31 agosto 2009

Jean Eustache - La Maman et la Putain (1973)


Francès I Subs: Castellano
208 min I Xvid 608x448 I 975 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 25 fps
1,61 GB
Un resumen para una generación, un comienzo para otra, y una leyenda cuasi-mítica para una tercera. Es un peso demasiado grande para un solo film, pero esa ha sido la carga de La Maman et la putain de Jean Eustache desde que se hizo presente por primera vez en Cannes en 1973…. Eustache extrajo de su propia vida fragmentos enteros del diálogo así como la historia de un joven intelectual parisino de extremo narcisisimo y locuacidad (Jean-Pierre Léaud) en medio de una relación vacilante con una mujer algo mayor que él (Bernadette Lafont) y una enfermera más joven (Françoise Lebrun). Toda respuesta a este texto enorme, vomitivo y de un marcado catolicismo, en guerra con sus propios instintos de libertad moral, también debe ser personal. Para quienes crecimos en los setenta, católicos o no, La Maman et la putain fue la base a partir de la que se juzgaban todos los films de la época, la canción que no podíamos sacar de nuestra cabeza. (Para la multitud de los sesenta, era como un estertor, pero no para nosotros). Para los espectadores más jóvenes que nunca pudieron verla proyectada, ¿quién sabe? Puede, o no, cambiar sus vidas. (Robert Koehler)
-"Cuando Veronika dice a Alexandre "Las cosas ya no significan mucho para mí", es mucho más doloroso que si lo hubiese dicho él , porque no vemos ninguna evidencia de que nada haya significado nunca nada para él" (...) "También se sugire que la mujer es moral e intelectualmente superior a los personajes masculinos pero que esa superioridad les ha servido de bien poco en su búsqueda de la plenitud y la compañía. Las dos mujeres de la película se juntan con hombres no porque no sepan hacer algo mejor, sino porque la compañía vacía es mejor que la soledad. Ellas no esperan casi nada de la interacción humana, pero siguen dejándose llevar, agarrándose a lo poco que eso tiene que ofrecerles" (Jared Rapfogel en "Senses Of Cinema")
-"La mamá y la puta se ha convertido en la gran crónica de la deriva sentimental del 68, en una radiografía de ese momento en el que despúes de las utopías los jóvenes buscaron soluciones individuales y encontraron su refugio en el sexo. Sin embargo, si observamos detalladamente la película, veremos que las cosas no son tan claras. Eustache no habla de la utopía, sino de su cansancio. La figura del joven rebelde ha sido sustituida por la del dandy insportable, que previere la provocación por la provocación a la lucha política. La crónica de la revolución sexual se transforma en la descripción de sus sinsabores y en la plasmación de cómo la juventud que podía follar sin complejos, porque tenían la píldora y aún no había surgido el fantasma del sida, acabó encumbrando un cierto vacío existencial" (Ángel Quintana en "Cahiers du cinema)
-"Aprendí a articular unos diálogos en los que la palabra nunca podía llegar a detenerse porque, en el fondo, era una palabra herida" (Françoise Lebrun)
-"Una periodista me increpó en la rueda de prensa en Cannes porque a lo largo del monólogo pronunciaba hasta setenta veces la palabra follar. Le contesté que era una lástima que hubiera perdido el tiempo en contarlas, en vez de disfrutar de la película" (Françoise Lebrun)
-"Es cierto que en el monólogo de Veronika, que acaba diciendo que después de follar con quien sea, ahora es preciso follar con quien se ama para engendrar hijos, puede parecer que recoge un mensaje propio del Papa actual. También es verdad que Eustache quiso arremente contra muchos de los excesos del 68, pero también que en el interior de la película hay un sentido claro de provocación y de insolencia que refleja cómo éramos en aquella época. Muchas de las provocaciones del personaje de Jean-Pierre Léaud son gratuitas, machistas y poco acordes con el sentimiento de liberación femenino que vivíamos entonces. Esa es la contradicción de una utopía que no se forjó desde ideales puros, sino desde una cierta ambigüedad" (Françoise Lebrun)
-"Dos figuras se presentan como modelos: la pareja moderna, la mujer 'liberada', según la abyecta expresión que se empleaba entonces. Toda revolución, por generosa y eufórica que sea (y tal fue el caso del movimiento de mayo) tiene su reverso represivo: el batir de la imaginación puede conducir a esquemas normativos. La doxa del post 68 es "¡gozad!". El error fue creer que esa consigna podía reglamentar el desorden de los sentimientos. La película de Eustache da testimonio, con una extraña lucidez, de esa ideología de la libertad sexual, finge abrazar la doxa amorosa para desvelar mejor su carácter represivo, para revelar sus zonas ocultas, las que la ceguera producida por la consigna impedía ver: el tormento, el sufrimiento. "La maman et la putain" instala a sus personajes y sus frases sobre un territorio cuyo mapa se descubrirá aterrador. Tras las apariencias engañosas de un tejido social reparado, reconciliado, Eustache dibuja la aspereza del socius, los desgarros del vínculo amoroso. La intención de la película se podría resumir así: "Nos han hecho creer que todo era posible. Es mentira. Nos han engañado"" (Alain Philippon en "Cahiers du cinéma").
Alexandre est un oisif. Il passe son temps dans les cafés germano-pratins à lire, à discuter, à regarder les filles. Le soir, il retrouve Marie chez elle. Il a d'autres aventures. Veronika notamment, qui peu à peu envahit sa vie. Si l'intrigue de ce film de trois heures trente peut tenir en quelques lignes, les dialogues en revanche ne se résument pas. Il faut les écouter ou les lire. Car l'intérêt de l'édition de ce scénario … qui est la version rédigée par Jean Eustache avant tournage … réside dans la qualité littéraire avec laquelle l'auteur parvient à rendre le langage parlé. De longs monologues expriment tour à tour la quotidienneté, la désinvolture, la souffrance. Cette réussite tient peut-être à la rage qui animait alors Eustache, comme il l'écrit lui-même en 1972 dans la préface reproduite ici. Ce texte témoigne également d'"époques" : celle, historique, des années soixante-dix à Saint-Germain-des-Près, et celle, cinématographique, de la Nouvelle Vague. D'ailleurs, les soliloques du personnage d'Alexandre retentissent des intonations de Jean-Pierre Léaud. "C'est le seul de mes films que je haïsse, car il me renvoie trop à moi-même, à un moi-même trop actuel." --Sophie Paviot
"En el fondo, la verdadera cuestión es saber si los cineastas son pensadores o gente del espectáculo, como la gente del circo. Ya no estoy tan seguro, como lo estaba al rodar mis primeras películas, de que el cineasta esté del lado del pensamiento. A mi modo de ver no hay ningún pensamiento, ninguna ética en el cine. Sólo una especie de idea abstracta que sirve de guía al guión y que se olvida. Yo decía al trabajar en La Maman et la Putain: "Voy a dar la palabra a la cuestión. ¿A la cuestión o a cuestionarla? No, no, a la cuestión, como bajo tortura". Quería hacer algo suficientemente conmovedor, modular los empleos de la palabra en toda la duración de la película. Por eso rechazaba el principio de la improvisación. Cuando se hace una película, hay que hacerla completamente. Pero ya encontraba yo en los diálogos de La Maman graves defectos durante el rodaje; si estaban demasiado trabajados, era por un exceso de agresividad por mi parte: me siento absolutamente incapaz de filmar diálogos que yo no haya escrito. Me da mucho miedo que un día me digan: "Sus películas serían mejores con un buen dialoguista". Pero no son personales en absoluto." Jean Eustache
Nuevos enlaces, gentileza de chicharro

