30 abril 2010

Joseph Losey - The Criminal (1960)


Inglés/English | Subs: Castellano/Français/Nederlands/Portugués
93 min | XviD 720x432 | 1915 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
1,36 GB + 3% recuperación/recovery


El criminal
Nada más salir de la cárcel Johnny organiza con su banda un robo en el hipódromo. Tras esconder el dinero, es detenido por la policía y condenado a quince años de prisión. Pero el escondite del botín lo mantiene en secreto. Los miembros de su banda deciden preparar su fuga para hacerse con el dinero.... Johnny Bannion ha pasado los tres últimos años en prisión ideando el más grande robo de su trayectoria. Fuera de prisión, pone su plan en acción. Entierra el dinero en el campo, pero Bannion es arrestado antes de tener la oportunidad de revelar el paradero a su pandilla. Pero cometen el gran error de dispararle antes de que pueda contarles toda la historia...

DVD rip y capturas de pipa (veinticuatrofps.com)

Stanley Baker stars as underworld kingpin Johnny Bannion, sprung from prison by his best friend Mike Carter to mastermind a daring racetrack heist. But when Johnny is sent back to jail shortly after hiding the stolen loot, he must survive and ordeal of brutality and betrayal at the hands of his fellow convicts and former accomplices in this gritty drama that was originally advertised as “The Toughest Film Ever Made In Britain!”.
Les criminels
Johnny Bannion a passé ses trois dernières années de prison à mettre au point le plus gros vol de sa carrière. A sa sortie de prison, il met son plan à exécution. Il enterre l'argent dans un champ, mais il est arrêté avant qu'il ait pu révéler la cachette à ses complices. Ceux-ci s'empressent de le tirer de sa prison, mais ils commettent l'erreur fatale de le tuer avant qu'il ait pu leur révéler son secret...



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subtítulos:
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Joseph Losey en Arsenevich
The Criminal (1960)
Eva (1962)

26 abril 2010

Claude Chabrol - Le beau Serge (1958)


Francés/French | Subs: Castellano/English
76 min | XviD 720x528 | 1837 kb/s | 224 kb/s AC3 | 25 fps
1,36 GB + 3% recuperación/recovery


El bello Sergio
François regresa a su pueblo natal en Francia tras una década de ausencia. Nada más llegar nota que el pueblo no ha cambiado demasiado desde su partida, pero sí la gente, especialmente su viejo amigo Serge, quien se ha convertido en un desagradable borracho. En honor a esa vieja amistad que les unía años atrás, François averigurará lo que le sucedió a Serge para que se convirtiera en ese tipo de persona y también le prestará su ayuda para sacarlo de ese estado.

Primera película de Claude Chabrol.
Gracias a pipa (veinticuatrofps.com) por el rip y las capturas.


Bitter Reunion
François comes back to his home village in France after more than a decade. He notices that the village hasn't changed much, but the people have, especially his old friend Serge who has become a drunkard. Francois now tries to find out what happened to him and tries to help him.

English subs by TheBlackCrispinGlover


Après plusieurs années d'absence, François revient dans son village auvergnat. Il y retrouve son ami Serge. Mais celui-ci, mal marié, a sombré dans l'alcool et refuse de voir François. Celui-ci tente de l'aider à refaire surface et à accepter son enfant mongolien.

Nuevos enlaces, gentileza de Ana

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Claude Chabrol en Arsenevich
Le beau Serge (1958)
Les Cousins (1958)

24 abril 2010

René Clément - Le passager de la pluie (1970)


Francés/French* | Subs: Castellano/English/Portugués
113 min | XviD 704x384 | 1603 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
1,42 GB + 3% recuperación/recovery
El pasajero de la lluvia
Una mujer (Marlene Jobert) es acechada por un extraño durante una lluviosa tarde, que se introduce en su casa y la viola, mientras el marido está fuera. Posteriormente le dispara a su asaltante y lo mata, arrojando su cuerpo al mar. Cuando el cuerpo aparece, un militar norteamericano (Charles Bronson) acusa a la mujer de asesinato y de robo del dinero que el violador tenía consigo.

Subtítulos en castellano de tilsu

Rider on the Rain
A beautiful young woman in the South of France is stalked by, then raped by, a mysterious masked assailant. She shoots him dead soon afterwards and dumps his corpse in the sea. Later, an American investigator turns up, and to her horror he seems to know everything about what she has done.

DVD rip by Weimar. English subs by fliplink (KG)


Un soir, un inconnu surprend Mélancolie Mau seule chez elle et la viole. Folle de terreur, elle le tue et se débarrasse du cadavre. Mais peu de temps après, un mystérieux Américain la harcèle de questions. Refusant d'avouer le meurtre, elle se retrouve alors impliquée dans une lutte sans merci avec son inquisiteur...

*Il y a quelques dialogues en anglais sans sous-titres en français.


