Inglés | Subs: Castellano/English/Français
145 min | XviD 720x384 | 1350 kb/s | 96 kb/s mp3 | 23.976 fps
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Noche de estreno
Opening Night durmió durante años en una estantería por falta de distribuidor, pero una vez estrenado, pasó a ser uno de los filmes clave del director independiente John Cassavetes, conocido por títulos como Shadows o Ángeles sin paraíso. La película, interpretada por su actriz fetiche y esposa, Gena Rowlands, es una de las más maduras y ambiciosas apuestas de la filmografía del director y aborda de lleno la conciencia y la vulnerabilidad que nos supone el paso de los años y ver ante nuestros ojos cómo se nos escapan de entre los dedos las imagenes y las esperanzas que teníamos entonces en nosotros mismos. Por otro lado, Cassavetes era muy sensible, como actor que fue, a las ocasionales humillaciones, dudas y miedos que la profesión de actriz puede suponer a la mujer.
Gena Rowlands brilla con luz propia protagonizando estas premisas, a su vez, con la fabulosa colaboración de Ben Gazzara y el propio Cassavetes. Todo ello, a través de una cámara que adopta una vez más maravillosas posiciones y puntos de vista en unas escenas sublimemente iluminadas. Detrás, evidentes referencias a dos títulos que Cassavetes idolatraba, Eva al desnudo y Nace una estrella.
John Cassavetes, known for his in-depth explorations of individuals who appear to be on the brink of sanity, paints another powerful portrait with Opening Night.
As the boozing actress, Rowlands adds another unforgettable performance to her resume, committing herself fully to Myrtle's character, making the film a challenging yet ultimately rewarding viewing experience for those that value a true grit performance. Cassavetes and Ben Gazzara deliver solid supporting turns, but it is Rowlands who steals the show. In focusing on an individual whose profession - an actress re-creating other people's lives - is directly linked to her psychological confusion, Cassavetes has made a universal commentary on coming to terms with one's inevitable aging, as well as the potential peril of living a life in which the lines between fact and fiction can all too easily blur. Opening Night is as dense and difficult as one would expect from John Cassavetes, but even the director's detractors will be unable to deny the power of Gena Rowlands' performance.
Rip del DVD Criterion y fotogramas de supersoft.
(¡gracias!)
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Nuevos enlaces, cortesía de Ana
(especialmente para la colección Cassavetes de un jurel)
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John Cassavetes en Arsenevich
The Killing of a Chinese Bookie
Faces
Shadows
A Woman Under the Influence
Minnie and Moskowitz
Husbands
Inglès/English I Subs: Castellano
En el rancho "Las furias" viven T. C. Jeffords y sus dos hijos. Clay, que es un buen chico pero sin carácter, y Vance, una mujer ambiciosa aunque justa. El patriarca desea expulsar de sus tierras a una familia de mexicanos, los Herrera, cuyo primogénito es amigo de la infancia de su hija. Tercero de los westerns que Mann rodó en 1950, revolucionando el género en una dirección más pesimista.Barbara Stanwyck efectúa la transición de chica mala del film noir a formidable matrona ranchera , aquí enfrentada a la no menos formidable Judith Anderson (el "ama de llaves" de Rebecca de Hitchcock).
“Decir que Las furias es una transposición literal al western de “El idiota” de Fedor Dostoievsky, es quizás algo exagerado. De hecho, la inclusión del film en los márgenes del género del Oeste ya resulta algo aventurada, porque pese a tener elementos afines al mismo, desde la paisajística hasta el decorado de un rancho, Las furias cuadraría mejor con las cualidades de un melodrama freudiano, aspecto que por otra parte ligaría la película con la tendencia del western psicológico a la que no fue nada ajena Niven Bush, autor del relato original inspirado en la citada obra de Dostoievsky” “Enmarcada en una tradicional historia de ganaderos rivalizando contra colonos, Las furias actua posiblemente en demasiados frentes argumentales: las relaciones familiares de los Jeffords, la ambivalente historia de Vance y Darrow, la presencia de los Herrera –en cuanto al papel de Juan en la vida de Vance y en relación a la rivalidad aludida entre ganaderos y colonos-, la intromisión de Flo en el mundo acotado de T.C y su hija, la venganza de Vance. Donde mejor funciona la película es en la constante sucesión de obediencias y desobediencias, de desafíos y pactos entre padre e hija: por ejemplo, la escena en la que Vance realiza una apuesta con Darrow, convencida de que su padre no podrá adivinar las auténticas pretensiones de éste –todo parece siempre un juego entre el ganadero y la joven-, o los fugaces interludios en los que Vance acude a Herrera, como amigo y confidente, sabiendo que se trata del máximo rival de su padre… Western tan o más extraño que Hombre del Oeste, encuentra en ese exceso trágico su singularidad. Cada elemento, por anecdótico que sea, provoca una sensación de desasosiego, de oculta violencia: Darrow se llama Rip, como el sonido de una navaja al cortar. Así se construyen las múltiples relaciones entre los personajes y la tensión almacenada acaba por explotar de la manera mas determinante.”