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30 agosto 2009

Kon Ichikawa - Kagi (1959)

Japonés | Subs: Castellano/English
107 min | XviD 720x304 | 1342 kb/s | 114 kb/s mp3 | 23.97 fps
1,1GB + 3% recuperación/recovery
El Sr. Kenmochi es un experto en arte entrado en años que está obsesionado por la pérdida de su potencia sexual. Casualmente descubre que los celos son el remedio a su problema, ya que gracias a ellos revive su perdida jovialidad. Pero, para lograrlos, no encuentra mejor cosa que forzar a que su mujer Ikuko se vea interesada por el joven Kimura, ayudante de su médico personal y, al mismo tiempo, prometido de su hija Toshiko.
The Key
Winner of Cannes' Special Jury Prize, The Key is one of acclaimed director Kon Ichikawa's (Tokyo Olympiad, The Burmese Harp) greatest works. This captivating blend of comic satire and drama follows an elderly man's attempts to satisfy his younger wife (Machiko Kyo, Rashomon, Gate of Hell). When "potency" injections fail, Mr. Kenmochi incites his own jealousy by orchestrating an affair between his wife and his doctor, who happens to be his daughter's fiance. The wife and doctor are eager to oblige Kenmochi, his daughter is furious, and the scheme proves both a success and a deadly disaster. With dazzling imagery, rich irony, and superb acting, Odd Obsession illuminates the ongoing battle between personal desire and societal convention.