Nuevos enlaces, cortesía de Ana
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René Clément en Arsenevich

Les Maudits (1947) 
Plein soleil (1960)
Le passager de la pluie (1970)
Les félins (1964)

21 abril 2010

Budd Boetticher - The Tall T (1957)

Inglés/English I Subs: Castellano
78 min I Xvid 640 x 480 I 2065 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 29.97 fps
1,19 GB + 3% recuperación/recovery
Un forajido secuestra a un matrimonio, en el que se ve involuntariamente implicado Pat Brennan, un individuo que abandonó su puesto de capataz en el mejor rancho de la comarca para establecerse por su cuenta. La mujer secuestrada es hija única de un mágnate.
Budd Boetticher, que fue maltratado en España por la pantalla grande, es poco a poco recuperado (...) He aquí la tercera de sus grandes películas del Oeste. Es una de las siete que hizo con el actor Randolph Scott y la segunda con guión de Burt Kennedy, con quienes Boetticher formó un trío legendario en los anales del western. Fue rodada en 1956 y pasó inicialmente desapercibida, debido a su catalogación como película de lote en los encasillamientos de las casas distribuidoras norteamericanas. La crítica especializada europea supo capturar su austera perfección -Boetticher es un cineasta casi ascético- y la puso en su sitio, muy por encima de infinidad de filmes de alto presupuesto y mediocre significado, que forran las taquillas de verde.Los cautivos se ajusta milimétricamente al modelo creado por el citado trío de cineastas: argumento muy similar, escenario prácticamente idéntico, personaje central tallado en piedra y a la medida de Scott, igual estructura itinerante que Estación Comanche y Cabalgada en el desierto , desarrollo de situaciones sobre el mismo axioma de economía narrativa proverbial en el cine de Boetticher y, en el fondo de todo, una durísima y trágica visión -que echa por tierra el colorismo ingenuo del western optimista- del mito del nacimiento de una nación, mito nacionalista y reaccionario que, en manos de Boetticher, adquiere connotaciones de enorme violencia escéptica, un clima poético enrarecido y crítico, y, en definitiva, un signo poético y dramático no auroral, sino crepuscular.La perfección del relato y la seca fuerza de las imágenes da a Los cautivos un ritmo peculiarisimo, en el que Boetticher va introduciendo los elementos habituales que pueblan sus westems con una especie de rigor matemático casi inflexible: mitad tormenta: mitad teorema. Allí está el marco dramático permanente: el camino, pero considerado no tanto un itineraño fisico como un itinerario moral. En el centro del viaje, una especie de individuo, Randolph Scott, sin matices, cuya identidad profunda se agota en su sola presencia, una presencia casi mineral, que hace de él una especie de golem, de estatua animada que transita de un confin a otro del desierto en busca de una oscura, imprecisa y obstinada rehabilitación o desquite. El ingenuismo épico del western auroral se convierte, en la visión de Boetticher, Kennedy y Scott, en un modelo de tragedia contemporánea.
Y siempre, junto a la presencia mineral de Scott, un oponente en el que hay una ambigüedad, e incluso una escisión existencial, de orden contrario. Paradójicamente, o tal vez no, este casi agresivo sello de humanidad, en contraste con la inexpresiva y unidimensional talla en roca del bueno de la película, le pertenece en los filmes de Boetticher al malo. Esta circunstancia complica las cosas, ya que rompe el esquema maniqueo habitual aplicado a los juicios comunes sobre el western. Hay una rara humanidad en los malos de Boetticher, que perturba la casi inhumanidad de sus buenos. El malo de Los cautivos está interpretado por un actor de excepción, el fallecido Richard Boone, que hay que situar entre los más logrados de la fascinante galería humana de esos faragidos -Lee van Cleef, Weridell Corey, Lee Marvin, Pernell Roberts, John Carrol, Ray Danton, entre otros- que pueblan, como fán tasmales réplicas del hombre hu mano, los relatos flilmicos de Boetticher.
El dúo Scoot-Boone en Los cautivos es uno de esos hallazgos mayores del cine adulto, que se da muy de tarde en tarde. Las películas de Boetticher, que se ven y consumen con facilidad, dada la transparencia de la aventura, pueden parecer menores de lo que en realidad son. Quien desee pasar con Los cautivos un simple rato emotivo, puede hacerlo; pero quien desee rebuscar en la trastienda que sostiene a la parte evidente del filme, puede hacerlo igualmente y, si sabe a afilar la mirada, descubrirá algunas razones e ideas que añadir a su diversión. (Texto de Angel Fernandez Santos, tomado de El Paìs)
De todos los westerns realizados en la década de los 50, entre algunas de las joyas realizadas en el género, y prácticamente conocidas por todos, hay un pequeño grupo de siete películas dirigidas por Budd Boetticher. Fue éste un realizador poco conocido tanto entonces como ahora o mejor habría que decir que fue poco reconocido. Sólo el paso inexorable del tiempo pone las cosas en su sitio, y aunque para la mayoría de los espectadores su nombre no les diga nada (también es cierto que la mayoría de los espectadores piensan que el cine se inventó en los años 90, y que lo inventó Tarantino), el lugar de Boetticher en el transcurso de la historia es innegable.
