31 julio 2009

Tony Richardson - The Loneliness of the Long Distance Runner (1962)


Inglés/English | Subs: Castellano/English
104 min | XviD 720x400 | 1257 kb/s |120 kb/s mp3 | 23.97 fps
1,0 GB + 3% recuperación/recovery

La soledad del corredor de fondo
Colin Smith es un joven de clase obrera que vive en un suburbio de Nottingham y que acaba de vivir una experiencia traumática tras la muerte de su padre. Es un adolescente rebelde y falto de afecto que rellena su monotonía y falta de objetivos robando y delinquiendo, lo que le conduce al reformatorio Ruxton Towers, que imparte una educación represiva y punitiva. Allí, su talento para correr destaca notablemente, un talento que hace que se convierta en el favorito del régimen y se gane la enemistad de los alumnos recluidos menos favorecidos. Las cosas se agravan cuando el director hace que Colin participe en la carrera anual contra un importante colegio privado. Durante sus carreras solitarias, los ensueños de su vida anterior a su encarcelamiento permiten al espectador conocer la situación de Colin, así como permiten al propio personaje reflexionar sobre su estado privilegiado como el corredor favorito del Director. Narrada en un sobrio y austero blanco y negro y estructurada a base de flash-backs nos sorprende con un final inesperado, expresión de la ira de los jóvenes descontentos con la sociedad que les rodea.

Small-time thief Colin Smith thinks he's outfoxed the law, but he's caught with money stolen from a bakery and sent to do time in Ruxton Towers Reformatory for criminal youth. The prison seeks to reform its charges through a punishment-reward system: rebels are beaten, broken and passed up for release. The Governor is only interested in competitive sports and singles out Colin for his ability to run. This gives Colin a number of privileges, including the right to train for the marathon while running free and unsupervised. But the more Colin broods about injustice -the Governor is keen on winning a track match against some privileged public school boys- the less he wants to contribute to the hypocrisy.


Excelente rip de fuente de alta definición de supersoft (24fps)



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30 julio 2009

François Truffaut - Baisers volés (1968)

