31 enero 2009

Jean Cocteau - Orphèe (1950)

Francès/French I Subs: Castellano
95 min I Div3 512x384 I 843 kb/s I 140 kb/s vbr mp3 I 23.976 fps
677 MB + 3% de recuperaciòn/ recovery
Orfeo es un poeta obsesionado con la Muerte (la Princesa) de la cual se enamora. Un día los esbirros de la Muerte matan a Eurídice, la esposa de Orfeo, y éste decide seguirla hasta el Inframundo para rescatarla.
El francés Jean Cocteau (1889-1963) es quizás el exponente más polifacético de la historia del arte de la primera mitad del siglo XX, cuya trayectoria no sólo está jalonada por su cultivo de diferentes formas expresivas, sino también por la incorporación sucesiva o simultánea de elementos de las vanguardias de la época y la defensa del arte no figurativo. El francés se situó como una importante figura en el panorama literario con La lámpara de Aladino (1909), su primer libro de poemas, y describió catorce años más tarde en Opio sus experiencias con esta droga, que le obligaron a pasar un período de recuperación en un hospital. Tras reunir su obra en verso en Poemas 1913-1923 (1924), donde aúna la fantasía inspirada por la pintura cubista con la métrica de la poesía del siglo XVI, el dramaturgo Cocteau escribió varias puestas al día de los mitos clásicos (Orfeo, 1927; Antígona, 1928; La máquina infernal, 1934 o Baco, 1952) y abordó temas trágicos de la vida contemporánea (Los padres terribles, 1938), en tanto que en su faceta como novelista entregaba Los muchachos terribles (1929). Escritor de obras para ballet y creador de pinturas murales y lienzos de caballete, ha sido reconocido en el ámbito de la plástica principalmente por sus dibujos austeros e imaginativos. Representante del surrealismo en el cine francés, desarrolló su carrera como director al margen de la industria fílmica, tanto por sus esquemas de producción como por sus búsquedas experimentales: La sangre de un poeta (1930); La bella y la bestia (1946); Orfeo (1949) y El testamento de Orfeo (1960) despuntan en una filmografía donde la fantasía, imágenes de gran sugestión onírica, recuperaciones de la mitología griega y atmósferas decadentes confluyen en un personalísimo universo cinematográfico. El se asumió ante todo como un poeta y por ello insistió en que al margen de las formas empleadas, la totalidad de su obra era poesía.. Sexta película dirigida por Cocteau, quien adapta su propia obra teatral Orfeo y prosigue -19 años después del mediometraje La sangre de un poeta (1930)- la trilogía donde retoma la mitología órfica para explorar las complejas relaciones entre el artista y sus creaciones, el placer y la agonía de esta condición, la realidad y la imaginación. El cineasta francés transpone libremente a la década de 1940 al personaje de Orfeo, un poeta que ha ganado fama y fortuna, quien desesperado en busca de la inspiración, sigue a una misteriosa Princesa en el recorrido del mundo de los vivos hacia la tierra de los difuntos. Habrán de transcurrir once años más para que el director concluya su trilogía -y su filmografía- con El testamento de Orfeo (1960).
Jean Cocteau's Orpheus is the masterpiece of magical filmaking. Through a narrative treatment of the legend of Orpheus in a modern Parisian setting, it is as inventive and enigmatic as a dream. Orpheus wants to get beyond the limits of human experience, he wants to reach the unknowable -- the mystery beyond mortality. Jean Marais is ideally cast as the successful, popular poet who is envied by the younger poets; his conflicts, his desire to renew himself, his feverish listening for signals from the source of mystery, are the substance of the film. Dark, troubled passionate Maria Casares is his Death; attended by her oaring motorcyclists -- the hooded messengers of death -- she is mystery incarnate.
«Yo he preferido siempre la mitología a la historia porque la historia está hecha a partir de verdades que llegarán a ser mentiras tarde o temprano y la mitología está hecha a partir de mentiras que llegarán a ser verdades a la larga».Jean Cocteau
"El rol del poeta es transformar el pensamiento en acto. Imagine entonces lo útil que puede ser el cine, dado que nos permite mostrar cosas internas. Cuando la gente cuenta sus sueños, siempre acaban por aburrir. La gente nunca escucha a los que cuentan un sueño. Lo que hace falta es vivir conjuntamente el sueño, y eso es lo que hace el cinematógrafo"Jean Cocteau
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30 enero 2009

