Arsenevich

11 noviembre 2009

Karl Freund - Mad Love (1935)

Las manos de Orlac

El Doctor Gogol se enamora de Yvonne Orlac, la esposa del pianista Stephen Orlac. Cuando éste sufre un accidente de tren, y sus manos son amputadas, Yvonne pide ayuda a Gorgol, que le transplanta las manos de un asesino. La operacion parece funcionar, y el organismo de Orlac no rechaza las nuevas manos. Sin embargo, Orlac descubrirá unas nuevas tendencias que nunca había tenido: la necesidad de matar. Su mujer Yvonne tambien descubre el cambio de su marido. Mientras tanto, Gogol sigue enamorado de Yvonne, con un amor cada vez más obsesivo... (FILMAFFINITY)

Mad Love is a movie that should definitely be sought out by fans of lush 30's horror. It features one of Peter Lorre's best performances, a story whose twists and turns always entertain and wonderfully clever direction by a film-maker at the peak of his powers. If that's not enough, the film has a certain contemporary feel with its look at obsessive stalking and transplants gone awry. A classic study of human madness!

Les Mains D'Orlac

Pour s'approprier sa femme qu'il aime, le Docteur Gogol accepte d'aider son époux Clive Orlac, pianiste, qui vient de perdre ses mains dans un accident de train. Il lui grèffe les mains d'un meurtrier qu'on vient d'éxécuter. Ces mains semblent toujours être commandées par le cerveau d'un criminel...

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10 noviembre 2009

Andrew Okpeaha MacLean - Sikumi (2008)

Cazando focas en la desolada banquisa de Alaska, Apuna presencia una pelea mortal. Al conocer tanto al asesino como a la víctima, se enfrenta a una terrible elección: honrar al fallecido o proteger al vivo.

Andrew Okpeaha MacLean nació y creció en el norte de Alaska. Sikumi es la primera película que hace enteramente en su idioma natal iñupiaq y con ella ha ganado el Premio del Jurado del Festival de Cine Sundance 2008.

Rodada en anamórfica de 35mm, la película se grabó cerca del pueblo de McLean, de donde también son los actores, los cuales que no poseen ninguna formación profesional.
Estéticamente, el lugar de la filmación era importante para MacLean, así como también lo era la naturaleza aislada del sitio. Le recordaba al trabajo de Sergio Leoni, director del primer spaghetti western de éxito comercial:

"Me parece que muy a menudo las películas del Oeste tratan sobre la moralidad. Terminas con personajes, fuera de los límites de la sociedad, tratando asuntos sobre el bien y el mal a un nivel muy personal".

Incluye pista de Audio adicional (inglés sin subs) con comentarios del director Andrew Okpeaha MacLean y Cara Marcous grabados en la ciudad de Nueva York, EE. UU

Hunting seals on the desolate sea ice of Alaska, Apuna witnesses a fatal brawl. Knowing both killer and victim he is faced with a terrible choice: honour the dead or protect the living.

Andrew Okpeaha MacLean was born and raised in Northern Alaska. Sikumi is the first ever film made entirely in his native Iñupiaq language and it won him the Jury Prize at the Sundance Film Festival 2008.

Shot on anamorphic 35mm, the film was made near MacLean’s home town, where the actors – none of whom had had any formal training - were also from.

Aesthetically, the location was important to MacLean, as was the isolated nature of the spot. It brought to mind the work of Sergio Leoni, director of the first commercially successful spaghetti western:

‘I find that westerns are really often about morality. You end up with characters, outside the boundaries of society, dealing with issues of right and wrong on a very personal basis.’

Audio 2: Commentary by director Andrew Okpeaha MacLean and Cara Marcous recorded in New York City, USA. (Cinema16 - World Short Films)

Ripeo de una servidora del Dvd de cortos Internacionales de Cinema 16

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09 noviembre 2009

Stuart Rosenberg - Cool Hand Luke (1967)

Inglès/English I Subs:Castellano
126 min I Xvid 640x272 I 1531 kb/s I 83 kb/s vbr mp3 I 23.97 fps
697 MB (CD1) y 699 MB (CD2) + 3 % de recuperaciòn/recovery

El impulsivo Luke Jackson ha sido condenado a dos años de trabajos forzados. Su delito fue romper en plena borrachera postes de aparcamiento. La vida en el penal es durísima, con compañeros castigados a penas mucho mayores, y la violencia, en presos y carceleros, un hábito del que nadie puede prescindir. Luke, veterano de guerra, no está dispuesto a ceder. Pero tendrá que pagar un precio por su pretensión de seguir siendo él mismo...