Francès/French I Subs: Castellano/English
92 min I Xvid 640x368 I 1527 kb/s I 106 kb/s vbr mp3 I 23.97 fps
1,04 GB + 3% de recuperaciòn/ recovery
Continúa el ciclo del personaje Antoine Doinel tras "Los cuatrocientos golpes" y el capítulo de Truffaut de la película "L'amour à vingt ans". Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) visita a su antigua novia, Christine Darbon (Claude Jade), tras haber sido licenciado del ejército por insubordinación. El padre de Christine encuentra un trabajo temporal para Antoine como vigilante nocturno de un hotel. Sin embargo, a causa de un detective privado, Antoine pierde el empleo el primer día. Como compensación, el detective le ofrece a Antoine trabajar en su agencia, donde Antoine hará trabajos menores hasta que le asignan el deber de averiguar por qué todas las empleadas de la zapatería del señor Georges Tabard (Michel Lonsdale) le odian. En esta zapatería, Antoine conocerá a la preciosa Fabienne Tabard (Delphine Seyrig), la esposa del propietario...
Besos Robados (1968), es la tercera película dentro del grupo de películas de Antoine Doinel. Fue escrita por Truffaut, Claude de Givray y Bernard Revon, y Truffaut se la dedicó a Henri Langlois, porque el rodaje de esta película se dio lugar durante los sucesos de la Cinemateca de París. Es una película que nos muestra a un Antoine Doinel joven, ya no adolescente, y que se recrea en los “instantes de vida” del protagonista. Algo que confirma que es el Antoine Doinel de siempre es la constante reiteración de acciones: como por ejemplo buscar una novia con padres que sean simpáticos, que lo adopten dentro del seno familiar con naturalidad y cariño. Lo mismo había hecho con Colette en la película anterior. Se confirma que su infancia fue desgraciada y que no hace sino buscar afecto en familias ajenas. Pero a pesar de ello, la película es de una frescura que supera a las anteriores, no posee la tristeza de Los cuatrocientos golpes, ni el fracaso del amor de su segundo film. Es la película en la que vemos a Doinel convertirse en un adulto, en la que lo vemos trabajar, buscando una pareja con la que pueda casarse, aprendiendo a madurar a través de la experiencia con una mujer mayor. El elemento más importante sigue siendo Jean-Pierre Léaud sin lugar a dudas, y los personajes son, una vez más, quienes dotan de vida al guión, que a su vez ha sido insuflado de vida por la realidad de los recuerdos. Uno de los componentes más importantes de la historia, que está presente a su vez en el resto de sus películas, es la presencia de las cartas de amor. Éstas realizan un recorrido hermosísimo por debajo de las calles de París, en una escena única en el cine y en la historia de las películas de amor. La importancia de las cartas está asociada a la vida de Truffaut, que transpone también esto desde su primera película: ya el pequeño Doinel le escribe una carta a sus padres para despedirse; ya el Doinel adolescente y enamorado también le envía cartas a Colette, y el Doinel joven, y también enamorado, le manda una carta a Fabienne, la mujer adulta que le otorga una experiencia nueva en su vida y hace madurar a Doinel; y le escribe cartas a Christine, su amor verdadero, en vez de hablarle a la hora del desayuno. Las cartas son en definitiva uno de los elementos que mejor otorgan esa magia de la realidad de la que vengo hablando desde un inicio. Besos Robados es en definitiva la película que nos muestra el fin de la adolescencia, el inicio de la madurez, la pérdida de la inocencia, el hallazgo del amor y es también un himno a los instantes felices de la vida, que nada tienen que ver con los momentos grandilocuentes de la misma, sino todo lo contrario, son aquellos nimios instantes que se nos escapan en la vida real y que sólo a través de su representación en pantalla es posible intuirlos y comprenderlos. (Texto de Rossana Diaz Costa, tomado de Ver o no ver)
Eight years after the wry romantic sketch Antoine and Colette, François Truffaut and Jean-Pierre Léaud reunited to catch up with Truffaut's cinematic alter ego, Antoine Doinel, the troubled adolescent of The 400 Blows. Stolen Kisses opens with the now-grown Doinel sprung from military prison with a dishonorable discharge, drawn directly from Truffaut's own history of delinquency, but the parallels end there. Lovesick Doinel woos the perky but unresponsive object of his affections, Christine (Claude Jade) while he engages in a series of professions--hotel night watchman, private investigator, TV repairman--with mixed success and comic entanglements. But when he falls in love with the elegant wife of his client (Delphine Seyrig at her most beautiful and charming), Christine realizes she misses Antoine's persistence and clumsy passes, so she embarks on a seductive plan of her own. Truffaut's comic confection is full of deadpan gags and screwball chaos, a world away from the heavy seriousness of The 400 Blows, and Léaud is endearingly naive as the determined Doinel, forging ahead with more pluck and passion than aptitude. It may be Truffaut's most sweetly romantic film, a knowing man's embrace of eager innocence and storybook sentiment. Doinel returns two years later in Bed and Board. (Sean Axmaker)
"Hace tiempo una mañana de domingo, la televisión emitió en el programa 'La secuencia del espectador' una escena de 'Besos robados' en la que participaban Jean-Pierre Léaud y Delphine Seyrig. Al día siguiente entré en una taberna en la que nunca había estado antes, junto a la estación de Saint-Lazare y me dijo el dueño: "Yo le conozco a usted, ayer le vi en la televisión". Es, por supuesto, evidente que no fue a mí a quien vio en la pequeña pantalla, sino a Léaud interpretando el personaje de Doinel. Pedí un café muy concentrado, el hombre me lo sirvió y estudiando más de cerca y más atentamente mi rostro añadió: "Esa película la hizo hace tiempo, ¿no?. Era usted más joven". Cuento esta anécdota porque ilustra bastante la ambigüedad y al mismo tiempo la ubicuidad de Antoine Doinel, ese personaje que es la síntesis de dos personajes reales: Léaud y yo. Se presentaron unos sesenta muchachos e hice pruebas en 16 mm. con dos de ellos; les hacía preguntas bastante sencillas puesto que mi objetivo era encontrar un parecido más moral que físico con el niño que yo creía haber sido. Antoine Doinel no es lo que se llama un personaje ejemplar, es astuto, tiene encanto y abusa de él, miente mucho y disimula más, solicita más amor que el que está dispuesto a dar; no es el hombre en general sino un hombre en particular. Añadiré únicamente que Jean-Pierre Léaud es el mejor actor de su generación y que sería injusto olvidar que Antoine Doinel es, para él, más que uno de los personajes que ha interpretado, uno de los dedos de sus manos, una de sus costumbres, uno de sus compañeros de niñez. " François Truffaut