André Delvaux - Rendez-vous à Bray (1971)

Francés | Subs: Castellano/English.srt
85 min | DivX 5 640x384 | 1833 kb/s | AC3 192 kb/s | 25 fps
1,21 GB + 3% de recuperación rar
Cita en Bray
Es el año 1917 en Francia. Los ecos de las batallas de la Primera Guerra Mundial suenan a lo lejos. Julien Eschenbach es un pianista luxemburgués que, aprovechando su condición de ciudadano de país neutro, consigue trabajar fácilmente en París mientras que sus amigos están luchando en el frente. Uno de ellos es Jacques, de quien casualmente ha recibido una invitación para que se reúna con él en su chalet de Bray ese mismo fin de semana. Cuando Julien llega a la casa de su amigo y no lo encuentra, recibe la noticia que su escuadrón quedó retenido a causa del mal tiempo. Mientras le espera, una sirvienta de la casa le atiende y él, impulsado por la curiosidad y la ociosidad, comienza a indagar en el pasado de la hermosa trabajadora. (cineol.net)

 Appointment in Bray
1917, Paris. Julien Eschenbach, a young pianist and musical journalist, receives a telegram from his composer friend Jacques Nueil – now fighting in the air force – inviting him to a rendezvous at the latter’s house, La Fougeraie, in Bray. On the train there, he explains to a soldier that he was rejected by the draft because of his Luxembourgian nationality, and recalls his friendship with Jacques and his girlfriend Odile. A mysterious woman greets him at the house, announces that Jacques hasn’t yet arrived, and serves him tea in the sitting room. On the piano, he finds an unfinished nocturne composed by Jacques and dedicated to himself, which he plays; when the lights flicker out, the woman brings in a candelabra and explains that they are only twelve kilometers from the front. After trying unsuccessfully to phone Paris, Julien recalls a quarrel with Jacques about concealing his job as a cinema pianist and a later piano recital arranged by Jacques at the home of the wealthy M. and Mme. Hausmann, during which the latter tried to seduce him. While the mysterious woman serves him dinner, he remembers Jacques announcing his enlistment after the outbreak of the war and asking Julien to take over his journalistic post; he also recalls a holiday near the Marne with Jacques and Odile the previous year. Back in the present, the woman leads him upstairs and they make love. In the morning there is still no sign of Jacques, and Julien walks to the train station, where several soldiers in uniform are waiting to leave. After reading in a newspaper that the air force has been grounded for three days due to bad weather, he lets the train for Paris leave without him, recalling a little girl’s song he first heard in Paris: “Le Paradis n’est pas pour toi, le Paradis est pour le Roi”.


1917. Profitant de son statut de ressortissant de pays neutre, Julien Eschenbach (Mathieu Carrière), jeune pianiste luxembourgeois, exerce son métier à Paris alors que ses amis sont au front. Il reçoit un jour un télégramme de son ami Jacques, pilote de guerre français, qui l’invite pour le week-end à La Fougeraie, sa maison de famille à Bray. Julien y est accueilli par une jeune servante mystérieuse. Alors que son ami se fait attendre, Julien, intrigué par la jeune femme, plonge dans ses souvenirs…




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André Delvaux en Arsenevich

 De Man die zijn haar kort liet knippen (1965)
Un soir, un train (1968)
Rendez-vous à Bray (1971)
Belle (1973)

29 enero 2009

Hiroshi Teshigahara - Suna No Onna (1964)