DVD rip, capturas y subtítulos en castellano de intranauta (veinticuatrofps.com)


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Kon Ichikawa en Arsenevich
Enjo

28 agosto 2009

Ki-young Kim - Hanyo (1960)


Coreano | Subs: Castellano/English/Français
101 min | XviD 656x432 | 1700 kb/s | 102 kb/s mp3 | 23.97 fps
1,37 GB + 3% recuperación/recovery

La sirvienta
Este film de 1960 de Kim Ki-young representa un verdadero rescate del arcón del olvido a manos del señor que auspició su restauración, nada menos que Martin Scorsese. La historia comienza con un triángulo amoroso entre un profesor de piano puritano y conservador, su esposa aparentemente ideal y la taciturna sirvienta de la casa, una jovencita que queda embarazada y desencadena una serie de venganzas reciprocas. Lo que en un inicio parece ser una trama romántica clásica se va torciendo hacia el melodrama psicótico y termina desembocando en una comedia negra que hasta cuenta con una hilarante interpelación final. El trabajo del elenco, el guión y la realización son inobjetables, estupendos para el nivel profesional y técnico de la época. Nada que envidiar a las epopeyas del corazón del genial Douglas Sirk. The Housemaid (Hanyo) es una curiosidad imperdible que llega desde Corea. (Emiliano Fernández)

subtítulos en castellano de Battosai para AZ

La servante
C'est, au départ, le récit d'un banal adultère. Un homme, honorable professeur de musique, trompe un soir sa femme avec la jeune servante du couple. Cette nuit d'amour va engendrer une situation intenable car la servante tombe enceinte et menace de déshonorer le couple en annonçant la situation tout en exigeant d'avoir désormais l'homme pour elle seule. S'ensuivent une série d'affrontements brutaux, ahurissants, un avortement provoqué par une chute dans l'escalier, le meurtre d'un enfant, une tentative d'empoisonnement, tout cela déterminé par la lutte de deux femmes pour la possession d'un homme faible et velléitaire.

Ce qui frappe immédiatement le spectateur qui tomberait sur cette Servante, c'est l'incroyable violence de situations qui y sont représentées, c'est un cheminement inéluctable et théâtral vers le pire qui emporte les protagonistes, prisonniers de leurs pulsions, vers la catastrophe, la mort, la destruction.

La Servante relève du drame psychologique en quasi-huis-clos (remarquable utilisation du décor et de son escalier central), du mélodrame érotique, du film d'horreur. C'est surtout un film qui retrouve l'essence même de ce que peut être un grand et cruel naturalisme cinématographique, celui qu'ont pu, en leur temps, exprimer un Stroheim ou Bunuel. Une impression qu'une courte et rassurante séquence finale, sans doute justifiée par la censure, ne parviendra pas à dissiper. (Jean-François Rauger - La Cinémathèque française)
The Housemaid
The film is a domestic thriller telling of a family's destruction by the introduction of a sexually predatory femme fatale into the household. A composer has just moved into a two-story house with his wife and two children. When his wife becomes exhausted from working at a sewing machine to support the family, the composer hires a housemaid to help with the work around the house. The new housemaid behaves strangely, catching rats with her hands, spying on the composer, seducing him and eventually becoming pregnant by him.

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24 agosto 2009

Hiroshi Teshigahara - Tanin no kao (1966)


Japonés | Subs: Castellano/Français/English/Portugués
122 min | XviD 656x480 | 1479 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,42 GB + 3% recuperación/recovery

La cara de otro
Una escalofriante obra de ciencia ficción existencial. Okuyama después de ser quemado y desfigurado en un accidente de trabajo acepta participar en un radical nuevo experimento de su psiquiatra: un trasplante de cara, creada del molde de un extranjero. Mientras que Okuyama se encuentra cada vez más alienado del extraño mundo que lo rodea, se va sumergido en sus más oscuros deseos. Con imágenes inolvidables, la película de Teshigahara explora los límites y la libertad de adquirir una nueva personalidad, y cuestiona la noción de la propia individualidad.

DVD rip mío

Le Visage d'un autre
Okuyama a été défiguré dans un accident de travail. Contraint de se bander entièrement le visage, il perd goût à la vie et sa femme refuse ses avances. Son psychiatre lui propose alors de participer à une expérience : un masque complexe, véritable prothèse faciale, est créé pour Okuyama et lui redonne un visage. Devenu anonyme, il emménage dans une auberge modeste et cultive peu à peu une nouvelle vie sociale, testant les limites de son identité retrouvée…

Deux ans après La Femme des sables, Hiroshi Teshigahara poursuit sa collaboration avec le romancier et dramaturge Kôbô Abe et le compositeur Tôru Takemitsu dans une allégorie sur la nature illusoire de l’identité et l’agonie de l’absence.

Face of Another
A severely burned man gets a second chance when a plastic surgeon makes a mask to hide the disfigurement. Unfortunately, this face leads him to alienation, rape, infidelity and murder.


