29 junio 2009

John Cassavetes - Opening Night (1977)


Inglés | Subs: Castellano/English/Français
145 min | XviD 720x384 | 1350 kb/s | 96 kb/s mp3 | 23.976 fps
1,45 GB + 3% recuperación/recovery


Noche de estreno
Opening Night durmió durante años en una estantería por falta de distribuidor, pero una vez estrenado, pasó a ser uno de los filmes clave del director independiente John Cassavetes, conocido por títulos como Shadows o Ángeles sin paraíso. La película, interpretada por su actriz fetiche y esposa, Gena Rowlands, es una de las más maduras y ambiciosas apuestas de la filmografía del director y aborda de lleno la conciencia y la vulnerabilidad que nos supone el paso de los años y ver ante nuestros ojos cómo se nos escapan de entre los dedos las imagenes y las esperanzas que teníamos entonces en nosotros mismos. Por otro lado, Cassavetes era muy sensible, como actor que fue, a las ocasionales humillaciones, dudas y miedos que la profesión de actriz puede suponer a la mujer.

Gena Rowlands brilla con luz propia protagonizando estas premisas, a su vez, con la fabulosa colaboración de Ben Gazzara y el propio Cassavetes. Todo ello, a través de una cámara que adopta una vez más maravillosas posiciones y puntos de vista en unas escenas sublimemente iluminadas. Detrás, evidentes referencias a dos títulos que Cassavetes idolatraba, Eva al desnudo y Nace una estrella.

John Cassavetes, known for his in-depth explorations of individuals who appear to be on the brink of sanity, paints another powerful portrait with Opening Night.

As the boozing actress, Rowlands adds another unforgettable performance to her resume, committing herself fully to Myrtle's character, making the film a challenging yet ultimately rewarding viewing experience for those that value a true grit performance. Cassavetes and Ben Gazzara deliver solid supporting turns, but it is Rowlands who steals the show. In focusing on an individual whose profession - an actress re-creating other people's lives - is directly linked to her psychological confusion, Cassavetes has made a universal commentary on coming to terms with one's inevitable aging, as well as the potential peril of living a life in which the lines between fact and fiction can all too easily blur. Opening Night is as dense and difficult as one would expect from John Cassavetes, but even the director's detractors will be unable to deny the power of Gena Rowlands' performance.


Rip del DVD Criterion y fotogramas de supersoft.
(¡gracias!)

Nuevos enlaces, cortesía de Ana
(especialmente para la colección Cassavetes de un jurel)

Opening Night.part1.rar
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28 junio 2009

Anthony Mann - The Furies (1950)