Japonès/Japanese I Subs: Castellano/English
123 min I Xvid 576x432 I 582 kb/s I 71 kb/s vbr MP3 I 23.97 fps
699 MB
Un hombre aficionado a la entomología, recorre una inhóspita región desértica cercana al mar en busca de un extraño escarabajo. Ensimismado por la belleza del paisaje pierde el autobús de regreso a la ciudad, por lo que debe pedir ayuda a los aldeanos para que éstos le indiquen un lugar donde poder pasar la noche. De esta forma es conducido a una insólita casa situada en el interior de un pozo de arena en la que habita una mujer viuda. Sin embargo, todo este proceso aparentemente intrascendente es plasmado por Teshigahara a través de una transmisión permanente de una sensación de tensión e incomodidad. (Miradas de Cine)
Acaso el filme más importante de toda la carrera de Hiroshi Teshigahara, uno de los exponentes (junto a Shohei Imamura, Yozu Kawashima y Seijun Suzuki) de la ‘nueva ola japonesa’ en los años sesenta. Desprendimiento de patrones narrativos clásicos, preferencia por temas tabúes e intrepidez estética: algunas de estas premisas, cuando no todas, son parte integral de Suna no Onna (La mujer en la arena, 1964). La historia basada en un libro de Kôbô Abe (también guionista del film), relaciona a un entomólogo encerrado en una fosa de arena junto a una mujer viuda. La anécdota se enriquece poniendo en tela de juicio quién esclaviza a quién, pero el filme apunta a una reflexión mayor que involucra la alienación de los protagonistas en dos mundos distintos (o quizá no tanto), uno artificial y otro más real -interpretaciones filosóficas o sicológicas admiten ver en la fosa un microcosmo en estado remoto, casi edénico. Por medio de la textura en la fotografía de Hiroshi Segawa (la arena, los insectos, el juego de luz y sombra), el drama exuda su sexualidad como una manifestación frente a la claustrofobia del confinamiento. Teshigahara descubre perezosamente el terror del protagonista masculino por medio de un lente realista, lo que no evita que enriquezca la imagen con acercamientos de los rostros y exploraciones sobre los cuerpos (el sudor, el baño), sonidos envolventes (viento, temblores) y una banda sonora (Toru Takemitsu) fluctuante (susurros, sonidos metálicos). El final insinúa la flexibilidad de que es capaz el espíritu humano para sobreponerse ante la imposibilidad del cambio.
The movie begins with sand. Millions and millions of grains of sand. After the sand, there are bugs. After the bugs, Schoolteacher and amateur entomologist Niki Jumpei. He travels around the desert, on vacation from his busy life in the city. After he misses the last bus home though, he has to find somewhere to stay the night. An old man leads him to the house of a local widow who lives at the bottom of a huge pit of sand. Winner of the Special Jury Prize at Cannes and nominated for two Academy Awards, Teshigahara's masterpiece is a disquieting examination of power and sexuality fueled by stunning visual imagery.

Nuevos enlaces

Suna no onna (Hiroshi Teshigahara).part1.rar
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28 enero 2009

Ivan Passer - Intimni osvetleni (1966)


Checo/Czech | Subs: Castellano/English
69 min | Xvid 720 x 544 | 1755 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
950 MB + 3% recuperación/recovery


Iluminación íntima
A raíz de un concierto que debe celebrarse en una localidad rural de provincias, dos antiguos amigos se reencuentran. Petr (Zdenek Bezusek), un músico de ciudad llega acompañado por su bella e infantil mujer a la casa de Bambas (Karel Blazek), que se ha casado, ha construido una casa, y vive con sus padres, su mujer y sus hijos. En el transcurso del fin de semana sale a la luz el contraste entre el mundo urbano y el rural, observado con fino humor, y se constata en tono agridulce el horizonte conformista que acaba con los sueños de juventud y que, al fin, reúne de nuevo a ambos amigos.

Subtítulos en castellano mejorados por intranauta (24fps)


Intimate Lighting
This wonderfully subtle comedy is the debut film of a great director and a signature work of the Czech New Wave. Ivan Passer's film concerns the dreams of two musician friends, one of whom, having left their small hometown to become successful, returns to visit the other who stayed behind at the local music school. Focusing on the humor of the ordinary and routine and expertly shot by Miroslav Ondricek, it shows true affection and understanding for all its characters to become that very rare thing in comedy -- a work of great originality and universal acceptance.



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23 enero 2009

Michelangelo Antonioni - L'Avventura (1960)