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Hiroshi Teshigahara en Arsenevich


Suna No Onna

23 agosto 2009

Leonard Kastle - The Honeymoon Killers (1970)

Inglès I Subs: Castellano
103 min I Xvid 688x400 I 1912 kb/s I 192 kb/s AC3 I 25 fps
1,52 GB + 3%
Basada en un hecho real acaecido en los años cincuenta, la película relata la sangrienta trayectoria criminal de una pareja, Martha y Ray, que se conoció a través de una agencia matrimonial. Su objetivo son mujeres solteras o viudas solventes a las que Ray corteja para deshacerse de ellas posteriormente. Cruda, brutal, la mejor y más arriesgada de las recreaciones cinematográficas del affaire criminal de Beck y Fernández, la única película como director de Leonard Kastle (que tomó las riendas después de que despidieran del proyecto al muy joven Martin Scorsese a la semana de rodaje) es un producto independiente del “nuevo” Hollywood renacido tras décadas de censura. Diseñada en blanco y negro con un presupuesto bajísimo, como respuesta a los tan glamorosos como falsos Bonnie & Clyde del director Arthur Penn con Warren Beatty y Faye Dunaway, Kastle la escribió basándose en las transcripciones judiciales del caso real, pero a la vez funciona como una áspera parodia de la Norteamérica más patriotera y conservadora y de sus casas suburbanas de clase media con su mundo de plástico y poliéster. Lo notable es que consigue transmitir cierta simpatía por los asesinos (interpretados por una regordeta, irritada Shirley Stoler, y Tony Lo Bianco, perfectos), en parte caracterizando a sus víctimas como caricaturas patéticas, y obligando a los espectadores a debatirse moralmente entre la burla a esas mujeres y el espanto de sus violentos asesinatos. Porque, más allá de su tono de comedia negra (que la emparienta con algunos de los primeros films de John Waters), lo cierto es que a la hora del crimen las cosas se ponen serias y duras.
No sé quién dijo que Los asesinos de la luna de miel es una de las películas más incomprendidas de la historia del cine. Lo que sí puede decirse es que, desde luego, es única. Estrenada en 1970 y escrita y dirigida por Leonard Kastle, me sigue pareciendo la obra maestra desconocida de la serie B. Nacida como consecuencia del crack del 29 y en plena época del sistema de estudios, la serie B produjo joyas tan deslumbrantes como las películas de Samuel Fuller, Edgar G. Ulmer o Roger Corman (padre espiritual de toda una generación de directores como Peter Bogdanovich, Francis Ford Coppola o Jonathan Demme, entre otros). Es cierto que hay películas de serie B absolutamente imprescindibles: En un lugar solitario de Nicholas Ray, Yo anduve con un zombi de Jacques Tourneur o Gun Crazy de Joseph H. Lewis, por citar sólo algunas, pero The Honeymoon Killers destaca por encima de todas. Con una puesta en escena que flirtea con el cinema verité, una dirección tensa y no invasiva que a veces recuerda el estilo de John Cassavettes, una fotografía que acentúa el claro oscuro y una dirección actores magistral, The Honeymoon Killers es, en realidad, una historia de amor desesperado, contada desde la marginalidad de los perdedores pisoteados por el sueño americano. Hay muchos motivos que hacen única a una película, pero ésta se lleva la palma. Para empezar, su director. Leonard Kastle era un compositor de ópera y libretista (para entonces ya había escrito la ópera Deseret en 1961) . No en vano, la película se articula de forma obsesional, como una suerte de ópera cinematogáfica, sobre la marcha fúnebre del tercer movimiento de la primera sinfonía de Mahler. En un principio, Kastle escribió el guión y se fue con él debajo del brazo en busca de director. El director que encontró fue un joven Martin Scorsese, que sólo tenía en su haber unos cuantos cortos (entre ellos el mítico The Big Shave) y un único largo (I call first) pero cuando Kastle vio que Scorsese tardaba dos días en filmar una lata y surgían problemas entre él y el productor Warren Steibel, Kastle decidió despedirle y dirigir finalmente él mismo el proyecto. Cómo consiguió Kastle realizar una obra tan acabada sin ninguna experiencia previa es algo que me sigue sorprendiendo a día de hoy. Oscura, turbia y escandalosa, en parte la fuerza de la película reside en sus dos actores principales: Shirley Stoler y Toni Lo Bianco. Ya sólo la actuación de Stoler, que era la primera vez que se ponía delante de una cámara, es algo prodigioso. Su físico descomunal y frágil al mismo tiempo, serviría para encasillarla posteriormente en papeles de mujer sargento, en una carrera que nunca le permitiría recuperar la altura que había alcanzado en su primera película. Una suerte similar correría el bueno de Toni Lo Bianco, aunque su participación en esta película le permitiría interpretar el personaje de Sal Boca en The French Connection al año siguiente. Pero yo me quedo con el delirio psicotrónico God told me to (1976) del siempre inefable Larry Cohen, en el que actúa como protagonista. La película se inspira en el caso de Martha Beck y Raymond Fernández, The Lonely Hearts Killers, que en los años cuarenta conmocionó a la plácida sociedad norteamericana del momento. Aunque no es del todo fiel a los hechos (por ejemplo, Martha Beck estaba divorciada y tenía dos hijos, mientras que Raymond Fernández tenía varias mujeres y otros tantos hijos), sí realiza un inusual acercamiento, desprejuiciado y carente de tópicos, sobre esta singular pareja de serial killers, que le sirve de pretexto a Kastle para construir una metáfora sobre el amor (cuya auténtica forma siempre conspira contra nuestras convenciones más elevadas), la dependencia y la redención. (Texto tomado de Dodgyland)
There's Bonnie and Clyde--then there's Martha and Ray. One-shot writer-director Leonard Kastle set out to make a film about lover-murderers that was everything Arthur Penn's movie was not. He succeeded. Consequently, The Honeymoon Killers, based on the Lonely Hearts Killers case of 1949, may be too lurid for some. But there's a heart beating inside its (tawdry) chest and Kastle clearly cared about these two crazy, mixed-up kids who should never have met. But met Martha (Shirley Stoler) and Ray (Tony LoBianco) did and proceeded to fleece several widows before doing them in. The film isn't graphic in its violence, but each murder is increasingly disturbing. Dramatic lighting and dark passages from Mahler keep the mood close and clammy throughout. Keep an eye out for Everybody Loves Raymond's Doris Roberts in a sharp cameo--and for shots directed by original helmer Martin Scorsese (fired for working too slowly). Martha Beck (Shirley Stoler) is sullen, overweight and heartbreakingly alone. Desperate for affection, she joins Aunt Carrie’s Friendship Club and strikes up a correspondence with Ray Fernandez (Tony Lo Bianco), a suave, charismatic smooth talker who could be the man of her dreams—or a wicked con artist bound for trouble. Based on a true story and filmed in documentary-style black and white, The Honeymoon Killers is a stark portrayal of the desperate lengths a lonely heart will go to find true love, from brutally immoral killings to a passion that transcends all bounds.
"Es mi película norteamericana favorita de todos los tiempos." François Truffaut