Inglès/English I Subs: Castellano
109 min I Xvid 544x400 I 1495 kb/s I 160 kb/s cbr mp3 I 23.97 fps
1,37 GB + 3% de recuperaciòn/recovery
En el rancho "Las furias" viven T. C. Jeffords y sus dos hijos. Clay, que es un buen chico pero sin carácter, y Vance, una mujer ambiciosa aunque justa. El patriarca desea expulsar de sus tierras a una familia de mexicanos, los Herrera, cuyo primogénito es amigo de la infancia de su hija. Tercero de los westerns que Mann rodó en 1950, revolucionando el género en una dirección más pesimista.Barbara Stanwyck efectúa la transición de chica mala del film noir a formidable matrona ranchera , aquí enfrentada a la no menos formidable Judith Anderson (el "ama de llaves" de Rebecca de Hitchcock).
“Decir que Las furias es una transposición literal al western de “El idiota” de Fedor Dostoievsky, es quizás algo exagerado. De hecho, la inclusión del film en los márgenes del género del Oeste ya resulta algo aventurada, porque pese a tener elementos afines al mismo, desde la paisajística hasta el decorado de un rancho, Las furias cuadraría mejor con las cualidades de un melodrama freudiano, aspecto que por otra parte ligaría la película con la tendencia del western psicológico a la que no fue nada ajena Niven Bush, autor del relato original inspirado en la citada obra de Dostoievsky” “Enmarcada en una tradicional historia de ganaderos rivalizando contra colonos, Las furias actua posiblemente en demasiados frentes argumentales: las relaciones familiares de los Jeffords, la ambivalente historia de Vance y Darrow, la presencia de los Herrera –en cuanto al papel de Juan en la vida de Vance y en relación a la rivalidad aludida entre ganaderos y colonos-, la intromisión de Flo en el mundo acotado de T.C y su hija, la venganza de Vance. Donde mejor funciona la película es en la constante sucesión de obediencias y desobediencias, de desafíos y pactos entre padre e hija: por ejemplo, la escena en la que Vance realiza una apuesta con Darrow, convencida de que su padre no podrá adivinar las auténticas pretensiones de éste –todo parece siempre un juego entre el ganadero y la joven-, o los fugaces interludios en los que Vance acude a Herrera, como amigo y confidente, sabiendo que se trata del máximo rival de su padre… Western tan o más extraño que Hombre del Oeste, encuentra en ese exceso trágico su singularidad. Cada elemento, por anecdótico que sea, provoca una sensación de desasosiego, de oculta violencia: Darrow se llama Rip, como el sonido de una navaja al cortar. Así se construyen las múltiples relaciones entre los personajes y la tensión almacenada acaba por explotar de la manera mas determinante.”(Quim Casas) “Personalmente considero Las furias el western más extraño y cerrado de los realizados por Anthony Mann. También el más sombrío de los tres que rodó en blanco y negro entre los años 1950 y 1951, ninguno de los cuales, visto por sí solo, tiene relación con los otros” “…Es lógico que el mapa humano dibujado en el film, en un sombría blanco y negro que a veces convierte a los personajes en manchas sin rostro adheridas al fondo de cada plano, se vea enriquecido dramáticamente por la violencia y la pasión. La violencia, aunque se halla presente en las relaciones que mantienen los personajes, estalla con motivo del linchamiento de Juan Herrera, ordenado por T.C., que es mas la reacción de un padres despechado (la idea del amor traicionado) que la venganza de un ranchero sobre el colono que ocupa una ínfima parte de sus tierras…” “Rodada en blanco y negro por deseo de Hal B. Wallis (con foto de Victor Milner), The Furies es un western claustrofóbico, casi a lo Wellman, incluso en las secuencias de exteriores presididas por cielos siempre nublados y oscuros y por noches cerradas, en el que los actores se mueven en siniestros contraluces que aplastan sus figuras contra el fondo el encuadre, sin jugar con la perspectiva paisajística (algo que resulta insólito en los trabajos de Anthony Mann)…”(Josè Marìa Latorre)
Seconds into Anthony Mann's hardboiled horse opera, Barbara Stanwyck absent-mindedly plays with a pair of scissors. Not to worry: she'll put them to use soon enough. Until that time, Stanwyck's volatile heiress, Vance, alternately flatters and manipulates her egotistical father, T.C. Jeffords (a feisty Walter Huston in his final performance). It's the 1870s and T.C.'s ranch, the Furies, inspires envy throughout the New Mexico territory. If Vance picks a suitable husband, T.C. promises her a handsome dowry. Unfortunately, she chooses brutal gambler Rip Darrow (Rear Window's Wendell Corey). If it wasn't for Vance's friendship with Mexican-American squatter Juan (Gilbert Roland), she wouldn't inspire much sympathy, but Vance stands up for the Herreras when financiers pressure the Jeffords to throw them off their land. Then, T.C. takes up with scheming socialite Flo (Rebecca's Dame Judith Anderson), and the tense relations between father and daughter explode into all-out war. By the end, those scissors end up in someone's face, leading to a cycle of revenge-oriented violence. Adapted from Niven Busch's novel by Red River's Charles Schnee, The Furies isn't as deliriously over-the-top as Busch's Duel in the Sun, but it plays more like Shakespearean tragedy than Technicolor camp, and Stanwyck owns the screen from start to finish.
"De los cuatro westerns realizados en 1950 por Antony Mann, sòlo Las Furias podrìa ser considerada una autèntica tragedia griega." Martin Scorsese
Enlaces (subtítulos incluidos):

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(Uno de los canales de audio es un comentario sobre la importancia de la peli. One of the audio channels is a commentary about the importance of the film.)