Italiano/Italian I Subs: Castellano /English
145 min I Div3 640x352 I 1318 kb/s I 64 kb/s cbr mp3 I 23.97 fps
654 MB (CD1) y 646 MB (CD2) + 3% de recuperaciòn/recovery
Durante un viaje de placer en barco, una joven rica desaparece durante la visita a una isla. En el viaje le acompañan su novio y su mejor amiga, quienes se entregan sin descanso a la búsqueda de la desaparecida. Título fundamental en la filmografía del genial Michelangelo Antonioni, esta cinta se alzó con el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes.
“La Aventura” es una película imprescindible, tanto por lo que cuenta como, sobre todo, por la forma de contarlo presentando una película provocadora que vista aun hoy en día nos parece completamente moderna. El peregrinaje de Sandro y Claudia (la espléndida Mónica Vitti, su esposa en la vida real) convertidos en una pareja inestable que busca cosas distintas y que se mantiene unida por el pretexto de buscar a una joven que desaparece misteriosamente al comienzo de la trama y que no vuelve a aparecer en el filme (en un recurso similar al que haría Hitchcock ese mismo año en la célebre “Psicosis”, pero mucho más radical, pues Antonioni ni se molesta en explicar esta desaparición) es la crónica de un fracaso inevitable y doloroso, la lucha de dos seres desvalidos por aferrarse a algo mientras se convencen de que su historia es algo ilusorio y pasajero. El plano final del filme, con Claudia acariciando la nuca del infiel Sandro en el banco de una desolada plaza, poco después del amanecer, sigue siendo hoy en día de una belleza patética y perturbadora, y al mismo tiempo conmovedora. El inusitado uso que Antonioni hace del rústico y desértico paraje por donde pasean como almas en pena el grupo de amigos para reflejar el enorme distanciamiento, no solo físico, entre unos y otros, es de una sensación desoladora, inquietante.

A girl mysteriously disappears on a yachting trip. While her lover and her best friend search for her across Italy, they begin an affair. Antonioni's penetrating study of the idle upper class offers stinging observations on spiritual isolation and the many meanings of love.
Considered by many to be his masterpiece, L’Avventura positioned Michelangelo Antonioni as an international talent. What appears to be a search for a missing person is actually an examination of alienation and self-discovery found along a voyage through the morally decadent world of the idle rich. Less concerned with a smooth plotline, Antonioni tells his story through the use of symbolic images and flawless character development. Using 'real time’ camera shots and rich, landscape imagery, Michelangelo Antonioni creates an unpredictable world where nothing is ever resolved. Ironically, what makes L’Avventura so unpredictable is the high level of realism portrayed by each character and their environments. This isn’t your packaged, formulaic film with a happy ending. A tough one to watch but well worth it...and it gets better and better with repeat viewings. L’Avventura is quintessential Antonioini. Not to be missed.
"La verdad de nuestra vida cotidiana no es mecànica,convencional o artificial como en general nos muestran las historias tal como estàn construidas en el cine. La cadencia de la vida no està equilibrada , es una cadena que ahora se precipita, ahora es lenta, ahora se estanca, y ahora, por el contrario, es vertiginosa. Hay momentos de pausa, hay momentos velocìsimos, y creo que todo ello se debe notar en el relato de una pelìcula, precisamente para ser fieles a este principio de verdad. No digo esto para decir que se deban seguir al pie de la letra los azares de la vida, sino porque considero que a travès de estas pausas, a travès de esta tentativa de adherencia a una determinada realidad interna y espiritual, incluso moral, surge lo que hoy cada vez màs se califica como cine moderno, es decir, un cine que no tenga en cuenta tanto los hechos exteriores que suceden, sino lo que nos mueve a actuar de un determinado modo màs que de otro. Poque èste es el punto importante: nuestros actos, nuestros gestos,nuestras palabras sòlo son la consecuencia de nuestra posiciòn personal en relaciòn con las cosas de este mundo."
Michelangelo Antonioni
Nuevos enlaces, cortesía de Ana

CD1
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CD2
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Michelangelo Antonioni en Arsenevich

22 enero 2009

Kenji Mizoguchi - Yuki fujin ezu (1950)


Japonés | Subs: Castellano/English/Italiano (muxed)
89 min | x-264 mkv 682x544 ~> 725x544 | 1950 kb/s | 192 kb/s AC3 | 24 fps
1,33 GB
El destino de la señora Yuki
La desdichada Yuki, que sufre maltratos por parte de su marido Naoyuki quien la humilla constantemente e incluso llega a violarla, ama en secreto a Kikunaka, un tañedor de Koto y amigo personal de la familia que le aconseja que abandone a su marido
 Mizoguchi nuevamente hace gala de su sensibilidad para captar el mundo interior femenino, un retrato doloroso de una relación destructiva y de un amor no consumado. Delicadeza en los movimientos de sus personajes, belleza de los espacios interiores y de los escenarios naturales, un B/N sublime y una escena final filmada de manera celestial, que años más tarde retomaría en su esencia y su valor lírico en "El intendente Sansho". (cinepatas.com)
A Portrait of Madame Yuki
The story of an unhappily married woman who is obsessed with physical love and uninterested in spiritual love. Yuki, the only daughter of a once-noble family, is married to a businessman whom she despises, though his sexual power attracts her hopelessly. The young assistant to whom she is drawn is too weak and indecisive to take any action of his own. In despair, she drowns herself in a mist-shrouded lake and it falls to a female servant to deliver an epithet of cowardice on her mistress.