(Quim Casas) “Personalmente considero Las furias el western más extraño y cerrado de los realizados por Anthony Mann. También el más sombrío de los tres que rodó en blanco y negro entre los años 1950 y 1951, ninguno de los cuales, visto por sí solo, tiene relación con los otros” “…Es lógico que el mapa humano dibujado en el film, en un sombría blanco y negro que a veces convierte a los personajes en manchas sin rostro adheridas al fondo de cada plano, se vea enriquecido dramáticamente por la violencia y la pasión. La violencia, aunque se halla presente en las relaciones que mantienen los personajes, estalla con motivo del linchamiento de Juan Herrera, ordenado por T.C., que es mas la reacción de un padres despechado (la idea del amor traicionado) que la venganza de un ranchero sobre el colono que ocupa una ínfima parte de sus tierras…” “Rodada en blanco y negro por deseo de Hal B. Wallis (con foto de Victor Milner), The Furies es un western claustrofóbico, casi a lo Wellman, incluso en las secuencias de exteriores presididas por cielos siempre nublados y oscuros y por noches cerradas, en el que los actores se mueven en siniestros contraluces que aplastan sus figuras contra el fondo el encuadre, sin jugar con la perspectiva paisajística (algo que resulta insólito en los trabajos de Anthony Mann)…”(Josè Marìa Latorre)
"De los cuatro westerns realizados en 1950 por Antony Mann, sòlo Las Furias podrìa ser considerada una autèntica tragedia griega." Martin Scorsese
Inglès/English I Subs: Castellano
Se ha dicho de Hallelujah! que es la primera obra maestra del cine sonoro. Esta aseveracion puede ser valida porque la película, incluidas sus imperfecciones, reviste cualidades suficientes para destacar con holgura entre lo mejor de la producción de la época. Por otra parte, el hecho de ser la primera película interpretada totalmente por negros que se aproxima con cierto rigor a su mundo la convierte en una obra decididamente singular, incluso insólita si se tiene en cuenta que King Vidor logró hacerla gracias a invertir en la empresa su sueldo de director. Se nota que Aleluya es el primer film sonoro de Vidor. Su proverbial sentido de la cohesión no alcanza aquí, obviamente, su cota más elevada. No obstante, a pesar del desequilibrio que comportó la experimentación con nuevos sistemas de rodaje, la obra resulta vidoriana al ciento por ciento, tanto por la temática que aborda, la intima correspondencia entre el éxtasis piadoso y la obsesión sexual, como por su tratamiento, con la transformación mediante el sonido, de aquella música silenciosa que tanto había preocupado a Vidor en tiempos del cine mudo. Con este material dramático King Vidor compuso una obra tierna y vigorosa, a través de la cual pudo satisfacer su viejo deseo de llevar a la pantalla una historia de negros y únicamente con negros, a partir de la sorprendente facilidad con que se sustituye la violencia del deseo carnal por la obsesión religiosa y viceversa, Si toda la película rezuma musicalidad, incluso sin música, son algunas de sus secuencias, en concreto, las que le situaron en los dominios de la leyenda. La escena de la taberna, con la muerte de uno de los hermanos, el pasaje de bautizo en el rio, el sermón del predicador, desencadenante de una histeria colectiva y la magnífica y celebre persecución final a través del bosque pantanoso, envuelto en sombras, dominado por extraños sonidos, y patéticos silencios, son, con toda probabilidad, los momentos más relevantes de la película escogidas oficialmente de la Historia grande del Cine. Para completar la banda musical de la película, rica en espirituales y soberbias canciones de plantación, Irvin Berling compuso dos números “Waiting at the End of the Road”, que cantan los Dixie Jubilee Singers en la plaza del mercado, en espera que sea pesado el algodón, y “Swanee Shuffle”, en ambos se aprecia el talante popular de la música de Berlin. (Texto de Chema Munàrriz, tomado de 
Hallelujah is a cinematic milestone: the first all-black feature from a major studio and famed director King Vidor's (The Champ, The Big Parade) first talkie. But the film surpasses its historical significance, telling a story of such profound dignity and understanding that it as fresh and moving as the day it premiered. Featuring a largely unknown cast and infused with spirituals, folk songs, blues and jazz (Irving Berlin provided two songs for the production), Hallelujah follows the fortunes of Zeke (Daniel L. Haynes), a poor cotton farmer. He succumbs to the temptations of Chick (Nina Mae McKinney), a mercenary honky-tonk girl, finds salvation in religion, and falls again when his obsession for Chick overpowers his better self. Love, loss, passion, redemption and brilliant moviemaking: Hallelujah has it all. 
Japonès/Japanese I Subs: Castellano/English
Humanity and Paper Balloons is a subtly drawn masterpiece about ambition, exploitation and the fundamental reality of the big guy sticking it to the little guy. It was one of the earliest jidai-geki to expound upon the dark hypocrisies of the samurai and a progenitor of the "cruel jidai-geki" form that later became a mainstay of the genre. Humanity and Paper Balloons‘s story takes place during the Tokugawa years (18th Century) or as its otherwise referred to, the Edo period. As a closed off country times were naturally hard and social difficulties were rife. It is with this film that director Sadao Yamanaka illustrates the hardships that were faced by lower class communities, which included poor samurai.
Sadao Yamanaka y Yasujiro Ozu
Francès/French I Subs: Castellano/English