Al lado del actor Randolph Scott, que ejerció tareas de productor en alguna ocasión, realizó esas siete películas, algunas de las cuales influyeron poderosamente en el género. No todas tuvieron una calidad superior, pero en el caso que nos ocupa estamos hablando de un gran film. Un western, con una historia pequeña, contando cosas grandes, y con una violencia inusitada, casi insoportable. Un film que, en cierta medida, recuerda a la magistral ‘El hombre del oeste’ de Anthony Mann, y nada tiene que envidiarle a otros westerns realizados en aquellos años.
‘Los cautivos’, cuyo título original es ‘The Tall-T’, narra cómo un granjero pierde su caballo en una apuesta con su antiguo jefe, quien le consideraba el mejor capataz que ha tenido nunca, y quiere hacerle volver a trabajar para él. Caminando de regreso al hogar, es recogido por una diligencia alquilada por una pareja de viaje de novios, y que al hacer la parada para dejar a nuestro protagonista en su destino, son retenidos por tres hombres con no muy buenas intenciones.
Burt Kennedy, que también hizo sus pinitos como director, aunque con menor fortuna, escribió un portentoso guión basándose en la obra de Elmore Leonard. Este escritor no pasa de moda en el cine; desde sus inicios en películas como la que nos ocupa, o ‘El tren de las 3:10’, pasando por ‘Joe Kidd’, hasta llagar a ‘Jackie Brown’ o la aún inédita ‘Killshot’ de John Madden. Boetticher aprovecha al máximo las posibilidades del guión, empleando los primeros quince minutos de la historia en una presentación de personajes llena de matices que realizan un estudio psicológico sobre los mismos. Personalidades y caracteres totalmente definidos, y una sutil descripción de la vida y ocupaciones de cada personaje, sirven para adentrarnos enseguida en un mundo que se nos hace familiar. De repente, toda esa tranquilidad, con la que ya nos estamos encariñando, se rompe delante de nuestras narices por la incursión de tres extraños. En estos momentos incluso la cámara de Boetticher se vuelve amenazante. Atención a cómo filma la llegada de peligro, enfocando desde la oscuridad del porche de la casa a los protagonistas. Un momento de tensión que hace cambiar el tono del film, volviéndose éste oscuro e imprevisiblemente implacable y feroz.La violencia más descarnada se apodera de un relato en el que los acontecimientos se desenvolverán de forma poca agraciada. Baste resaltar momentos como en el que nos enteramos del destino de dos personajes que son súbitamente retirados del film, con la extraña sensación de habernos arrancado un miembro del cuerpo (ocurre fuera de campo, tanto visual como narrativo, y cobra dimensiones de envergadura trágica al tratarse de quien se trata), o cierto disparo a bocajarro en la cara de un personaje. Instantes inauditos por resultar demasiados atrevidos para la época. Es ésta una parte centrada sobre todo en la figura de los tres hombres que retienen a los protagonistas contra su voluntad. Destacan sobre todo, Richard Boone, como el veterano bandido, con más inteligencia que fuerza bruta y que da las órdenes, aunque su decisión final le deja como un completo estúpido ávido de dinero; y Henry Silva, villano por excelencia dentro del séptimo arte, cuyo rol es el de un pistolero implacable y sin remordimientos. Estos dos actores resultan ser los mejores del reparto, ganándole la partida a los mucho más ñoños Randolph Scott, y una Maureen O´Sullivan algo envejecida.
‘Los cautivos’ es un denso thriller, enmarcado dentro del western, en el que existen sugerentes trazos sobre temas universales. El amor siempre ansiado, la familia, la venganza, la niñez rota, el matrimonio o la falsa amistad son tratados a veces de forma sutil, a veces de forma directa. Y todo ello perfectamente condensando en 78 minutos.(Blog de Cine)
Pat Brennan (Randolph Scott) is a small Arizona rancher who loses his horse in a gamble on his ability to break a wild animal. On his way back to his ranch on foot he's picked up by his old friend Rintoon (Arthur Hunnicutt), driver of a stagecoach. Among the stage's passengers are the newlyweds Doretta (Maureen O'Sullivan) and Willard Mims. Mims is a bookkeeper who has obviously married his wife for the money she'll inherit from her wealthy father who is a copper miner. Three killers hold up the stage, killing Rintoon. Their leader (Richard Boone) would just as soon dispatch the rest of the passengers as well, but the bookkeeper in an attempt to save his life suggests the bandit hold his wife for ransom. This is one of the best of the remarkable series of westerns from the team of director Budd Boetticher and star/producer Randolph Scott.
“No existen las películas de serie B o A, solo hay películas buenas o malas.” Budd Boetticher
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19 abril 2010

Fritz Lang - Beyond a Reasonable Doubt (1956)