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Anthony Mann en Arsenevich

27 junio 2009

Jean-Pierre Melville - L'Armée des ombres (1969)


Francés | Subs: Castellano/English/Portugués
145 min | XviD 640x352 | 1594 kb/s | 106 kb/s mp3 | 23.97 fps
1,7 GB + 3% recuperación/recovery
El ejército de las sombras
Aclamado drama sobre la resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial. Basada en la novela de Joseph Kessel, la película comienza en octubre de 1942 y nos presenta algunos meses en las vidas de los militantes en torno a Phillippe Gerbier, un tranquilo ingeniero civil que es uno de los verdaderos líderes de la resistencia. Philippe Gerbier (Lino Ventura) es jefe de uno de los grupos de la resistencia en París, contra la ocupación nazi, es capturado pero tras un ardid logra escapar y se une a otro grupo que desarrolla sus acciones en Marsella, el delator es descubierto y se procede a su ejecución, la narración ofrece una visión del coraje y los miedos de estos grupos que tan importantes fueron durante la segunda gran guerra. Estamos ante una de esas películas duras, ásperas, directas, pero por encima de todo imprescindibles. Melville nos regala un fresco de la resistencia francesa plagado de situaciones y con multitud de detalles. (http://otro-cine.blogspot.com)
Army of Shadows
France, 1942, during the occupation. Philippe Gerbier, a civil engineer, is one of the French Resistance's chiefs. Given away by a traitor, he is interned in a camp. He manages to escape, and joins his network at Marseilles, where he makes the traitor be executed... This non-spectacular movie (do not expect any Rambo or Robin Hood) shows us rigorously and austerely the everyday of the French Resistants : their solitude, their fears, their relationships, the arrests, the forwarding of orders and their carrying out... Both writer Joseph Kessel and co-writer and director Jean-Pierre Melville belonged to this "Army of Shadows".
France, 1942. Soupçonné de "pensées gaullistes", l’ingénieur Philippe Gerbier est incarcéré, puis transféré à la Gestapo, d’où il parvient à s’évader. Il se révèle être l’un des chefs de la Résistance, des hommes et des femmes que tout sépare, sauf la nécessité d’agir : Luc Jardie, le philosophe mathématicien, son frère Jean-François, tête brûlée tenté par l’aventure - chacun ignorant tout des activités de l’autre -, Mathilde, Le Masque, le Bison, et une poignée d’autres anonymes… C’est un long voyage au bout de la nuit qui commence pour ces soldats de la clandestinité, entre transmissions de renseignements et assassinats politiques, traqués par la Gestapo et la police de Vichy. Un voyage qui sera sans issue pour la plupart d’entre eux.


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26 junio 2009

King Vidor - Hallelujah (1929)