Drama realizado por Stuart Rosenberg ("Brubaker", 1980). Se basa en la novela "Cool Hand Luke" (1965), de Don Pearce, autor del guión, de reminiscencias autobiográficas. Se rodó en exteriores de Stockton (CA). Nominado a 4 Oscar, obtuvo 1 (actor reparto, G. Kennedy). Producido por Gordon Carroll, se estrenó el 1-XI-1967 (EEUU).La acción tiene lugar en una prisión sureña de carretera en los primeros años 60. Narra la historia de Luke "Cool Hand" Jackson (Paul Newman), héroe condecorado de la IIGM, con dificultades de adaptación, que es detenido por la policía tras romper, en estado de embriaguez, varios contadores de aparcamiento. Condenado a 2 años de trabajos forzados, es recluido en la Road Prison 36 (Florida). De carácter solitario y luchador, es un espíritu libre, inconformista e indomable. Es recibido con frialdad por los compañeros y con hostilidad por el ingenuo y bravucón Dragline "Drag" (George Kennedy), líder natural de los reclusos. La película desarrolla una contundente fábula antiautoritaria, que denuncia la crueldad del despotismo, la violencia del abuso de poder, los caprichos del mando totalitario y el sadismo de unos jefes incompetentes. Como primera tarea, Luke se ha de ganar la simpatía de los compañeros. Lo hace demostrando su capacidad de resistencia en un combate informal de boxeo, que prolonga más allá de su derrota y de su agotamiento. Su participación en una partida de pócker demuestra su impasibilidad y frialdad. Huye del campo con reiteración, pese a ser capturado y castigado con severidad creciente. Desafía la tortura y las amenazas de muerte. Las imágenes sugieren paralelismos entre la lucha agotadora de Luke y la Pasión: en una escena, tras una sesión de castigo, es colocado sobre una mesa del barracón como un crucifijo. Su lucha contra la injusticia no es del todo inútil: gana la admiración de los compañeros, debilita al mando y consigue que se rompan las gafas de sol de Godfrey (Morgan Woodward), símbolo de la infamia del verdugo sin rostro y del hombre sin mirada. Son escenas destacadas el combate de boxeo, la apuesta de ingerir 50 huevos y la intervención fugaz e inusitadamente sensual de Joy Harmon lavando un coche. La voz original del capitán del campo (Strother Martin) suena extraña e hiriente, como la locura de su perversión sádica. La música ofrece composiciones coloristas de guitarra, banjo y viento, que obtuvieron gran éxito. Añade canciones populares, en boca de Harry Dean Stanton ("The Midnight Especial", "Cotton Field"). La fotografía aporta una narración potente y sobrecogedora, apoyada en una estética realista, sazonada de simbolismo. El guión construye un relato sencillo, que seduce y conmueve. La interpretación de P. Newman es antológica y muy meritorias las de G. Kennedy y otros secundarios. La dirección trabaja con convicción y entrega.Obra clásica de la lucha por la libertad y contra la opresión. Es además un drama carcelario emblemático y atípico. (Texto de Miquel de Filmaffinity)