Inglés/English I Subs: Castellano
77 min I Divx 640 x 480 I 1315 kb/s I 48 kb/s mp3 I 25 fps
752 MB
Historia que parte del intento de un escritor por demostrar la deficiencia de las leyes y la policía, colocando falsas pruebas contra sí mismo en un caso de asesinato. El primer punto que, después de algunos minutos de proyección, sorprende al espectador no avisado, es el aspecto de dibujo,o más bien de exposición, que en seguida adopta la sucesión de imágenes:como si aquello a lo que asistimos fuera menos la puesta en escena de un guión que la simple lectura de ese guión, ofrecida tal cual, sin ornamentos. Sin que medie tampoco el menor comentario personal por parte del enunciador. Estaríamos entonces tentados de apostar que nos encontramos ante una puesta en escena puramente objetiva, si esto fuera posible;sin embargo, es más prudente creer en algún ardid, y esperar lo que sigue.
El segundo punto parece confirmar,ante todo, esta impresión: la abundancia de negaciones sostiene la propia concepción del film, y quizá lo constituye. Negación,flagrante, de la verosimilitud, tanto la de la fabulación como la de esta otra verosimilitud, completamente artificial,de la escenificación, la preparación, la atmósfera, que habitualmente permite a los guionistas de todo el mundo hacer creíbles sin dificultad peripecias diez vecesmás gratuitas que éstas. Aquí nada se sacrifica a lo cotidiano o al detalle: ninguna observación sobre el tiempo que hace,el corte de un vestido, la gracia de una forma de caminar; si advertimos la marca de un maquillaje es para seguir la intriga.
Nos encontramos inmersos en un universo de la necesidad, tanto más perceptible cuanto casa con lo arbitrario de los postulados: como es bien conocido, Lang persigue siempre la verdad más allá de lo verosímil y aquí la busca, en principio, en lo inverosímil. Otra negación, que acompaña a la anterior: la de lo pintoresco. Los aficionados no encontrarán aquí ninguna de esas siluetas agradablemente bosquejadas,esas réplicas contundentes, esos rasgos donde la sorpresa usurpa el lugar de la invención y que en la actualidad constituyen, entre muchos otros, la fortuna de un Lumet o un Kubrick. Además,todas estas negaciones se acompañan de una suerte de altivez, en la que algunos querrían ver el desprecio del cineasta hacia su trabajo, pero ¿por qué no más bien
hacia ese tipo de espectadores?
A continuación, conforme el film prosigue su curso, estas primeras impresiones encuentran su justificación. El tono de la exposición era, en efecto, el tono justo, porque se trata de un problema que nos ha sido planteado con todos sus elementos, e incluso un doble problema: el primero remite al guión, es evidente e inútil insistir en ello, por ahora; el otro, más secreto, probablemente podría formularse así: dadas ciertas condiciones de temperatura y presión (que aquí son del orden trascendental de la experiencia),¿qué puede subsistir de humano en semejante ambiente? O, más modestamente,¿qué aspecto de la vida, incluso inhumana, perdura en un universo casi abstracto, pero que no obstante pertenece al orden de los universos posibles? En resumen, un problema de ciencia ficción.A quien dude de este postulado, le recomiendo que compare este film con La mujer en la luna (Die Frau im Mond,1929) cuyo argumento fue para Lang el pretexto de un primer ensayo de universo completamente cerrado.
Entonces interviene el golpe teatral:cinco minutos antes del desenlace, los datos del problema se modifican repentinamente,para gran escándalo de los espíritus cartesianos, que no admiten la
técnica de la inversión dialéctica. Ahora bien, si las soluciones también parecen alteradas, esto no es sino mera apariencia.Ya que las relaciones permanecen idénticas, y una vez se cumplen las condiciones,la poesía hace su aparición. Algo que sería necesario demostrar.
La palabra poesía sorprende aquí; sin duda, no era lo esperado. No obstante, la mantengo provisionalmente al no conocer otra que exprese mejor esta brusca fusión en una sola vibración de todos los elementos hasta entonces separados por la voluntad abstracta y discursiva: así pues, pasemos a las consecuencias más inmediatas.Hay una a la que ya he hecho alusión: las reacciones del público. Un film así es, evidentemente, la antítesis absoluta de la "velada agradable"; y, por comparación,Un condenado a muerte se ha escapado(Un condamné à mort s'est echappé,1956) o Falso culpable (The Wrong Man,1957) son divertimentos de la noche del sábado. En él se respira, por así decirlo,el aire de las cumbres, pero arriesgándonos a la asfixia; no podíamos esperar menos del último reto de uno de los espíritus más intransigentes de nuestro tiempo,cuyos últimos filmes ya nos habían preparado para este golpe de estado del saber absoluto.
Otra objeción me parece más importante:este film sería puramente negativo y hasta tal punto eficaz en sus aspectos destructivos que llegaría, a fin de cuentas,a destruirse a sí mismo. Esto no es inverosímil. Hace un momento hablaba de negación, pero he sido tímido. En efecto, de lo que hay que hablar es de destrucción: destrucción de la escena; al no ser tratada ninguna por sí misma, no subsiste sino un encadenamiento de puros momentos, de los que sólo se retiene el aspecto mediador: todo lo que podría determinarlos o actualizarlos más concretamente no se ha abstraído ni suprimido-Lang no es Bresson- sino que se ha devaluado y reducido a la condición de mera referencia espacio-temporal,desprovista de encarnación. Destrucción incluso del personaje: aquí ya nadie es verdaderamente sino lo que dice y hace: ¿quiénes son Dana Andrews, Joan Fontaine, su padre? Estas preguntas ya no tienen sentido, porque los personajes han perdido todo valor individual,ya no son más que conceptos humanos.