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François Truffaut en Arsenevich

28 julio 2009

William Wellman - The Ox-Bow Incident (1943)

Inglès/English I Subs: Castellano/English
75 min I Xvid 576x432 I 1166 kb/s I 118 kb/s vbr mp3 I 23.97 fps
700 MB
El asesinato de un ranchero rompe la aparente tranquilidad de un pueblo del oeste americano. Ausente el sheriff, los hombres del pueblo deciden formar una partida para encontrar a los culpables...
"Con The Ox-Bow Incident, Wellman trató un problema hasta entonces completamente ajeno al western, el de la relatividad de la justicia humana (...) Su mensaje perturbador no estaba hecho para seducir a las masas, sobre todo en época de guerra." Estas certeras líneas, debidas a Georges-Albert Astre y Albert-Patrick Hoarau en su libro El universo del western (págs. 237-238), definen muy bien el papel de esta obra maestra de William A. Wellman que se incrustó como una bala de grueso calibre en la conciencia social de miles de norteamericanos que, en tiempos bélicos, corrían a los cines a ver películas, y westerns, de acción y evasión. Wellman, uno de los clásicos menos ponderados de los de su generación, maestro en todos los géneros y en particular en el cine del Oeste (ahí están Aventuras de Búfalo Bill, Más allá del Missouri, la extraña Caravana de mujeres y, sobre todo, la hierática Cielo amarillo, para demostrarlo), se inspiró en una novela de Walter van Tilburg Clark sobre un linchamiento, adaptada con su habitual disciplina por Lamar Trotti, guionista, productor y mano derecha de Darryl F. Zanuck. Pero fue Henry Fonda, actor muy concienciado en aquella época, el auténtico instigador del filme.Cuenta Otto Friedrich en su libro La ciudad de las redes que "fue Henry Fonda, según parece, quien convenció a Darryl Zanuck de que hiciese The Ox-Bow Incident ("Conciencias muertas" en España) para satisfacer su deseo de hacer buenas obras. Cuando los dos se enfrentaron más tarde a propósito de planes futuros, y cuando Fonda dijo que quería hacer más películas como Las uvas de la ira y The Ox-Bow Incident, Zanuck sacó un libro de contabilidad de todas sus películas. 'Consúltalo', le dijo Zanuck. 'Entérate de lo bien que fue The Ox-Bow Incident.' Fonda miró el libro de contabilidad, vio que todas las cifras de la página estaban en rojo y salió de estampida del despacho, dando portazos a sus espaldas". El estudio, Fox, nunca se mostró muy contento con la película y, aunque no manipuló el trabajo de Wellman, amortiguó en lo posible las repercusiones ideológicas del filme limitando su estreno fuera del área estadounidense. Wellman estuvo unos años rodando productos bélicos como También somos seres humanos (The Story of G.I. Joe, 1945) y alegatos anticomunistas como El telón de acero (Iron Curtain, 1948), obras nada desdeñables, por otra parte.Este mensaje perturbador al que hacían alusión Astre y Hoarau ofrecía un duro alegato contra el linchamiento, planteando el relato con ética diáfana y estilo desnudo y conciso. La planificación, admirablemente reposada, y los actores, admirablemente contenidos, están al servicio de un discurso sin falsas apologías, seco y cortante como pocos. Wellman sabía de qué estaba hablando y eligió el más funcional y directo de los caminos para mostrarlo.El paisaje, tratado por Wellman en líneas generales como detonante casi geométrico de acciones y sentimientos, es en The Ox-Bow Incident simples retazos de un territorio arisco y desértico: polvo, suelo rocoso, cielos espectrales, árboles de ramaje retorcido dispuestos servicialmente para ahorcar a los forajidos, pueblos desolados y silenciosos. Nada parece vivo, todo invita a la tragedia. Y ésta se produce de la forma más sencilla, cuando tres hombres son capturados y acusados del asesinato de un ranchero. A pesar de los denostados intentos para demostrar su inocencia, los tres hombres son sumarialmente juzgados y colgados por la patrulla que comanda un viejo general sudista. Sólo algunos (el héroe anónimo que encarna Henry Fonda) intentan oponerse al linchamiento. Completado su sórdido trabajo, los miembros de la patrulla descubren que el ranchero presuntamente asesinado está vivo. Los cuerpos cuelgan calientes de los árboles. El asesinato legalizado pesará sobre las conciencias de una docena de hombres. Su