Rosenberg empezó a dirigir episodios de televisión en los años cincuenta para series dramáticas como ‘Los defensores' [The Defenders], ‘Los intocables' [The Untouchables], ‘La ciudad desnuda' [Naked City], ‘La dimensión desconocida' [The Twilight Zone] y ‘Bus Stop'. Llegó a dirigir más de 300 episodios de dirección en televisión y ganó un Emmy Award en 1963 por un episodio de ‘Los defensores'. Pero después de terminar su primer largometraje, ‘La leyenda del indomable' no volvería nunca a la pantalla chica.Una descarnada y fascinante historia sobre la vida de una cuadrilla de presos, la película tuvo como protagonista a Paul Newman como un inconformista que se convierte en un reluctante héroe para sus compañeros de la cárcel.La película recibió cuatro nominaciones a una Academy Award -aunque ninguna de Rosenberg-, obteniendo George Kennedy un Oscar al mejor actor secundario. También produjo una de las frases más citadas de esa época, pronunciadas por el alcaide de la prisión (Strother Martin): "Lo que tenemos aquí es un fracaso de comunicación". [What we have here is… failure to communicate]Rosenberg había encontrado la novela, escrita, por Donn Pearce, en la librería Pickwick, Hollywood, y la propuso a la productora cinematográfica de Jack Lemmon."Fue la primera vez que me topaba con un héroe existencialista -no un antihéroe- en la literatura norteamericana", dijo al New York Times en 1968.Nominado para la Directors Guild Award -que recibió finalmente Mike Nichols y ‘El graduado' [The Graduate]-, Rosenberg dirigiría tres veces más a Newman, en ‘Un hombre de hoy' [WUSA] (1970), ‘Los indeseables' [Pocket Money] (1972) y ‘Con el agua al cuello' [The Drowning Pool] (1975)."Nunca trabajé con nadie mejor que con él", dijo Newman, que ha sido dirigido por Martin Scorsese, George Roy Hill y Sidney Lumet, entre otros, en una declaración .Los críticos elogiaron su ‘La leyenda del indomable' y algunas de sus películas posteriores, como ‘El viaje de los malditos' [Voyage of the Damned] (1976), ‘Brubaker' (1980) y ‘El Papa de Greenwich Village' [The Pope of Greenwich Village] (1984). Pero otras películas, como ‘San Francisco, ciudad desnuda' [The Laughing Policeman] (1973) y ‘Terror en Amityville' [The Amityville Horror' (1979), gustaron más al público que a los reseñadores.Aunque la lista de créditos de Rosenberg incluye muchos dramas policiales, su hijo dijo que no tenía realmente un género favorito."Creo que creyó siempre que si eras director de cine, sería un acto de demencia dejarse encasillar", dijo Benjamin Rosenberg. "Si puedes dirigir, diriges". (Texto tomado de mQh)

Paul Newman gives one of the defining performances of his career, and cemented his place as a beautiful-rebel screen icon playing the stubbornly tough and independent title character in Cool Hand Luke. And before he became familiar as a sidekick in 1970s disaster movies (Earthquake and the Airport movies), George Kennedy won an Oscar for playing Dragline, the brutal chain-gang boss who tries to beat loner Luke's cool out of him. It's a classic rebel-against-the-repressive-institution story in the line of One Flew over the Cuckoo's Nest or The Shawshank Redemption. Certain moments have become classics--particularly the hardboiled egg-eating contest, and the immortal line (drooled by Strother Martin, as a sadistic redneck prison officer), "What we have here is a failure to communicate." And don't forget, Luke is also the source of the oft-quoted driving ditty, "I don't care if it rains or freezes, long as I have my plastic Jesus, right here on the dashboard of my car..." He is cool, all right. --Jim Emerson

"En los días pesados que se avecinan ... si caigo, Señor, ¿a quién le importará?"

08 noviembre 2009

Alexander Kluge - Abschied von gestern (1966)

Anita G.

Anita, de quien sólo sabemos al inicio de la película que ha pasado de la RDA a la Alemania occidental, se ve continuamente obligada a huir sin cesar en un perpetuo enfrentamiento con una sociedad que no la acepta. No consigue abrirse camino en el Oeste porque todas sus parejas no ven más que un objeto en ella. Así, de amante en amante y de trabajo en trabajo acabará por dar con sus huesos en la cárcel.

Yesterday Girl

Anita, a young Jewish woman, escapes form Eastern Germany to settle down in the West but frequent changes of job, home and friends prevent her from that. Western German Society refuses to accept her. An original and distanced view on human sympathy and societal responsibility, Alexander Kluge's debut is considered one of the most important films of 'New German Cinema'.

Anita G.

Mésaventures d’Anita G., née de parents juifs en 1937, et quittant la R.D.A. pour l’ouest. La valise à la main, elle fait des rencontres, tente de travailler, d’étudier, et même de voler, avec une inflexible détermination, toute entière dans l’action. Péripéties d’une figure qui incarne un passé refoulé, contées dans un style qui mêle le documentaire, les intertitres du cinéma muet, les citations.

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07 noviembre 2009

Ermanno Olmi - Il Posto (1961)

Italiano/Italian I Subs:Castellano/English
93 min I Xvid 512x384 I 943 kb/s I 102 kb/s vbr mp3 I 23.97 fps
705 MB + 5 % de recuperaciòn/recovery

Domenico Cantoni, un chico procedente de la provincia de Milán, deja su lugar de origen para establecerse en la ciudad y encontrar el tan ansiado empleo fijo. Una gran empresa está realizando una selección para unos puestos de administración. En la pausa para el almuerzo el día del examen, Domenico conoce a Antonietta, apodada "Magalì”.Esta película es un retrato de la Italia del boom económico, con todas sus contradicciones y problemas sociales.