Sin embargo, en consecuencia, tanto más humanos cuanto menos individuales.Así pues, encontramos aquí una primera respuesta: ¿qué queda de humano? Sólo queda lo puramente humano, mientras que los exhibicionistas fellinianos en seguida lo reducen comprometiéndolo en sus mentiras y payasadas: mentiras obligatorias desde el momento en que se quiere reconstituir algún efecto sorpresa, payasadas tanto más chocantes al pretenderse "realistas" y no meras muecas.Quien no sale más conmocionado de este film que de todos los guiños a la
complicidad, lo ignora todo, no sólo del cine, sino también del hombre.
Extraño destructor que nos conduce a semejante conclusión y obliga a retomar la objeción a la inversa: si este film es negativo, sólo lo es al modo de lo puramente negativo, lo que sabemos que constituye también la definición hegeliana de la inteligencia.Es difícil precisar en una fórmula la personalidad de Fritz Lang (no hablemos ya de la idea que pueda hacerse un Clouzot): ¿cineasta "expresionista", preocupado por las luces y decorados? Un tanto lacónico. Y parece cada vez menos cierto. ¿Admirable director de actores? Por supuesto, ¿y qué más? Propongo lo siguiente: Lang es el cineasta del concepto,lo que indica que no sabríamos hablar de él sin error de abstracción o de estilización sino de necesidad (necesidad que debe poder contradecirse a sí misma sin perder su realidad): no se trata todavía de una necesidad exterior, que sería por ejemplo la del cineasta, sino de una necesidad que nace del propio movimiento del concepto. Incumbe al espectador no sólo asumir los pensamientos de los personajes,sus "móviles", sino el propio movimiento del interior a partir de las meras apariencias del fenómeno; a él le toca saber transformar sus momentos contradictorios en concepto. Por lo tanto, ¿qué es este film? ¿Fábula, parábola, ecuación,esquemas? Nada de esto, sino la sencilla descripción de una experiencia.Me doy cuento de que aún no he hablado del tema del film, que no carece de interés. En principio, se trata de una nueva variante de la denuncia habitual contra la pena de muerte, por otro lado bastante sutil: una serie de abrumadores indicios está a punto de enviar a un
inocente a la silla eléctrica; mejor: finalmente es declarado culpable, por su propia confesión, en el momento en que su inocencia es paradójicamente reconocida:de ahí la vanidad de la justicia humana,no juzguéis, etcétera... Pero esto parece enseguida demasiado simple: el desenlace no se deja reducir tan fácilmente y nos conduce de inmediato a un segundo movimiento: no puede haber un "falso culpable"; todos los hombres son culpables a priori; aquel al que acaban de indultar por error no puede evitar condenarse inmediatamente por sus propios medios. El mismo movimiento nos introduce en un mundo despiadado donde todo niega la gracia, donde el pecado y la pena están irremediablemente vinculados, y donde la única actitud posible del creador es la del desprecio absoluto. Pero una actitud semejante es difícil de sostener; mientras que la generosidad se expone a la pérdida inevitable de sus ilusiones, al rencor y la amargura, el desprecio sólo puede cosechar gratas sorpresas y advertir al fin no que el hombre no es despreciable (lo sigue siendo),sino que tal vez no lo es tanto como podíamos suponer.
Todo ello también nos obliga a superar este segundo estadio y tratar de alcanzar por último, más allá, el estadio de la verdad. Pero ¿a qué orden puede pertenecer esta verdad?Entreveo una solución: que tal vez es absurdo pretender confrontar este último film de Fritz Lang con otros anteriores como Furia (Fury, 1936) o Sólo se vive una vez (You Only Live Once,1937); en efecto, ¿qué es lo que observamos de una y otra parte? Aquí, la inocencia con todas las apariencias de
la culpabilidad; allí, la culpabilidad con todos los visos de inocencia. ¿Hay alguien que no vea que se trata de lo mismo o, al menos, de la misma pregunta?¿Qué son la culpabilidad y la inocencia
más allá de las apariencias? ¿Acaso se es inocente o culpable? Si en términos absolutos existe una respuesta, ésta no puede ser sino negativa; a cada uno le toca, pues, crearse su verdad, por inverosímil que parezca. En la última imagen,el héroe se ve, por fin, inocente o culpable. Acertada o equivocadamente,¿qué importancia tiene para él? Conocemos las últimas frases de Voix du silence: "El humanismo no consiste en decir: lo que he hecho, etc.". Así pues, saludemos, en el penúltimo plano,la mano apenas arrugada, dispuesta ineluctablemente junto a la gracia, y que ni siquiera hace temblar la forma más secreta de la fuerza y del honor de ser hombre.
(Texto de Jacques Rivette, aparecido originalmente en Cahiers du cinéma, n° 76. Noviembre, 1957, Traducción: Antonio Francisco Rodríguez Esteban para Cahiers du Cinema España N"2)
Born in Vienna in 1890, Lang had an extraordinary mastery of European expressionism that allowed him to illustrate the state of a continent that gave rise to fascism, and to make an implicit critique of the "freedom" of American capitalism. Perhaps he was a pessimist for whom life itself appeared to be some kind of trap. But he was indisputably a great director.
Beyond a Reasonable Doubt, in which Dana Andrews gives one of his most effective performances, illustrates that greatness perfectly. It is a film of great economy and precision (it lasts only 80 minutes), with the terrifying inevitability of Greek tragedy and a pervading sense that man is his own worst enemy.
Andrews plays a reporter who agrees to incriminate himself in a murder case because his editor (Sidney Blackmer) is pursuing a campaign against capital punishment. They plant a lighter that was given to the reporter by his fiancee (Joan Fontaine) and the reporter then poses for the photographs that will prove his innocence. Almost immediately Lang's long shot of the scene seems to suggest that things may go badly wrong. (Derek Malcolm, The Guardian)