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Jean-Daniel Pollet - Mèditerranèe (1963)

Francès I Subs: Castellano/English/Francès/Italiano
43 min I Xvid 688 x 512 I 1900 kb/s I 256 kb/s mp3 I 25 fps
650 MB
Jean-Daniel Pollet es quizás el director más enigmático surgido de la nouvelle vague. Elogiado por cineastas (Cocteau, Becker o Godard) y desconocido por el público, su estilo ensayístico y poético ha tendido un puente entre la modernidad cinematográfica y las ruinas y vestigios de otras escrituras artísticas: el itinerario de 35000 km. por la Méditerranée, donde descubrió el único templo griego alejado del mar, Bassae; la lectura del cuento de Maupassant Le horla; o el paseo de La femme aux cent visages por los rostros femeninos de la historia de la pintura bajo la música de Pierrot le fou. Mediterranée (1963), es una disertación en torno a la realidad y el mito en la que las secuencias se suceden en base a sus similitudes formales, no a la congruencia de la narración.
Méditerranée, de Jean-Daniel Pollet, se integra en el corpus del cine vanguardista de los 60 como miembro de honor. ¿De dónde viene su importancia? ¿Qué nos queda de ella? A la primera pregunta, es relativamente sencillo responder: la película de Pollet, como uno de los primeros exponentes del cine ensayo, junto a los trabajos de Agnès Varda, o Jean Rouch en una vertiente etnográfica en realidad alejada de lo que quiero tratar, anticipa otras obras fundamentales, y pienso sobretodo en el cine de Chris Marker. Aunque Marker ya había rodado algunos documentales-ensayo como Les statues meurent aussi o Cuba si! (las dos que he visto anteriores a 1963), noto a estos trabajos todavía sumergidos bajo la influencia de la primera etapa de Alain Resnais (con Nuit et broulliard como obra paradigmática); en efecto, el documental sobre arte y colonialismo africano lo codirige con el mismo Resnais. Y uno observa una clara diferencia estilística entre, por ejemplo, Les statues... y Sans Soleil. Me aventuro a decir que el estreno de Méditerranée influye en esta evolución formal. Méditerranée, itinerario poético de fragmentos que nacen, desaparecen y reaparecen, revelador de un paralelismo civilización, vida y memoria (tema común a Marker y a Pollet), trae finalmente a colación el gran hallazgo de Proust: lo importante no es el paraíso perdido (lo que dice la imagen) sino la huella de asociaciones mentales, el camino que recorre la memoria, especialmente la memoria involuntaria, sus ecos e intensidades que aminoran con el tiempo, por efecto acumulativo de recuerdos e impresiones. Como olas de corriente bergsoniana. Así, a Méditerranée, montada a base a reminiscencias y reflejos en el mar de la conciencia, ese Mediterráneo madre de culturas, no se le puede achacar arbitrariedad, pese a que la función del alea invada su estructura. No puedo, por lo tanto, compartir la opinión de Noël Burch cuando en referencia a la película escribe que falta un "juego organizado". Como he dicho, la memoria (o una Memoria) vincula los planos como eje vertical del montaje, pese a la ausencia de articulación espacial o temporal. Son esos momentos privilegiados, que llevan de las ruinas de la civilización griega a la sensualidad de una siciliana, a un muro o al viento que azota unos hierbajos, a la enfermedad o la plástica del toreo, al hospital, casa de la enfermedad y la muerte, o a recorrer un jardín bajo el olor a azahar y la luz radiante del mediterráneo, para terminar en este mar omnipresente. No discuto la mayor complejidad en el ensayo filmado de Marker, que juega de manera bastante más sofisticada con la tensión entre las imágenes y el texto, y tiende puentes sólidos entre montaje y recuerdo, allende de las evocaciones poéticas que golpean incesantes. Pero la obra de Jean-Daniel Pollet, síntesis de mar y luz, es preciosa. ¿Y qué queda de ella, hoy en día? Si la eternidad, escribió Rimbaud, es el mar mezclado con el sol, entonces su poesía permanecerá para siempre. (Texto de Carlos Segura, tomado de http://caminomeseglise.blogspot.com/)
“[Here] Pollet made a work that is the very definition of what French critics like to call an ovni or ufo (as in ‘uni-dentified filmic object’)…. [It] has been described as being ‘like a comet in the sky of French cinema,’ an ‘unknown masterpiece,’ and an ‘unprecedented’ work that refuses interpretation even as it has provoked reams of critical writ-ing. Its rhythmic collage of images – a girl on a gurney, a fisherman, Greek ruins, a Sicilian garden, a Spanish corrida – is accompanied by an abstract commentary written by Sollers, and only the somber lyricism of Antoine Duhamel’s score holds the film’s elements together. At first viewing, you fear that [it] might fly apart into incoherent frag-ments. Instead, over the course of its 45 minutes it invents its own rules, and you realize you’re watching something like the filmic channeling of an ancient ritual.” (Chris Darke)Jean-Luc Godard