Una cinematografía tan heterogénea y poblada como la italiana, con muchos años en los que la producción ha superado los 200 largometrajes, y con su notable nivel, incluye muchas personas singulares, muchas aportaciones genuinas, dominadas, por encima de influencias, tendencias o escuelas, por la propia creatividad, a veces, sencillamente, la genialidad. Pocas, sin embargo, de la envergadura y la constancia de Ermanno Olmi, cuya obra, que se dilata ya a lo largo de más de medio siglo, es dificil de catalogar y tan radicalmente suya que imposibilita la imitación. (...) (...)Hay dos grandes etapas en el cine de Ermanno Olmi, una primera claramente definida por el realismo, que evoluciona desde unos orígenes muy cercanos al neorrealismo -el propio realizador reconoce su admiración por cineastas como Roberto Rosellini- a un estilo muy propio, definido, entre otros aspectos, por el detallismo y la capacidad documental –siempre presente en él-, pero donde no se busca una denuncia política –no es el realismo del Pasolini de Accatone o Mamma Roma- y tampoco se percibe voluntad de un análisis ideológico. A lo sumo, a través del hombre bien concreto, el problema social, preferentemente la deshumanización de la empresa (El Empleo, I Fidanzati). Esa etapa, que culmina en 1978 con El árbol de los zuecos, destacada muestra de lo que se ha llamado "realismo poético", pasa en la década de los ochenta, tan complicada para el realizador, a otra muy diferente, la de la parábola, definida, además de por el abandono del puro realismo anterior, por el recurso a actores profesionales, antes muy excepcional, y también a argumentos de procedencia literaria –Joseph Roth en La leyenda del santo bebedor, Dino Buzatti en El secreto del bosque viejo, Jorge Luis Borges en Cantando dietro i paraventi, o la propia Biblia en Génesis, la creación y el diluvio. Y nuevas preocupaciones, como las ecológicas, y en especial las vinculadas a la pérdida de la cultura rural. En una y otra etapa hay muchas e importantes constantes. Desde luego el talante independiente y al margen de oportunismos o modas. La mirada humanitaria o si se quiere cristiana, pero en todo caso de un cristianismo nada conformista –"Dios deberá rendir cuenta de todo el sufrimiento del mundo", dice el protagonista de Cien clavos-. El también alude en alguna entrevista a esa religiosidad y precisa, a propósito de El árbol de los zuecos: "no es la religiosidad de las oraciones, sino la religiosidad del hombre que acepta el desafio de vivir". El destacado sacerdote y crítico Antonio Balletto, columnista de La Repúbblica, opinaba que si hay un cine religioso mero espectáculo, como sería Los Diez Mandamientos de Cecil B. de Mille, hay también un cine religioso dominado por el misterio, como el Génesis de Olmi. (...) (...) La crítica habla de una "trilogía del trabajo" a propósito de sus tres primeros largometrajes, Il tempo si é fermato (El tiempo se ha detenido,1959), Il posto (El Empleo, 1961) e I fidanzati (Los novios, 1963). Es cierto que toda la filmografia del realizador está presidida por un nítido respeto al mundo del trabajo, pero en esta última película al curioso devenir laboral del protagonista –norteño enviado por su empresa al sur, a Sicilia-, rumbo contrario al usual en el mundo laboral italiano en esos años, se sobrepone su historia sentimental, su novia, Liliana, también trabajadora. El mundo del trabajo es relevante para Olmi, que no cursa estudios universitarios y que recuerda con frecuencia el día invernal de 1947, tenía 15 años, en que comenzó a trabajar en la gran empresa eléctrica italiana, la Edisonvolta; (...) (...) Esta trilogía, dice Brunetta, "ilumina la otra cara de la Italia del ‘boom’ y mide sobre todo la distancia cultural, social y económica entre personas que reaccionan al cambio y a la pérdida de puntos de apoyo". (...) (...) Por otro lado, el cine de Olmi aparece como cine moroso, detallado, de lenta evolución, muchos de sus films tienen una larga duración –aunque en su mayoría han sido dolorosamente acortados por el director en el montaje-, como en tantas otros aspectos de su cine, Olmi va aquí, en la consideración del tiempo cinematográfico a contracorriente: "el cine convencional ha acostumbrado al espectador a una serie de condensaciones de la acción, de manera que se suprimen lo que yo llamo tiempos muertos. Se salta de aquí para allá, como en la publicidad, y en general a la gente le parece fantástico. Lo que yo propongo es exactamente lo contrario de todo eso. Me gustaría hacer una película sobre un único instante, una fracción de segundo que pueda llenar horas de cine", declara en 1989 a Adriano Picardi y Angelo Signorelli. (Texto de Antonio Checa Godoy ,tomado del pdf Ermanno Olmi, un cine tan serio como la verdad )
Con Il posto (El empleo, 1961), Olmi alcanza ya una notable popularidad. Y nos ofrece una obra madura. Domenico, un joven de clase media-baja de la periferia de Milán, va a conseguir su primer empleo. Asistimos a los exámenes y pruebas –alguna casi surrealista que ha de superar, y a su ingreso en una gran empresa, desesperanzador en principio, porque el puesto que consigue es de repartidor interno del correo. Pero la muerte de un empleado hará posible que acceda a un trabajo administrativo, y tenga una mesa con cajones, un flexo...Olmi es implacable con el mundo burocrático y deshumanizado de la empresa, por más que esa empresa organice actos o fiestas como la de fin de año; refleja con amable dureza, pero sin mensaje ideológico, la competencia y envidias internas en un mundo gris, sin atractivo alguno para una juventud resignada ante la falta de alternativas. Domenico conoce en los exámenes a Antonietta y hará amistad con la chica, que tiene las mismas aspiraciones y los mismos problemas que él y que obtendrá plaza de mecanógrafa. El trabajo es necesario, pero entre todos lo convertimos en tarea penosa.Pocas veces el cine ha reflejado con mayor detalle y credibilidad como el sistema devora,engulle a una persona, en el caso el joven e ingenuo protagonista, pero, también, como va separando a Domenico y Antonietta. (Texto de Antonio Checa Godoy, tomado de "La belleza del trabajo. El Cine de Ermanno Olmi")

