado pretendiente, pero más adelante sabremos que ella sigue amándole cuando veamos como intenta reconstruir la caja. Este tipo de sutilezas, tan propias de las comedias clásicas de Hollywood, me encantan y resultan sumamente efectivas para dar más fluidez.Y finalmente, por si alguien se había olvidado de que estamos hablando de una comedia, pasemos a los aspectos humorísticos. A estas alturas no creo que haga falta mencionar la destreza de Harold Lloyd para elaborar divertidas situaciones y su detallismo para hacer que cada gag sea absolutamente perfecto y lo más efectivo posible. En ese sentido la escena inicial en el tren en que tanto Mary como Harold intentan esconder el perrito de ella del furioso revisor resulta divertidísima, así como el inteligente uso del tartamudeo de Harold (que aparece a lo largo de todo el film y sirve para dar pie al gag final).Sin embargo, si por algo destaca El Tenorio Tímido en lo que a comicidad se refiere, es por su frenética carrera final a contrarreloj para impedir que ella se case con su pretendiente. Una escena de 25 minutos en la que Lloyd vuelve a combinar a la perfección comicidad y suspense como ya hizo en El Hombre Mosca. En esa larga carrera, Harold emplea todos los medios a su alcance para irrumpir en la ceremonia antes de que sea demasiado tarde: coches, motos, caballos e incluso un tranvía. Gracias a un efectivo montaje en paralelo, se consigue mantener el suspense en todo momento al mismo tiempo que se nos hace reír con los numerosos gags que aparecen en su carrera (como cuando Harold coge un coche que transporta ilegalmente bebidas alcohólicas, una divertida concesión a la época) y que acaban culminando en su espectacular entrada en la iglesia.
Con El Tenorio Tímido, el equipo formado por Harold Lloyd, Fred C. Newmeyer y Sam Taylor llegaron a su plena madurez y demostraron que dominaban no sólo el slapstick sino el medio cinematográfico a la perfección. Maravillosa. (El Gabinete del Doctor Mabuse)
Harold Meadows (Lloyd) is a shy, stuttering bachelor working in a tailor shop, who is writing a guide book for other bashful young men, "The Secret of Making Love," chapters from which are portrayed as fantasy sequences. Fate has him meet rich girl, Mary (Ralston), and they fall in love. But she is about to wed an already married man... (Imdb)"Mi humor nunca fue cruel o cínico. Simplemente agarraba la vida y le daba un codazo de diversión. Lo hacíamos de manera que todo el mundo lo entendiera, sin las barreras del lenguaje. Parece que también hemos conquistado las barreras del tiempo." Harold Lloyd
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-o-
Harold Lloyd en Arsenevich

17 septiembre 2010

Satyajit Ray - Ghare-Baire (1984)


Bengalì | Subs: Castellano/English
131 min I Xvid 640x480 | 1338 kb/s | 128 kb/s MP3 | 23,97 fps
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El Mundo de Bimala
La acción transcurre en 1907, dos años después de que el virrey de la India, Lord Curzon, decretase la fatídica división de Bengala en Occidental (actual estado de la India) y Oriental (actual Bangla-Desh), este último pasaba a ser adminstrado por una mayoría musulmana. Bimala es una esposa tradicional que saldrá del espacio físico asignado a la mujer dentro de su casa, animada por su marido Nikhil, un intelectual a contracorriente. Nikhil presentará su mujer a Sandip, un carismático lider nacionalista, que permanece invitado en casa de los Choudhury. Pero muy pronto Bimala se enamorará de Sandip.

Basada en una novela de Rabindranath Tagore.