líder, el viejo oficial que rindió servicios al Sur, opta por suicidarse. Henry Fonda parte con su amigo de la ciudad. El resto queda silencioso, junto a la barra maltrecha del bar.The Ox-Bow Incident ha sido considerada en varias ocasiones como una película formalmente sumarial, un filme de tesis cuyo alegato contra el linchamiento predomina sobre cualquier otra consideración. Cierto que Wellman planteó la película como una disquisición moral sobre la injusticia, remarcando todos y cada uno de los componentes del guión (posicionamiento del personaje de Fonda, características diversas del grupo de linchadores, las reacciones opuestas de los tres acusados, la captura, la acusación, el juicio, el ahorcamiento, la verdad, la imposibilidad de remediar lo hecho) que ilustraban el alegato. Pero en ningún momento puede decirse que The Ox-Bow Incident sea un filme teatral, de puesta en escena plana y dominio absoluto de la palabra sobre la imagen. Dos soberbias escenas lo demuestran. En la primera, cuando Fonda lee la carta de despedida a su esposa de uno de los linchados, Dana Andrews, Wellman realiza una planificación singular: vemos, en primer término, al compañero de Fonda, su boca queda cortada por debajo del encuadre, sólo apreciamos la expresión de sus ojos; al fondo del encuadre, por el contrario, vemos los labios de Fonda que se mueven, ya que el ala del sombrero de su amigo le tapa los ojos: la boca sella un sentimiento imposible de despedida, los ojos escuchan. En la segunda, Wellman encuadra de la forma más opresiva posible al grupo de linchadores en el bar, después de saber que han colgado a unos inocentes. Como ya hemos dicho antes, la planificación está siempre al servicio del discurso. Todos los personajes tienen los ángulos de cámara, sombras y contornos que se merecen. The Ox-Bow Incident, filme mayúsculo sobre la intransigencia y el salvajismo inherente a una arcaica concepción de la ley y la justicia en el Oeste de los pioneros, es también una tragedia visual planteada con el más depurado de los estilos.Sus primeros planos cerrados, sombríos, de víctimas y verdugos, o esos planos generales de todos comiendo e incluso riendo junto al árbol del que penden las tres sogas aún vacías (extraña convivencia forjada por la más cruel de las circunstancias), son de los que dejan huella imborrable. La atención del espectador hacia este western social estaba, con Wellman tras la cámara, asegurada. (Texto de Quim Casas, en "El western. El género americano", Barcelona, Paidós)
The Ox-Bow Incident (1943) is a grim, low-budget Western masterpiece from director William A. Wellman - based upon the famed novel by Walter Van Tilburg Clark of the same name. Produced and written for the screen by Lamar Trotti, this is an intense, blunt, and downbeat examination of frontier 'justice' with simple characters that represent various philosophical stances, opinions, or attitudes. It is an authoritative indictment of angry mob rule and violence that lead to a brutal lynching of three suspicious outsiders - all innocent of the trumped-up charges. When seen by American audiences in the early 1940s during the progress of World War II, the implication was obvious that Hitler's evils in Europe could also inhabit the ethos of the sacred American/western frontier. In this film, Henry Fonda plays a more passive individual when compared to his portrayal of Juror # 8 in a jury room in 12 Angry Men (1957). Although Fonda was given top billing in the film, he worked for scale and his character role was underplayed within the ensemble cast. The film's making was a labor of love for all involved, and Fonda helped to raise funding for it. (Tim Dirks)
"No puede existir la civilizaciòn a menos que la gente tenga una conciencia." William Wellman
Enlaces:

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NOTA: Esta Pelìcula es una amable contribuciòn de mi amigo Narcolepsico de Exvagos

27 julio 2009

Luis Buñuel - Susana (1951)


Castellano | Subtitles: English .srt
86 min | x.264 mkv 700x478 ~> 700x525 | 1850 kb/s | 160 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,20 GB + 3% recuperación/recovery

En una noche de tormenta, la presidiaria Susana es encerrada en el calabozo de la prisión estatal, pero logra escapar desprendiendo los barrotes de la ventana.