When young, fragile Domenico (Sandro Panseri) ventures from the small village of Meda to Milan in search of employment, he finds himself on the bottom rung of the bureaucratic ladder in a huge, faceless company. The prospects may be daunting, but Domenico finds reason for hope in the fetching new worker Antonietta (Loredana Detto). A tender coming-of-age story and a sharp observation of dehumanizing corporate enterprise, Ermanno Olmi's Il Posto is a touching and hilarious tale of one young man's stumbling entrance into the perils of modern adulthood.

"Si alguien quiere hacer películas para asombrar o epatar, para atraer la atención sobre sí, entonces está bien que las exponga en el escaparate de la avenida. Yo hago películas así como hablo contigo, o con la gente en el autobús o en el tren. Hago películas como un gesto natural." Ermanno Olmi

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(Subs en castellano dentro de los rar)

English subtitles:

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-o-

Ermanno Olmi en Arsenevich

I Fidanzati

NOTA: Esta es otra joya del catàlogo de Hipofilms y va dedicada a su entrañable creador: Hipo. Gracias como siempre Hipo!!

06 noviembre 2009

Agnès Varda - Sans toit ni loi (1985)

Sin techo ni ley

En un campo vitícola de la región del Mediodía, en Francia, un trabajador árabe encuentra el cadáver de una joven tirado en una zanja. Se trata de una vagabunda muerta y al parecer ha muerto de frío. A través de la gente que vive en los alrededores, se intentará trazar el itinerario de sus últimos días; empiezan a desfilar testimonios y así se va delineando el retrato de la joven llamada Simone Bergeron o, simplemente Mona. La policía concluye que se trata de una muerte natural. Se refleja un retrato de la sociedad que propicia un amoral sistema de vida de Mona y sus compañeros, una nueva generación de vagabundos más cínica, desencantada y arrogante. También más desprotegida y por lo tanto demandante. Ante tal actitud, dicha sociedad se siente en peligro, pero nadie hace nada.

Vagabond

On a cold winter’s morning, a farm labourer discovers the dead body of a young woman in a ditch. Her clothes are filthy and torn, her hair unkempt, and her face pale and exhausted. The strange woman appears to have been living rough for some time. Those who encountered her in the weeks preceding her death attempt to piece together her story, to try to work out who she was and where she was heading.