"Aprended de dónde habéis venido, no estáis aquí sólo para ser sino para descubrir el conocimiento y la moral." Fritz Lang recitando a Dante
Nuevos enlaces, gracias a chicharro

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-o-
Fritz Lang en Arsenevich

18 abril 2010

Alain Resnais - Les herbes folles (2009)


Francés/French | Subs: Castellano/English/Portugués
100 min | XviD 720x304 | 1723 kb/s | 448 kb/s AC3 | 25 fps
1,51 GB + 3% recuperación/recovery


Las hierbas salvajes
Les herbes folles es la primera novela adaptada por Alain Resnais en su carrera. El guión, firmado por Laurent Herbiet y Alex Reval , está inspirado en la novela L' incident de Christian Gailly y describe el encuentro de una mujer, Marguerite Muir (Sabine Azéma), dentista y piloto a quien le roban su cartera, cuyo contenido es abandonado en un estacionamiento, y de un hombre solitario de pasado turbio, Georges Palet (André Dussollier) que la recoge. Entre estos dos personajes, que no tenían ninguna probabilidad de encontrarse, va a establecerse una relación sentimental llena de sobresaltos e imprevistos.

"En medio de un festival (Cannes 2009) en el que demasiadas películas de la sección oficial luchaban por evidenciar su pretendida calidad, Les herbes folles brilla como un diamante en bruto por su libertad de tono y su gran fuerza vital. Aunque parezca un tópico, con sus 87 años, Alain Resnais fue el cineasta más joven de la competición ofreciéndonos una de las obras mayores de su carrera. En vez de entregarnos un testamento senil nos regaló un canto a los misterios de la vida. Como en Asuntos privados... o en Pas sur la bouche, su director juega con los modelos del teatro de boulevard para hablarnos de unos seres que se mueven como títeres o cobayas, a quienes el misterio del azar puede llegar a unir. La puesta en escena es brillante y elegante. Los actores están espléndidos convirtiéndose en unos seres que abandonan la racionalidad de su entorno para encontrarse atrapados, de forma progresiva, en un universo absolutamente irracional, guiado por la fuerza de ese oscuro objeto llamado deseo. El orden se rompe, las conductas cada vez resultan más absurdas, los diálogos se convierten en un sutil juego de rimas. Mientras el títere humano se resquebraja, surge una puerta abierta al misterio. Les herbes folles no deja nada atado y bien atado, la película no deja de abrirse hasta que aparece el enigma, hasta que surge el interrogante final que no impide racionalizar y dar sentido a los mecanismos de esa ficción que nos atrapa. (ÁNGEL QUINTANA - Cahiers du Cinema España)

Rip del DVD francés y subtítulos en castellano míos


Wild Grass
Alain Resnais demonstrates he still has plenty to say in this drama based on a novel by Christian Gailly. Marguerite (Sabine Azéma) is a successful dentist with a busy practice and an offbeat hobby, flying small airplanes. One day, while shopping for shoes, Marguerite’s wallet is stolen, and it's found by Georges (André Dussollier), a seemingly happy man with a wife, Suzanne (Anne Consigny), and two children. As Georges looks through the wallet and examines the photos of Marguerite, he finds he's fascinated with her and her life, and soon his curiosity about her becomes an obsession. Georges' attempts to integrate himself into Marguerite's life begin to alarm her, and she contacts the police to keep him away, but Georges is determined that his new love for her will not be denied.