Inglès/English I Subs: Castellano
109 min I Xvid 576x416 I 890 kb/s I 74 kb/s vbr mp3 I 23.97 fps
698 MB + 3 % de recuperaciòn/recovery
Zekial es un humilde granjero de origen afro americano, quien es convencido por Chick, una hermosa bailarina a participar en un juego de dados. "Aleluya" es el primer largometraje sonoro con un reparto afro americano. Originalmente fue producida como película silente pero luego fue alterada y reeditada incluyendo los diálogos, música espiritual y dos éxitos de Irving Berlin. Se ha dicho de Hallelujah! que es la primera obra maestra del cine sonoro. Esta aseveracion puede ser valida porque la película, incluidas sus imperfecciones, reviste cualidades suficientes para destacar con holgura entre lo mejor de la producción de la época. Por otra parte, el hecho de ser la primera película interpretada totalmente por negros que se aproxima con cierto rigor a su mundo la convierte en una obra decididamente singular, incluso insólita si se tiene en cuenta que King Vidor logró hacerla gracias a invertir en la empresa su sueldo de director. Se nota que Aleluya es el primer film sonoro de Vidor. Su proverbial sentido de la cohesión no alcanza aquí, obviamente, su cota más elevada. No obstante, a pesar del desequilibrio que comportó la experimentación con nuevos sistemas de rodaje, la obra resulta vidoriana al ciento por ciento, tanto por la temática que aborda, la intima correspondencia entre el éxtasis piadoso y la obsesión sexual, como por su tratamiento, con la transformación mediante el sonido, de aquella música silenciosa que tanto había preocupado a Vidor en tiempos del cine mudo. Con este material dramático King Vidor compuso una obra tierna y vigorosa, a través de la cual pudo satisfacer su viejo deseo de llevar a la pantalla una historia de negros y únicamente con negros, a partir de la sorprendente facilidad con que se sustituye la violencia del deseo carnal por la obsesión religiosa y viceversa, Si toda la película rezuma musicalidad, incluso sin música, son algunas de sus secuencias, en concreto, las que le situaron en los dominios de la leyenda. La escena de la taberna, con la muerte de uno de los hermanos, el pasaje de bautizo en el rio, el sermón del predicador, desencadenante de una histeria colectiva y la magnífica y celebre persecución final a través del bosque pantanoso, envuelto en sombras, dominado por extraños sonidos, y patéticos silencios, son, con toda probabilidad, los momentos más relevantes de la película escogidas oficialmente de la Historia grande del Cine. Para completar la banda musical de la película, rica en espirituales y soberbias canciones de plantación, Irvin Berling compuso dos números “Waiting at the End of the Road”, que cantan los Dixie Jubilee Singers en la plaza del mercado, en espera que sea pesado el algodón, y “Swanee Shuffle”, en ambos se aprecia el talante popular de la música de Berlin. (Texto de Chema Munàrriz, tomado de Anoche soñè que volvìa a Manderlay)
Hallelujah is a cinematic milestone: the first all-black feature from a major studio and famed director King Vidor's (The Champ, The Big Parade) first talkie. But the film surpasses its historical significance, telling a story of such profound dignity and understanding that it as fresh and moving as the day it premiered. Featuring a largely unknown cast and infused with spirituals, folk songs, blues and jazz (Irving Berlin provided two songs for the production), Hallelujah follows the fortunes of Zeke (Daniel L. Haynes), a poor cotton farmer. He succumbs to the temptations of Chick (Nina Mae McKinney), a mercenary honky-tonk girl, finds salvation in religion, and falls again when his obsession for Chick overpowers his better self. Love, loss, passion, redemption and brilliant moviemaking: Hallelujah has it all.
“Durante varios años yo había alimentado una secreta esperanza. Quería hacer una película sobre los negros y utilizando en el reparto únicamente negros. La sinceridad y el fervor de sus expresiones religiosas me intrigaban, así como la auténtica simplicidad de sus impulsos sexuales. En muchos casos, la mezcla de estos dos factores parecían ofrecer un contenido fuertemente dramático.” King Vidor
Nuevos enlaces, gracias a chicharro

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King Vidor en ArsenevichThe Crowd

25 junio 2009

Michelangelo Antonioni - Il Grido (1957)


Italiano | Subs: Castellano/English/Français/Portugués
111 min | XviD 720x528 | 1569 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
1,37 GB + 3% recuperación/recovery


El grito
Aldo, abandonado por su compañera Irma, deja el trabajo y emprende un largo viaje por el norte de Italia con su pequeña hija. Sobre el fondo neblinoso de una naturaleza profanada por las huellas del progreso, su peregrinación se puebla de encuentros emblemáticos, siempre en busca de una parte de sí mismo que parece no poder encontrar. Se trata de mujeres que comparten con él una sensación de inquietud y marginación: Elvia, una amiga resurgida de su pasado, y la joven hermana de ella; Virginia, que atiende una gasolinera y vive con su padre anciano en una oprimente soledad; Andreína, una prostituta que guarda ingenuamente la esperanza de huir lejos de su pequeña provincia, para encontrar un lugar en el mundo donde empezar una nueva vida. Con cada una de ellas, Aldo intenta establecer una relación que no prospera, mutilada por las frustraciones que los embargan.