Le corps sans vie de Mona, une jeune vagabonde, est retrouvé un matin d'hiver dans un fossé. Personne ne sait qui elle était, et le puzzle incomplet de son passé se reconstitue au fur et à mesure des témoignages de ceux qui ont croisé sa route...

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Agnès Varda en Arsenevich

Réponse de femmes

7p., cuis., s. de b., ... a saisir

Du côté de la côte

L'Opéra-Mouffe

La Pointe-courte

Le Bonheur

Le lion volatil

Les dites cariatides

Plaisir d'amour en Iran

Salut les cubains

Ulysse

05 noviembre 2009

Forugh Farrokhzad - Khaneh siah ast (1963)

Persa/Persian (Subs francès incrustados) I Subs:Castellano/English

22 min I Xvid 608x464 I 2211 kb/s I 134 kb/s vbr mp3 I 25 fps

349 MB

Obra maestra documental sobre la vida de los enfermos de lepra en Iran. La casa es negra fue escrito y dirigido por la poeta iraní Forugh Farrokhzad.

Algo se impone desde los primeros planos, algo que hace este film indiscutible, incluso para aquellos que no saben nada de Forugh Farrokhzad ni de su papel en la cultura iraní contemporánea y que le sitúa inmediatamente, sin las muletas propias de discurso, análisis o interpretación alguna, en el cine esencial.Es una suerte de seguridad y de absoluta necesidad en los planos, la certeza en el modo de situar esos rostros y cuerpos de leprosos en un ángulo, en un encuadre y a una distancia que se imponen por su evidencia y su fuerza. No es la mitología que se ha creado en torno a esta poetisa y su vida la que designa este film único en nuestra opinión, sino su capacidad de decisión en el gesto de filmar, lo que la une a algunos grandes cineastas. No hay aprendizaje alguno que pueda transmitir este conocimiento.Lo más injusto para todos aquellos que creen que el cine puede aprenderse es la evidencia de que Forugh era una cineasta nata, la misma evidencia que nos asalta cuando contemplamos los planos de Jean Vigo, del Luis Buñuel de Las Hurdes, de las películas de Charlot. En cada plano, se dice todo acerca de la realidad y de la relación del cineasta como ser humano, -total e indivisible en lo referente a su percepción y a su filosofía del mundo- frente a lo que ha elegido filmar, con los ojos extremadamente abiertos y esquivamente cerrados a un tiempo.Los mundos de Vigo, Buñuel y Chaplin tan sólo existen a través de ese parpadear. Cuando Giacometti mira a una mujer, una cabeza, un busto, incluso durante meses, necesita cerrar los ojos para obtener de la tierra la forma que viene de ella o de él, y que es más real que su realidad misma. Sucede lo mismo con Forugh Farrokhzad filmando la leprosería, y en nuestros días, con otro cineasta iraní del mismo temple, Abbas Kiarostami. Cuando se descubrieron sus películas en Francia, -digamos hasta Close up - se le consideró un cineasta de ojos abiertos, tan sutil y suave era el deslizamiento entre el mundo percibido con los ojos abiertos y el concebido a ojos cerrados.En este punto esencial se juega la extraña filiación entre una madre siempre joven y un hijo cinematográfico que en nuestro imaginario visual siempre ha sido mayor que ella. La escena de la joven en la cava de El Viento nos llevará explica cómo Kiarostami no se ve a sí mismo como un heredero sino como un médium entre una mujer muerta hace treinta y siete años, cuyos rasgos reales se han difuminado convirtiéndose en un icono y una mujer cuarenta años menor, cuyos rasgos permanecerán ocultos a nuestra mirada.Kiarostami otorga a una joven que le sucede en tierra iraní lo que recibió de otra joven que la precedió en esa misma tierra: el don de la poesía. Y ese don se entrega bajo la tierra, en una gruta, en la noche de los muertos y en el limbo de lo visible. Esta poesía de Forugh Farrokhzad, que no pudo escribirse,-como toda poesía-, salvo con los ojos cerrados, es recogida por una mujer de ojos invisibles.Si esta película es a un documental común sobre una leprosería lo que un aguafuerte de Goya es a un croquis realista, se debe a la capacidad de la cineasta para mirar a los leprosos y su mundo como una parte de la realidad visible, -era necesario mirarla de frente sin vergüenza ni temor-, así como otra versión posible de la humanidad tal y como podría imaginarse cerrando los ojos ante los leprosos, para guardar en la oscuridad, con los párpados cerrados, una suerte de presencia remanente de algunas imágenes demasiado fuertes como para pasar a otro asunto, refrescar la mirada.Hay planos negros excepcionalmente largos en esta breve película, como si el espectador a su vez fuera invitado a cerrar los ojos para depositar en él las imágenes que la cámara le ha ofrecido a ver ojos abiertos. El tiempo de constitución del sustrato de imágenes es un tiempo indispensable para poder mirar a los leprosos frente a frente sin pestañear, ojos abiertos. Algunas imágenes rechazan esconderse tras otras que las suceden, y continúan viniendo a inundar la pantalla e incluso en otras escenas donde resurgen de improvisto en el momento en que el espectador no las espera. Permanecen entre dos aguas, bajo la superficie del film, tocando de repente la superficie no tanto como un “montaje a distancia” de Pelechian sino como un remordimiento diurno que surge en la noche en mitad del sueño para atormentar al soñador. Buñuel desafiaba al espectador a mantener los ojos abiertos con el plano de la navaja rasgando el ojo en Un perro andaluz, Forugh Farrokhzad le obliga a una persistencia retiniana “mental”de insistencia y duración anormales. No se contenta con describir o documentar la realidad de la leprosería y los hombres, mujeres y niños que la frecuentan, sino que construye visiones, en el sentido en que aquel que tiene una visión niega un momento de la banal realidad del mundo frente a lo real fulgurante que aquí confina a lo surrealista.(Fragmento del artículo de Alain Bergala “Les yeux ouverts, les yeux fermés” sobre el film La casa es negra de Forough Farrokzad. Publicado en la revista Cinéma 07. (Printemps 2004) Editions Léo Scheer. Paris)