En su huida, la joven llega a la hacienda de don Guadalupe, en donde es recibida como un miembro más de la familia por doña Carmen, su hijo Alberto, la sirvienta Felisa y el caporal Jesús.
Repuesta de sus heridas, Susana comenzará a hacer estragos entre sus benefactores. Sus coqueteos y falsa inocencia encenderán la pasión de los varones de la hacienda, sembrando la discordia entre ellos y llevándolos a cometer locuras con tal de obtener sus caricias.
The Devil & The Flesh
An unstable young woman escapes from a reformatory for very, very wayward girls and deceptively finds shelter in the kind home of a frighteningly nice and decent family. Little by little, she causes unrest and discord among the members of the household, until they are virtually fighting with each other.



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Luis Buñuel en Arsenevich


26 julio 2009

François Truffaut - Antoine et Colette (1962)

Francès/French I Subs: Castellano/English
29 min I Xvid 608x272 I 1541 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 29.97 fps
349 MB + 3% de recuperaciòn/recovery
El episodio más perdurable del film colectivo "El amor a los 20 años" (que co-dirigieran Francois Truffaut, Andrzej Wajda, Shintarô Ishihara, Marcel Ophüls y Renzo Rossellini) es éste mediometraje que continúa la historia del protagonista de "Los 400 golpes", el primer film de Truffaut. Aquí el joven Antoine Doinel tiene 16 años. En un concierto de las "Juventudes Musicales", el muchacho se enamora perdidamente de una joven estudiante. Para poder verla constantemente, Antoine se muda al departamento vecino e incluso consigue convertirse en el protegido de sus padres. Pero cuando más cerca él cree estar de su objetivo, más lejos ella está…
La segunda película que escribe y dirige Truffaut con el personaje de Antoine Doinel es Antoine y Colette , que era un episodio del film El amor a los veinte años (1962), que muestra al protagonista a los diecisiete años, aún inseparable de René, su amigo de Los cuatrocientos golpes, y esta vez enamorado por primera vez de una chica llamada Colette, que aparecerá posteriormente de manera breve en Besos Robados (1968), que será recordada por sus lentes en Domicilio Conyugal (1970) y aparecerá en El amor en fuga (1978). En esta película, Truffaut plasma por primera vez su amor a las mujeres dentro del ciclo de películas con Antoine Doinel, y el amor al amor, que no es sino una constante recreación llena de frescura de todas las tretas que utiliza el personaje para conquistar a una chica, sin elementos trágicos y tratada con ligereza. Pero una vez más, la historia es triste y tierna, porque Doinel no consigue el amor de la chica. En El amor a los veinte años Truffaut vuelve a realizar una transposición similar a la que había realizado en Los cuatrocientos golpes: los recuerdos de su adolescencia fueron transformados sólo en la forma aunque no en el fondo, de esta manera él se enamoraba de una chica que conocía a través de la música, aunque en la realidad este primer amor se diera a través del cine. El amor a la realidad se hacía una vez más presente. Es más, el propio Truffaut afirma que hizo su siguiente película con el personaje de Antoine Doinel, Besos Robados, porque “volví a sentir la necesidad de volver a lo concreto, a los pequeños sucesos de la vida”. Es justamente en estos pequeños sucesos que se encuentra la revelación, el deslumbramiento, el descubrimiento de un misterio que se nos ofrece a cada uno de nosotros todos los días en cada suceso de nuestra cotidianeidad y no somos muchas veces capaces de ver por la mala costumbre de darle más importancia a las abstracciones y a la fantasía. Y he aquí que radica el talento de Truffaut: el haber sido capaz de descubrirnos la magia de la realidad a través del cine, y esto se da gracias al profundo amor con el que descubre esta magia. Esta manera que tiene Truffaut de hacer cine es aquella de un nostálgico, de un romántico, que ve en su pasado y en la reconstrucción del mismo, la única manera de encontrar algún sentido en el presente. Además, se interesa por la vida que es reflejada en el cine, más que por la vida misma. Todas sus películas reflejan este amor y esta pasión. Es importante recordar además que para Truffaut el cine fue más que un sano entretenimiento en su infancia y adolescencia: “el cine me salvó la vida”, afirmó en una ocasión. Y al hacer sus películas, se vuelca con el amor de alguien agradecido al cine por haber permitido que siga con vida. Así de carnal y vital es la relación de Truffaut con el cine, y es así como hay que entenderla al momento de ver sus películas. (Texto de Rossana Diaz Costa, tomado de Ver o no ver)
The second film to feature alter ego Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud), it was originally made for the omnibus film Love at Twenty but has outlived its companion shorts. As romantic and gently ironic as The 400 Blows is harsh and haunting, this modest 20-minute lark finds a teenage Antoine pursuing the lovely, lithe 20-year-old Colette (Marie-France Pisier) like a lovesick puppy dog. The comic sweetness of this episode sets the tone for all future Doinel films, and Léaud, who matured into the poster boy for the French new wave, displays the lanky charm and self-effacing egotism that propelled him through some of the greatest films of the next two decades. (Sean Axmaker)