Une femme se fait voler son sac. Un homme trouve le portefeuille de cette femme dans un parking. Dans une histoire banale, l'homme irait porter le portefeuille au commissariat, qui alerterait la femme et chacun retournerait vaquer à ses occupations. C'est à peu près ce qui se passe au début de cette adaptation de L'Incident, un roman de Christian Gailly. Sauf que ce n'est pas une histoire banale, parce que l'homme est un aventurier de l'imaginaire et qu'Alain Resnais traque ce quelque chose d'étrange qui se cache dans la tête des gens, ces pulsions déraisonnables qui les font ressembler à des herbes folles, suffisamment vivaces pour s'infiltrer entre deux plaques de macadam...

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16 abril 2010

Joseph Losey - Eva (1962)


Inglés/English | Subs: Castellano/English*/Français
104 min | XviD 672x400 | 1644 kb/s | 224 kb/s AC3 | 25 fps
1,36 GB + 3% recuperación/recovery


Un escritor de éxito llamado Tyvian Jones (Stanley Baker), comprometido con una guapa guionista llamada Francesca (Virna Lisi), halla en su casa de Venecia a Eva (Jeanne Moreau), una bella mujer acompañada por un amante de mayor edad.
Este encuentro arrastra a Tyvian hacia una pasión por su persona, cumpliéndole todos sus caprichos con tal de conseguir su amor.

Una película basada en la novela de James Hadley Chase (“La banda de los Grissom”) que sublima el poder de seducción de la atractiva actriz francesa Jeanne Moreau, musa de la nouvelle vague, que aquí interpreta a una chic femme fatale, amoral, insensible y melómana, cuya mayor preocupación es el dinero, que utiliza para comprar discos de jazz y para participar en juegos de casino.

DVD rip y capturas de EceAyhan (KG)


Joseph Losey's turbulent melodrama concerns a phony writer, Tyvian Jones (Stanley Baker), who has recently sold the film rights to his autobiography as a Welsh coal miner (actually penned by his deceased brother). Tyvian is engaged to Francesca (Virna Lisi), an alluring screenwriter, but then Eva (Jeanne Moreau) walks into his life. Eva and her lover had sought shelter from a thunderstorm in his apartment and Tyvian is immediately attracted to her. He follows her to Rome, where Eva demands an elaborate hotel suite, tons of gambling money, and a bonus for sexual favors. When Tyvian assents in gratifying her wishes, Eva just laughs at him. Tyvian then has to rush back to Francesca, since they are going to be married. But Tyvian forsakes her on their honeymoon and takes up with Eva again. Finding Tyvian and Eva together, Francesca is heartbroken and she commits suicide. After the funeral, Tyvian sets his sights on killing Eva, but, when he sees her, he finds that he is still obsessed with her.

* English subs for a few dialogs in Italian.


Losey décrit dans ce film librement adapté de James Hadley Chase l'enfer du couple dans une Venise hivernale et glacée et poursuit plus avant ses recherches sur l'architecture comme partie intégrante de l'action. Il y utilise les miroirs et les statues en contrepoint du drame qui se joue entre Jeanne Moreau et Stanley Baker.

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Joseph Losey en Arsenevich

René Clair - À nous la liberté (1931)