El comienzo de esta película, su desarrollo y su final, ponen en cuestión el pretendido vínculo de todas las formas artísticas con “la belleza”. No es que el vínculo no exista, sino que no es tan claro que la belleza deba ser el objetivo y parámetro último de cualquier expresión artística. Cada cierto tiempo hay artistas que se proponen exhibir la banalidad que suele esconderse en lo que concebimos como belleza; lo hicieron Velásquez, Picasso y Francis Bacon, y podríamos que decir que el resultado siempre fue un espectro mayor de lo registrable y lo transmisible, más cartas para la baraja, en la medida de que conservaran la relación con las cartas antiguas y por ende, con la belleza. Los rostros de los internos de un leprosario en Irán que aparecen en los 22 minutos que dura esta cinta son nuevas cartas para el naipe del cine, porque la película que los retrata induce a que los miremos de una manera que desplaza al sentido común. Ellos viven cotidianamente una experiencia límite, la realización permanente de uno de los grandes terrores de los seres humanos: la deformidad. “El mundo está lleno de fealdad” , dice una voz en off masculina sobre fondo negro. “Y habrá todavía más si miramos hacia otro lado” . La indiferencia hacia la fealdad es indiferencia hacia el sufrimiento de quien la padece, y el primer plano de esta película va todavía más allá al mostrar a una mujer del leprosario, con el rostro semi tapado pero inequívocamente deformado por la lepra, mirándose a un espejo y donde vemos que más que sufrimiento hay terror. A los niños de la escuela dentro del leprosario se les enseña el Corán, a agradecer por los ojos con que ven la fealdad propia y de sus compañeros, por las manos aun cuando ya no tienen dedos, por los pies aun cuando no sirvan para caminar. Mientras, una voz femenina le pregunta: “Oh, Dios. ¿Quién es aquel que te alaba desde del infierno?”. Esa voz pertenece a la poeta irani Forough Farrokhzad, guionista y realizadora de esta película, la que coronó una corta vida de 32 años que le alcanzó para escribir la obra poética más importante del siglo 20 dentro de la literatura de su país. No es ironía lo que hay en la voz de la poeta. Por mucho que las loas a Alá contrasten ferozmente con las deformidades que vemos, las suras del Corán no son palabrería vacía en estas circunstancias, sino la expresión fundacional de una cultura basada en la compasión. “¿Quién te alaba desde el infierno?”... Tal vez la pregunta no sea exacta, pues entre sus muchos atributos el infierno es aquel lugar donde todos se odian con todos. Por cierto que no es odio lo que vemos en la convivencia de los leprosos, sino un intento desesperado de reconstruir y recuperar la cotidianidad que permite a las personas olvidarse de ellas mismas. El montaje sirve para mostrar lo diverso y lo igual. Las distintas deformidades que puede causar la lepra, así como la repetición maquinal de la vida en este leprosario que no es otra cosa que una prisión para inocentes. La construcción de la película es ambigua en cuanto al rol de la religión y de la presencia o no presencia del Dios reverenciado en ese país musulmán. La directora filma la pequeña y desvencijada mezquita del leprosario como si allí no hubiera nada más que precariedad material y personas llenas de fe que buscan consuelo. Tal vez no esté Alá, el compasivo y misericordioso, pero sí está la piedad y la entrega absoluta y auténtica ante la que no se puede sino guardar un férreo respeto, y una extrañeza que tampoco es ajena a la joven realizadora. Hay por lo menos tres voces en este breve documental, hecho por encargo de la Sociedad por la Ayuda a los Leprosos. La primera es la de la