Rip mío del DVD de Eureka/Masters of Cinema


The Cry
After a seven-year relationship with a refinery mechanic named Aldo (Steve Cochran), Irma (Alida Valli) learns that her husband died in Australia. The news may sound tragic, but Aldo thinks that this may be a chance for them to "legitimize" their affair. Contrary to what he expects, Irma announces Aldo her love for another man. He tries hard to make Irma stay with him, but all his efforts find an uncompromising Irma. He even uses violence, thus ruining any chances of reunion. Aldo decides to leave his town, taking their daughter with him. He wanders endlessly visiting other towns around Po valley, emotionally and socially empty. During his journey he meets some women, who offer him home and love on occasions, but nothing can keep him steady, as the past and his love for Irma shall haunt him forever.

Le Cri
Aldo et Irma, qui est encore mariée à un immigré disparu, vivent en concubinage depuis huit ans, dans un village sur la rive du Pô. Ils ont même une fille. Lorsque la possibilité d’officialiser leur union se présente, elle le quitte pour un autre. Soudain, tous les désirs d’Aldo, ses espoirs, sa vie entière sont annihilés. Il n’a plus de racines et part à la recherche de l’oubli…
Le film développe le thème de l’errance psychologique et exprime une longue agonie existentielle.

Nuevos enlaces, gentileza de Ana

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FR/PT subs

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Michelangelo Antonioni en Arsenevich
Gente del Po (1947)

Sadao Yamanaka - Ninjo kami fusen (1937)


Japonès/Japanese I Subs: Castellano/English
86 min I Xvid 720x544 I 2252 kb/s I 192 kb/s cbr AC3 I 25 fps
698 MB (CD1) y 700 MB (CD2) + 3% de recuperaciòn


La historia se desarrolla en la era Tokugawa del siglo XVIII, en un distrito pobre de Tokio, donde vive al día entre la gente igualmente pobre de clase social más baja, Matajuro, un samurai empobrecido, un ronin (= hombre errante, samurai sin amo) que se pasa el día buscando trabajo mientras su esposa, Otaki, hace globos de papel baratos en casa. Una noche lluviosa, Shinza, un peluquero, también pobre, secuestra en un arrebato a la hija de un comerciante rico, ocultándola en casa de Matajuros… Humanidad y globos de papel es la última película de Sadao Yamanaka. En gran parte desconocida fuera de Japón hasta años recientes, la película ha sido aclamada por críticos y cineastas japoneses (Akira Kurosawa entre ellos) como uno de los ejemplos más influyentes de jidaigeki, o películas históricas del cine japonés. Una obra maestra imprescindible.

Sadao Yamanaka (1909-1938) comenzó su carrera como guionista y asistente de dirección, siempre interesado en la crítica a la sociedad nipona de la época, aunque muchas veces sus historias reflexionaran sobre el presente a través del pasado. En 1932 realizó su primer largometraje, que ya demostraba una notable afinidad con los géneros populares, al tiempo que los recubre de una capa de ironía y lirismo. Sólo tres de sus veinticuatro largometrajes sobrevivieron hasta nuestros días, cada uno de ellos una reflexión acerca del estado de ese Japón que se acercaba cada vez más a una terrible y estéril guerra. Yamanaka fue enviado al frente de batalla en 1938, donde murió a la edad de veintinueve años, no sin antes escribir un testamento de fecha 18 de abril de 1938 : "No tengo nada que decir como cabo de infanterìa del ejercito imperial japonès. Lo hice lo mejor que pude como tal. Unas palabras como miembro de la Asociaciòn de Directores de Cine de Japòn: Si "Humanidad y Globos de Papel" resultase ser la ùltima pelìcula de Sadao Yamanaka, me sentirìa un poco ofendido. No se trata de la tristeza del perdedor. Todo el dinero de mi seguro va al Sr. Kintaro Inoue. Siento mucho que el Sr. Inoue tenga que tomarse estas molestias por mì. Pague todas mis deudas en P.C.L. y Naruse, el restaurante. Probablemente mi dinero no las cubra todas. Si sobrase algo, repàrtalo ente la Asociaciòn y el Zenshin-Za. Por ùltimo, digo a mis mayores y amigos: Por favor, hagan buenas pelìculas. 18 de abril de 1938 Sadao Yamanaka ." Sadao Yamanaka
  Humanity and Paper Balloons is a subtly drawn masterpiece about ambition, exploitation and the fundamental reality of the big guy sticking it to the little guy. It was one of the earliest jidai-geki to expound upon the dark hypocrisies of the samurai and a progenitor of the "cruel jidai-geki" form that later became a mainstay of the genre. Humanity and Paper Balloons‘s story takes place during the Tokugawa years (18th Century) or as its otherwise referred to, the Edo period. As a closed off country times were naturally hard and social difficulties were rife. It is with this film that director Sadao Yamanaka illustrates the hardships that were faced by lower class communities, which included poor samurai.