Francès/French I Subs: Castellano/English
84 min I Xvid 512x384 I 977 kb/s I 83 kb/s vbr mp3 I 23.97 fps
640 MB + 3% de recuperaciòn/recovery
Dos hombres, presos en una cárcel francesa, deciden llevar a la práctica un plan para fugarse. Cuando están a punto de ser libres, son descubiertos pero uno se sacrifica por el otro, que llegará a convertirse en un gran empresario."Viva la libertad", es una de las películas fundamentales de la historia del cine francés y una de las más innovadoras entre las pioneras del cine sonoro. Esta divertida sátira, anárquica y llena de preocupaciones sociales narra la historia de dos amigos que se conocieron en prisión y luego se reencuentran. Uno de ellos, que se había fugado, se transformó en un poderoso patrón; el otro cumplida su pena, es solo un obrero atado a la cadena. Tanto uno como el otro se sienten incómodos en el infierno industrial y juntos eligen la evasión. Esta alegoría de la libertad no respeta ni los intereses económicos, ni el estado, ni las instituciones. Nos muestra que el sentirse libre, es algo personal, estrictamente individual e indiferente a toda preocupación colectiva.
A menudo relegada a los márgenes, la obra cinematográfica de René Clair posee el valor del artista que supo arriesgarse adentrándose en la complejidad del nuevo mundo surgido a raíz de la llegada del sonoro. Sin renunciar a su instinto por la comedia ni a su afinidad por la magia y la fantasía, René Clair consiguió edificar su particular universo cinematográfico en la Francia de los años treinta en un momento en qué la obra de sus contemporáneos se inclinaba hacia el naturalismo heredado de la literatura (bajo la influencia de Emile Zolà), y a pesar de la crisis en la que entró el sistema de producción cinematográfica de su país al no disponer de patentes que le aseguraran el acceso a los equipamientos necesarios para el sonoro.El año que René Clair rodó À nous la liberté, Jean Renoir incorporaba el sonido a su cine con La chienne, la mirada poética de Jean Vigo se fijaba en el cortometraje documental La natación / Taris, roi de l’eau, y un jovencísimo Marcel Carné acababa de rodar su primer trabajo cinematográfico, Nogent, Eldorado du dimanche (1929). Es cierto que las inquietudes de Clair, su necesidad de exaltar las virtudes de nuestro mundo y de mostrar la felicidad del ser humano, eran más propias del registro cómico de Hollywood que de las tendencias estéticas de la vieja Europa y, aunque el cineasta gozó de una brillante etapa en norteamérica (con títulos tan notables como Me casé con una bruja / I married a Witch, 1942), decidió volver a Francia a finales de la década de los cuarenta con tan solo cuatro largometrajes rodados en los Estados Unidos.
À nous la liberté fue la tercera incursión en el cine sonoro de René Clair, una película vibrante cuya emoción surge de su inconcreción formal, a caballo entre la vieja narrativa del cine mudo y los pequeños descubrimientos de las nuevas posibilidades expresivas del sonido. Es un film que no habla sino que tartamudea y que puede leerse como un compendio de pequeñas pruebas y atrevimientos. Una especie de película de trabajo, a la manera de un work in progress, donde los errores se convierten en virtudes, signos de la evolución del propio lenguaje cinematográfico en el seno de la propia evolución estilística de su autor. Como en la mayoría de su películas, À nous la liberté es una comedia musical que exalta el valor de la camaradería por encima incluso del amor erótico, algo impensable, por ejemplo, en el cine de su contemporáneo Jean Vigo.
La película narra la historia de un fugitivo expresidiario que consigue rehacer su vida y convertirse en un gran magnate de la industria del fonógrafo, hasta que su pasado vuelve a través de la figura de un compañero de celda quien, accidentalmente, entra a trabajar en su empresa preso de su amor por una empleada. René Clair logra a través de esta sencilla trama esbozar una crítica ácida a los valores de la sociedad industrial y, especialmente, a lo absurdo de la mecanización, cinco años antes de que Charles Chaplin rodara sus Tiempos modernos (Modern Times, 1936). Mucho se ha discutido sobre la influencia de la secuencia de la cinta mecánica de À nous la liberté sobre la mítica película de Chaplin y, de hecho, la productora de Clair, Tobis, mantuvo durante una década un litigio judicial contra Modern Times por supuesto plagio, algo que siempre molestó al propio René Clair quien, de hecho, se sentía halagado que su película hubiera podido inspirar al genial Chaplin.
Más allá de la controversia, lo cierto es que À nous la liberté contiene la marca de una personalidad que busca en la ironía la forma de construir su visión del mundo, como la brillante secuencia en la que, después de observar la esclavitud de los trabajadores de la fábrica, Clair nos obliga a contemplar a un profesor instruyendo a unos niños: “El trabajo crea la libertad”, sentencia. O, la forma como el cineasta boicotea la progresión dramática del clásico boy meets girl, frustrando incluso las expectativas del espectador, y, ya en las secuencias finales, nos muestra como la chica deseada ha caído rendida en brazos de otro hombre.A lo absurdo de las situaciones, hay que reincidir en lo maravilloso de una puesta en escena que busca la hibridación entre la gestualidad y las persecuciones del cine de Buster Keaton, y la incorporación puntual de la música y los diálogos, a menudo aislados e inconexos, claros indicadores de las dificultades del cineasta para incorporar de forma harmónica y constante las posibilidades del sonoro. Lo mejor de la película, en este sentido, la secuencia final del viento que esparce el dinero entre una multitud enloquecida.
À nous la liberté fue uno de los grandes éxitos de René Clair con la que consiguió el premio del público en el Festival de Venecia de 1932 y una nominación a los Oscars ese mismo año. (Texto de Anna Petrus, tomado de Miradas de Cine)
One of the all-time great comedy classics, René Clair's À Nous la Liberté is a skillful satire of the industrial revolution and the blind quest for wealth. Deftly integrating his signature musical-comedy technique with pointed social criticism, Clair tells the story of an escaped convict who becomes a wealthy industrialist. Unfortunately his past returns to upset his carefully laid plans. Featuring lighthearted wit, tremendous visual innovation, and masterful manipulation of sound, À Nous la Liberté is both a potent indictment of mechanized modern society and an uproarious comic delight.
«El cine hablado no es lo que nos asusta, sino el deplorable uso que nuestros industriales van a hacer de él.» René Clair

Nuevos enlaces, gracias a Ana

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