"Cada plano de Pollet se asemeja a una ola que imprime y borra la palabra recuerdo, la palabra felicidad, la palabra mujer, la palabra cielo..."

(Los subtìtulos han sido especialmente traducidos por Scalisto para el blog, gracias Sca!!)

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22 agosto 2009

Alain Resnais - On Connaît la Chanson (1997)


Francés | Subs: Castellano/English/Portugués
117 min | XviD 704x384 | 1500 kb/s | 384 kb/s AC3 | 25 fps
1,55 GB + 3% recuperación/recovery

Siempre la misma canción
Desde su primer largometraje de fama internacional, Hiroshima mon amour (1959), Alain Resnais no ha dejado de experimentar con su cine; recuérdese El año pasado en Marienbad (1961) o la más reciente Smoking, No Smoking (1993). Ahora, a sus casi ochenta años, realiza un nuevo experimento: On connait la chanson, una comedia musical singular; aunque en ella haya canciones, muchas no se usan como tales, sino que sirven a veces para sustituir el diálogo hablado; no toda la canción, sino alguna de sus frases, perfectamente adecuada al tema de la conversación. Y a veces el play back de una voz femenina lo hace un actor, o viceversa, en los momentos de distensión o cómicos. Actores y actrices, todos espléndidos, realizan este tránsito de lo hablado a lo cantado con toda naturalidad, y vuelven a hablar como si siempre en su vida lo hicieran así. (Bloggermania)
Same Old Song
Odile and Camille are two sisters living in Paris. Odile is frustrated in her dull marriage to Claude, who shows no enthusiasm in her desire to buy a new apartment. Camille, studying for a doctorate in an arcane subject, suffers from a panic disorder. The lives of both women are up-ended when three men enter their lives. Nicholas, an old flame of Odile, returns to Paris to buy an apartment for his family, although he himself has marital problems. Simon meets and instantly falls in love with Camille, keeping from her the fact that he is an estate agent who works for the unscrupulous Marc, who also has designs on Camille...

DVD rip by assla (KG)

Simon aime secrètement Camille. Camille s'éprend, suite à un malentendu, de Marc Duveyrier. Marc, séduisant agent immobilier et patron de Simon, tente de vendre un appartement à Odile Lalande, la soeur de Camille. Odile est décidée à acheter cet appartement malgré la désapprobation muette de son mari, Claude. Claude, personnage falot en apparence, sipporte mal la réapparition après de longues années d'absence de Nicolas. Nicolas, vieux complice d'Odile, devient le confident de Simon...


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21 agosto 2009

Claude Chabrol - Le Boucher (1970)

Francès/French I Subs: Castellano/English
94 min I Xvid 720x416 I 2527 kb/s I 160 kb/s mp3 I 25
1,36 GB + 3%

En un pueblo provincial francés, una sofisticada maestra Helene Daville (Stephane Audran) evita las relaciones afectivas pero traba una agradable amistad con el apasionado carnicero local Popaul (Jean Yanne), un veterano de indochina. En tanto que un asesino en serie esparce el terror por todo el campo; estas dos personas hacen esfuerzos por volver de sus aislamientos a algún tipo de entendimiento mutuo.