DVD rip y capturas de ronnie (KG)


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21 enero 2009

François Truffaut - La Sirene du Mississippi (1969)

Francès/French I Subs: Castellano/ English
120 min I Divx 512x288 I 678 kb/s I 96 kb/s cbr mp3 I 23.97 fps
691 MB + 3% de recuperaciòn/recovery
Louis, acaudalado cultivador de tabaco en la colonia francesa de Réunion, se casa a través de un anuncio en el periódico con Julia Roussel. A partir de esta uniòn ambos descenderàn , cada uno por su respectivo carril, al infierno de sus propios sentimientos.
Si la película se tuviera que definir en una frase, ésta sería la que pronuncia Louis: «No soy feliz con ella pero no puedo vivir sin ella». En esta frase radica el verdadero espíritu de la cinta. El amor es gozo, pero es también sufrimiento, un amor que duele y hace daño, un amor por el que Louis se deja envenenar porque no le importa nada, un amor por el que se ha dejado arrastrar pasando de su feliz estancia en la isla de Reunión disfrutando de su fortuna para seguir a la mujer que ha suplantado a la que debía casarse con él y que le roba empujándole a él a seguirla, a matar por protegerla, a dudar, a conocer en definitivaza la cara más amarga de la vida. A pesar de barnizarla con la capa de género negro, mezclado con el drama más pasional, lo que ofrece Truffaut es un viaje a través del lado más oscuro del amor y del dolor, de la humillación, de los celos y de la dependencia total de una persona de la que no puedes desprenderte a pesar de ser consciente de tu propia autodestrucción en su compañía. (Miradas de Cine)

Jean-Paul Belmondo stars as the owner of a cigarette factory on an African island, and a single man who advertises for a wife and, voilà, gets Catherine Deneuve. Problem is, however, she isn't quite what she seems in this 1969 drama by François Truffaut, taken from a Cornell Woolrich novel called Waltz into Darkness. Suspicions lead to deception and deception to murder, and along the way Belmondo's character, despite everything, continues to fall in love with his enigmatic prize, which is really the point of the film: the protagonist, almost as if he were willing himself into a noir myth, seems determined to fall under the spell of a romantic delusion. A fine effort by Truffaut that is the best of his mid-period pulpy, suspense films .
“La sirena... es sobre todo el relato de una degradación a través del amor, de la pasión. A pesar de que tengo la reputación de filmar muchas historias de amor, siento que aquí lo hago realmente por primera vez. No hay otro hombre u otra mujer y me pude concentrar enteramente en la intimidad de esa pareja” François Truffaut
 
Nuevos enlaces, cortesía de Ana
 
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20 enero 2009

Ettore Scola - Che ora è? (1989)


Italiano/Italian | Subs: Castellano/English
93 min | DivX 5 576 x 320 | 849 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
700 MB + 3% recuperación/recovery


¿Qué hora es?
Un veterano abogado de acomodada posición en Roma (Marcello Mastroianni) visita a su hijo (Massimo Troisi) en Civitavecchia, donde este cumple su servicio militar. El encuentro es difícil para ambos, porque el joven no muestra demasiado interés en nada, pero especialmente en aquellas cosas que para su padre son importantes. La presencia de la alegre novia del conscripto (interpretada por la francesa Anne Parillaud) pareciera solo agrandar las diferencias entre los dos hombres.

Típica comedia dramática del director italiano Ettore Scola: agridulce, deliberadamente pequeña, limitada en espacio y tiempo y fuertemente apoyada en la capacidad expresiva de sus actores. Precisamente, Mastroianni y Troisi ganaron en forma conjunta la Copa Volpi al mejor actor en el Festival de Venecia por su trabajo en este film.