"La adolescencia deja un recuerdo placentero sólo a aquellos adultos que son incapaces de recordar." François Truffaut
Nuevos enlaces, gentileza de Ana

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-o-
François Truffaut en Arsenevich

25 julio 2009

Robert Bresson - Quatre nuits d'un rêveur (1971)


Francés | Subs: Castellano/English (muxed)
82 min | x-264 mkv 656x574 ~> 953x574| 1938 kb/s | 256 kb/s AC3 | 24 fps
TV rip | 1,29 GB

Cuatro noches de un soñador
Cuatro noches de un soñador es una adaptación de Noches blancas, de Dostoievski, una exploración del amor romántico servida en estilo preciso y severo. Bresson revela un inesperado sentido del humor e ironía mundana. La transformación del París nocturno en un paisaje onírico con pulso eléctrico recuerda a Minnelli, aunque con la economía expresiva de Bresson. Una película hermosa y esencial (Dave Kehr).


Four Nights of a Dreamer
One night, a young painter, Jacques comes across a young woman, Marthe, who is about to commit suicide by jumping off the Pont-Neuf bridge in Paris. Marthe is heart-broken because her former lover, who left her a year ago, failed to keep their meeting on the bridge. Jacques is instantly attracted towards Marthe and asks if they can meet up the following night. She agrees, and they spend the next four nights wandering the streets of Paris, sharing their fantasies and dreams. By the fourth night, Jacques has fallen hopelessly in love with Marthe, but then who should appear but her former lover...


TV rip y capturas de Pirata00 (KG)

Subtítulos en castellano míos


Une nuit, Jacques qui se promène sur le Pont-Neuf, croise une jeune fille au comportement étrange. Il s'arrête, la regarde; elle a enjambé le parapet et est sur le point de se jeter à l'eau. Jacques l'en empêche. Ils font connaissance. Elle s'appelle Marthe. Ils se donnent rendez-vous le lendemain soir. Lors de la seconde nuit, ils se racontent leur histoire; l'homme qu'aimait Marthe est parti aux Etats-Unis, ils devaient se revoir au terme de son séjour, un an plus tard. Sans nouvelles de lui, elle a voulu se suicider. Jacques est peintre; il vit en solitaire dans un monde clos où prédomine le rêve. La nuit qui suit, le sentiment d'amour à l'égard de Marthe est devenu pour Jacques une certitude...