El Carnicero (1970) pertenece a la segunda etapa de la filmografía chabroliana lejos ya de los impulsos de la Nouvelle Vague, de la que como sabemos fue uno de los iniciadores. Chabrol como en su primera película El Bello Sergio (1958) vuelve a la provincia francesa para desarrollar su historia. El Carnicero juega entre la película de corte criminal y de suspenso y el policial de investigación, sin embargo, es ante todo una película sobre dos personajes solitarios que se conocen en un pequeño pueblo y que empiezan a intercambiar inquietudes y secretos que los van acercando, haciéndolos empatizar. Decimos que es una película sobre todo de personajes debido a que la historia gravita en mayor o menor medida en torno a aquellos así como los sucesos y circunstancias parten de ellos o se relacionan con ellos. Si bien hemos señalado los géneros a los que pertenece El Carnicero, éste tiene por momentos secuencias en las que se expresan sentimientos y se dan toques de humor, además de algunas secuencias en las que hay diálogos en los que se comparten vivencias que acercan a la película a cierto intimismo. La película es sugestiva desde los créditos iniciales ya que muestra pinturas rupestres de figuras animales como bueyes, cabras y venados que, como bien sabemos, eran representaciones de las cacerías hechas por los hombres primitivos, especificamente los de Cromagnon, pero que ahora son cazados para vender sus carnes en cualquier carnicería. Este no es únicamente un contraste o si se quiere una paradoja anecdótica sino que se reforzará cuando hacia la mitad de la historia vuelvan a aparecer las cuevas que serán importantes para entender gran parte de la película. En breve retomaremos este asunto. Popaul es una persona cortés, tranquila, querida y respetada por el pueblo, que aparentemente no tiene problemas y que su única ocupación es ser el carnicero del pequeño pueblo, empero sabemos que no es más que un ser inseguro y solitario que esconde tras su apariencia amable un lado siniestro que nadie se imagina que tiene. Este es un punto que obras cinematográficas y literarias han tratado, la personalidad dual que puede presentar una persona que se comporta ante la gente de una forma, pero en ausencia de ella se convierte en otra totalmente distinta, revelando un carácter extraño, aun monstruoso. El ejemplo clásico de esta dualidad es la novela El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde de Robert Louis Stevenson. Los más peligrosos criminales y psicópatas se esconden por lo general tras un aspecto que no llama la atención tratando de pasar lo más inadvertido posible para engañar a sus posibles víctimas y atacarlas cuando menos se lo esperan. Por su parte, Helene es solitaria no porque haya quedado o la hayan dejado sola (a pesar de que hace unos años tuvo una relación amorosa en la que no le fue bien), sino por voluntad propia, porque no intentó después buscar algún tipo de relación afectiva, en otras palabras, es practicante de lo que se conoce como soledad activa, que es aquella que la misma persona busca (al estado de Helene se le puede aplicar el neologismo: solitaridad). A diferencia de Popaul que está inmerso en la soledad pasiva, que es la no buscada o la que es impuesta. Sin embargo, la manera que tiene Helene de sentirse bien es dedicándole todo su tiempo a la enseñanza, pareciera preferir ese modus vivendi y no ir en busca de alguna relación que la saque de ese estado de solitaridad. Tanto Helene como Popaul al conocerse muestran sus sentimientos y se sienten bien juntos, pero finalmente sus propias actitudes e incluso temores (sobre todo los de Helene) no permiten que puedan concretar algo importante. Líneas arriba decíamos que la aparición de las cuevas prehistóricas y sus pinturas no eran anecdóticas. Esto se debe a que muestran a la vez una correspondencia y una paradoja. La exhibición de dichas pinturas y todo su significado primitivo (en cuya era de creación prevalecía lo rústico) nos habla de que sus artífices, pese a su estado primario, pudieron crear obras que demostraron su superioridad respecto de los demás animales con los que convivían. La correspondencia y la paradoja se expresan en El Carnicero desde que el hombre dominó a la naturaleza y alcanzó desarrollos científicos, tecnológicos y artísticos (prevalecimiento de la racionalidad) convive igualmente con actitudes primarias que pueden llevarlo a cometer actos criminales lindantes con la animalidad. Los actos de Popaul, que solo son sugeridos, demuestran el primitivismo que puede haber en cualquier persona pese a la llamada evolución; toda persona, por más racional que sea, conserva esos rezagos aurorales. Claro está que en algunas, éstos se manifiestan de manera más explícita y violenta. Pauline Kael decía en una crítica sobre El Carnicero que: “Chabrol hace poemas tonales sobre temas de thriller”, esta opinión es correcta, y nos permitirá hablar del excelente uso que Chabrol hace de la música. El director construye su película, poseedora de una fuerte carga de Thriller, y la combina con música atmosférica que va creando sensaciones variadas según vayan dándose las situaciones. La música compuesta por Pierre Jansen se complementa cumplidamente con cada uno de las acciones, logrando sintonizar con algunos rasgos de la personalidad de los dos personajes centrales. Sin duda los veinte minutos finales son lo mejor de la película, pues condensan todo el espíritu de la misma. En ellos encontramos secuencias notables de suspenso, como cuando Popaul se confronta con Helene; luego, las secuencias continuadas en las que vemos a Helene conducir su carro en plena noche, acompañadas por la música creadora de atmósferas de la que acabamos de hacer referencia. Estas secuencias del carro atravesando la oscuridad consiguen por momentos características oníricas o de pesadilla, según como se perciba. Además, en las conversaciones que dentro del carro se producen entre Helene y Popaul, así como las frases y confesiones que Popaul le hace a Helene, los dos vuelven al asiento en el que está sentado, una especie de sillón psicoanalítico en el cual el “paciente” Popaul cuenta todo lo que tiene dentro de sí. En suma El Carnicero es una de las mejores películas de Claude Chabrol, y me animo a decir una de las mejores de la década del `70. (Texto de César Guerra Linares, tomado de Tambièn los Cinerastas Empezaron Pequeños)