The Home and the World
1905. Winter. Bengal, India. The period of British rule in India. Following the 'divide-and-rule' policy, Lord Curzon has decided to partition Bengal; one for Hindus and another for Muslims. The people launch a nationalist movement - Swadeshi, appealing for a boycott of foreign-made goods. The movement is symbolised by public burning of foreign-made goods, mainly the British textiles. Bimala (Swatilekha Chatterjee) is the wife of a landlord-king Nikhil (Victor Banerjee) who has had a Western education in England and has liberal views. She is content to live in seclusion of her inner apartments and has no desire to break the custom to explore the outside world. Nikhil is the only man she has ever interacted with. She met him first on their wedding day. Nikhil wants her to come out of Purdah into the outside world. They share a loving relationship, but he convinces her that he will never know if she really loves him unless she has opportunity to meet others and prefers him over other men. At his coaxing, she begins to take lessons from an English governess, and takes the symbolic walk down the corridor to the outside world for the first time...





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16 septiembre 2010

François Truffaut - La Nuit Amèricaine (1973)

Francès/French I Subs:Castellano/English
115 min I Divx 592x352 I 1478 kb/s I 126 kb/s  mp3 I 25 fps
701 MB (CD1) y 685 MB (CD2) + 3%
Aclamadísimo filme del cinéfilo Truffaut que aborda la historia del rodaje de una película y los problemas que surgen entre los miembros del equipo.
Esta magnífica película rodada en 1973 por François Truffaut, cinéfilo antes que director, apasionado antes que crítico, es su personal homenaje al arte del cine, y en concreto, al proceso de rodaje de una película, además de ser una completa delicia de principio a fin para quienes sentimos una atracción infinita por las historias de cine dentro del cine. Como homenaje personal, Truffaut escogió centrar la trama, no en los escenarios, modos y maneras de la nouvelle vague que él mismo contribuyó a generar, sino en el Hollywood clásico que corresponde a las grandes películas que hicieron nacer en él el amor por el cine. Principalmente Truffaut centra ese homenaje en la creación cinematográfica, no como un arte, sino como un ejercicio de elaboración, como un trabajo manual, un puro producto de artesanía (desde luego, el rodaje de la película que constituye el centro de la trama no es precisamente el de una obra maestra que vaya a quedar para los anales de la historia). Es decir, que nos muestra el cine no desde el punto de vista del resultado final, sino desde el complejo proceso de trabajo colectivo que conlleva la creación cinematográfica, mezcla del resto de las artes, y la necesaria conjunción de esfuerzos y resultados de los que depende que una película adquiera una forma definitiva u otra.
Para ello, un Truffaut optimista retrata la colectividad del rodaje de manera amable, un compendio de buenas relaciones y de camaradería completamente distinta a la imagen que del cine dentro del cine han dado otros directores como Godard o Altman, un grupo humano al que dedica una mirada agridulce repleta de lecciones vitales, elucubraciones acerca del amor, del desamor, del abandono, de la necesidad y la falta, pero también sobre el sexo sin amor, la infidelidad y las inseguridades humanas en las relaciones de pareja. Jacqueline Bisset está estupenda (en todos los sentidos) como la actriz felizmente casada que ve su mundo patas arriba cuando otro actor (el recurrente en la cinematografía de Truffaut Jean Pierre Leaud) hace pública su relación, Jean-Pierre Aumont realiza una interpretación eficaz, muy sobria y contenida, Natalie Baye está fantástica como ayudante del director, haciendo gala de enorme equilibrio y tranquilidad, e incluso el propio Truffaut como director (de nombre Ferrand) está excelente (se reserva una de las escenas más bellas e icónicas de la cinta, cuando deja caer sus libros sobre cine al son de la música de George Delerue, la cual se escucha por el hilo telefónico, una forma magistral de rodar una simple escena de vida cotidiana con un profundo lirismo).