“La temprana muerte de Yamanaka es una de las pérdidas más importantes de la historia del cine. De haber sobrevivido a la guerra, el mundo seguramente lo respetaría tanto como a Mizoguchi, lo amaría tanto como a Ozu, se habría maravillado con su cine tanto como con el de Kurosawa.” Shinji Aoyama


Nuevos - novísimos enlaces, cortesía de Ana

Ninjo kami fusen  (Sadao Yamanaka 1937).part1.rar
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Ninjo kami fusen  (Sadao Yamanaka 1937).part2.rar
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Ninjo kami fusen  (Sadao Yamanaka 1937).part3.rar
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Ninjo kami fusen  (Sadao Yamanaka 1937).part5.rar
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Sadao Yamanaka y Yasujiro Ozu

23 junio 2009

Jacques Becker - Les amants de Montparnasse (1958)


Francés/French | Subs: Castellano/English
104 min | XviD 720x448 | 1954 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
1,56 GB + 3% recuperación/recovery


Los amantes de Montparnasse
Melancólica biografía del pintor Amedeo Modigliani, pintor italiano de finales del siglo XIX que vivió en el barrio de Montparnasse en París desde 1906. Allí no solo explotó todo su talento, sino también tuvo que hacer frente a su adicción a la bebida y vivió una apasionada historia de amor con Jeanne. Finalmente, el artista fallecería de tuberculosis en 1920 con tan sólo 35 años.

La película iba a ser dirigida en un principio por Max Ophüls, aunque éste se encontraba bastante enfermo y no pudo hacerse cargo del proyecto. En su lugar se escogió a Jacques Becker, que completa un gran trabajo. Especialmente brillante resulta la ambientación de París, que va modificando su aspecto en consonancia con los acontecimientos vividos por el personaje central: su mejor etapa creativa se define con alegres cafés y vida bohemia; en su declive todo se vuelve más tenebroso y las sombras parecen acechar en cada callejuela.

DVD rip y capturas, cortesía de pipa (veinticuatrofps.com)


Montparnasse 19
A transitional film (1958, 108 min.) between the French "tradition of quality" and the New Wave, this slick biopic about the last year or so in the life of the painter Amedeo Modigliani (the title alludes to the bohemian quarter and the year, 1919) is a highly personal effort by one of the idols of the New Wave generation, the neglected Jacques Becker (Casque d'or, Le trou). At once clunky, overproduced, and naive, it's also sincere and moving, in spite of its faults as a statement about the gulf between serious artists and marketers. It's both helped and hindered by its glamorous cast: Gerard Philipe, Anouk Aimee, and Lilli Palmer. Jean-Luc Godard memorably defended this film when it came out by writing, "Everything rings true in this totally false film. Everything is illuminated in this obscure film. For he who leaps into the void owes no explanations to those who watch."

Dans le Montparnasse des années 1919-1920, le jeune Modigliani noie son amertume dans l'alcool. Il tombe amoureux de Jeanne et en dépit de l'opposition de sa famille, la jeune fille décide de partager la vie de l'artiste. Le couple brave les difficultés du quotidien, mais Modigliani ne rencontre que des échecs et replonge dans la débauche.Tandis que le peintre meurt à l'hôpital, un acheteur fait l'acquisition de plusieurs de ses toiles en présence de Jeanne qui attend le retour de Modigliani, pleine d'espoir.