This 1969 masterpiece by Claude Chabrol is a high point of the French New Wave director's mid-career, as well as that of actress Stephane Audran, Chabrol's then-wife. Audran plays a lonely schoolteacher who develops an inexplicable draw toward an ex-army butcher (Jean Yanne) who may or may not be a serial killer plaguing a small town. Drawing on Hitchcockian themes of exchanged guilt and shared secrets, Chabrol constructs an extraordinary relationship between the two characters that marries unspoken self-awareness with constant suspense over the unresolved nature of their bond. The film becomes so responsive to their tiny, meaningful gestures, their pregnant silences, and the comic-tragic synchronicity of their insulated world that the mere blinking of an elevator light speaks volumes about the hell of privileged knowledge. Le Boucher returned Chabrol to the backdrop of the French provinces, which he had visited before in his debut, Le Beau Serge, and later in La Ceremonie. (Tom Keogh)
"Lo interesante es ver a partir de qué momento las cosas llegan a tal punto en el que la única salida es el asesinato. El horror no es el crimen que se comete, sino todo lo que sucede antes y que lleva a ese fatal desenlace." Claude Chabrol

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-o-
Claude Chabrol en Arsenevich

20 agosto 2009

Satyajit Ray - Aranyer Din Ratri (1970)


Bengalí | Subs: Castellano/English/Français
112 min | XviD 640x480 | 1622 kb/s | 121 kb/s mp3 | 25 fps
1,4 GB + 3% recuperación/recovery
Días y noches en el bosque
Cuatro amigos de la ciudad de Calcuta se aventuran hacia los bosques de Palmau para una excursión de un día en coche. Llegan a una pequeña aldea en el estado de Bihar. Sin haber hecho ningún preparativo para quedarse en ningún sitio, llegan a un albergue, y como no han hecho reserva, tienen que sobornar al vigilante para poder quedarse, el cual los admite arriesgando su trabajo, ya que él necesita el dinero para la enfermedad de su esposa. Los cuatro jóvenes están llenos de confianza, puesto que vienen de la gran ciudad y muestran escaso respeto por los aldeanos rurales. El grupo está liderado por Ashim (Soumitra Chatterjee), el más rico de todos. Sanjoy (Subhendu Chatterjee) es una persona tímida que sólo actúa cuando está muy seguro. El deportista, Hari (Samit Bhanja) quiere olvidar a una muchacha que lo acaba de rechazar. Shekhar (Robi Ghosh) es el más gracioso y seguro de sí mismo. El viaje por el bosque resultará ser un viaje de autodescubrimiento.

Subtítulos en castellano míos

Days and Nights in the Forest
Four young men take off from the city of Calcutta on a car to let down their hair in the wilderness of a forest town in Bihar. Bubbling with over confidence and arrogance, their attempt at severing all communications with ‘civilization’, however, meets with some accidents, some happy and some not so happy when they interact with the locals and the female members of a family that have also come to the forest town for vacation. The poise and the self-assurance of the four friends peel off gradually as they are caught on the wrong foot by the female characters on a number of occasions, who bail them out, and the friends are forced to look at themselves in a new light. It is like a rites of passage for them as they are forced to come to terms with their shortcomings and by the time they drive back to the city, they are no longer the same.

DVD rip by Zenkoan (KG)

Quatre amis, Ashim (jeune cadre prometteur), Sanjoy (contremaître dans une manufacture de jute), Hari (grand sportif, joueur de cricket) et Sekhar (chômeur un peu parasite, le bouffon du groupe) ont quitté Calcutta en voiture, pour quelques jours de congé dans la forêt de Palamau, à l'est de la province du Bihar. Ils s'installent dans un bungalow. Ils rencontrent une jeune indigène, puis des bourgeoises de Calcutta. Diverses relations s'ébauchent, apparemment superficielles, mais qui mettent à nu la vérité des êtres. Les quatre amis repartent pour Calcutta, différents, enrichis, plus mûrs.



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sous-titres français

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Satyajit Ray en Arsenevich