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24 julio 2009

Abraham Polonsky - Force of Evil (1948)

Inglès/English-Castellano (Dual) I Subs: Castellano
75 min I Xvid 608x448 I 1043 kb/s I 129 kb/s vbr mp3 I 25 fps
705 MB + 3% de recuperaciòn/ recovery
Joe Morse trabaja como abogado para Ben Tucker, un hombre que se ha enriquecido a costa de un negocio ilegal de apuestas. Para asegurar y ampliar sus maniobras necesitan dar un golpe millonario que implica la desaparición de todos los pequeños bancos de apuestas clandestinos. Uno de ellos esta dirigido por el hermano de Joe Morse.
Antes de que sus vidas cayeran en desgracia, Bob Roberts, John Garfield y Abraham Polonsky unieron sus esfuerzos en torno a un proyecto pequeño, alejado de las grandes producciones de los estudios, y que para muchos resultó un azote al capitalismo y a sus influyentes firmas. Force of Evil fue estrenada en 1947, recién terminada la segunda guerra mundial y con la guerra fría en plena ebullición, y acabó siendo la carta de despedida de estos tres nombres, que se verían directamente implicados en la caza de brujas años más tarde. Polonsky debutó tras la cámara después de que Roberts, productor, le convenciera de que era el hombre ideal para filmar el guión que él mismo había escrito. El amplio bagaje de Polonsky como guionista de Hollywood era su aval. Garfield, amigo íntimo de ambos, llevaría las riendas del papel protagonista, un abogado sin escrúpulos de Wall Street. Force of evil (estrenada en España como La fuerza del destino, ridícula traducción del título inglés aunque algo premonitoria) no se vio resentida en su factura por contar con el primerizo Polonsky como director. Éste se reveló como un acertado narrador, moviendo la cámara elegantemente en largos planos secuencia en torno a los protagonistas, ejecutivos hacinados en sus especulaciones y en tugurios de apuestas y corrupción. La historia, breve pero intensa, narrada con un ritmo trepidante, cuenta con códigos característicos del cine de gángster: el contrastado juego de sombras, la voz en off del personaje que nos avanza su suerte, la malévola mujer y su contrapunto, la chica inocente y enamoradiza… Todo insertado en hora y cuarto de película, por lo que algunos personajes (femeninos la mayoría) quedan demasiado desdibujados y superficiales. Aún así, añade elementos inusuales en este engranaje de cine de estudios, como es ver Wall Street, decorado real de la película, con un aspecto fantasmagórico y desolador, además de una encubierta (quizá no tanto) crítica al incipiente sistema social y burocrático estadounidense que se gestaba. El tema de la delación, el arrepentimiento y las injusticias sociales es tratado por Polonsky como si fuera ya conocedor de lo que ocurriría años más tarde. O como fiel reflejo de la situación de continua sospecha hacia el vecino que rodeaba al país en esos años, siendo por momentos el relato un advenimiento de la posterior era McCarthy. Para algunos personajes de la historia, la delación es una losa, “podría pasarse la vida entera recordando lo que no debiera haber dicho”; para otros, como el hermano honesto e hipocondríaco de John Garfield, la corrupción es una salida deshonesta a las penurias, haciendo a las personas actuar en la sociedad como “ovejas negras que ennegrecen el rebaño. Sobre todo si las demás no son blancas del todo”… Estas ovejas a las que alude, que pueblan la historia y pueden parecer a simple vista nobles, se van ennegreciendo poco a poco, para acabar claudicando irreversiblemente ante el que les extorsiona. Al final de la película, un arrepentido Garfield, víctima de su propia red extorsionadora, languidece entre las rocas del puente neoyorquino. Triste alegoría de lo que les acontecería años más tarde: Garfield, cuyo nombre se iba haciendo un hueco en el star-system hollywoodiense, tendría una muerte prematura. Bob Roberts dejaría la producción tras ser investigado y condenado por el comité americano, después de cimentar la carrera de otros directores como Robert Rossen. Polonsky, también condenado al ostracismo por McCarthy, no volvería a firmar sus guiones, regalando en muchos casos sus historias a compañeros de profesión y viendo cortada una prometedora carrera en Estados Unidos. Sirva este texto como pequeña reivindicación de estos nombres. (Texto de Aurelio Medina, tomado de Berlin63)
Based on an obscure crime novel titled Tucker's People, Abraham Polonsky's Force of Evil has attained classic status since its release in 1948, when film noir was thriving on the fringes of the Hollywood studio system, where the shadowy attributes of noir were allowed their fullest expression. Which is to say, this gritty drama is drenched in greed, cynicism, and corruption of the soul, as embodied by John Garfield in one of his most memorable roles. He's perfectly cast as Joe Morse, a lawyer whose connection to a ruthless racketeer has nearly destroyed his sense of morality. His participation in a rigged numbers racket could prove disastrous for his high-strung older brother (superbly played by Thomas Gomez), whose small-time policy bank stands to go broke when the rigged numbers pay off--a financial windfall for Joe's powerful boss at everyone else's expense. Joe's corruption is tempered only by remnants of guilt and his redeeming attraction to Edna (Marie Windsor), his brother's secretary, whose common decency gnaws at Joe's rotten conscience. But before Joe can rise from his self-made hell, Force of Evil takes him to the darkest pit of tragic humanity--a downward spiral perfectly expressed through George Barnes's exquisitely stark cinematography. In style and substance, this is quintessential noir, its plot unfolding with uncompromising toughness and intelligence. More's the pity, then, that director Polonsky was later victimized by the Hollywood blacklist, curtailing a promising career for two decades until Polonsky directed Robert Redford in 1969's Tell Them Willie Boy Is Here. It seems only fitting, then, that Polonsky's remarkable debut is now recognized as one of the finest dramas of its kind. (Jeff Shannon)
"Se perdieron 17 años de mi carrera como director que quizá hubieran podido ser los más fructíferos, pero éste es el hecho y nada se puede hacer para remediarlo." Abraham Polonsky