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Jacques Becker en Arsenevich



Le trou


21 junio 2009

Jean Renoir - French Cancan (1955)

Francès/French I Subs: Castellano/English
103 min I Xvid 640x464 I 1686 kb/s I 192 kb/s cbr AC3 I 23.97
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Nini, una guapa chica que trabaja en una lavandería, es reclutada por Monsieur Danglard, junto a otras atractivas jovencitas, para unirse a su compañía de teatro. Danglar tiene previsto abrir un nuevo cabaret en París, el Moulin Rouge, con actuaciones de cancan como la gran atracción del show. Nini es seducida por Danglard, a pesar de que ella tiene novio, y tiene en el príncipe Alexandre a su mayor admirador, lo que traerá problemas a la joven. Tras 15 años de estancia en los Estados Unidos, "French Cancan" supone el espectacular regreso de Renoir a su país.
Renoir utiliza la cámara como su padre Auguste los pinceles. Se preocupa por el valor singular de las cosas y a la vez de su conjunción. Le concede el privilegio a la apariencia de las cosas más que a su intención dramática. Ahí yace su verdadero realismo más que en su inclinación por los temas naturalistas, y se trata de un realismo cinematográfico. Con French Cancan, Renoir logra una evolución estética: la de la existencia del filme según dos formas de duración, la objetiva de los acontecimientos y la subjetiva de su contemplación más parecida al tiempo con el que se admira una pintura. Una escena que demuestra la planeación de esta apariencia pictórica del filme, es cuando aparece un desnudo de una joven en la ducha, con un sentido plenamente estético frente a la composición del cuadro. Renoir no parte de la imitación de un cuadro sino que llega a esa representación pictórica a medida que avanza la escena, por ejemplo, cuando Francoise Arnoul atraviesa todo el decorado para llegar frente a la cama y desplomarse al pie de la columna en primer plano, nos sugiere una pintura de Degas, el cual se corta en ese instante y pasa al plano siguiente. French Cancan significa una vuelta a sus orígenes, el más bello homenaje ante la tumba de Auguste Renoir, a la pintura impresionista. (Andrè Bazin)
French Cancan is quite possibly the greatest backstage movie ever. Paris, the 1880s: a natty, middle-aged nightclub impresario named Danglard (a sublime performance by French superstar Jean Gabin) is between engagements, and liaisons, at the moment. But he has a vision of reviving the cancan, the high-kicking dance that has fallen into disuse. He becomes convinced that he can lead this revival by casting a laundress (Françoise Arnoul) in his new show at a club called the Moulin Rouge. While a blissful entertainment in every way, French Cancan is also director Jean Renoir's examination of the imaginative process of turning life into art. (Renoir has some venerated film classics to his credit, including Grand Illusion and The Rules of the Game, but this one can stand right up there with them.) Danglard is clearly an alter ego for the great director, and his opening-night speech to his reluctant star, in which he declares that nothing is more important than what happens on stage, might be Renoir's own statement on art. The final cancan sequence is an explosion of color and movement, as all of Danglard's machinations come to flower; it's been known to leave revival-house audiences teary-eyed with pleasure. Baz Luhrmann's Moulin Rouge may be very sly, but this is the real thing. --Robert Horton
"Sin lugar a dudas, atribuyo el origen de la ola de aburrimiento que inunda el mundo moderno a la monotonía del decorado perfecto en el que nos movemos. Lo que nos salva en el cine es que con un poco de paciencia, incluso de amor, rascando los maquillajes convencionales, trastocando las iluminaciones habituales, se puede llegar a ese ser deliciosamente complicado que es el hombre. Se trata de existir antes de pensar: hay que mancharse las manos en la materia antes de penetrar en el ámbito del espíritu." Jean Renoir

RE-Nuevos enlaces, gracias a Ana

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Jean Renoir en Arsenevich

NOTA: Este es otro genial aporte de Hipotricotico de los hijos del cultivo.