propia directora, cuyos poemas sobre el dolor de existir encuentran en las imágenes una caja de resonancia que altera y profundiza el sentido de sus palabras; ya sea por las deformidades extremas y sus consecuencias, ya sea porque los breves instantes de felicidad que vemos en pantalla (un juego de pelota o un matrimonio) no transmiten ninguna felicidad a quien la presencia. Hay otra voz que en un breve pasaje revela el objetivo concreto del documental y de quienes lo financiaron: llamar la atención sobre lo que se está haciendo y lo que se puede hacer, porque “la lepra no es una enfermedad incurable”. Y las otras voces son las de los mismos leprosos, los que ofrecen lo poco y nada que tienen al compasivo y misericordioso en la mezquita, los niños que leen libros no escritos para ellos, y finalmente un joven prematuramente envejecido que escribe en la pizarra el título de esta película, aludiendo a la casa de la lepra y sus habitantes castigados e inocentes. Jonathan Rosenbaum dice que esta película es la mejor síntesis de cine y poesía que haya visto; mientras que muchos otros dicen que el cine iraní que conocemos tiene muchas deudas directas con estos veinte minutos de metraje. Están los niños, cuya naturalidad y simpleza puede alegrar pero también aterrar cuando con esas mismas cualidades se enfrentan a los males que no entienden y no merecen. El color del paraíso de Majidi no se explica sin esta película. Está el costumbrismo cargado moralmente, que muestra el trabajo y el ocio de las personas como una forma de comprenderlas con la mayor profundidad posible, a ellas y a sus tradiciones y creencias más trascendentes. Gabbeh y El silencio de Mohsen Makhmalbaf tienen ecos claros aunque algo lejanos de este documental. Finalmente, está el intento de Abbas Kiarostami de convertir en imágenes simples y escenas triviales algunas de las combinaciones de imágenes y texto logradas por la realizadora, y de traducir los poemas de la autora y su relación con la vida a historias de gente relativamente normal. Aunque sea difícil de creer, todo esto parece “salir” de un cortometraje documental por encargo. (Texto de Juan Pablo Vilches)A classic in Iranian New Wave filmmaking from poet/ director Forugh Farrokhzad presents a haunting and sympathetic examination of life in a Tabriz leper colony. Through powerful imagery and a striking voice- over by Farrokhzad, a startling glimpse into a hidden aspect of humanity is revealed. A film of staggering force, lyrically composed by one of the 20th century's leading poets, The House Is Black is a revelation. In the 1960s, poet Forough Farrokhzad directed her first and only film. It depicts the lives and bodies of people tragically deformed by leprosy. This is a film of stirring and powerful images, and a beautifully tragic poetic narration. The House Is Black has heavily influenced the modern Iranian cinema of such great filmmakers as Abbas Kiarostami and Mohsen Makhmalbaf, who called it "the best Iranian film." It provides, in the film's own words, "a vision of pain no caring human being should ignore."

"Hundiré en el jardín mis manos,germinarán, lo sé, lo sé, lo sé..." Forugh Farrokhzad

http://rapidshare.com/files/302765061/The_House_is_Black.part1.rar

http://rapidshare.com/files/302819294/The_House_is_Black.part2.rar

http://rapidshare.com/files/302880048/The_House_is_Black.part3.rar

http://rapidshare.com/files/302911306/The_House_is_Black.part4.rar

(Los subs en castellano estàn dentro de los rar)

English subtitles:

http://rapidshare.com/files/302911430/The_House_is_Black.srt

Forugh Farrokhzad (5 Enero, 1935 — 13 Febrero, 1967)

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