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23 julio 2009

Robert Bresson - Journal d'un curé de campagne (1951)


Francés | Subs: Castellano/English/Portugués
115 min | XviD 624x464 | 1572 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,42 GB + 3% recuperación/recovery

El diario de un cura de campaña
El joven cura de Ambricourt, en Artois, vive su misión diocesana con grandes dificultades. El párroco del pueblo vecino de Torcy le recrimina el escaso sentido práctico de su misión ya que se interesa más por su compromiso ético con lo que le rodea y en cambio se despreocupa de las relaciones con las familias nobles de la zona. Las desliusiones se suceden y se agrava su deficiente salud, provocada por una escasa alimentación, fruto de un cáncer de estómago. Los habitantes de Ambricourt miran con recelo la labor del joven cura y mientras la pequeña Séraphita lo ridiculiza, él intenta ocuparse de Chantal, hija del conde de Ambricourt, abrumada por el adulterio de su padre y la desesperación de la madre tras perder un hijo. Considerada por muchos como la primera obra maestra de Robert Bresson.

Criterion DVD rip y capturas, cortesía de mteste (KG)

Robert Bresson, in his fourth film, explores one man's crisis of faith through a simple story of frequent narration where a new priest (Claude Laydu) arrives in the French country village of Ambricourt to attend to his first parish. The apathetic and hostile rural congregation rejects him immediately. Through his diary entries, the suffering young man relays his internal theological confrontation that threatens to drive him away from the village... and from God. Director Bresson began to implement his stylistic philosophy as a filmmaker, stripping away all non-essential elements from his compositions, the dialogue and the music, exacting a purity of image and sound. This film language leaves us with nothing except to bond with our protagonist. This can be seen as cinema in one of its purist forms.
Un jeune prêtre, récemment nommé curé du village d'Ambricourt, a bien du mal à se faire accepter par ses paroissiens. Face à l'incompréhension des villageois, il trouve son seul réconfort auprès du curé d'un village voisin. Le châtelain, en qui il pensait trouver un appui, se retrouve au coeur d'un drame familial auquel le prêtre sera mêlé.



Nuevos enlaces, gracias a Don Belianís

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Robert Bresson en Arsenevich
Les Anges du péché (1943)
Les Dames du Bois de Boulogne (1945)
Journal d'un curé de campagne (1951)
 Un condamné à mort s'est échappé (1956)
Pickpocket (1959)
Procès de Jeanne d'Arc (1962)
Au hasard Balthazar (1966)
 Mouchette (1967)
Une femme douce (1969)
Quatre nuits d'un rêveur (1971)
Lancelot du Lac (1974) 
Le Diable probablement (1977) 
L'Argent (1983)