Pero a Truffaut le interesa lo efímero, lo provisional, lo transitorio de esas relaciones entre personas a las que ha unido un proyecto cinematográfico que, como todos, no es más que producto de una cadena imprevisible de azares y casualidades, como si el plató de cine fuera un pedazo autónomo de vida con principio y final, donde cabe lo alegre y lo frágil, los sueños y anhelos, las esperanzas, los miedos y las inseguridades, lo frívolo y lo profundo. La película denota por todos lados el profundo cariño que Truffaut puso en ella, una mirada nostálgica pero al mismo tiempo conciliadora con lo que el cine también es, el negocio, y con el hecho de la fama y el aspecto público de quienes intervienen en él (la escena en la que un tipo acusa a los trabajadores del cine de desvergüenza).
Finalmente, La noche americana es un compendio de todas las teorías de Truffaut sobre el estilo cinematográfico, y un resumen de su técnica cinematográfica. La película, poco llamativa en cuanto a la acción y a la fuerza de los diálogos, huye de la ostentación, de lo dramático, de la riqueza visual, apostando por la sencillez y la ligereza como forma adecuada de retratar las situaciones corrientes y normales que viven los personajes, sólo rotas con algún episodio melodramático (como la muerte del personaje de Alexander) que sirven para acentuar los pequeños placeres del ser humano, la intimidad, la complicidad, los amores, la comedia de la vida. En suma, todo un homenaje de Truffaut al cine, a la vida. A su vida. El director francés obtuvo el premio de la Academia a la mejor película de habla no inglesa, y nominaciones como mejor director y mejor guionista. Todo un reconocimiento merecido por su forma de ver el cine, por su forma de retratar la vida misma. (39 Escalones)
François Truffaut's lavish and fun 1973 comedy-drama about a film production is a clever hall of mirrors, with Truffaut himself playing a director, and his most important actor in real life, Jean-Pierre Léaud (The 400 Blows), portraying Jacqueline Bisset's immature costar. Day for Night is full of tales undoubtedly told out of school and repeated here in camouflage, and one can't help but be impressed with the stylistic and technical means by which Truffaut captures the adventurousness of a full-budget shoot. The cast is very good all around, with actors in some cases playing fictional thespians and in other cases playing members of the crew. A sequence set to thrilling music by Georges Delerue celebrates the whole art of filmmaking as seen from an editor's perspective--it makes one want to drop everything and shoot a film of one's own. --Tom Keogh
"Un día de 1942, impaciente como estaba por ver la película de Marcel Carné: 'Les Visiteurs du soir', que echaban por fin en mi barrio, en el cine Pigalle, decidí faltar a la escuela. La película me gustó mucho, y esa misma tarde mi tía que estudiaba violín en el Conservatorio, pasó por casa para llevarme al cine. También ella había elegido 'Les Visiteurs du soir', y como por supuesto yo no iba a confesar que la había visto, tuve que volverla a ver disimulando para que no se diera cuenta. Fue exactamente aquel día cuando caí en la cuenta de hasta qué punto puede ser emocionante profundizar más y más íntimamente en una obra que se admira y llegar hasta hacerse la ilusión de que uno revive su creación. Experimentaba una gran necesidad de entrar dentro de las películas y lo conseguía acercándome más y más a la pantalla para así abstraerme del resto de la sala. Desdeñaba las películas históricas, las de guerra y los westerns porque resultaba más difícil identificarse con ellas. Por eliminación no me quedaban más que las policíacas y las de amor (...) Es comprensible pues, que me sedujera desde el principio la obra de Alfred Hitchcock, consagrada por entero al miedo, y después la de Jean Renoir, inclinada hacia la comprensión: "Lo terrible de este mundo es que todos tienen sus razones" ('La regla del juego'). La puerta estaba abierta y yo dispuesto a empaparme de las ideas y las imágenes de Jean Vigo, Jean Cocteau, Sacha Guitry, Orson Welles, Marcel Pagnol, Lubitsch, Charlie Chaplin, de todos aquellos que sin ser inmortales "dudan de la moral de los demás" ('Hiroshima mon amour'). El cine en este período de mi vida actuaba como una droga hasta el extremo de que el cine-club que fundé en 1947 llevaba el pretencioso pero revelador nombre de "Círculo cinémano". No era raro que viese la misma película cinco o seis veces en el mismo mes sin ser capaz luego de contar correctamente el argumento, porque, en un instante preciso, una música que subía de volumen, una persecución en la noche, el llanto de una actriz, me emborrachaban, me arrebataban y me arrastraban más allá de la película." François Truffaut
Nuevos enlaces, gentileza de Ana

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François Truffaut en Arsenevich