Subtítulos en castellano de tahita


Marcello (Marcello Mastroianni) has worked hard all his life to achieve a certain standing and success as a lawyer in Rome. He is pleased to be able to offer the fruits of his success to his son Michele (Massimo Troisi), and is perplexed and distressed that his unambitious son has no interest in any of these things. Michele is serving a term in the Italian military in the port town of Civitavecchia, and Marcello is visiting him there. Here he meets Michele's salty girlfriend Loredana (Anne Parillaud). The father and son share some meals and explore their differences. Though at first it appears that these two men will not be able to tolerate one another, they eventually decide to live and let live.

English subs are my own.




Nuevos enlaces, gentileza de Ana

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17 enero 2009

Nicholas Ray - The Lusty Men (1952)


Inglés/English I Subs: Castellano
113 min I Xvid 448 x 352 I 717 kb/s I 137 kb/s vbr mp3 I 23.97 fps
7oo MB + 3% recuperación/recovery
Una popular estrella del rodeo, incapacitado por una serie de accidentes, vuelve a su ciudad natal en Oklahoma para iniciar una nueva vida. Allí encuentra a un joven matrimonio que lo animará para que vuelva a los rodeos.
En "The Misfits"(1961) Huston elegía el western de rodeo para pintar el crepúsculo de la época clásica a través del patetismo de alguno de sus íconos mas notables. Nicholas Ray hacía lo mismo pero a su manera, como siempre varios años antes que cualquiera y por el camino opuesto. Lo que en Huston era un grupo de perdedores vagando por el desierto, en Ray es un trío encabezado por un héroe que viene a transferir su legado, pero no de manera gratuita sino con un precio bastante caro, poner en disputa el amor de la mujer de su pupilo. Cosa que obtendrá como recompensa, pero que no evitará el sacrificio final. El resultado de esta experiencia es una obra maestra, quizás de las mejores películas que un cinèfago pueda devorar. Si bien las imágenes nos dejan adivinar un rodaje complicado, muchas de las escenas fueron rodadas por Robert Parrish (un especialista del género) debido a que Ray estuvo varios días enfermo, la intensidad de las mismas denotan grandes niveles de expresión. La genialidad aparece en varios aspectos como el impecable trabajo de montaje, o en una de las mejores actuaciones de Robert Mitchum, que juega un excelente héroe-perdedor, no confundir con un antihéroe, además se da el gusto de trabajar con su hermano, y en la construcción de ese increíble mundo del rodeo. De ese universo destacamos las fiestas privadas, los cowboys de los '50, las fanáticas seguidoras y el placer de viajar por el Estados Unidos rural viviendo la acción de una competencia que se disputa a vida o muerte.
Nicholas Ray's engagingly offbeat drama about life on the rodeo circuit may be the best film made on that insular world. Like many of the director's films, the plot revolves around a romantic triangle, but, as usual, his characters have the quirkiness and unpredictability of life. Robert Mitchum, as the banged-up ex-rodeo champ, plays most of his scenes with Susan Hayward with the kind of teasing, oblique insouciance that was his trademark, as he tries to mask the depth of his feeling. She's equally cagey, a woman with an agenda. The relationship between the two men is also complex; they like each other, and Arthur Kennedy respects Mitchum, but the tension between them is palpable. Like the title character of Johnny Guitar (1954), or the bitter screenwriter of In a Lonely Place (1950), Mitchum's cowboy embodies the loneliness and hunger for connection at the core of most of Ray's films, emotions that can find release only in a mordant, self-protective humor. Ray spent months shooting on the rodeo circuit with co-writer and former cowboy David Dortort, giving the film a measure of verisimilitude and grit. Along with excellent work from the leads, celebrated cameraman Lee Garmes finds apt images for Ray's poetry of desolation.
"La obra de Ray, elaborada dentro de un sistema que no reconocía habitualmente al director la condición de autor, tiene un carácter diferenciado, hasta el punto de constituir, mediante sus mejores ejemplos, la expresión de una nueva sensibilidad. Se trata de películas (...) en ocasiones tan frágiles que parecen a punto de deshacerse delante de nuestros ojos, pero en las que late el impulso de una cierta disidencia."Víctor Erice
"Tras la proyección de Johnny Guitar o de Rebel without a Cause, resulta imposible no decirse: he aquí algo que sólo existe por el cine, algo que sería nulo en la novela, en el teatro, en cualquier otra parte, pero que en la pantalla resulta fabulosamente bello. Cineasta, Nicholas Ray lo es ante todo moralmente."Jean-Luc Godard
 
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